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Arte

Marcha 11, 2022

Para otros usos de este término, véase Arte (desambiguación).

El arte (del latín ars, artis, y este calco del griego τέχνη téchnē)[1]​ es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado con una finalidad estética y también comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones y, en general, una visión del mundo, a través de diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros, corporales y mixtos.[2]​ El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción las bases económicas y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, mágica o religiosa (arte paleolítico), pero esa función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.

Alegoría del arte (1690-1694), de Sebastiano Ricci.
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La noción de arte continúa sujeta a profundas disputas, dado que su definición está abierta a múltiples interpretaciones, que varían según la cultura, la época, el movimiento, o la sociedad para la cual el término tiene un determinado sentido. El vocablo ‘arte’ tiene una extensa acepción, pudiendo designar cualquier actividad humana hecha con esmero y dedicación, o cualquier conjunto de reglas necesarias para desarrollar de forma óptima una actividad: se habla así de “arte culinario”, “arte médico”, “artes marciales”, “artes de arrastre” en la pesca, etc. En ese sentido, arte es sinónimo de capacidad, habilidad, talento, experiencia. Sin embargo, más comúnmente se suele considerar al arte como una actividad creadora del ser humano, por la cual produce una serie de objetos (obras de arte) que son singulares, y cuya finalidad es principalmente estética. En ese contexto, arte sería la generalización de un concepto expresado desde antaño como “bellas artes”, actualmente algo en desuso y reducido a ámbitos académicos y administrativos. De igual forma, el empleo de la palabra arte para designar la realización de otras actividades ha venido siendo sustituido por términos como ‘técnica’ u ‘oficio’. En este artículo se trata de arte entendido como un medio de expresión humano de carácter creativo.

Concepto

Artículo principal: Teoría del arte
 
Atributos de la pintura, la escultura y la arquitectura (1769), de Anne Vallayer-Coster.

La definición de arte es abierta, subjetiva y discutible. No existe un acuerdo unánime entre historiadores, filósofos o artistas. A lo largo del tiempo se han dado numerosas definiciones de arte, entre ellas: «el arte es el recto ordenamiento de la razón» (Tomás de Aquino); «el arte es aquello que establece su propia regla» (Schiller); «el arte es el estilo» (Max Dvořák); «el arte es expresión de la sociedad» (John Ruskin); «el arte es la libertad del genio» (Adolf Loos); «el arte es la idea» (Marcel Duchamp); «el arte es la novedad» (Jean Dubuffet); «el arte es la acción, la vida» (Joseph Beuys); «arte es todo aquello que los hombres llaman arte» (Dino Formaggio); «el arte es la mentira que nos ayuda a ver la verdad» (Pablo Picasso); «arte es vida, vida es arte» (Wolf Vostell). El concepto ha ido variando con el paso del tiempo: hasta el Renacimiento, solo las artes liberales eran consideradas arte; la arquitectura, la escultura y la pintura eran consideradas “manualidades”. El arte ha sido desde siempre uno de los principales medios de expresión del ser humano, a través del cual manifiesta sus ideas y sentimientos, la forma como se relaciona con el mundo. Su función puede variar desde la más práctica hasta la más ornamental, puede tener un contenido religioso o simplemente estético, puede ser duradero o efímero. En el siglo XX se pierde incluso el sustrato material: decía Beuys que la vida es un medio de expresión artística, destacando el aspecto vital, la acción. Así, todo el mundo es capaz de ser artista.

El término arte procede del latín ars, y es el equivalente al término griego τέχνη (téchne, de donde proviene ‘técnica’). Originalmente se aplicaba a toda la producción realizada por el hombre y a las disciplinas del saber hacer. Así, artistas eran tanto el cocinero, el jardinero o el constructor, como el pintor o el poeta. Con el tiempo la derivación latina (ars -> arte) se utilizó para designar a las disciplinas relacionadas con las artes de lo estético y lo emotivo; y la derivación griega (téchne -> técnica), para aquellas disciplinas que tienen que ver con las producciones intelectuales y de artículos de uso.[3]​ En la actualidad es difícil encontrar que ambos términos (arte y técnica) se confundan o utilicen como sinónimos.

Evolución histórica del concepto de arte

En la antigüedad clásica grecorromana, una de las principales cunas de la civilización occidental y primera cultura que reflexionó sobre el arte, se consideraba el arte como una habilidad del ser humano en cualquier terreno productivo, siendo prácticamente un sinónimo de ‘destreza’: destreza para construir un objeto, para comandar un ejército, para convencer al público en un debate, o para efectuar mediciones agronómicas. En definitiva, cualquier habilidad sujeta a reglas, a preceptos específicos que la hacen objeto de aprendizaje y de evolución y perfeccionamiento técnico. En cambio, la poesía, que venía de la inspiración, no estaba catalogada como arte. Así, Aristóteles, por ejemplo, definió el arte como aquella «permanente disposición a producir cosas de un modo racional», y Quintiliano estableció que era aquello «que está basado en un método y un orden» (via et ordine).[4]​ Platón, en el Protágoras, habló del arte, opinando que es la capacidad de hacer cosas por medio de la inteligencia, a través de un aprendizaje. Para Platón, el arte tiene un sentido general, es la capacidad creadora del ser humano.[5]​ Casiodoro destacó en el arte su aspecto productivo, conforme a reglas, señalando tres objetivos principales del arte: enseñar (doceat), conmover (moveat) y complacer (delectet).[6]​

Durante el Renacimiento se empezó a gestar un cambio de mentalidad, separando los oficios y las ciencias de las artes, donde se incluyó por primera vez a la poesía, considerada hasta entonces un tipo de filosofía o incluso de profecía –para lo que fue determinante la publicación en 1549 de la traducción italiana de la Poética de Aristóteles–. En este cambio intervino considerablemente la progresiva mejora en la situación social del artista, debida al interés que los nobles y ricos prohombres italianos empezaron a mostrar por la belleza. Los productos del artista adquirieron un nuevo estatus de objetos destinados al consumo estético y, por ello, el arte se convirtió en un medio de promoción social, incrementándose el mecenazgo artístico y fomentando el coleccionismo.[7]​ Surgieron en ese contexto varios tratados teóricos acerca del arte, como los de Leon Battista Alberti (De Pictura, 1436-1439; De re aedificatoria, 1450; y De Statua, 1460), o Los Comentarios (1447) de Lorenzo Ghiberti. Alberti recibió la influencia aristotélica, pretendiendo aportar una base científica al arte. Habló de decorum, el tratamiento del artista para adecuar los objetos y temas artísticos a un sentido mesurado, perfeccionista. Ghiberti fue el primero en periodificar la historia del arte, distinguiendo antigüedad clásica, periodo medieval y lo que llamó “renacer de las artes”.[8]​

Con el manierismo comenzó el arte moderno: las cosas ya no se representan tal como son, sino tal como las ve el artista. La belleza se relativiza, se pasa de la belleza única renacentista, basada en la ciencia, a las múltiples bellezas del manierismo, derivadas de la naturaleza. Apareció en el arte un nuevo componente de imaginación, reflejando tanto lo fantástico como lo grotesco, como se puede percibir en la obra de Brueghel o Arcimboldo. Giordano Bruno fue uno de los primeros pensadores que prefiguró las ideas modernas: decía que la creación es infinita, no hay centro ni límites –ni Dios ni hombre–, todo es movimiento, dinamismo. Para Bruno, hay tantos artes como artistas, introduciendo la idea de originalidad del artista. El arte no tiene normas, no se aprende, sino que viene de la inspiración.[9]​

Los siguientes avances se hicieron en el siglo XVIII con la Ilustración, donde comenzó a producirse cierta autonomía del hecho artístico: el arte se alejó de la religión y de la representación del poder para ser fiel reflejo de la voluntad del artista, centrándose más en las cualidades sensibles de la obra que no en su significado.[10]​ Jean-Baptiste Dubos, en Reflexiones críticas sobre la poesía y la pintura (1719), abrió el camino hacia la relatividad del gusto, razonando que la estética no viene dada por la razón, sino por los sentimientos. Así, para Dubos el arte conmueve, llega al espíritu de una forma más directa e inmediata que el conocimiento racional. Dubos hizo posible la popularización del gusto, oponiéndose a la reglamentación académica, e introdujo la figura del ‘genio’, como atributo dado por la naturaleza, que está más allá de las reglas.

 
El tribunal de los Uffizi (1772-1778), de Johann Zoffany.

En el romanticismo, surgido en Alemania a finales del siglo XVIII con el movimiento denominado Sturm und Drang, triunfó la idea de un arte que surge espontáneamente del individuo, desarrollando la noción de genio –el arte es la expresión de las emociones del artista–, que comienza a ser mitificado.[11]​ Autores como Novalis y Friedrich von Schlegel reflexionaron sobre el arte: en la revista Athenäum, editada por ellos, surgieron las primeras manifestaciones de la autonomía del arte, ligado a la naturaleza. Para ellos, en la obra de arte se encuentran el interior del artista y su propio lenguaje natural.[12]​

Arthur Schopenhauer dedicó el tercer libro de El mundo como voluntad y representación a la teoría del arte: el arte es una vía para escapar del estado de infelicidad propio del hombre. Identificó conocimiento con creación artística, que es la forma más profunda de conocimiento. El arte es la reconciliación entre voluntad y conciencia, entre objeto y sujeto, alcanzando un estado de contemplación, de felicidad. La conciencia estética es un estado de contemplación desinteresada, donde las cosas se muestran en su pureza más profunda. El arte habla en el idioma de la intuición, no de la reflexión; es complementario de la filosofía, la ética y la religión. Influido por la filosofía oriental, manifestó que el hombre debe liberarse de la voluntad de vivir, del ‘querer’, que es origen de insatisfacción. El arte es una forma de librarse de la voluntad, de ir más allá del ‘yo’.[13]​

Richard Wagner recogió la ambivalencia entre lo sensible y lo espiritual de Schopenhauer: en Ópera y drama (1851), Wagner planteó la idea de la “obra de arte total” (Gesamtkunstwerk), donde se haría una síntesis de la poesía, la palabra –elemento masculino–, con la música –elemento femenino–. Opinaba que el lenguaje primitivo sería vocálico, mientras que la consonante fue un elemento racionalizador; así pues, la introducción de la música en la palabra sería un retorno a la inocencia primitiva del lenguaje.[14]​

A finales del siglo XIX surgió el esteticismo, que fue una reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y el materialismo de la era industrial. Frente a ello, surgió una tendencia que otorgaba al arte y a la belleza una autonomía propia, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier “el arte por el arte” (l'art pour l'art), llegando incluso a hablarse de “religión estética”.[15]​ Esta postura pretendía aislar al artista de la sociedad, para que buscase de forma autónoma su propia inspiración y se dejase llevar únicamente por una búsqueda individual de la belleza.[16]​ Así, la belleza se aleja de cualquier componente moral, convirtiéndose en el fin último del artista, que llega a vivir su propia vida como una obra de arte –como se puede apreciar en la figura del dandi–.[17]​ Uno de los teóricos del movimiento fue Walter Pater, que influyó sobre el denominado decadentismo inglés, estableciendo en sus obras que el artista debe vivir la vida intensamente, siguiendo como ideal a la belleza. Para Pater, el arte es “el círculo mágico de la existencia”, un mundo aislado y autónomo puesto al servicio del placer, elaborando una auténtica metafísica de la belleza.[18]​

Por otro lado, Charles Baudelaire fue uno de los primeros autores que analizaron la relación del arte con la recién surgida era industrial, prefigurando la noción de “belleza moderna”: no existe la belleza eterna y absoluta, sino que cada concepto de lo bello tiene algo de eterno y algo de transitorio, algo de absoluto y algo de particular. La belleza viene de la pasión y, al tener cada individuo su pasión particular, también tiene su propio concepto de belleza. En su relación con el arte, la belleza expresa por un lado una idea “eternamente subsistente”, que sería el “alma del arte”, y por otro un componente relativo y circunstancial, que es el “cuerpo del arte”. Así, la dualidad del arte es expresión de la dualidad del hombre, de su aspiración a una felicidad ideal enfrentada a las pasiones que le mueven hacia ella. Frente a la mitad eterna, anclada en el arte clásico antiguo, Baudelaire vio en la mitad relativa el arte moderno, cuyos signos distintivos son lo transitorio, lo fugaz, lo efímero y cambiante –sintetizados en la moda–. Baudelaire tenía un concepto neoplatónico de belleza, que es la aspiración humana hacia un ideal superior, accesible a través del arte. El artista es el “héroe de la modernidad”, cuya principal cualidad es la melancolía, que es el anhelo de la belleza ideal.[19]​

En contraposición al esteticismo, Hippolyte-Adolphe Taine elaboró una teoría sociológica del arte: en su Filosofía del arte (1865-1869) aplicó al arte un determinismo basado en la raza, el contexto y la época (race, milieu, moment). Para Taine, la estética, la “ciencia del arte”, opera como cualquier otra disciplina científica, basándose en parámetros racionales y empíricos. Igualmente, Jean Marie Guyau, en Los problemas de la estética contemporánea (1884) y El arte desde el punto de vista sociológico (1888), planteó una visión evolucionista del arte, afirmando que el arte está en la vida, y que evoluciona como esta; y, al igual que la vida del ser humano está organizada socialmente, el arte debe ser reflejo de la sociedad.[20]​

La estética sociológica tuvo una gran vinculación con el realismo pictórico y con movimientos políticos de izquierdas, especialmente el socialismo utópico: autores como Henri de Saint-Simon, Charles Fourier y Pierre Joseph Proudhon defendieron la función social del arte, que contribuye al desarrollo de la sociedad, aunando belleza y utilidad en un conjunto armónico. Por otro lado, en el Reino Unido, la obra de teóricos como John Ruskin y William Morris aportó una visión funcionalista del arte: en Las piedras de Venecia (1851-1856) Ruskin denunció la destrucción de la belleza y la vulgarización del arte llevada a cabo por la sociedad industrial, así como la degradación de la clase obrera, defendiendo la función social del arte. En El arte del pueblo (1879) pidió cambios radicales en la economía y la sociedad, reclamando un arte “hecho por el pueblo y para el pueblo”. Por su parte, Morris –fundador del movimiento Arts & Crafts– defendió un arte funcional, práctico, que satisfaga necesidades materiales y no solo espirituales. En Escritos estéticos (1882-1884) y Los fines del arte (1887) planteó un concepto de arte utilitario pero alejado de sistemas de producción excesivamente tecnificados, próximo a un concepto del socialismo cercano al corporativismo medieval.[21]​

 
Representación de El cascanueces, de Piotr Chaikovski.

Por otro lado, la función del arte fue cuestionada por el escritor ruso Lev Tolstoi: en ¿Qué es el arte? (1898) se planteó la justificación social del arte, argumentando que siendo el arte una forma de comunicación solo puede ser válido si las emociones que transmite pueden ser compartidas por todos los hombres. Para Tolstoi, la única justificación válida es la contribución del arte a la fraternidad humana: una obra de arte solo puede tener valor social cuando transmite valores de fraternidad, es decir, emociones que impulsen a la unificación de los pueblos.[22]​

En esa época se empezó a abordar el estudio del arte desde el terreno de la psicología: Sigmund Freud aplicó el psicoanálisis al arte en Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci (1910), defendiendo que el arte sería una de las maneras de representar un deseo, una pulsión reprimida, de forma sublimada. Opinaba que el artista es una figura narcisista, cercana al niño, que refleja en el arte sus deseos, y afirmó que las obras artísticas pueden ser estudiadas como los sueños y las enfermedades mentales, con el psicoanálisis. Su método era semiótico, estudiando los símbolos, y opinaba que una obra de arte es un símbolo. Pero como el símbolo representa un determinado concepto simbolizado, hay que estudiar la obra de arte para llegar al origen creativo de la obra.[23]​ Igualmente, Carl Gustav Jung relacionó la psicología con diversas disciplinas como la filosofía, la sociología, la religión, la mitología, la literatura y el arte. En Contribuciones a la psicología analítica (1928), sugirió que los elementos simbólicos presentes en el arte son “imágenes primordiales” o “arquetipos”, que están presentes de forma innata en el “subconsciente colectivo” del ser humano.[24]​

Wilhelm Dilthey, desde la estética cultural, formuló una teoría acerca de la unidad entre arte y vida. Prefigurando el arte de vanguardia, Dilthey ya vislumbraba a finales del siglo XIX cómo el arte se alejaba de las reglas académicas, y cómo cobraba cada vez mayor importancia la función del público, que tiene el poder de ignorar o ensalzar la obra de un artista determinado. Encontró en todo ello una “anarquía del gusto”, que achacó a un cambio social de interpretación de la realidad, pero que percibió como transitorio, siendo necesario hallar «una relación sana entre el pensamiento estético y el arte». Así, ofreció como salvación del arte las “ciencias del espíritu”, especialmente la psicología: la creación artística debe poder analizarse bajo el prisma de la interpretación psicológica de la fantasía. En Vida y poesía (1905) presentó la poesía como expresión de la vida, como ‘vivencia’ (Erlebnis) que refleja la realidad externa de la vida. La creación artística tiene pues como función intensificar nuestra visión del mundo exterior, presentándolo como un conjunto coherente y pleno de sentido.[25]​

Visión actual

 
Fuente, de Marcel Duchamp. El siglo XX supone una pérdida del concepto de belleza clásica para conseguir un mayor efecto en el diálogo artista-espectador.

El siglo XX ha supuesto una radical transformación del concepto de arte: la superación de las ideas racionalistas de la Ilustración y el paso a conceptos más subjetivos e individuales, partiendo del movimiento romántico y cristalizando en la obra de autores como Kierkegaard y Nietzsche, suponen una ruptura con la tradición y un rechazo de la belleza clásica. El concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas: la subjetividad del tiempo de Bergson, la Teoría de la relatividad de Einstein, la mecánica cuántica, la teoría del psicoanálisis de Freud, etc. Por otro lado, las nuevas tecnologías hacen que el arte cambie de función, debido a que la fotografía y el cine ya se encargan de plasmar la realidad. Todos estos factores producen la génesis del arte abstracto, el artista ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo interior, expresar sus sentimientos.[26]​ El arte actual tiene oscilaciones continuas del gusto, cambia simultáneamente junto a este: así como el arte clásico se sustentaba sobre una metafísica de ideas inmutables, el actual, de raíz kantiana, encuentra gusto en la conciencia social de placer (cultura de masas). También hay que valorar la progresiva disminución del analfabetismo, puesto que antiguamente, al no saber leer gran parte de la población, el arte gráfico era el mejor medio para la transmisión del conocimiento –sobre todo religioso–, función que ya no es necesaria en el siglo XX.

Una de las primeras formulaciones fue la del marxismo: de la obra de Marx se desprendía que el arte es una “superestructura” cultural determinada por las condiciones sociales y económicas del ser humano. Para los marxistas, el arte es reflejo de la realidad social, si bien el propio Marx no veía una correspondencia directa entre una sociedad determinada y el arte que produce. Georgi Plejánov, en Arte y vida social (1912), formuló una estética materialista que rechazaba el “arte por el arte”, así como la individualidad del artista ajeno a la sociedad que lo envuelve.[27]​ Walter Benjamin incidió de nuevo en el arte de vanguardia, que para él es «la culminación de la dialéctica de la modernidad», el final del intento totalizador del arte como expresión del mundo circundante. Intentó dilucidar el papel del arte en la sociedad moderna, realizando un análisis semiótico en el que el arte se explica a través de signos que el hombre intenta descifrar sin un resultado aparentemente satisfactorio. En La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica (1936) analizó la forma cómo las nuevas técnicas de reproducción industrial del arte pueden hacer variar el concepto de este, al perder su carácter de objeto único y, por tanto, su halo de reverencia mítica; esto abre nuevas vías de concebir el arte –inexploradas aún para Benjamin– pero que supondrán una relación más libre y abierta con la obra de arte.[28]​

Theodor W. Adorno, como Benjamin perteneciente a la Escuela de Fráncfort, defendió el arte de vanguardia como reacción a la excesiva tecnificación de la sociedad moderna. En su Teoría estética (1970) afirmó que el arte es reflejo de las tendencias culturales de la sociedad, pero sin llegar a ser fiel reflejo de esta, ya que el arte representa lo inexistente, lo irreal; o, en todo caso, representa lo que existe pero como posibilidad de ser otra cosa, de trascender. El arte es la “negación de la cosa”, que a través de esta negación la trasciende, muestra lo que no hay en ella de forma primigenia. Es apariencia, mentira, presentando lo inexistente como existente, prometiendo que lo imposible es posible.[29]​

 
Isla Pagoda en la desembocadura del río Min (1870), de John Thomson. La fotografía supuso una gran revolución a la hora de concebir el arte en el siglo XIX y el XX.

Representante del pragmatismo, John Dewey, en Arte como experiencia (1934), definió el arte como “culminación de la naturaleza”, defendiendo que la base de la estética es la experiencia sensorial. La actividad artística es una consecuencia más de la actividad natural del ser humano, cuya forma organizativa depende de los condicionamientos ambientales en que se desenvuelve. Así, el arte es “expresión”, donde fines y medios se fusionan en una experiencia agradable. Para Dewey, el arte, como cualquier actividad humana, implica iniciativa y creatividad, así como una interacción entre sujeto y objeto, entre el hombre y las condiciones materiales en las que desarrolla su labor.[30]​

José Ortega y Gasset analizó en La deshumanización del arte (1925) el arte de vanguardia desde el concepto de “sociedad de masas”, donde el carácter minoritario del arte vanguardista produce una elitización del público consumidor de arte. Ortega aprecia en el arte una “deshumanización” debida a la pérdida de perspectiva histórica, es decir, de no poder analizar con suficiente distancia crítica el sustrato socio-cultural que conlleva el arte de vanguardia. La pérdida del elemento realista, imitativo, que Ortega aprecia en el arte de vanguardia, supone una eliminación del elemento humano que estaba presente en el arte naturalista. Asimismo, esta pérdida de lo humano hace desaparecer los referentes en que estaba basado el arte clásico, suponiendo una ruptura entre el arte y el público, y generando una nueva forma de comprender el arte que solo podrán entender los iniciados. La percepción estética del arte deshumanizado es la de una nueva sensibilidad basada no en la afinidad sentimental –como se producía con el arte romántico–, sino en un cierto distanciamiento, una apreciación de matices. Esa separación entre arte y humanidad supone un intento de volver al hombre a la vida, de rebajar el concepto de arte como una actividad secundaria de la experiencia humana.[31]​

En la escuela semiótica, Luigi Pareyson elaboró en Estética. Teoría de la formatividad (1954) una estética hermenéutica, donde el arte es interpretación de la verdad. Para Pareyson, el arte es “formativo”, es decir, expresa una forma de hacer que, «a la vez que hace, inventa el modo de hacer». En otras palabras, no se basa en reglas fijas, sino que las define conforme se elabora la obra y las proyecta en el momento de realizarla. Así, en la formatividad la obra de arte no es un “resultado”, sino un “logro”, donde la obra ha encontrado la regla que la define específicamente. El arte es toda aquella actividad que busca un fin sin medios específicos, debiendo hallar para su realización un proceso creativo e innovador que dé resultados originales de carácter inventivo.[32]​ Pareyson influyó en la denominada Escuela de Turín, que desarrollará su concepto ontológico del arte: Umberto Eco, en Obra abierta (1962), afirmó que la obra de arte solo existe en su interpretación, en la apertura de múltiples significados que puede tener para el espectador; Gianni Vattimo, en Poesía y ontología (1968), relacionó el arte con el ser, y por tanto con la verdad, ya que es en el arte donde la verdad se muestra de forma más pura y reveladora.[33]​

 
El cómic ha sido una de las últimas incorporaciones a la categoría de bellas artes. En la imagen Little Nemo in Slumberland, el primer gran clásico del cómic publicado en 1905.

Una de las últimas derivaciones de la filosofía y el arte es la postmodernidad, teoría socio-cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico que habría superado el proyecto moderno, es decir, la raíz cultural, política y económica propia de la Edad Contemporánea, marcada en lo cultural por la Ilustración, en lo político por la Revolución francesa y en lo económico por la Revolución industrial. Frente a las propuestas del arte de vanguardia, los postmodernos no plantean nuevas ideas, ni éticas ni estéticas; tan solo reinterpretan la realidad que les envuelve, mediante la repetición de imágenes anteriores, que pierden así su sentido. La repetición encierra el marco del arte en el arte mismo, se asume el fracaso del compromiso artístico, la incapacidad del arte para transformar la vida cotidiana. El arte postmoderno vuelve sin pudor al sustrato material , a la obra de arte-objeto, al “arte por el arte”, sin pretender hacer ninguna evolución, ninguna ruptura. Algunos de sus más importantes teóricos han sido Jacques Derrida y Michel Foucault.[34]​

Como conclusión, cabría decir que las viejas fórmulas que basaban el arte en la creación de belleza o en la imitación de la naturaleza han quedado obsoletas, y hoy día el arte es una cualidad dinámica, en constante transformación, inmersa además en los medios de comunicación de masas, en los canales de consumo, con un aspecto muchas veces efímero, de percepción instantánea, presente con igual validez en la idea y en el objeto, en su génesis conceptual y en su realización material.[35]​ Morris Weitz, representante de la estética analítica, opinaba en El papel de la teoría en la estética (1957) que «es imposible establecer cualquier tipo de criterios del arte que sean necesarios y suficientes; por lo tanto, cualquier teoría del arte es una imposibilidad lógica, y no simplemente algo que sea difícil de obtener en la práctica». Según Weitz, una cualidad intrínseca de la creatividad artística es que siempre produce nuevas formas y objetos, por lo que «las condiciones del arte no pueden establecerse nunca de antemano». Así, «el supuesto básico de que el arte pueda ser tema de cualquier definición realista o verdadera es falso».[36]​

En el fondo, la indefinición del arte estriba en su reducción a determinadas categorías –como imitación, como recreación, como expresión–; el arte es un concepto global, que incluye todas estas formulaciones y muchas más, un concepto en evolución y abierto a nuevas interpretaciones, que no se puede fijar de forma convencional, sino que debe aglutinar todos los intentos de expresarlo y formularlo, siendo una síntesis amplia y subjetiva de todos ellos.

El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o expresar una experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción, o expresión puede deleitar, emocionar o producir un choque.
Władysław Tatarkiewicz, Historia de seis ideas (1976).[37]​

Clasificación

 
Las siete artes liberales, imagen del Hortus deliciarum (siglo XII), de Herrad von Landsberg.

La clasificación del arte, o de las distintas facetas o categorías que pueden considerarse artísticas, ha tenido una evolución paralela al concepto mismo de arte: como se ha visto anteriormente, durante la antigüedad clásica se consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza, de tipo racional y sujeta a reglas; así, entraban en esa denominación tanto las actuales bellas artes como la artesanía y las ciencias, mientras que quedaban excluidas la música y la poesía. Una de las primeras clasificaciones que se hicieron de las artes fue la de los filósofos sofistas presocráticos, que distinguieron entre “artes útiles” y “artes placenteras”, es decir, entre las que producen objetos de cierta utilidad y las que sirven para el entretenimiento. Plutarco introdujo, junto a estas dos, las “artes perfectas”, que serían lo que hoy consideramos ciencias. Platón, por su parte, estableció la diferencia entre “artes productivas” y “artes imitativas”, según si producían objetos nuevos o imitaban a otros.[38]​

Durante la era romana hubo diversos intentos de clasificar las artes: Quintiliano dividió el arte en tres esferas: “artes teóricas”, basadas en el estudio (principalmente, las ciencias); “artes prácticas”, basadas en una actividad, pero sin producir nada (como la danza); y “artes poéticas” –según la etimología griega, donde ποίησις (poíêsis) quiere decir ‘producción’–, que son las que producen objetos. Cicerón catalogó las artes según su importancia: “artes mayores” (política y estrategia militar), “artes medianas” (ciencias, poesía y retórica) y “artes menores” (pintura, escultura, música, interpretación y atletismo). Plotino clasificó las artes en cinco grupos: las que producen objetos físicos (arquitectura), las que ayudan a la naturaleza (medicina y agricultura), las que imitan a la naturaleza (pintura), las que mejoran la acción humana (política y retórica) y las intelectuales (geometría).[39]​

Sin embargo, la clasificación que tuvo más fortuna –llegando hasta la era moderna– fue la de Galeno en el siglo II, que dividió el arte en “artes liberales” y “artes vulgares”, según si tenían un origen intelectual o manual. Entre las liberales se encontraban: la gramática, la retórica y la dialéctica –que formaban el trivium–, y la aritmética, la geometría, la astronomía y la música –que formaban el quadrivium–; las vulgares incluían la arquitectura, la escultura y la pintura, pero también otras actividades que hoy consideramos artesanía.[40]​

Durante la Edad Media continuó la división del arte entre artes liberales y vulgares –llamadas estas últimas entonces “mecánicas”–, si bien hubo nuevos intentos de clasificación: Boecio dividió las artes en ars y artificium, clasificación similar a la de artes liberales y vulgares, pero en una acepción que casi excluía las formas manuales del campo del arte, dependiendo este tan solo de la mente. En el siglo XII, Radulfo de Campo Lungo intentó hacer una clasificación de las artes mecánicas, reduciéndolas a siete, igual número que las liberales. En función de su utilidad cara a la sociedad, las dividió en: ars victuaria, para alimentar a la gente; lanificaria, para vestirles; architectura, para procurarles una casa; suffragatoria, para darles medios de transporte; medicinaria, que les curaba; negotiatoria, para el comercio; militaria, para defenderse.[41]​

En el siglo XVI empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura eran actividades que requerían no solo oficio y destreza, sino también un tipo de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades. Se gestaba así el concepto moderno de arte, que durante el Renacimiento adquirió el nombre de arti del disegno (artes del diseño), por cuanto comprendían que esta actividad –el diseñar– era la principal en la génesis de las obras de arte.[42]​

 
Las Meninas (1656), de Velázquez, fue un alegato de la figura del pintor como artista inspirado, frente a la condición de simple artesano que hasta entonces se tenía del oficio de pintor.

Sin embargo, faltaba aglutinar estas artes del diseño con el resto de actividades consideradas artísticas (música, poesía y teatro), tarea que se desarrolló durante los dos siglos siguientes con varios intentos de buscar un nexo común a todas estas actividades: así, el humanista florentino Giannozzo Manetti propuso el término “artes ingeniosas”, donde incluía las artes liberales, por lo que solo cambiaba el vocablo; el filósofo neoplatónico Marsilio Ficino elaboró el concepto de “artes musicales”, argumentando que la música era la inspiración para todas las artes; en 1555, Giovanni Pietro Capriano introdujo en su De vera poetica la acepción “artes nobles”, apelando a la elevada finalidad de estas actividades; Lodovico Castelvetro habló en su Correttione (1572) de “artes memoriales”, ya que según él estas artes buscaban fijar en objetos la memoria de cosas y acontecimientos; Claude-François Menestrier, historiador francés del siglo XVII, formuló la idea de “artes pictóricas”, remarcando el carácter visual del arte; Emanuele Tesauro ideó en 1658 la noción de “artes poéticas”, inspirado en la célebre cita de Horacio ut pictura poesis (la pintura como la poesía), describiendo el componente poético y metafórico de estas artes; ya en el siglo XVIII, coincidieron en un mismo año (1744) dos definiciones, la de “artes agradables” de Giambattista Vico, y la de “artes elegantes” de James Harris; por último, en 1746, Charles Batteux estableció en Las bellas artes reducidas a un único principio la concepción actual de bellas artes, remarcando su aspecto de imitación (imitatio).[43]​

Batteux incluyó en las bellas artes pintura, escultura, música, poesía y danza, mientras que mantuvo el término artes mecánicas para el resto de actividades artísticas, y señaló como actividades entre ambas categorías la arquitectura y la retórica, si bien al poco tiempo se eliminó el grupo intermedio y la arquitectura y la retórica se incorporaron plenamente a las bellas artes. Sin embargo, con el tiempo, esta lista sufrió diversas variaciones, y si bien se aceptaba comúnmente la presencia de arquitectura, pintura, escultura, música y poesía, los dos puestos restantes oscilaron entre la danza, la retórica, el teatro y la jardinería, o, más adelante, nuevas disciplinas como la fotografía y el cine. El término “bellas artes” hizo fortuna, y quedó fijado como definición de todas las actividades basadas en la elaboración de objetos con finalidad estética, producidos de forma intelectual y con voluntad expresiva y trascendente. Así, desde entonces las artes fueron “bellas artes”, separadas tanto de las ciencias como de los oficios manuales. Por eso mismo, durante el siglo XIX se fue produciendo un nuevo cambio terminológico: ya que las artes eran solo las bellas artes, y el resto de actividades no lo eran, poco a poco se fue perdiendo el término ‘bellas’ para quedar solo el de ‘artes’, quedando la acepción ‘arte’ tal como la entendemos hoy día. Incluso sucedió que entonces se restringió el término “bellas artes” para designar las artes visuales, las que en el Renacimiento se denominaban “artes del diseño” (arquitectura, pintura y escultura), siendo las demás las “artes en general”. También hubo una tendencia cada vez más creciente a separar las artes visuales de las literarias, que recibieron el nombre de “bellas letras”.[44]​ Se podría decir que las “bellas artes” son aquellas que cumplen con ciertas características estéticas dignas de ser admiradas: tienen como objetivo expresar la belleza aunque esta sea definida por el artista o por la particular perspectiva del observador, cayendo en la ambigüedad de lo que es bello. Gary Martin señaló que debido a que constituye una experiencia subjetiva, a menudo se dice que «la belleza está en el ojo del observador». Las “bellas artes” han tenido históricamente tal adjetivo debido a que representan la máxima expresión sentimental del ser humano desde épocas remotas.

Sin embargo, pese a la aceptación general de la clasificación propuesta por Batteux, en los siglos siguientes todavía se produjeron intentos de nuevas clasificaciones del arte: Immanuel Kant distinguió entre “artes mecánicas” y “artes estéticas”; Robert von Zimmermann habló de artes de la representación material (arquitectura y escultura), de la representación perceptiva (pintura y música) y de la representación del pensamiento (literatura); y Alois Riegl, en Arte industrial de la época romana tardía, dividió el arte en arquitectura, plástica y ornamento. Hegel, en su Estética (1835-1838), estableció tres formas de manifestación artística: arte simbólico, clásico y romántico, que se relacionan con tres formas diferentes de arte, tres estadios de evolución histórica y tres maneras distintas de tomar forma la idea:

Arte Historia Idea Forma
Simbólico Infancia Desajuste Arquitectura
Clásico Madurez Ajuste Escultura
Romántico Vejez Desbordamiento Pintura, música y poesía

En la idea, primero hay una relación de desajuste, donde la idea no encuentra forma; después es de ajuste, cuando la idea se ajusta a la forma; por último, en el desbordamiento, la idea sobrepasa la forma, tiende al infinito. En la evolución histórica, equipara infancia con el arte prehistórico, antiguo y oriental; madurez, con el arte griego y romano; y vejez, con el arte cristiano. En cuanto a la forma, la arquitectura (forma monumental) es un arte tectónico, depende de la materia, de pesos, medidas, etc.; la escultura (forma antropomórfica) depende más de la forma volumétrica, por lo que se acerca más al hombre; la pintura, música y poesía (formas suprasensibles) son la etapa más espiritual, más desmaterializada. La creación artística no ha de ser una mimesis, sino un proceso de libertad espiritual. En su evolución, cuando el artista llega a su límite, se van perdiendo las formas sensibles, el arte se vuelve más conceptual y reflexivo; al final de este proceso se produce la “muerte del arte”.[45]​

Pese a todo, estos intentos de clasificación resultaron un tanto baldíos y, cuando parecía que por fin se había llegado a una definición del arte universalmente aceptable, después de tantos siglos de evolución, los cambios sociales, culturales y tecnológicos producidos durante los siglos XIX y XX han comportado un nuevo intento de definir el arte con base en parámetros más abiertos y omnicomprensivos, intentando abarcar tanto una definición teórica del arte como una catalogación práctica que incluyese las nuevas formas artísticas que han ido surgiendo en los últimos tiempos (fotografía, cine, cómic, nuevas tecnologías, etc.). Como el de Juan Acha con su ensayo Arte y sociedad. Latinoamérica: el producto artístico y estructura (1979), cuya compleja organización de las artes es según su aplicación y origen; en grupos como "Cuerpo-Objeto", "Superficie-Objetos", "Superficies-Icónicas", "Superficies-Literarias", "Espectáculos" y "Audiciones". Y otra más simple en Lógica del Límite (1991) de Eugenio Trías, en la que el artista es como un habitante y a un determinado oficio artístico como un habitáculo, que constituyen tres grandes áreas del arte: artes estáticas o del espacio, artes mixtas y artes temporales o dinámicas.

Artes estáticas o espaciales Artes mixtas Artes dinámicas o temporales
Arquitectura Cine Música
Escultura Teatro Danza
Pintura Ópera Literatura

Estos intentos, un tanto infructuosos, han producido en cierta forma el efecto contrario, acentuando aún más la indefinición del arte, que hoy día es un concepto abierto e interpretable, donde caben muchas fórmulas y concepciones, si bien se suele aceptar un mínimo denominador común basado en cualidades estéticas y expresivas, así como un componente de creatividad.[35]​

Cinco artes son comúnmente citadas en el siglo XIX, a las cuales en el siglo XX se le añadirán cuatro más para llegar a un total de nueve artes, sin ser capaces los expertos y críticos de ponerse de acuerdo sobre la clasificación un "décimo arte".

Al final del siglo XX, la siguiente lista establece las nuevas clasificaciones, al igual que el número de musas antiguas:

  1. Arquitectura
  2. Escultura
  3. Artes visuales, que incluyen la pintura, el dibujo y el grabado
  4. Música
  5. Literatura, que incluye la poesía
  6. Artes escénicas, que incluyen el teatro, la danza, el mimo y el circo
  7. Cinematografía
  8. Fotografía
  9. Historieta

Ciertos críticos e historiadores consideran otras artes en la lista, como la gastronomía, la perfumería, la televisión, la moda, la publicidad, la animación y los videojuegos. En la actualidad existe aún cierta discrepancia sobre cuál sería el “décimo arte”.[46]​

Elementos del fenómeno artístico

  • Artista: se denomina artista a aquella persona que, o bien practica un arte, o bien destaca en él. Por definición, un artista es quien elabora una obra de arte; así pues, y en paralelo a la evolución del concepto de arte que hemos visto anteriormente, en épocas pasadas un artista era cualquier persona que trabajase en las artes liberales o vulgares, desde un gramático, un astrónomo o un músico hasta un albañil, un alfarero o un ebanista. Sin embargo, hoy día se entiende por artista a alguien que practica las bellas artes. Aun así, el término artista puede tener diversas acepciones, desde el artista como creador, hasta el artista como el que tiene en la práctica de un arte su profesión. Así, a menudo llamamos artistas a actores o músicos que solo interpretan obras creadas por otros autores. También se suele emplear el vocablo artista para diferenciar a quien practica una actividad liberal para distinguirlo del que practica un oficio: en ese sentido, se suele decir “pintor artista” para diferenciarlo de un “pintor de brocha gorda”. Al artista se le supone una disposición especialmente sensible frente al mundo que lo rodea: ha desarrollado su propio punto de vista, así como su creatividad, una buena técnica y un medio de comunicación hacia el espectador por medio de sus obras. El artista adquiere su propio dominio de la técnica y su desarrollo artístico intelectual para llegar al camino del profesionalismo. Con esta personalidad, el artista se manifiesta hacia el mundo tratando de reflejar lo que acontece –o le gustaría que aconteciera– en él.[47]​
  • Obra de arte: una obra es una realización material, que tiene una existencia objetiva y que es perceptible sensiblemente. El término proviene del latín opera, que deriva de opus (‘trabajo’), por lo que equivale a trabajo como objeto, es decir, como resultado de un trabajo. Una obra de arte puede ser tanto el objeto material en sí –una pintura, una escultura, un grabado– como una producción intelectual donde la artisticidad se encuentra en el momento de su ejecución o captación por medio de los sentidos: así, en la literatura, el arte se encuentra más en la lectura de la obra que no en el lenguaje escrito que le sirve de vehículo de comunicación, o en el medio material (libro, revista) que le sirva de soporte; en música, el arte se encuentra en su percepción auditiva, no en la partitura en que se ve reflejada. Así, en el arte conceptual se valora más la concepción de la obra de arte por parte del artista que no su realización material. En ese sentido, una obra de arte puede tener varios niveles de elaboración: decía Panofsky que, al escribir una carta, se cumple básicamente el objetivo de comunicarse; pero si se escribe poniendo especial atención en la caligrafía, puede tener un sentido artístico valorable per se; y si, además, se escribe en un tono poético o literario, la carta trasciende su sustrato material para convertirse en una obra de arte valorable por sus cualidades intrínsecas. Por otro lado, hay que valorar la percepción del receptor: un objeto puede no estar elaborado con finalidades artísticas pero ser interpretado así por la persona que lo percibe –como en los ready-made de Duchamp–. Igualmente, una obra de arte puede tener diversas interpretaciones según la persona que lo valore, como remarcó Umberto Eco con su concepto de “obra abierta”. Y una misma obra puede ser percibida como artística por unos y como no artística por otros: decía Marcel Mauss que «es obra de arte el objeto que es reconocido como tal por un grupo social definido». Así, habría que reconocer que una obra de arte es un objeto que tiene un valor añadido, sea este valor un concepto artístico, estético, cultural, sociológico o de diversa índole.[48]​ En conclusión, se podría decir que una obra de arte es un hecho sensorial, realizado artificialmente, con intencionalidad comunicativa y orientación lúdica. La obra de arte, para ser considerada como tal, debe trascender su sustrato material para adquirir una significación trascendente, basada tanto en su aspecto estético como en el histórico, al ser reflejo de un lugar y tiempo determinados, así como de una determinada cultura que subyace en la génesis de toda obra de arte.[49]​
Sea cual sea su antigüedad y clasicismo, una obra de arte es en acto y no sólo potencialmente una obra de arte cuando pervive en alguna experiencia individualizada. En cuanto pedazo de pergamino, de mármol, de tela, permanece (aunque sujeta a las devastaciones del tiempo) idéntica a sí misma a través de los años. Pero como obra de arte se recrea cada vez que es experimentada estéticamente.
John Dewey, El arte como experiencia (1934).[50]​
 
Una performance, ejemplo de actividad artística que requiere un público.
  • Público: un factor cada vez más determinante en el mundo del arte es el del público, la gente que acude a museos o exposiciones y que manifiesta cada vez más un sentido crítico y apreciativo del arte, pudiendo influir en las modas y los gustos artísticos. En siglos anteriores, el arte era un círculo cerrado al que solo tenían acceso las clases más favorecidas, que eran las que encargaban y adquirían obras de arte. Sin embargo, desde la apertura de los primeros museos públicos en el siglo XVIII, la participación del público en general en la apreciación del arte ha sido cada vez mayor, favorecida sobre todo por el aumento de medios de comunicación de masas (prensa, libros, revistas y, más recientemente, medios digitales e Internet). Asimismo, las nuevas corrientes artísticas, sobre todo desde pasada la Segunda Guerra Mundial, han favorecido la participación del público en la propia génesis del hecho artístico, a través de acciones artísticas como los happenings y las performances.[51]​
  • Percepción: la percepción del arte es un fenómeno subjetivo, motivado no solo por el hecho sensorial sino por el aspecto de mentalidad inherente, que depende de la cultura, la educación, etc. La percepción es un proceso activo y selectivo, el ser humano tiende a seleccionar la percepción más sencilla, así como a ver las cosas globalmente –por ejemplo, tendemos a ver las cosas simétricas aunque no lo sean–. De la percepción sensorial dependen factores como la textura, la forma y el color, así como la geometría, la proporción y el ritmo.
  • Materia y técnica: el proceso artístico comienza con la elaboración mental de la obra por parte del artista, pero esta se ha de plasmar en materia, proceso que se realiza a través de la técnica. La materia tiene una noción constitutiva, creadora, siendo parte esencial de la creación artística. También puede aportar diferentes concepciones estéticas, como el uso del hierro y el vidrio en la arquitectura contemporánea. A su vez, la técnica es la manera cómo el artista da forma a la obra de arte, cómo moldea la materia para conseguir expresar aquello que desea crear. Los materiales y la técnica van evolucionando con el tiempo, y pueden ser definitorios de un determinado lenguaje o estilo artístico.[52]​
  • Función del arte: el arte puede cumplir diversas funciones, según la voluntad del propio artista o según la interpretación que de la obra haga el público:
    • Práctica: el arte puede tener una utilidad práctica siempre y cuando cumpla diversas premisas de satisfacer necesidades o de tener una finalidad destinada a su uso o disfrute, como es el caso de la arquitectura, o bien de la artesanía y las artes aplicadas, decorativas e industriales.
    • Estética: el arte está estrechamente vinculado a una finalidad estética, es decir, de provocar sentimientos o emociones, o bien suscitar belleza y admiración en todo aquel que contempla la obra de arte.
    • Simbólica: el arte puede estar revestido de una función simbólica cuando pretende trascender su simple materialidad para ser un símbolo, una forma de expresión o comunicación, un lenguaje por el cual se expresa una idea que debe ser descifrable para el público al cual va dirigida.
    • Económica: el arte, como producto elaborado por el hombre, no deja de ser un objeto que puede estar motivado con fines económicos, bien en su concepción o bien en su posterior mercantilización.
    • Comunicativa: el arte es un medio de comunicación, por el cual se expresan ideas o conceptos, o bien se recrean estados de ánimo. En este sentido, puede ser tanto crítico como propagandístico del mensaje que desea transmitir.
    • Imitativa: el arte ha pretendido históricamente ser fiel reflejo de la realidad, al menos hasta la aparición de la fotografía y el cine en el siglo XX. Así, el arte ha sido un medio ideal para plasmar el mundo, la forma de vida de las diversas culturas y civilizaciones que se han sucedido a lo largo del tiempo.
    • Crítica: el arte puede tener una voluntad crítica, bien de tipo político, religioso o social, haciéndose eco de las reivindicaciones sociales de cada periodo histórico.
  • Museos: son instituciones dedicadas al estudio, conservación y exposición de obras de arte. El origen de los museos está en el coleccionismo, donde a la obra de arte se le añade un valor histórico o cultural, o bien de admiración o singularidad. A partir del siglo XVIII comenzaron a abrirse las colecciones al público, surgiendo los museos de protección estatal (British Museum, 1753; Uffizi, 1769; Louvre, 1789; Prado, 1819; Altes Museum de Berlín, 1830; National Gallery, 1838; Hermitage, 1851), al tiempo que surgieron las academias, instituciones que regulan el proceso creativo, educativo y formativo del arte. El Consejo Internacional de Museos (ICOM) define el museo como «una institución sin ánimo de lucro, permanente, al servicio de la sociedad y su desarrollo, abierto al público, que adquiere, conserva, investiga, comunica y exhibe testimonios materiales de la evolución de la naturaleza y del hombre, con finalidades de estudio, de educación y de delectación». Existen dos disciplinas vinculadas al estudio de los museos: la museografía estudia la vertiente técnica y estructural de los museos (arquitectura, equipamiento, medios de exposición); y la museología analiza el museo desde una perspectiva histórica, social y cultural.[53]​
  • Coleccionismo: es una actividad, generalmente de índole privada, destinada a la creación de colecciones de obras de arte. Desde siempre, el hombre ha sentido fascinación por el arte, hecho que le ha llevado a la adquisición de obras de arte, para su disfrute personal o, desde el crecimiento del mercado artístico en el Renacimiento, como inversión económica. Las colecciones particulares de arte han rivalizado a menudo con los museos en cuanto a cantidad y calidad de obras de arte y, gracias a donaciones filantrópicas, han sido origen muchas veces de la ampliación o creación de nuevos museos. El coleccionismo empezó de forma amplia en la antigua Roma, fruto generalmente de botines de guerra de los países conquistados. Durante la Edad Media fue común el atesoramiento de piezas de valor (orfebrería, obras de marfil y ébano) y de reliquias. Sin embargo, el auge del coleccionismo se produjo en el Renacimiento, cuando nobles y mecenas encargaron y adquirieron gran número de obras de arte para sus palacios y villas. Circunscrito en principio a la aristocracia, a partir del siglo XVIII el coleccionismo pasó también a la burguesía y a los ricos hombres de negocios, ya que el arte tenía entonces un marcado componente de ostentación social. Desde entonces, la figura del coleccionista privado ha sido fundamental para el éxito del mercado artístico.[56]​
 
Galería de arte con vistas de la Roma antigua (1754-1757), de Giovanni Paolo Pannini.
  • Mercado artístico: la valoración de la obra de arte como mercancía susceptible de ser adquirida por una contraprestación económica comienza con la toma de conciencia de la singularidad del arte, de su valor como obra única e irrepetible, unido a aspectos como su antigüedad, su calidad, su autenticidad, etc. El comercio artístico surgió en Grecia y Roma, pero se consolidó en el Renacimiento: en el siglo XVI existían ya en Venecia y Florencia lonjas especializadas en la transacción del arte. En el siglo XVII el principal centro comercializador de arte fueron los Países Bajos, donde una creciente burguesía hacía del arte un reflejo de su estatus social. En el siglo XIX el mercado del arte cobró una gran difusión, en paralelo a la apertura de los museos públicos y a la realización de exposiciones internacionales donde se exhibían los mejores productos, tanto artísticos como industriales, de todos los países. Proliferó entonces la apertura de galerías privadas de arte, y apareció la figura del marchante de arte, que a menudo jugaría un papel relevante en su relación con los artistas, y llegaría a cobrar un protagonismo propio en la historia del arte (como Daniel-Henry Kahnweiler o Ambroise Vollard). También aparecieron casas de subastas, como las famosas Christie's y Sotheby's británicas, la francesa Drouot, la alemana Lempertz, la italiana Finarte o las españolas Brok, Ansorena y Durán.[57]​
  • Ferias: uno de los principales medios de comercialización del arte son las ferias, donde los artistas dan a conocer sus obras, mientras que el público puede apreciarlas y estar al corriente de las diversas novedades que se van sucediendo en el tiempo. Las ferias han ido adquiriendo cada vez mayor relevancia, existiendo un circuito donde a lo largo del año diversas ciudades de todo el mundo acogen ferias de diversa índole. Actualmente, su cometido no es solo comercial, sino también cultural e institucional, ya que suponen una fuente de difusión del arte. Una de las primeras ferias conocidas fue la celebrada en el Salone degli Innocenti de la Academia de Florencia, donde en 1564 se vendieron 17 de 25 cuadros pintados en homenaje a Miguel Ángel tras su fallecimiento. En 1737 se abrió la muestra bienal del Salón Carré del Louvre, organizada por la Académie Royal d’Art, primeras ferias abiertas a un público mayoritario. En la actualidad destacan: la Bienal de Venecia, la Documenta de Kassel, la Bienal de São Paulo, la Trienal de Milán, la feria ARCO de Madrid, la FIAC de París, ArtBasel de Basilea, etc.[58]​
  • Exposiciones: uno de los factores clave en la difusión del arte, sobre todo actualmente, es la organización de exposiciones, públicas o privadas, de arte antiguo o contemporáneo, individuales o colectivas, temáticas o antológicas. Las primeras exposiciones surgieron en Gran Bretaña a finales del siglo XVIII, propiciadas por el exilio de artistas provocado por la Revolución francesa. En el siglo XIX surgieron las exposiciones universales, primeros fenómenos de masas donde se exponían las principales novedades tanto del mundo del arte como de la ciencia, la industria y cualquier otra actividad humana. Desde entonces se han sucedido las exposiciones por todo el mundo, circunscritas a menudo en los propios museos de arte, como forma de favorecer una mayor afluencia de público. Actualmente, son habituales las exposiciones antológicas e itinerantes, que suelen recorrer los principales centros artísticos mundiales. Otro factor a tener en cuenta, sobre todo dada la temporalidad de estas exposiciones, es la cada vez mayor importancia de los catálogos, únicos testimonios del conjunto de obras de arte expuestas de forma, muchas veces, irrepetible. La exposición más visitada ha sido la de Arte degenerado, organizada en 1937 por el ministro de propaganda nazi Joseph Goebbels, que fue visitada por unos tres millones de personas en diversas ciudades alemanas a lo largo de cuatro años.[59]​

Disciplinas artísticas

 
Arquitectura: Casa de la Cascada (1939), de Frank Lloyd Wright.
 
Pintura: La noche estrellada (1889), de Vincent van Gogh.
 
Escultura: Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674), de Gian Lorenzo Bernini.
 
Música: Cuarteto para flauta (1777), de Wolfgang Amadeus Mozart.
 
Literatura: Ejemplo de caligrafía en latín que representa una Biblia de 1407.

Las artes creativas a menudo son divididas en categorías más específicas, como las artes decorativas, las artes plásticas, las artes escénicas o la literatura. Así, la pintura es una forma de arte visual, y la poesía es una forma de literatura. Algunos ejemplos son:

Artes visuales
  • Artes gráficas: son las que se realizan por medio de un proceso de impresión; así, son artes gráficas tanto el grabado como la fotografía, el cartelismo o el cómic, o cualquier actividad artística que utilice un medio impreso. En su realización intervienen, por un lado, la creación de un diseño y, por otro, su traslado a un determinado sustrato —como el papel—. Las artes gráficas aparecieron con la invención de la imprenta por Johannes Gutenberg hacia 1450, agrupando todos los oficios que se relacionaban con la impresión tipográfica. Más tarde, la necesidad de generar impresiones de mejor calidad propició la aparición de la preprensa o fotomecánica.
  • Artes industriales: son las desarrolladas con una elaboración industrial o artesanal pero persiguiendo una cierta finalidad estética, sobre todo en la elaboración de determinados objetos como vestidos, viviendas y utensilios, así como diversos elementos de decoración. Muchas artes decorativas son también industriales.
  • Cinematografía: técnica basada en la reproducción de imágenes en movimiento, el cine surgió con el invento del cinematógrafo por los hermanos Lumière en 1895. Si bien en principio únicamente suponía la captación de imágenes del natural, como si fuese un documental, enseguida la cinematografía evolucionó hacia la narración de historias mediante la utilización de guiones y procesos técnicos como el montaje, que permitían rodar escenas y ordenarlas de forma que presentase una historia coherente. Con la incorporación de elementos tomados del teatro —proceso iniciado por Méliès—, el cine alcanzó un grado de auténtica artisticidad, siendo bautizado como el séptimo arte, término propuesto por Ricciotto Canudo en 1911.
  • Dibujo: representación gráfica realizada por medio de líneas, trazos y sombras, elaborados mediante lápiz, pluma u objetos similares. El dibujo está en la base de casi cualquier obra artística, pues la mayoría de obras pictóricas se realizan sobre un esbozo dibujado sobre el lienzo, sobre el que posteriormente se pinta; igualmente, muchas esculturas son diseñadas primero en dibujo, e incluso la arquitectura se basa en planos dibujados. Aparte de esto, el dibujo tiene una indudable autonomía artística, siendo innumerables los dibujos realizados por la mayoría de grandes artistas a lo largo de la Historia.
  • Diseño: es la traza o delineación de cualquier elemento relacionado con el ser humano, sea un edificio, un vestido, un peinado, etc. Utilizado habitualmente en el contexto de las artes aplicadas, ingeniería, arquitectura y otras disciplinas creativas, el diseño se define como el proceso previo de configuración mental de una obra, mediante esbozos, dibujos, bocetos o esquemas trazados en cualquier soporte. El diseño tiene un componente funcional y otro estético, ha de satisfacer necesidades pero ha de agradar a los sentidos. Comprende multitud de disciplinas y oficios dependiendo del objeto a diseñar y de la participación en el proceso de una o varias personas o especialidades.
  • Fotografía: es una técnica que permite capturar imágenes del mundo sensible y fijarlas en un soporte material –una película sensible a la luz o un sensor digital–. Se basa en el principio de la cámara oscura, con la cual se consigue proyectar una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumentada su nitidez. La fotografía moderna comenzó con la construcción del daguerrotipo por Louis-Jacques-Mandé Daguerre, a partir de donde se fueron perfeccionando los procedimientos técnicos para su captación y reproducción. Pese a tomar sus imágenes de la realidad, la fotografía fue enseguida considerada un arte, pues se reconoce que la visión aportada por el fotógrafo a la hora de elegir una toma o encuadre es un proceso artístico, realizado con una voluntad estética.
  • Historieta: la historieta o cómic es una representación gráfica mediante la cual se narra una historia a través de una sucesión de viñetas, en las que mediante dibujos –en color o blanco y negro– y textos enmarcados en unos recuadros llamados “bocadillos” se va presentando la acción narrada, en un sentido lineal. Derivada de la caricatura, la historieta se desarrolló a partir del siglo XIX sobre todo en medios periodísticos, en tiras insertadas generalmente en las secciones de entretenimiento de los periódicos, aunque pronto adquirieron autonomía propia y empezaron a ser editadas en forma de álbumes. Aunque comenzó dentro del género humorístico, posteriormente aparecieron historietas de todos los géneros, alcanzando gran éxito a nivel popular durante el siglo XX.
  • Pintura: es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de color sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared, etc. Se suele dividir en pintura mural (fresco, temple) o de caballete (temple, óleo, pastel), e igualmente puede clasificarse según su género (retrato, paisaje, bodegón, etc.). La pintura ha sido durante siglos el principal medio para documentar la realidad, el mundo circundante, reflejando en sus imágenes el devenir histórico de las distintas culturas que han sucedido a lo largo del tiempo, así como sus costumbres y condiciones materiales.
Artes escénicas
  • Danza: la danza es una forma de expresión del cuerpo humano, que consiste en una serie de movimientos rítmicos al compás de una música –aunque esta última no es del todo imprescindible–. Entre sus modalidades figura el ballet o danza clásica, aunque existen innumerables tipos de danzas rituales y folclóricas entre las diversas culturas y sociedades humanas, así como infinitud de bailes populares. Las técnicas de danza requieren una gran concentración para dominar todo el cuerpo, con especial hincapié en la flexibilidad, la coordinación y el ritmo.
  • Teatro: es un arte escénico que tiene por objetivo la representación de un drama literario, a través de unos actores que representan unos papeles establecidos, combinado con una serie de factores como son la escenografía, la música, el espectáculo, los efectos especiales, el maquillaje, el vestuario, los objetos de atrezzo, etc. Se realiza sobre un escenario, siendo parte esencial de la obra el dirigirse a un público. El teatro puede incluir, en exclusiva o de forma combinada, diversos tipos de modalidades escénicas, como la ópera, el ballet y la pantomima.
Artes musicales
  • Canto coral: es el realizado por un grupo de voces, bien masculinas o femeninas, o mixtas, que interpretan una canción o melodía de forma conjunta, aunando sus voces para ofrecer una sola voz musical. Entre las diversas formas de canto coral figura el canto gregoriano.
Artes literarias
  • Narrativa: es el arte de escribir en prosa, recreando en palabras sucesos reales o ficticios, que el escritor dispone de forma adecuada para su correcta comprensión por el lector, con finalidades informativas o recreativas, expresadas con un lenguaje que puede variar desde un aspecto descriptivo hasta otro imaginario o de diversa índole. Entre las diversas formas de narrativa se encuentran la novela y el cuento.
  • Poesía: es una composición literaria basada en la métrica y el ritmo, dispuesta a través de una estructura de versos y estrofas que pueden tener diversas formas de rima, aunque también pueden ser de verso libre. Su contenido puede ser igualmente realista o ficticio, aunque por lo general la poesía siempre suele tener un aspecto evocador e intimista, siendo el principal vehículo de expresión del componente más emotivo del ser humano.
  • Drama: es una forma de escritura basada en el diálogo de diversos personajes, que van contando una historia a través de la sucesión cronológica y argumental de diversas escenas donde se va desarrollando la acción. Aunque tiene un carácter literario autónomo, generalmente está concebido para ser representado de forma teatral, por lo que el drama está íntimamente ligado a las artes escénicas.

Estilos artísticos

Artículo principal: Movimiento artístico

Cada periodo histórico ha tenido unas características concretas y definibles, comunes a otras regiones y culturas, o bien únicas y diferenciadas, que han ido evolucionando con el devenir de los tiempos. De ahí surgen los estilos artísticos, que pueden tener un origen geográfico o temporal, o incluso reducirse a la obra de un artista en concreto, siempre y cuando se produzcan unas formas artísticas claramente definitorias. ‘Estilo’ proviene del latín stilus (‘punzón’), escrito en época medieval como stylus por influencia del término griego στύλος (stylos, ‘columna’). Antiguamente, se denominaba así a un tipo de punzón para escribir sobre tablillas de cera; con el tiempo, pasó a designar tanto el instrumento, como el trabajo del escritor y su manera de escribir. El concepto de estilo surgió en literatura, pero pronto se extendió al resto de artes, especialmente música y danza. Actualmente se emplea este término en su sentido metonímico, es decir, como aquella cualidad que identifica la forma de trabajar, de expresarse o de concebir una obra de arte por parte del artista, o bien, en sentido más genérico, de un conjunto de artistas u obras que tienen diversos puntos en común, agrupados geográfica o cronológicamente. Así, el estilo puede ser tanto un conjunto de caracteres formales, bien individuales –la forma de escribir, de componer o de elaborar una obra de arte por parte de un artista–, o bien colectivos –de un grupo, una época o un lugar geográfico–, como un sistema orgánico de formas, en que sería la conjunción de determinados factores la que generaría la forma de trabajar del grupo, como en el arte románico, gótico, barroco, etc. Según Focillon, un estilo es «un conjunto coherente de formas unidas por una conveniencia recíproca, sumisas a una lógica interna que las organiza».

Estos caracteres individuales o sociales son signos distintivos que permiten diferenciar, definir y catalogar de forma empírica la obra de un artista o un grupo de artistas adscritos a un mismo estilo o “escuela” –término que designa un grupo de autores con características comunes definitorias–. Así, la “estilística” es la ciencia que estudia los diversos signos distintivos, objetivos y unívocos, de la obra de un artista o escuela. Este estudio ha servido en la Historia del arte como punto de partida para el análisis del devenir histórico artístico basado en el estilo, como se puede apreciar en alguna escuela historiográfica como el formalismo.[60]​

El estilo estudia al artista y a la obra de arte como materialización de una idea, plasmada en la materia a través de la técnica, lo que constituye un lenguaje formal susceptible de análisis y de catalogación y periodificación. Por otro lado, así como la similitud de formas crean un lenguaje y, por tanto, un estilo, una misma forma puede tener distinta significación en diversos estilos. Así, los estilos están sujetos a una dinámica evolutiva que suele ser cíclica, recurrente, perceptible en mayor o menor grado en cada periodo histórico. Se suelen distinguir en cada estilo, escuela o periodo artístico diversas fases –con las naturales variaciones concretas en cada caso–: “fase preclásica”, donde se comienzan a configurar los signos distintivos de cada estilo concreto –se suelen denominar con los prefijos ‘proto’ o ‘pre’, como el prerromanticismo–; “fase clásica”, donde se concretan los principales signos característicos del estilo, que servirán de puntos de referencia y supondrán la materialización de sus principales realizaciones; “fase manierista”, donde se reinterpretan las formas clásicas, elaboradas desde un punto de vista más subjetivo por parte del autor; “fase barroca”, que es una reacción contra las formas clásicas, deformadas a gusto y capricho del artista; “fase arcaizante”, donde se vuelve a las formas clásicas, pero ya con la evidente falta de naturalidad que le es intrínseca –se suele denominar con el prefijo ‘post’, como el postimpresionismo–; y “fase recurrente”, donde la falta de referentes provoca una tendencia al eclecticismo –se suelen denominar con el prefijo ‘neo’, como el neoclasicismo–.[61]​

Estilos artísticos
 
Fase preclásica:
Kurós del Asclepeion de Paros.  
 
Fase clásica:
Discóbolo, de Mirón.  
 
Fase manierista:
Apolo Sauróctono, de Praxíteles.  
 
Fase barroca:
Laocoonte y sus hijos, de Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas.  
 
Fase arcaizante:
Grupo de San Ildefonso, escultura romana inspirada en modelos griegos.  
 
Fase recurrente:
Napoleón divinizado, de Antonio Canova, escultura neoclasicista inspirada en modelos clásicos grecorromanos.  

Géneros artísticos

Artículo principal: Tema artístico

Un género artístico es una especialización temática en que se suelen dividir las diversas artes. Antiguamente se denominaba “pintores de género” a los que se ocupaban de un solo tema: retratos, paisajes, pinturas de flores, animales, etc. El término tenía un cierto sentido peyorativo, ya que parecía que el artista que trataba solo esos asuntos no valía para otros, y se contraponía al “pintor de historia”, que en una sola composición trataba diversos elementos (paisaje, arquitectura, figuras humanas). En el siglo XVIII, el término se aplicó al pintor que representaba escenas de la vida cotidiana, opuesto igualmente al pintor de historia, que trataba temas históricos, mitológicos, etc. En cambio, en el siglo XIX, al perder la pintura de historia su posición privilegiada, se otorgó igual categoría a la historia que al paisaje, retrato, etc. Entonces, la pintura de género pasó a ser la que no trataba las principales cuatro clases reconocidas: historia, retrato, paisaje y marina. Así, un pintor de género era el que no tenía ningún género definido. Por último, al eliminar cualquier jerarquía en la representación artística, actualmente se considera pintura de género cualquier obra que represente escenas de la vida cotidiana, temas anecdóticos, al tiempo que aún se habla de géneros artísticos para designar los diversos temas que han sido recurrentes en la Historia del arte (paisaje, retrato, desnudo, bodegón), haciendo así una síntesis entre los diversos conceptos anteriores.[62]​

  • Géneros literarios: los géneros literarios son los distintos grupos o categorías en que podemos clasificar las obras literarias atendiendo a su contenido. La retórica clásica los ha clasificado en tres grupos importantes: lírico, épico y dramático. A éstos algunos suelen añadir el didáctico (oratoria, ensayo, biografía, crónica).
  • Géneros musicales: se basan en criterios como el ritmo, la instrumentación, las características armónicas o melódicas o la estructura. La música clásica, académica o música culta es uno de los tres grandes géneros en los que se puede dividir la música en general, junto con la música popular y la música tradicional o folclórica.

Técnicas artísticas

 
Johann Sebastian Bach, considerado el gran maestro del contrapunto.
Música
  • Armonía: es la ciencia que enseña a constituir los acordes (conjuntos de sonidos) y que sugiere la manera de combinarlos en la manera más equilibrada, consiguiendo así sensaciones de relajación (armonía consonante) o de tensión (armonía disonante). Establece un estilo de composición esencialmente vertical, entre notas que se tocan al unísono.
  • Contrapunto: es la técnica que se utiliza para componer música polifónica mediante el enlace de dos o más melodías (también voces o líneas) independientes que se escuchan simultáneamente. De mayor complejidad que la armonía, da un mayor énfasis al desarrollo horizontal de la composición, que se establece mediante las relaciones interválicas entre sucesivas notas.
  • Homofonía y Monodia: es una textura musical donde dos o más partes musicales se mueven simultáneamente desde el punto de vista armónico, y cuya relación forma acordes. Se contrapone a la polifonía ya que en esta las partes tienen independencia rítmica y melódica y donde no hay predominancia de ninguna parte.
  • Polifonía: se reconoce como un conjunto de sonidos simultáneos, en que cada uno expresa su idea musical, conservando su independencia, formando así con los demás un todo armónico.
  • Adornos musicales: son recursos que pueden ser utilizados en las composiciones con el objeto de imprimirles a éstas expresión, ornamento, variedad, gracia o vivacidad. Incluyen los trinos, los mordentes, las florituras,...
Dibujo
  • Carboncillo: es uno de los materiales más antiguos para el dibujo, empleado desde la prehistoria. Se hace con ramitas de sauce asadas al horno en una cacerola cerrada, dejándolo cocer a baja temperatura toda la noche. Después se le saca punta y se inserta en una caña o bastoncillo. Es ideal para bocetos y estudios preparatorios, ya que es friable y fácil de borrar.
  • Lápiz: es un grafito insertado en un tubo de madera o metal, de color negro, afilable y fácil de borrar, ideal para el dibujo. Se difundió desde Italia en el siglo XV.
  • Pincel: apto para dibujo y pintura, está compuesto de un soporte de madera y pelos de diferentes animales, preferentemente cerdo, marta cibelina, ardilla, etc. Se emplea con tinta, líquido elaborado con negro de carbón procedente de cáscaras de nueces quemadas, con agua, goma arábiga, gelatinas y odorizantes como el alcanfor o el almizcle. Es ideal para remarcar volúmenes y destacar brillos y zonas luminosas.
  • Pluma: uno de los medios más antiguos e ideales para el dibujo, así como la escritura y cualquier tipo de expresión gráfica, es la pluma, bien de bastoncillos de caña, a los que se saca punta, o bien de plumas de animales, preferentemente la oca. Se aplica con tinta, sobre papel o pergamino.
  • Puntas metálicas (stilum): la punta de metal (plomo, estaño, plata) se usa desde época romana, aplicada sobre papel, pergamino o madera.
  • Sanguina: es un tipo de lápiz de color rojizo, obtenido de arcilla ferruginosa, que hace un tipo de dibujo de color rojizo muy característico, de moda en la Italia del Renacimiento.
  • Tiza: es sulfato de calcio bihidratado, empleado desde el Renacimiento para material de dibujo o como pigmento para la pintura al temple. Tallada en barritas, existe la tiza blanca (calcita), la gris (arcilla cruda de ladrillos) y la negra (carbón de fósil) y, ya en era moderna, las tizas de colores, de compuestos artificiales.[63]​
 
Paleta de pintor, pinceles y tubos de pintura (óleos).
Pintura

La pintura, como elemento bidimensional, necesita un soporte (muro, madera, lienzo, cristal, metal, papel, etc.); sobre este soporte se pone el pigmento (colorante + aglutinante). Es el aglutinante el que clasifica los distintos procedimientos pictóricos:

  • Acrílico: técnica pictórica donde al colorante se le añade un aglutinante plástico.
  • Acuarela: técnica realizada con pigmentos transparentes diluidos en agua, con aglutinantes como la goma arábiga o la miel, usando como blanco el del propio papel. Técnica conocida desde el antiguo Egipto, ha sido usada todas las épocas, aunque con más intensidad durante los siglos XVIII y XIX.
  • Aguada o gouache: técnica similar a la acuarela, con colores más espesos y diluidos en agua o cola mezclada con miel. A diferencia de la acuarela, contiene el color blanco.
  • Encáustica: técnica donde los colores se diluyen en cera fundida, cola y lejía, pintando en caliente. Es una pintura densa y cremosa, resistente a la luz y al agua. Una vez aplicado el pigmento, debe procederse al pulido, con trapos de lino.
  • Fresco: la pintura al fresco se realiza sobre un muro revocado de cal húmeda y con colores diluidos en agua de cal. El fresco se debe ejecutar muy deprisa, ya que la cal absorbe rápidamente el color, habiendo de retocarse posteriormente al temple en caso de ser necesario. Conocido desde la antigüedad, se practicó frecuentemente durante la Edad Media y el Renacimiento.
  • Laca: el colorante se aglutina con laca –producto de unos pulgones japoneses–, disuelta con alcohol o acetona.
  • Miniatura: es la decoración de manuscritos con láminas de oro y plata, y pigmentos de colores aglutinados con cola, huevo o goma arábiga. La palabra viene de la utilización del rojo minio en la rotulación de las iniciales del manuscrito.
  • Óleo: técnica que consiste en disolver los colores en un aglutinante de tipo oleoso (aceite de linaza, nuez, almendra o avellana; aceites animales), añadiendo aguarrás para que seque mejor.
  • Pastel: el pastel es un lápiz de pigmento de diversos colores minerales, con aglutinantes (caolín, yeso, goma arábiga, látex de higo, cola de pescado, azúcar candi, etc.), amasado con cera y jabón de Marsella y cortado en forma de barritas. El color se debe extender con un “difumino” –cilindro de piel o papel que se usa para difuminar los trazos de color, los contornos, etc.–, lo que le da un aspecto suave y aterciopelado, ideal para retratos. Sin embargo, es poco persistente, por lo que necesita de algún fijador (agua, y cola o leche). Surgió en Francia en el siglo XVI.
  • Temple: pintura realizada con colores diluidos en agua temperada o engrosada con aglutinantes con base de cola (yema de huevo, caseína, cola de higuera, cerezo o ciruelo). Se utiliza sobre tabla o muro y, a diferencia del fresco, puede retocarse en seco.[64]​
  • Técnicas mixtas:
    • Collage: técnica consistente en aplicar sobre una superficie diversos materiales (papel, tela, chapa, periódicos, fotografías, etc.), elaborados de forma diversa (rotos, cortados, rasgados), de tal forma que compongan una composición de signo artístico, bien de forma individual o mezclados con otras técnicas pictóricas.
    • Décollage designa a la técnica opuesta al collage; en lugar de construir una imagen a partir de la suma de otras imágenes o partes de ellas, aquella es creada cortando, rasgando o eliminando de cualquier otra forma partes de la imagen original.
    • Dripping: técnica proveniente del action painting, consiste en chorrear (dripping = ‘chorreando’) la pintura sobre el lienzo, que mediante el movimiento del artista sobre la tela adquiere diferentes formas y espesores.
    • Ensamblaje (assemblage): técnica consistente en la utilización de objetos reales provenientes de la vida cotidiana, que son pegados o ensamblados a un soporte y sometidos posteriormente a otras actuaciones pictóricas o de cualquier otra técnica mixta.
    • frottage: técnica ideada por Max Ernst en 1925, consiste en frotar un lápiz sobre una hoja colocada sobre un objeto, consiguiendo una impresión de la forma y textura de ese objeto. Se puede hacer también con lápices de colores, o pintar sobre el primer esbozo.
    • Grattage: deriva del frottage, elaborando la imagen como un esgrafiado, esparciendo el color en apliques densos, que después se rascan con espátula o con redes metálicas de diversas texturas.
Escultura

Según el material, se puede trabajar en tres sistemas: “aditivo”, modelando y añadiendo materia, generalmente en materias blandas (cera, plastilina, barro); “sustractivo”, eliminando materia hasta descubrir la figura, generalmente en materiales duros (piedra, mármol, madera, bronce, hierro); y “mixto”, añadiendo y quitando. También se puede hacer por fundición, a través de un molde. Hecha la escultura, se puede dejar al natural o policromarla, con colorantes vegetales o minerales o en encausto, al temple o al óleo, en dorado o estofado (imitación de oro).

  • Escultura en marfil: proveniente de colmillos de diversos animales (elefante, hipopótamo, morsa, jabalí africano), el marfil es un material empleado en escultura y orfebrería. Es fácil de tallar, aunque tiene el impedimento de su escasa longitud y su curvatura. Se trabaja con escoplos y taladros. En combinación con el oro, produce la llamada técnica crisoelefantina.
  • Escultura en metal: se realiza con cobre, bronce, oro o plata, trabajado directamente con martillo y cincel, generalmente en láminas de metal sobre placas de madera. El metal se vuelve rígido al ir golpeándolo, por lo que hay que ir calentándolo para seguir trabajando, proceso conocido como “recocido”. También se puede trabajar en “repujado”, practicando el bajorrelieve con martillo y punzón. Otra técnica es a la “cera perdida”, sobre un modelo de arcilla o yeso, sobre el que se aplica una aleación de bronce o latón.
  • Escultura en piedra: es una de las más frecuentes, realizada por sustracción. Generalmente se emplean piedras como la caliza, el mármol, el basalto, el granito, el pórfido, el alabastro, etc. Se trabaja con taladro, escoplo, martillo y cincel.
  • Estuco: formado por cal, polvo de mármol, arena lavada y cola de caseína, el estuco se emplea desde la antigüedad en escultura o como elemento decorativo en la arquitectura. Fácilmente moldeable, se puede dejar al natural o policromarlo.
  • Talla: la talla en madera es una de las técnicas escultóricas más antiguas, fácil de ejecutar y de múltiples cualidades plásticas. Su carácter irregular le da un aire expresivo, inacabado, que puede ser ideal para determinados estilos artísticos pero que es rechazado por otros de corte más clásico y perfeccionista. Una vez realizada la talla, se puede policromar, aplicarle diversos tratamientos con ceras o lacas, láminas metálicas, tejidos o incrustaciones de piedras preciosas u otros elementos.
  • Terracota: escultura realizada con arcilla cocida, fue el primer material utilizado para modelar figuras. Se trabaja sobre un caballete, con estiques o espátulas, o bien con un molde de yeso. Una vez modelada y dejada secar, se cuece a 750-950°. Una vez terminada, se puede dejar al natural, decorarla con pintura o esmaltarla (forma esta última ideada en el siglo XV por Luca della Robbia).[65]​
  • Técnicas mixtas: como en pintura, en escultura se puede dar la utilización de diversos elementos para formar la figura, procedimiento diversificado en el siglo XX con la utilización de materiales considerados no artísticos, procedentes incluso de elementos detríticos o de desecho, o añadiendo diversos objetos naturales o artificiales, como en los denominados ready-made.
 
Grabado: El velo de Verónica (1513), de Alberto Durero.
 
Mosaico: mosaico bizantino del siglo V (Estambul).
 
Vidriera: Moisés en el monte Sinaí y Moisés ante el faraón (siglo XIII), Catedral de Colonia, Alemania.
 
Cerámica: fuente de la Dinastía ming (siglos XIV-XV).
 
Orfebrería: collar de oro micénico, siglo XII a. C.
Grabado
  • Calcografía: grabado sobre cobre realizado en hueco, en diversas técnicas:
    • Aguafuerte: técnica de grabado consistente en tratar las partes de la plancha de metal no protegidas por un barniz con “agua fuerte” (ácido nítrico diluido en agua).
    • Aguatinta: técnica proveniente de una plancha de metal cubierta con resina, que una vez calentada se adhiere a la superficie de la plancha, dibujando posteriormente sobre esta superficie con un tipo de tinta especial, llamada aguatinta. Proveniente del aguafuerte, produce efectos parecidos a la acuarela. Surgió en el siglo XVIII.
    • Grabado a buril: se realiza sobre plancha de cobre, con un buril, instrumento formado por un mango redondo y una barra de acero, de sección cuadrada tallada en forma de rombo. Con esta herramienta se perfila el dibujo, rellenando los surcos con tinta.
    • Grabado a punta seca: en esta técnica la plancha se trabaja directamente con una punta de acero, diamante o rubí, sin recurrir a barnices ni ácidos, obteniendo unas líneas ásperas llamadas “rebabas”, diferentes según la presión y el ángulo de incisión. A diferencia del buril, no corta el metal, sino que lo araña.
    • Grabado a media tinta (mezzotinto): también llamado grabado en negro o al humo, se trabaja la plancha con un rascador de varias puntas (rocker o berceau), obteniendo un graneado uniforme por entrecruzamiento de líneas, distinguiendo así tonos claros y oscuros.
  • Linograbado: técnica de grabado en relieve similar a la xilografía, pero utilizando linóleo en vez de madera.
  • Litografía: es un grabado sobre piedra caliza, tratando la superficie con un lápiz de materia grasa para delimitar el dibujo y realizando el grabado según dos procedimientos: bañando con ácido, para corroer la parte no engrasada y dejar el dibujo en relieve; o aplicando dos clases de tinta acuosa y grasa, fijándose la primera en el fondo y cubriendo la segunda las líneas dibujadas a lápiz. Fue inventado por Aloys Senefelder en 1778.
  • Serigrafía: técnica por la cual se obtienen impresiones filtrando los colores por una trama de seda –o, actualmente, nailon–, recubriendo con cola las partes que no deben filtrarse para impermeabilizarlas. Fue inventado en China.
  • Xilografía: grabado en madera (generalmente cerezo o boj), realizado sobre un boceto calcado sobre la plancha de madera y tallado con cuchillo, gubia, formón o buril, vaciando de madera los blancos y dejando en relieve los negros; a continuación, se entinta con un rodillo y se estampa, bien a mano o bien con el tórculo. Fue muy utilizado en la Edad Media, sobre todo en Alemania.[66]​
Mosaico
  • Lithóstroton: término griego que designa al mosaico colocado a modo de pavimento. El revestimiento es aplicado sobre cal, arena u otros materiales como piedras, guijarros, losas de mármol, etc. Existen varios tipos: opus lapilli, pequeños guijarros de colores naturales, que por sí mismos componen el dibujo; opus tessellatum, formado por teselas, piezas de forma cuadrada de dos centímetros, con las que se elabora la composición, generalmente de tipo geométrico; opus vermiculatum, igualmente elaborado con teselas, pero de diferentes contornos, pudiendo formar así diversos trazados; opus sectile, formado por losas de mármol de forma irregular.
  • Mosaico: también llamado opus musivum, es la misma técnica que el lithóstroton, pero aplicada a la decoración mural, en vez de la pavimental. Se realiza con teselas de pasta vítrea, aplicadas sobre la pared preparada con varias capas de mortero, elaborando figuras y dibujos.
  • Taracea: técnica similar a las anteriores, puede ser pavimental o parietal, o incluso se puede aplicar a muebles u otros objetos. Consiste en incrustar sobre una superficie compacta finas losas de piedra y mármol de color, cortadas y encajadas formando imágenes o composiciones diversas. También puede realizarse en madera (“intarsia”), siendo una técnica frecuente en ebanistería. En Carpi, en el siglo XVII, surgió también una taracea en escayola.[67]​
Vidrio

Existen diversos tipos de vidrio: “vidrio sódico” (el más básico, a partir de sílice), cristal (sílice y óxido de plomo o potasio), “vidrio calcedonio” (sílice y óxidos metálicos) y “vidrio lácteo” (sílice, bióxido de manganeso y óxido de estaño). La principal técnica para trabajarlo es el soplado, donde se le puede dar cualquier forma y espesor. En cuanto a la decoración, puede ser pintada, esgrafiada, tallada, con pinzas, a filigrana, etc.[68]​

  • Vidriera: se realiza sobre cristales engarzados en madera, yeso, oro o plomo, los cuales se van encajando con láminas de plomo, estañándolos, con una capa de masilla (blanco pintor con aceite de linaza). Las vidrieras antiguas tienen grisallas, óxido férrico líquido, aplicado para dibujar con precisión detalles pequeños; hacia 1340 se sustituyó por el óxido de plata y, a partir de aquí, ya no se hacen cristales de colores, sino que se colorea sobre cristal blanco.
  • Esmalte: es una pasta de vidrio (sílice, cal, potasa, plomo y minio), sobre soporte de metal, trabajado según diversas técnicas: cloisonné, pequeños filamentos de oro o cobre, con los que se dibuja la figura sobre el soporte, para separar el esmalte en tabiques; champlevé, rebajando el soporte en alvéolos, ahuecando el material en concavidades, rellenadas con el esmalte; ajougé, superficie de oro donde se recortan las formas con sierras o limas, rellenando con esmalte la parte eliminada.
Cerámica

Se realiza con arcilla, en cuatro clases: barro cocido poroso rojo-amarillento (alfarería, terracota, bizcocho); barro cocido poroso blanco (loza); barro cocido no poroso gris, pardo o marrón (gres); barro cocido compacto no poroso blanco medio transparente (porcelana). Se puede elaborar de forma manual o mecánica —con torno—, después se cuece en el horno –a temperaturas entre 400° y 1300°, según el tipo–, y se decora con esmalte o pintura.[69]​

Orfebrería

Es el arte de confeccionar objetos decorativos con metales nobles o piedras preciosas, como el oro, plata, diamante, perla, ámbar, coral, etc.

  • Camafeo: es el tallado de figuras en relieve sobre piedras duras estratificadas, como el ágata, la sardónica, el coral y la concha, que por lo general poseen capas de diversos colores, lo que proporciona unos intensos contrastes cromáticos.
  • Cincelado: consiste en trabajar el metal precioso con un cincel, realizando decoraciones ahuecadas o trabajos de acabado, con cinceles de distintas formas y grosores.
  • Damasquinado (o “ataujía”): sobre un soporte metálico se traza el dibujo con punta fina, luego se hace una incisión con buriles y escalpelos, y por último se aplica una filigrana de metales de diverso color.
  • Filigrana: se crea con hilos de metal precioso, con los que se elabora la pieza trenzando o enroscando los hilos, hasta obtener la forma deseada.
  • Fusión: son los trabajos ejecutados a molde, elaborados de dos formas: “fusión permanente”, realizada con un molde bivalvo, con la forma ya trabajada, de piedra o terracota; “a la cera perdida”, donde se modela el objeto en cera, al que se aplica un embudo con respiraderos, cubriéndose de creta, que una vez seca se calienta hasta que expulse la cera, llenándose luego del metal fundido.
  • Granulado: es un procedimiento por el que se obtienen minúsculas esferas de oro con las que se elaboran dibujos o decoraciones geométricas.
  • Nielado: consiste en grabar un dibujo sobre una lámina de metal —generalmente plata—, rellenando los surcos con el “nielado”, aleación de plata, cobre y plomo, con azufre y bórax, que produce una mezcla negra y brillante.
  • Opus interrasile: técnica de origen romano que consiste en realizar pequeñas incisiones en las láminas de metal precioso, realizando una función de calado que da a la obra un aspecto de encaje.
  • Repujado: es la decoración en relieve realizada sobre planchas de oro, plata o cobre, trabajando el revés de la plancha con martillo y cincel.[70]​
Forja

Se hace con hierro (limonita, pirita o magnetita), reduciéndolo con calor, saliendo una pasta al rojo con la que se hacen lingotes. Hay tres clases: “colado”, con mucho carbono, sílice, azufre y manganeso, no sirve para forjar, solo para fundir en molde; “hierro dulce o forjado”, con menos carbono, es más maleable y dúctil, se puede forjar, pero es blando y desafilable; “acero”, con manganeso, tungsteno, cobalto y wolframio, es más duro, para instrumentos cortantes. El modelado se realiza sin añadir ni quitar material, sino que existen diversas técnicas alternativas: estirar, ensanchar, hendir, curvar, recalcar, etc.

Restauración

Artículo principal: Restauración (arte)
 
El Juicio Final de Miguel Ángel antes de la restauración.
 
El Juicio Final durante la restauración.
 
El Juicio Final tras la restauración.

La restauración de obras de arte es una actividad que tiene por objeto la reparación o actuación preventiva de cualquier obra que, debido a su antigüedad o estado de conservación, sea susceptible de ser intervenida para preservar su integridad física, así como sus valores artísticos, respetando al máximo la esencia original de la obra.[71]​

La restauración debe dirigirse al restablecimiento de la unidad potencial de la obra de arte, siempre que esto sea posible sin cometer una falsificación artística o una falsificación histórica, y sin borrar huella alguna del transcurso de la obra de arte a través del tiempo.
Cesare Brandi, Teoría de la restauración (1988).[50]​

En arquitectura, la restauración suele ser de tipo funcional, para preservar la estructura y unidad del edificio, o reparar grietas o pequeños defectos que puedan surgir en los materiales constructivos. Hasta el siglo XVIII, las restauraciones arquitectónicas solo preservaban las obras de culto religioso, dado su carácter litúrgico y simbólico, reconstruyendo otro tipo de edificios sin respetar siquiera el estilo original. Sin embargo, desde el auge de la arqueología a finales del siglo XVIII, especialmente con las excavaciones de Pompeya y Herculano, se tendió a preservar en la medida de lo posible cualquier estructura del pasado, siempre y cuando tuviese un valor artístico y cultural. Aun así, en el siglo XIX los ideales románticos llevaron a buscar la pureza estilística del edificio, y la moda del historicismo llevó a planteamientos como los de Viollet-le-Duc, defensor de la intervención en monumentos en función de cierto ideal estilístico. En la actualidad, se tiende a preservar al máximo la integridad de los edificios históricos.

En el terreno de la pintura, se ha evolucionado desde una primera perspectiva de intentar recuperar la legibilidad de la imagen, añadiendo si fuese necesario partes perdidas de la obra, a respetar la integridad tanto física como estética de la obra de arte, haciendo las intervenciones necesarias para su conservación sin que se produzca una transformación radical de la obra. La restauración pictórica adquirió un creciente impulso a partir del siglo XVII, debido al mal estado de conservación de pinturas al fresco, técnica bastante corriente en la Edad Media y el Renacimiento. Igualmente, el aumento del mercado de las antigüedades propició la restauración de obras antiguas cara a su posterior comercialización. Por último, en escultura ha habido una evolución paralela: desde la reconstrucción de obras antiguas, generalmente en cuanto a miembros mutilados (como en la reconstrucción del Laocoonte en 1523-1533 por parte de Giovanni Angelo Montorsoli), hasta la actuación sobre la obra preservando su estructura original, manteniendo en caso necesario un cierto grado de reversibilidad de la actuación practicada.[72]​

Estética

Artículo principal: Estética
 
El Hombre vitruviano, de Leonardo da Vinci, estudio de las proporciones en el cuerpo humano.

La estética es una rama de la filosofía que se encarga de estudiar la manera cómo el razonamiento del ser humano interpreta los estímulos sensoriales que recibe del mundo circundante. Se podría decir, así como la lógica estudia el conocimiento racional, que la estética es la ciencia que estudia el conocimiento sensible, el que adquirimos a través de los sentidos.[73]​ Entre los diversos objetos de estudio de la estética figuran la belleza o los juicios de gusto, así como las distintas maneras de interpretarlos por parte del ser humano. Por tanto, la estética está íntimamente ligada al arte, analizando los diversos estilos y periodos artísticos conforme a los diversos componentes estéticos que en ellos se encuentran. A menudo se suele denominar la estética como una “filosofía del arte”. La estética es una reflexión filosófica que se hace sobre objetos artísticos y naturales, y que produce un “juicio estético”. La percepción sensorial, una vez analizada por la inteligencia humana, produce ideas, que son abstracciones de la mente, y que pueden ser objetivas o subjetivas. Las ideas provocan juicios, al relacionar elementos sensoriales; a su vez, la relación de juicios es razonamiento. El objetivo de la estética es analizar los razonamientos producidos por dichas relaciones de juicios.[74]​

El término estética proviene del griego αἴσθησις (aísthêsis, ‘sensación’). Fue introducido por el filósofo alemán Alexander Gottlieb Baumgarten en su obra Reflexiones filosóficas acerca de la poesía (1735), y más tarde en su Aesthetica (1750).[75]​ Así pues, la Historia de la estética, rigurosamente hablando, comenzaría con Baumgarten en el siglo XVIII, sobre todo con la sistematización de esta disciplina realizada por Immanuel Kant. Sin embargo, el concepto es extrapolable a los estudios sobre el tema efectuados por los filósofos anteriores, especialmente desde la Grecia clásica. Cabe señalar, por ejemplo, que los antiguos griegos tenían un vocablo equiparable al actual concepto de estética, que era Φιλοκαλία (filocalía, ‘amor a la belleza’). Se podría decir que en Grecia nació la estética como concepto, mientras que con Baumgarten se convierte en una ciencia filosófica.

Según Arnold Hauser, las «obras de arte son provocaciones con las cuales polemizamos», pero que no nos explicamos. Las interpretamos de acuerdo con nuestras propias finalidades y aspiraciones, les trasladamos un sentido cuyo origen está en nuestras formas de vida y hábitos mentales. Nosotros, «de todo arte con el cual tenemos una relación auténtica hacemos un arte moderno». Hoy día, el arte ha establecido unos conjuntos de relaciones que permiten englobar dentro de una sola interacción la obra de arte, el artista o creador y el público receptor o destinatario. Hegel, en su Estética, intentó definir la trascendencia de esta relación diciendo que «la belleza artística es más elevada que la belleza de la naturaleza, ya que cambia las formas ilusorias de este mundo imperfecto, donde la verdad se esconde tras las falsas apariencias para alcanzar una verdad más elevada creada por el espíritu».

El arte es también un juego con las apariencias sensibles, los colores, las formas, los volúmenes, los sonidos, etc. Es un juego gratuito donde se crea de la nada o de poco más que la nada una apariencia que no pretende otra cosa que engañarnos. Es un juego placentero que satisface nuestras necesidades eternas de simetría, de ritmo o de sorpresa. La sorpresa que para Baudelaire es el origen de la poesía. Así, según Kant, el placer estético deriva menos de la intensidad y la diversidad de sensaciones, que de la manera, en apariencia espontánea, por la cual ellas manifiestan una profunda unidad, sensible en su reflejo, pero no conceptualizable.

Para Ernst Gombrich, «en realidad el arte no existe: solo hay artistas». Más adelante, en la introducción de su obra La historia del arte, dice que no tiene nada de malo que nos deleitemos en el cuadro de un paisaje porque nos recuerda nuestra casa, o en un retrato porque nos recuerda un amigo, ya que, como humanos que somos, cuando miramos una obra de arte estamos sometidos a un conjunto de recuerdos que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos. Siguiendo a Gombrich, se puede ver cómo a los artistas también les sucede algo parecido: en el Retrato de un niño (Nicholas Rubens), el pintor flamenco Rubens lo representó hermoso, ya que seguramente se sentía orgulloso del aspecto del niño, y nos quiso transmitir su pasión de padre a la vez que de artista; en el Retrato de la madre, el pintor alemán Alberto Durero la dibujó con la misma devoción y amor que Rubens sentía por su hijo, pero aquí vemos un estudio fiel de la cara de una mujer vieja, no hay belleza natural, pero Durero, con su enorme sinceridad, creó una gran obra de arte.

Véase también: Historia de la estética

Sociología del arte

Artículo principal: Sociología del arte

La sociología del arte es una disciplina de las ciencias sociales que estudia el arte desde un planteamiento metodológico basado en la sociología. Su objetivo es estudiar el arte como producto de la sociedad humana, analizando los diversos componentes sociales que concurren en la génesis y difusión de la obra artística. La sociología del arte es una ciencia multidisciplinar, recurriendo para sus análisis a diversas disciplinas como la cultura, la política, la economía, la antropología, la lingüística, la filosofía, y demás ciencias sociales que influyan en el devenir de la sociedad. Entre los diversos objetos de estudio de la sociología del arte se encuentran varios factores que intervienen desde un punto de vista social en la creación artística, desde aspectos más genéricos como la situación social del artista o la estructura sociocultural del público, hasta más específicos como el mecenazgo, el mercantilismo y comercialización del arte, las galerías de arte, la crítica de arte, el coleccionismo, la museografía, las instituciones y fundaciones artísticas, etc.[76]​ También cabe remarcar en el siglo XX la aparición de nuevos factores como el avance en la difusión de los medios de comunicación, la cultura de masas, la categorización de la moda, la incorporación de nuevas tecnologías o la apertura de conceptos en la creación material de la obra de arte (arte conceptual, arte de acción).

La sociología del arte debe sus primeros planteamientos al interés de diversos historiadores por el análisis del entorno social del arte desde mediados del siglo XIX, sobre todo tras la irrupción del positivismo como método de análisis científico de la cultura, y la creación de la sociología como ciencia autónoma por Auguste Comte. Sin embargo, la sociología del arte se desarrolló como disciplina particular durante el siglo XX, con su propia metodología y sus objetos de estudio determinados. Principalmente, el punto de partida de esta disciplina se suele situar inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, con la aparición de diversas obras decisivas en el desarrollo de esta corriente disciplinar: Arte y revolución industrial, de Francis Klingender (1947); La pintura florentina y su ambiente social, de Friedrich Antal (1948); e Historia social de la literatura y el arte, de Arnold Hauser (1951). En sus inicios, la sociología del arte estuvo estrechamente vinculada al marxismo —como los propios Hauser y Antal, o Nikos Hadjinikolaou, autor de Historia del arte y lucha de clases (1973)—, si bien luego se desmarcó de esta tendencia para adquirir autonomía propia como ciencia. Otros autores destacados de esta disciplina son Pierre Francastel, Herbert Read, Francis Haskell, Michael Baxandall, Peter Burke, Giulio Carlo Argan, etc.[77]​

Psicología del arte

Artículo principal: Psicología del arte
 
Autorretrato con la oreja cortada (1889), de Vincent van Gogh. El psicoanálisis permite comprender ciertos aspectos de la personalidad del artista.

La psicología del arte es la ciencia que estudia los fenómenos de la creación y la apreciación artística desde una perspectiva psicológica. El arte es, como manifestación de la actividad humana, susceptible de ser analizado de forma psicológica, estudiando los diversos procesos mentales y culturales que en la génesis del arte se encuentran, tanto en su creación como en su recepción por parte del público. A su vez, como fenómeno de la conducta humana, puede servir como base de análisis de la conciencia humana, siendo la percepción estética un factor distintivo del ser humano como especie, que lo aleja de los animales. La psicología del arte es una ciencia interdisciplinar, que debe recurrir forzosamente a otras disciplinas científicas para poder efectuar sus análisis, desde –lógicamente– la Historia del arte, hasta la filosofía y la estética, pasando por la sociología, la antropología, la neurobiología, etc. También está estrechamente conectada con el resto de ramas de la psicología, desde el psicoanálisis hasta la psicología cognitiva, evolutiva o social, o bien la psicobiología y los estudios de personalidad. Asimismo, a nivel fisiológico, la psicología del arte estudia los procesos básicos de la actividad humana —como la percepción, la emoción y la memoria—, así como las funciones superiores del pensamiento y el lenguaje. Entre sus objetos de estudio se encuentran tanto la percepción del color (recepción retiniana y procesamiento cortical) y el análisis de la forma, como los estudios sobre creatividad, capacidades cognitivas (símbolos, iconos), el arte como terapia, etc. Para el desarrollo de esta disciplina han sido esenciales las contribuciones de Sigmund Freud, Gustav Fechner, la Escuela de la Gestalt (dentro de la que destacan los trabajos de Rudolf Arnheim), Lev Vygotski, Howard Gardner, etc.[78]​

Una de las principales corrientes de la psicología del arte ha sido la Escuela de la Gestalt, que afirma que estamos condicionados por nuestra cultura –en sentido antropológico–, tanto que la cultura condiciona nuestra percepción. Toma un punto de partida con la obra de Karl Popper, quien afirmó que en la apreciación estética hay un punto de inseguridad (gusto), que no tiene base científica y no se puede generalizar; llevamos una idea preconcebida (“hipótesis previa”), que hace que encontremos en el objeto lo que buscamos. Según la Gestalt, la mente configura, a través de ciertas leyes, los elementos que llegan a ella a través de los canales sensoriales (percepción) o de la memoria (pensamiento, inteligencia y resolución de problemas). En nuestra experiencia del medio ambiente, esta configuración tiene un carácter primario sobre los elementos que la conforman, y la suma de estos últimos por sí solos no podría llevarnos a la comprensión del funcionamiento mental. Se fundamentan en la noción de estructura, entendida como un todo significativo de relaciones entre estímulos y respuestas, e intentan entender los fenómenos en su totalidad, sin separar los elementos del conjunto, que forman una estructura integrada fuera de la cual dichos elementos no tendrían significación. Sus principales exponentes fueron Rudolf Arnheim, Max Wertheimer, Wolfgang Köhler, Kurt Koffka y Kurt Lewin.[79]​

Crítica de arte

Artículo principal: Crítica de arte
 
Denis Diderot, considerado el padre de la crítica de arte.

La crítica de arte es un género, entre literario y académico, que hace una valoración sobre las obras de arte, artistas o exposiciones, en principio de forma personal y subjetiva, pero basándose en la Historia del arte y sus múltiples disciplinas, valorando el arte según su contexto o evolución. Es a la vez valorativa, informativa y comparativa, redactada de forma concisa y amena, sin pretender ser un estudio académico pero aportando datos empíricos y contrastables. Denis Diderot es considerado el primer crítico de arte moderno, por sus comentarios sobre las obras de arte expuestas en los salones parisinos, realizados en el Salón Carré del Louvre desde 1725. Estos salones, abiertos al público, actuaron como centro difusor de tendencias artísticas, propiciando modas y gustos en relación al arte, por lo que fueron objeto de debate y crítica. Diderot escribió sus impresiones sobre estos salones primero en una carta escrita en 1759, que fue publicada en la Correspondance littéraire de Grimm, y desde entonces hasta 1781, siendo el punto de arranque del género.[80]​

En la génesis de la crítica de arte hay que valorar, por un lado, el acceso del público a las exposiciones artísticas, que unido a la proliferación de los medios de comunicación de masas desde el siglo XVIII produjo una vía de comunicación directa entre el crítico y el público al que se dirige. Por otro lado, el auge de la burguesía como clase social que invirtió en el arte como objeto de ostentación, y el crecimiento del mercado artístico que llevó consigo, propiciaron el ambiente social necesario para la consolidación de la crítica artística. La crítica de arte ha estado generalmente vinculada al periodismo, ejerciendo una labor de portavoces del gusto artístico que, por una parte, les ha conferido un gran poder, al ser capaces de hundir o encumbrar la obra de un artista, pero por otra les ha hecho objeto de feroces ataques y controversias. Otra faceta a remarcar es el carácter de actualidad de la crítica de arte, ya que se centra en el contexto histórico y geográfico en el que el crítico desarrolla su labor, inmersa en un fenómeno cada vez más dinámico como es el de las corrientes de moda. Así, la falta de historicidad para emitir un juicio sobre bases consolidadas, lleva a la crítica de arte a estar frecuentemente sustentada en la intuición del crítico, con el factor de riesgo que ello conlleva. Sin embargo, como disciplina sujeta a su tiempo y a la evolución cultural de la sociedad, la crítica de arte siempre revela un componente de pensamiento social en el que se ve inmersa, existiendo así diversas corrientes de crítica de arte: romántica, positivista, fenomenológica, semiológica, etc.[81]​

Para ser justa, es decir, para tener su razón de ser, la crítica debe ser parcial, apasionada, política; esto es: debe adoptar un punto de vista exclusivo, pero un punto de vista exclusivo que abra al máximo los horizontes.
Charles Baudelaire, Salón de 1846.[82]​

Entre los críticos de arte ha habido desde famosos escritores hasta los propios historiadores del arte, que muchas veces han pasado del análisis metodológico a la crítica personal y subjetiva, conscientes de que era un arma de gran poder hoy día. Como nombres, se podría citar a Charles Baudelaire, John Ruskin, Oscar Wilde, Émile Zola, Joris-Karl Huysmans, Guillaume Apollinaire, Wilhelm Worringer, Clement Greenberg, Michel Tapié, etc.; en el mundo hispanohablante, destacan Eugeni d'Ors, Aureliano de Beruete, Jorge Romero Brest, Juan Antonio Gaya Nuño, Alexandre Cirici, Juan Eduardo Cirlot, Enrique Lafuente Ferrari, Rafael Santos Torroella, Francisco Calvo Serraller, José Corredor Matheos, Irma Arestizábal, Ticio Escobar, Raúl Zamudio, etc.[83]​

Historiografía del arte

Artículo principal: Estudio de la Historia del Arte
 
Johann Joachim Winckelmann, considerado el padre de la Historia del arte.

La historiografía del arte es la ciencia que analiza el estudio de la Historia del arte, desde un punto de vista metodológico, es decir, de la forma cómo el historiador afronta el estudio del arte, las herramientas y disciplinas que le pueden ser de utilidad para este estudio. El mundo del arte siempre ha llevado en paralelo un componente de autorreflexión, desde antiguo los artistas, u otras personas a su alrededor, han plasmado por escrito diversas reflexiones sobre su actividad. Vitruvio escribió el tratado sobre arquitectura más antiguo que se conserva, De Architectura. Su descripción de las formas arquitectónicas de la antigüedad grecorromana influyó poderosamente en el Renacimiento, siendo a la vez una importante fuente documental por las informaciones que aporta sobre la pintura y la escultura griegas y romanas.[84]​ Giorgio Vasari, en Vida de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestros tiempos (1542–1550), fue uno de los predecesores de la historiografía del arte, haciendo una crónica de los principales artistas de su tiempo, poniendo especial énfasis en la progresión y el desarrollo del arte. Sin embargo, estos escritos, generalmente crónicas, inventarios, biografías u otros escritos más o menos literarios, carecían de perspectiva histórica y el rigor científico necesarios para ser considerados historiografía del arte.[85]​

Johann Joachim Winckelmann es considerado el padre de la Historia del arte, creando una metodología científica para la clasificación de las artes y basando la Historia del arte en una teoría estética de influencia neoplatónica: la belleza es el resultado de una materialización de la idea. Gran admirador de la cultura griega, postuló que en la Grecia antigua se dio la belleza perfecta, generando un mito sobre la perfección de la belleza clásica que aún condiciona la percepción del arte hoy día. En Reflexión sobre la imitación de las obras de arte griegas (1755) afirmó que los griegos llegaron a un estado de perfección total en la imitación de la naturaleza, por lo que nosotros solo podemos imitar a los griegos. Asimismo, relacionó el arte con las etapas de la vida humana (infancia, madurez, vejez), estableciendo una evolución del arte en tres estilos: arcaico, clásico y helenístico.[86]​

Durante el siglo XIX, la nueva disciplina buscó una formulación más práctica y rigurosa, sobre todo desde la aparición del positivismo. Sin embargo, esta tarea se abordó desde diversas metodologías que supusieron una gran multiplicidad de tendencias historiográficas: el romanticismo impuso una visión historicista y revivalista del pasado, rescatando y poniendo nuevamente de moda estilos artísticos que habían sido minusvalorados por el neoclasicismo winckelmanniano; así lo vemos en la obra de Ruskin, Viollet-le-Duc, Goethe, Schlegel, Wackenroder, etc. En cambio, la obra de autores como Karl Friedrich von Rumohr, Jacob Burckhardt o Hippolyte Taine, supuso un primer intento serio de formular una Historia del arte basada en criterios científicos, basándose en el análisis crítico de las fuentes historiográficas. Por otro lado, Giovanni Morelli introdujo el concepto del connoisseur, el experto en arte, que lo analiza en base tanto a sus conocimientos como a su intuición.[87]​

La primera escuela historiográfica de gran relevancia fue el formalismo, que defendía el estudio del arte a partir del estilo, aplicando una metodología evolucionista que otorgaba al arte una autonomía alejada de cualquier consideración filosófica, rechazando la estética romántica y el idealismo hegeliano, y acercándose al neokantismo. Su principal teórico fue Heinrich Wölfflin, considerado el padre de la moderna Historia del arte. Aplicó al arte criterios científicos, como el estudio psicológico o el método comparativo: definía los estilos por las diferencias estructurales inherentes a los mismos, como argumentó en su obra Conceptos fundamentales de la Historia del Arte (1915). Wölfflin no otorgaba importancia a las biografías de los artistas, defendiendo en cambio la idea de nacionalidad, de escuelas artísticas y estilos nacionales. Las teorías de Wölfflin fueron continuadas por la llamada Escuela de Viena, con autores como Alois Riegl, Max Dvořák, Hans Sedlmayr y Otto Pächt.[88]​

Ya en el siglo XX, la historiografía del arte ha continuado dividida en múltiples tendencias, desde autores aún enmarcados en el formalismo (Roger Fry, Henri Focillon), pasando por las escuelas sociológica (Friedrich Antal, Arnold Hauser, Pierre Francastel, Giulio Carlo Argan) o psicológica (Rudolf Arnheim, Max Wertheimer, Wolfgang Köhler), hasta perspectivas individuales y sintetizadoras como las de Adolf Goldschmidt o Adolfo Venturi. Una de las escuelas más reconocidas ha sido la de la iconología, que centra sus estudios en la simbología del arte, en el significado de la obra artística. A través del estudio de imágenes, emblemas, alegorías y demás elementos de significación visual, pretenden esclarecer el mensaje que el artista pretendió transmitir en su obra, estudiando la imagen desde postulados mitológicos, religiosos o históricos, o de cualquier índole semántica presente en cualquier estilo artístico. Los principales teóricos de este movimiento fueron Aby Warburg, Erwin Panofsky, Ernst Gombrich, Rudolf Wittkower y Fritz Saxl.[89]​

Historia del arte

Artículo principal: Historia del arte

Arte en la prehistoria (ca. 25000-3000 a. C.)

Arte antiguo (ca. 3000-300 a. C.)

Artículo principal: Arte antiguo

En Egipto y Mesopotamia surgieron las primeras civilizaciones, y sus artistas/artesanos elaboraron complejas obras de arte que suponen ya una especialización profesional.

  • Arte mesopotámico: se desarrolla en la zona comprendida entre los ríos Tigris y Éufrates, donde se sucedieron diversas culturas como los sumerios, acadios, asirios, persas, etc. En la arquitectura destacan los zigurats, grandes templos de forma escalonada piramidal, mientras que la escultura se desarrolla en talla exenta o relieve, en escenas religiosas o de caza y militares, con la presencia de figuras humanas y animales reales o mitológicos.[91]​
Véase también: Arte ibérico

Arte clásico (1000-300 d. C.)

  • Arte griego: en Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han marcado la evolución del arte occidental. Tras unos inicios donde destacaron las culturas minoica y micénica, el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico, clásico y helenístico. En arquitectura destacaron los templos, donde se sucedieron tres órdenes constructivos: dórico, jónico y corintio. Destaca especialmente el conjunto de la Acrópolis. En escultura predominó la representación del cuerpo humano, con una evolución desde formas rígidas y esquemáticas, pasando por el naturalismo del periodo clásico –con la obra de Mirón, Fidias y Policleto–, hasta el recargamiento y sinuosidad del periodo helenístico.

Arte en la Alta Edad Media (siglo IV-siglo X)

Artículo principal: Arte medieval
  • Arte paleocristiano: con la aparición del cristianismo se generó a lo largo del Imperio el llamado arte paleocristiano, que adquirió estatus oficial tras la conversión al cristianismo del emperador Constantino. El arte paleocristiano reinterpretó tanto las formas clásicas como las judías para servir como vehículo de expresión de la nueva religión oficial, y se produjo una atomización de estilos por zonas geográficas. En arquitectura destacó como tipología la basílica, mientras que en escultura destacan los sarcófagos y continúan como en época romana la pintura y el mosaico.
  • Arte prerrománico: se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la caída del Imperio romano hasta alrededor del año 1000, donde la fusión de la cultura clásica con la de los nuevos pobladores de origen germánico generará las diversas nacionalidades que conforman actualmente el continente europeo. Se engloban en esta fase diversos estilos de marcado carácter regional, desde el arte visigodo y de los otros pueblos germánicos, o incluso el arte celta —especialmente en las islas británicas— o vikingo, pasando por el arte asturiano, hasta el arte carolingio y otoniano en el centro de Europa.[93]​
Véanse también: Arte bizantino, Arte islámico y Arte mozárabe.

Arte en la Baja Edad Media (900-1400)

  • Arte románico: representa el primer estilo de carácter internacional de la cultura europea occidental, con una identidad plenamente consolidada tras el paso del latín a las lenguas vernáculas. De carácter eminentemente religioso, casi todo el arte románico está dirigido a la exaltación y divulgación del cristianismo. La arquitectura destaca por el uso de bóvedas de cañón y arcos de medio punto, iniciándose la construcción de grandes catedrales, que seguirá durante el gótico. La escultura se desarrolló principalmente en el marco arquitectónico, de carácter religioso, con figuras esquematizadas, sin realismo, de signo simbólico. La pintura es preferentemente mural, de signo religioso y figuras esquemáticas al igual que la escultura.
Véase también: Arte mudéjar

Arte en la Edad Moderna (1400-1800)

Artículo principal: Arte de la Edad Moderna
  • Renacimiento: época de gran esplendor cultural en Europa, la religión dejó paso a una concepción más científica del hombre y el universo, surgiendo el humanismo. Los nuevos descubrimientos geográficos hicieron que la civilización europea se expandiese por todos los continentes, y la invención de la imprenta supuso una mayor universalización de la cultura. El arte se inspira en el arte clásico grecorromano, por lo que se habla de “renacimiento” artístico tras el oscurantismo medieval. Inspirado en la naturaleza, surgen nuevos modelos de representación, como el uso de la perspectiva. La arquitectura recuperó los modelos clásicos, reelaborados con un concepto más naturalista y con bases científicas: destacan Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti y Bramante. La escultura buscó igualmente la idealizada perfección del clasicismo, como en la obra de Lorenzo Ghiberti y Donatello. La pintura sufrió una notable evolución desde las formas medievales, con formas naturalistas y temáticas profanas o mitológicas junto a las religiosas, destacando Botticelli, Perugino, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Leonardo Da Vinci, Rafael, Alberto Durero, Pieter Brueghel, etc.
  • Manierismo: evolución de las formas renacentistas, el manierismo abandonó la naturaleza como fuente de inspiración para buscar un tono más emotivo y expresivo, cobrando importancia la interpretación subjetiva que el artista hace de la obra de arte. La arquitectura adquiere un signo más efectista y de tenso equilibrio, destacando Andrea Palladio y Miguel Ángel. En escultura, descuella la obra de Miguel Ángel, con obras de tenso dinamismo donde resalta la expresión de la persona representada. La pintura tiene un sello más caprichoso, extravagante, con gusto por la forma sinuosa y estilizada, destacando en primer lugar –como en las otras artes– Miguel Ángel, seguido de Bronzino, Correggio, Parmigianino, Giorgione, Tiziano, Veronese, Tintoretto, El Greco, etc.[95]​

Arte no europeo

  • Arte precolombino: las primeras grandes civilizaciones surgieron en México: los olmecas realizaban esculturas de piedra de gran naturalismo (Luchador, hallado en Santa María Uxpanapán), así como colosales cabezas monolíticas de hasta 3,5 metros de altura; los zapotecas construyeron el magnífico conjunto de la Ciudad de los Templos, en el Monte Albán. Posteriormente, los mayas desarrollaron un arte de signo religioso, donde destacaban los templos, de forma piramidal (Tikal, Uxmal, Templo de Kukulcán en Chichén Itzá). Los toltecas construyeron el Templo del Dios de la Estrella Matutina en Tula, y nos han dejado una de las mejores muestras de escultura precolombina: el Chac Mool. Los aztecas consagraron el arte a la expresión del poder, destacando su capital, Tenochtitlán. En Perú la primera cultura de relevancia fue la de Chavín de Huántar (900 a.C.), complejo religioso donde destaca el templo, edificado sobre tres pisos de galerías. Otras culturas remarcables de la región fueron la de Paracas, la moche y la nazca –con sus enigmáticas líneas de Nazca–. Más adelante, los incas crearon una cultura muy desarrollada, con una notable arquitectura e ingeniería civil, destacando la ciudad de Machu Picchu.[97]​
  • Arte indio: tiene un carácter principalmente religioso, sirviendo como vehículo de transmisión de las distintas religiones que han jalonado la India: hinduismo, budismo, islamismo, etc. La primera gran civilización se produjo en la ciudad de Mohenjo-Dāro, que muestra un planificado urbanismo, con edificios públicos construidos en barro cocido y ladrillo. Entre los siglos III y II a.C. se desarrolló el arte maurya, de signo budista, destacando como monumento característico la stūpa, túmulo funerario de carácter conmemorativo, generalmente recubierto de relieves con escenas de la vida de Buda, como la Stūpa de Sānchi. Otras muestras de arte budista fueron: el arte de Gandhāra, con influencia helenística y sasánida; el de Mathurā, que mezclaba elementos tradicionales indios con motivos grecorromanos; y el de Amarāvatī, igualmente de influencia grecorromana, destacando la gran stūpa de Amarāvati, de 50 metros de altura. Entre los siglos IV y VIII se desarrolló el arte gupta, donde destacan los grandes santuarios rupestres o vihara (Ajantā, Ellorā, Elephanta). El arte hindú tuvo su apogeo entre los siglos VIII y XII, con un tipo de santuario característico denominado śikhara, como el de Udaipur. Entre los siglos X y XI se produjo el arte de Khajurāhō, máxima expresión del arte indoario por la elegancia formal y estética de sus templos, así como de la escultura que los adorna. Por último, tras la invasión musulmana se produjo el arte mogol, de formas islámicas, destacando el Taj Mahal (siglo XVII).[99]​
  • Arte chino: como la mayoría del arte oriental tiene un fuerte sello religioso –principalmente taoísmo, confucianismo y budismo–. Se suele estudiar por etapas, que coinciden con las dinastías reinantes: la Dinastía Shang (1600-1046 a.C.) destacó por sus objetos y esculturas en bronce, especialmente vasijas decoradas en relieve y máscaras y estatuas antropomórficas, como las halladas en la zona de Chengdu. La Dinastía Zhou (1045-256 a.C.) creó un estilo decorativo y ornamentado, de figuras estilizadas y dinámicas, continuando el trabajo en cobre. La Dinastía Qin (221-206 a.C.) destacó por la construcción de la Gran Muralla, así como el hallazgo arqueológico del Ejército de terracota de Xian. La Dinastía Han (206 a.C.-220 d.C.) vio la introducción del budismo, destacando por la pintura y los relieves en santuarios y cámaras de ofrendas. Durante el Periodo de las Seis dinastías (220-618) se difundió más ampliamente el budismo, construyéndose grandes santuarios con estatuas colosales de Buda (Yungang, Longmen). La Dinastía Tang (618-907) fue uno de los periodos más florecientes del arte chino, destacando por su escultura y sus célebres figuras de cerámica, mientras que en arquitectura la tipología principal fue la pagoda (Hua-yen, Hsiangchi), y en pintura apareció el paisaje. En la Dinastía Song (960-1279) se alcanzó un nivel de elevada cultura que sería recordado con gran admiración en posteriores etapas, destacando igualmente la cerámica y la pintura de paisaje. Durante la Dinastía Yuan (1280-1368) se desarrollaron especialmente las artes decorativas, principalmente alfombras, cerámica y obras de metalistería, y en pintura proliferaron los temas religiosos. En la Dinastía Ming (1368-1644) se construyó el Palacio Imperial (la Ciudad Prohibida), y la pintura era tradicional, de signo naturalista y cierta opulencia; también destacó la porcelana. Por último, la Dinastía Qing (1644-1911) supuso la continuidad de las formas tradicionales: la pintura era bastante ecléctica, dedicada a temas florales (Yun Shouping), religiosos (Wu Li), paisajes (Gai Qi), etc.; continuó la tradición en las artes aplicadas, especialmente ebanistería, porcelana, tejidos de seda, lacas, esmalte, jade, etc.[100]​
  • Arte oceánico: está marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan el Océano Pacífico, destacando las islas de Australia y Nueva Zelanda, y tres principales áreas de islas y archipiélagos: Polinesia, Melanesia y Micronesia. La primera cultura desarrollada en la zona fue la lapita (1.500-500 a.C.), que se caracteriza por su cerámica decorada con motivos dentados hechos con peines o púas, así como objetos de obsidiana y conchas. En Australia destacan las pinturas rupestres, que son bastante esquemáticas, llegando a la simplificación geométrica. Más adelante continuó la expansión hacia la periferia oceánica, produciéndose una gran diversificación cultural. La mayoría de manifestaciones artísticas eran de carácter ritual, relacionadas con danzas y ceremonias de tipo religioso: en Micronesia se produjeron elaborados complejos arquitectónicos con esculturas de piedra y megalitos; en Guam y las islas Marianas destacan las casas sobre columnas de piedra (latte); en Hawái se construyeron grandes templos (heiau), con esculturas de madera de hasta tres metros que representaban a sus dioses; en Nueva Zelanda, los maoríes desarrollaron un tipo de talla de madera con figuras de líderes políticos y religiosos; en la isla de Pascua se construyeron las famosas cabezas monolíticas (moái) entre el año 900 y el 1600; en Melanesia destacan las grandes casas de reunión o «casas de los espíritus», dedicadas a ceremonias relacionadas con el culto a los antepasados; las máscaras fueron características de Nueva Guinea (mai), Nueva Irlanda (malanggan) y Nueva Caledonia (apuema); los asmat de Irian Jaya (Nueva Guinea) construían unos postes conmemorativos (bisj) de entre 5 y 10 metros de altura, tallados con figuras antropomórficas; en las islas Salomón se dieron estatuas de madera (indalo) de figuras humanas o animales, con incrustaciones de conchas.[102]​

Arte en la Edad contemporánea (1800-actualidad)

Artículo principal: Arte contemporáneo
Siglo XIX

Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos –impulso iniciado con la Revolución francesa–; y, en lo económico, por la Revolución industrial y el afianzamiento del capitalismo, que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y se enfrentan.

  • Impresionismo: fue un movimiento profundamente innovador, que supuso una ruptura con el arte académico y una transformación del lenguaje artístico, iniciando el camino hacia los movimientos de vanguardia. Se inspiraban en la naturaleza, de la que pretendían captar una ‘impresión’ visual, la plasmación de un instante en el lienzo –por influjo de la fotografía–, con una técnica de pincelada suelta y tonos claros y luminosos. Cabe mencionar como principales representantes a Édouard Manet –considerado un precursor–, Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Igual de renovador fue en el terreno de la escultura el papel de Auguste Rodin, que sentó las bases de la escultura del siglo XX.
 
Formas únicas de continuidad en el espacio (1913), de Umberto Boccioni.
Siglo XX

El arte del siglo XX padece una profunda transformación: en una sociedad más materialista, más consumista, el arte se dirige a los sentidos, no al intelecto. Igualmente, cobra especial relevancia el concepto de moda, una combinación entre la rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista de la civilización actual. Surgen así los movimientos de vanguardia, que pretenden integrar el arte en la sociedad, buscando una mayor interrelación artista-espectador, ya que es este último el que interpreta la obra, pudiendo descubrir significados que el artista ni conocía. Las últimas tendencias artísticas pierden incluso el interés por el objeto artístico: el arte tradicional era un arte de objeto, el actual de concepto. Hay una revalorización del arte activo, de la acción, de la manifestación espontánea, efímera, del arte no comercial (arte conceptual, happening, environment).

 
Liberación de 1001 globos azules, “escultura aerostática” de Yves Klein. Las últimas tendencias han sido propensas a un arte más desmaterializado, donde importa más el concepto, el mensaje, la acción.
 
La escultura de 18m de alto de Ibo Bonilla basada en la Flor de la Vida y la Geometría Sagrada muestra nuevas formas y conceptos usando clásicos principios.
Véase también: Historia de la literatura, Historia de la música, Historia del teatro, Historia de la ópera, Historia de la danza, Historia de la fotografía, Historia del cine e Historia del cómic

Véase también

Referencias

  1. Real Academia Española y Asociación de Academias de la Lengua Española. «arte». Diccionario de la lengua española (23.ª edición). 
  2. Tatarkiewicz, 2002, pp. 63-67
  3. Omar Argerami: Psicología de la creación artística (p. 23-30). Buenos Aires: Columbia, 1968.
  4. Tatarkiewicz (2002), p. 39.
  5. Beardsley-Hospers (1990), p. 20.
  6. Tatarkiewicz (1989), vol. II, p. 87-88.
  7. Tatarkiewicz (2002), p. 43.
  8. Beardsley-Hospers (1990), p. 44.
  9. Tatarkiewicz (1991), vol. III, p. 367-368.
  10. Bozal (2000), vol. I, p. 21.
  11. Beardsley-Hospers (1990), p. 65.
  12. Givone (2001), p. 65-66.
  13. Beardsley-Hospers (1990), p. 68.
  14. Bozal (2000), vol. I, p. 370-373.
  15. Eco (2004), p. 329.
  16. Beardsley-Hospers (1990), p. 70.
  17. Eco (2004), p. 333.
  18. Givone (2001), p. 114.
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Marcha 11, 2022
arte, para, otros, usos, este, término, véase, desambiguación, arte, latín, artis, este, calco, griego, τέχνη, téchnē, entendido, generalmente, como, cualquier, actividad, producto, realizado, finalidad, estética, también, comunicativa, mediante, cual, expresa. Para otros usos de este termino vease Arte desambiguacion El arte del latin ars artis y este calco del griego texnh techne 1 es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado con una finalidad estetica y tambien comunicativa mediante la cual se expresan ideas emociones y en general una vision del mundo a traves de diversos recursos como los plasticos linguisticos sonoros corporales y mixtos 2 El arte es un componente de la cultura reflejando en su concepcion las bases economicas y sociales y la transmision de ideas y valores inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo Se suele considerar que con la aparicion del Homo sapiens el arte tuvo en principio una funcion ritual magica o religiosa arte paleolitico pero esa funcion cambio con la evolucion del ser humano adquiriendo un componente estetico y una funcion social pedagogica mercantil o simplemente ornamental Alegoria del arte 1690 1694 de Sebastiano Ricci Escucha este articulo1 ª 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como una actividad creadora del ser humano por la cual produce una serie de objetos obras de arte que son singulares y cuya finalidad es principalmente estetica En ese contexto arte seria la generalizacion de un concepto expresado desde antano como bellas artes actualmente algo en desuso y reducido a ambitos academicos y administrativos De igual forma el empleo de la palabra arte para designar la realizacion de otras actividades ha venido siendo sustituido por terminos como tecnica u oficio En este articulo se trata de arte entendido como un medio de expresion humano de caracter creativo Indice 1 Concepto 1 1 Evolucion historica del concepto de arte 1 2 Vision actual 2 Clasificacion 3 Elementos del fenomeno artistico 4 Disciplinas artisticas 5 Estilos artisticos 6 Generos artisticos 7 Tecnicas artisticas 8 Restauracion 9 Estetica 10 Sociologia del arte 11 Psicologia del arte 12 Critica de arte 13 Historiografia del arte 14 Historia del arte 14 1 Arte en la prehistoria ca 25000 3000 a C 14 2 Arte antiguo ca 3000 300 a C 14 3 Arte clasico 1000 300 d C 14 4 Arte en la Alta Edad Media siglo IV siglo X 14 5 Arte en la Baja Edad Media 900 1400 14 6 Arte en la Edad Moderna 1400 1800 14 7 Arte no europeo 14 8 Arte en la Edad contemporanea 1800 actualidad 15 Vease tambien 16 Referencias 17 Bibliografia 18 Enlaces externosConcepto EditarArticulo principal Teoria del arte Atributos de la pintura la escultura y la arquitectura 1769 de Anne Vallayer Coster La definicion de arte es abierta subjetiva y discutible No existe un acuerdo unanime entre historiadores filosofos o artistas A lo largo del tiempo se han dado numerosas definiciones de arte entre ellas el arte es el recto ordenamiento de la razon Tomas de Aquino el arte es aquello que establece su propia regla Schiller el arte es el estilo Max Dvorak el arte es expresion de la sociedad John Ruskin el arte es la libertad del genio Adolf Loos el arte es la idea Marcel Duchamp el arte es la novedad Jean Dubuffet el arte es la accion la vida Joseph Beuys arte es todo aquello que los hombres llaman arte Dino Formaggio el arte es la mentira que nos ayuda a ver la verdad Pablo Picasso arte es vida vida es arte Wolf Vostell El concepto ha ido variando con el paso del tiempo hasta el Renacimiento solo las artes liberales eran consideradas arte la arquitectura la escultura y la pintura eran consideradas manualidades El arte ha sido desde siempre uno de los principales medios de expresion del ser humano a traves del cual manifiesta sus ideas y sentimientos la forma como se relaciona con el mundo Su funcion puede variar desde la mas practica hasta la mas ornamental puede tener un contenido religioso o simplemente estetico puede ser duradero o efimero En el siglo XX se pierde incluso el sustrato material decia Beuys que la vida es un medio de expresion artistica destacando el aspecto vital la accion Asi todo el mundo es capaz de ser artista El termino arte procede del latin ars y es el equivalente al termino griego texnh techne de donde proviene tecnica Originalmente se aplicaba a toda la produccion realizada por el hombre y a las disciplinas del saber hacer Asi artistas eran tanto el cocinero el jardinero o el constructor como el pintor o el poeta Con el tiempo la derivacion latina ars gt arte se utilizo para designar a las disciplinas relacionadas con las artes de lo estetico y lo emotivo y la derivacion griega techne gt tecnica para aquellas disciplinas que tienen que ver con las producciones intelectuales y de articulos de uso 3 En la actualidad es dificil encontrar que ambos terminos arte y tecnica se confundan o utilicen como sinonimos Evolucion historica del concepto de arte Editar En la antiguedad clasica grecorromana una de las principales cunas de la civilizacion occidental y primera cultura que reflexiono sobre el arte se consideraba el arte como una habilidad del ser humano en cualquier terreno productivo siendo practicamente un sinonimo de destreza destreza para construir un objeto para comandar un ejercito para convencer al publico en un debate o para efectuar mediciones agronomicas En definitiva cualquier habilidad sujeta a reglas a preceptos especificos que la hacen objeto de aprendizaje y de evolucion y perfeccionamiento tecnico En cambio la poesia que venia de la inspiracion no estaba catalogada como arte Asi Aristoteles por ejemplo definio el arte como aquella permanente disposicion a producir cosas de un modo racional y Quintiliano establecio que era aquello que esta basado en un metodo y un orden via et ordine 4 Platon en el Protagoras hablo del arte opinando que es la capacidad de hacer cosas por medio de la inteligencia a traves de un aprendizaje Para Platon el arte tiene un sentido general es la capacidad creadora del ser humano 5 Casiodoro destaco en el arte su aspecto productivo conforme a reglas senalando tres objetivos principales del arte ensenar doceat conmover moveat y complacer delectet 6 Alegoria de la pintura 1666 de Johannes Vermeer Durante el Renacimiento se empezo a gestar un cambio de mentalidad separando los oficios y las ciencias de las artes donde se incluyo por primera vez a la poesia considerada hasta entonces un tipo de filosofia o incluso de profecia para lo que fue determinante la publicacion en 1549 de la traduccion italiana de la Poetica de Aristoteles En este cambio intervino considerablemente la progresiva mejora en la situacion social del artista debida al interes que los nobles y ricos prohombres italianos empezaron a mostrar por la belleza Los productos del artista adquirieron un nuevo estatus de objetos destinados al consumo estetico y por ello el arte se convirtio en un medio de promocion social incrementandose el mecenazgo artistico y fomentando el coleccionismo 7 Surgieron en ese contexto varios tratados teoricos acerca del arte como los de Leon Battista Alberti De Pictura 1436 1439 De re aedificatoria 1450 y De Statua 1460 o Los Comentarios 1447 de Lorenzo Ghiberti Alberti recibio la influencia aristotelica pretendiendo aportar una base cientifica al arte Hablo de decorum el tratamiento del artista para adecuar los objetos y temas artisticos a un sentido mesurado perfeccionista Ghiberti fue el primero en periodificar la historia del arte distinguiendo antiguedad clasica periodo medieval y lo que llamo renacer de las artes 8 Con el manierismo comenzo el arte moderno las cosas ya no se representan tal como son sino tal como las ve el artista La belleza se relativiza se pasa de la belleza unica renacentista basada en la ciencia a las multiples bellezas del manierismo derivadas de la naturaleza Aparecio en el arte un nuevo componente de imaginacion reflejando tanto lo fantastico como lo grotesco como se puede percibir en la obra de Brueghel o Arcimboldo Giordano Bruno fue uno de los primeros pensadores que prefiguro las ideas modernas decia que la creacion es infinita no hay centro ni limites ni Dios ni hombre todo es movimiento dinamismo Para Bruno hay tantos artes como artistas introduciendo la idea de originalidad del artista El arte no tiene normas no se aprende sino que viene de la inspiracion 9 Los siguientes avances se hicieron en el siglo XVIII con la Ilustracion donde comenzo a producirse cierta autonomia del hecho artistico el arte se alejo de la religion y de la representacion del poder para ser fiel reflejo de la voluntad del artista centrandose mas en las cualidades sensibles de la obra que no en su significado 10 Jean Baptiste Dubos en Reflexiones criticas sobre la poesia y la pintura 1719 abrio el camino hacia la relatividad del gusto razonando que la estetica no viene dada por la razon sino por los sentimientos Asi para Dubos el arte conmueve llega al espiritu de una forma mas directa e inmediata que el conocimiento racional Dubos hizo posible la popularizacion del gusto oponiendose a la reglamentacion academica e introdujo la figura del genio como atributo dado por la naturaleza que esta mas alla de las reglas El tribunal de los Uffizi 1772 1778 de Johann Zoffany En el romanticismo surgido en Alemania a finales del siglo XVIII con el movimiento denominado Sturm und Drang triunfo la idea de un arte que surge espontaneamente del individuo desarrollando la nocion de genio el arte es la expresion de las emociones del artista que comienza a ser mitificado 11 Autores como Novalis y Friedrich von Schlegel reflexionaron sobre el arte en la revista Athenaum editada por ellos surgieron las primeras manifestaciones de la autonomia del arte ligado a la naturaleza Para ellos en la obra de arte se encuentran el interior del artista y su propio lenguaje natural 12 Arthur Schopenhauer dedico el tercer libro de El mundo como voluntad y representacion a la teoria del arte el arte es una via para escapar del estado de infelicidad propio del hombre Identifico conocimiento con creacion artistica que es la forma mas profunda de conocimiento El arte es la reconciliacion entre voluntad y conciencia entre objeto y sujeto alcanzando un estado de contemplacion de felicidad La conciencia estetica es un estado de contemplacion desinteresada donde las cosas se muestran en su pureza mas profunda El arte habla en el idioma de la intuicion no de la reflexion es complementario de la filosofia la etica y la religion Influido por la filosofia oriental manifesto que el hombre debe liberarse de la voluntad de vivir del querer que es origen de insatisfaccion El arte es una forma de librarse de la voluntad de ir mas alla del yo 13 Richard Wagner recogio la ambivalencia entre lo sensible y lo espiritual de Schopenhauer en opera y drama 1851 Wagner planteo la idea de la obra de arte total Gesamtkunstwerk donde se haria una sintesis de la poesia la palabra elemento masculino con la musica elemento femenino Opinaba que el lenguaje primitivo seria vocalico mientras que la consonante fue un elemento racionalizador asi pues la introduccion de la musica en la palabra seria un retorno a la inocencia primitiva del lenguaje 14 A finales del siglo XIX surgio el esteticismo que fue una reaccion al utilitarismo imperante en la epoca y a la fealdad y el materialismo de la era industrial Frente a ello surgio una tendencia que otorgaba al arte y a la belleza una autonomia propia sintetizada en la formula de Theophile Gautier el arte por el arte l art pour l art llegando incluso a hablarse de religion estetica 15 Esta postura pretendia aislar al artista de la sociedad para que buscase de forma autonoma su propia inspiracion y se dejase llevar unicamente por una busqueda individual de la belleza 16 Asi la belleza se aleja de cualquier componente moral convirtiendose en el fin ultimo del artista que llega a vivir su propia vida como una obra de arte como se puede apreciar en la figura del dandi 17 Uno de los teoricos del movimiento fue Walter Pater que influyo sobre el denominado decadentismo ingles estableciendo en sus obras que el artista debe vivir la vida intensamente siguiendo como ideal a la belleza Para Pater el arte es el circulo magico de la existencia un mundo aislado y autonomo puesto al servicio del placer elaborando una autentica metafisica de la belleza 18 El taller del pintor 1855 de Gustave Courbet Por otro lado Charles Baudelaire fue uno de los primeros autores que analizaron la relacion del arte con la recien surgida era industrial prefigurando la nocion de belleza moderna no existe la belleza eterna y absoluta sino que cada concepto de lo bello tiene algo de eterno y algo de transitorio algo de absoluto y algo de particular La belleza viene de la pasion y al tener cada individuo su pasion particular tambien tiene su propio concepto de belleza En su relacion con el arte la belleza expresa por un lado una idea eternamente subsistente que seria el alma del arte y por otro un componente relativo y circunstancial que es el cuerpo del arte Asi la dualidad del arte es expresion de la dualidad del hombre de su aspiracion a una felicidad ideal enfrentada a las pasiones que le mueven hacia ella Frente a la mitad eterna anclada en el arte clasico antiguo Baudelaire vio en la mitad relativa el arte moderno cuyos signos distintivos son lo transitorio lo fugaz lo efimero y cambiante sintetizados en la moda Baudelaire tenia un concepto neoplatonico de belleza que es la aspiracion humana hacia un ideal superior accesible a traves del arte El artista es el heroe de la modernidad cuya principal cualidad es la melancolia que es el anhelo de la belleza ideal 19 En contraposicion al esteticismo Hippolyte Adolphe Taine elaboro una teoria sociologica del arte en su Filosofia del arte 1865 1869 aplico al arte un determinismo basado en la raza el contexto y la epoca race milieu moment Para Taine la estetica la ciencia del arte opera como cualquier otra disciplina cientifica basandose en parametros racionales y empiricos Igualmente Jean Marie Guyau en Los problemas de la estetica contemporanea 1884 y El arte desde el punto de vista sociologico 1888 planteo una vision evolucionista del arte afirmando que el arte esta en la vida y que evoluciona como esta y al igual que la vida del ser humano esta organizada socialmente el arte debe ser reflejo de la sociedad 20 La estetica sociologica tuvo una gran vinculacion con el realismo pictorico y con movimientos politicos de izquierdas especialmente el socialismo utopico autores como Henri de Saint Simon Charles Fourier y Pierre Joseph Proudhon defendieron la funcion social del arte que contribuye al desarrollo de la sociedad aunando belleza y utilidad en un conjunto armonico Por otro lado en el Reino Unido la obra de teoricos como John Ruskin y William Morris aporto una vision funcionalista del arte en Las piedras de Venecia 1851 1856 Ruskin denuncio la destruccion de la belleza y la vulgarizacion del arte llevada a cabo por la sociedad industrial asi como la degradacion de la clase obrera defendiendo la funcion social del arte En El arte del pueblo 1879 pidio cambios radicales en la economia y la sociedad reclamando un arte hecho por el pueblo y para el pueblo Por su parte Morris fundador del movimiento Arts amp Crafts defendio un arte funcional practico que satisfaga necesidades materiales y no solo espirituales En Escritos esteticos 1882 1884 y Los fines del arte 1887 planteo un concepto de arte utilitario pero alejado de sistemas de produccion excesivamente tecnificados proximo a un concepto del socialismo cercano al corporativismo medieval 21 Representacion de El cascanueces de Piotr Chaikovski Por otro lado la funcion del arte fue cuestionada por el escritor ruso Lev Tolstoi en Que es el arte 1898 se planteo la justificacion social del arte argumentando que siendo el arte una forma de comunicacion solo puede ser valido si las emociones que transmite pueden ser compartidas por todos los hombres Para Tolstoi la unica justificacion valida es la contribucion del arte a la fraternidad humana una obra de arte solo puede tener valor social cuando transmite valores de fraternidad es decir emociones que impulsen a la unificacion de los pueblos 22 En esa epoca se empezo a abordar el estudio del arte desde el terreno de la psicologia Sigmund Freud aplico el psicoanalisis al arte en Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci 1910 defendiendo que el arte seria una de las maneras de representar un deseo una pulsion reprimida de forma sublimada Opinaba que el artista es una figura narcisista cercana al nino que refleja en el arte sus deseos y afirmo que las obras artisticas pueden ser estudiadas como los suenos y las enfermedades mentales con el psicoanalisis Su metodo era semiotico estudiando los simbolos y opinaba que una obra de arte es un simbolo Pero como el simbolo representa un determinado concepto simbolizado hay que estudiar la obra de arte para llegar al origen creativo de la obra 23 Igualmente Carl Gustav Jung relaciono la psicologia con diversas disciplinas como la filosofia la sociologia la religion la mitologia la literatura y el arte En Contribuciones a la psicologia analitica 1928 sugirio que los elementos simbolicos presentes en el arte son imagenes primordiales o arquetipos que estan presentes de forma innata en el subconsciente colectivo del ser humano 24 Wilhelm Dilthey desde la estetica cultural formulo una teoria acerca de la unidad entre arte y vida Prefigurando el arte de vanguardia Dilthey ya vislumbraba a finales del siglo XIX como el arte se alejaba de las reglas academicas y como cobraba cada vez mayor importancia la funcion del publico que tiene el poder de ignorar o ensalzar la obra de un artista determinado Encontro en todo ello una anarquia del gusto que achaco a un cambio social de interpretacion de la realidad pero que percibio como transitorio siendo necesario hallar una relacion sana entre el pensamiento estetico y el arte Asi ofrecio como salvacion del arte las ciencias del espiritu especialmente la psicologia la creacion artistica debe poder analizarse bajo el prisma de la interpretacion psicologica de la fantasia En Vida y poesia 1905 presento la poesia como expresion de la vida como vivencia Erlebnis que refleja la realidad externa de la vida La creacion artistica tiene pues como funcion intensificar nuestra vision del mundo exterior presentandolo como un conjunto coherente y pleno de sentido 25 Vision actual Editar Fuente de Marcel Duchamp El siglo XX supone una perdida del concepto de belleza clasica para conseguir un mayor efecto en el dialogo artista espectador El siglo XX ha supuesto una radical transformacion del concepto de arte la superacion de las ideas racionalistas de la Ilustracion y el paso a conceptos mas subjetivos e individuales partiendo del movimiento romantico y cristalizando en la obra de autores como Kierkegaard y Nietzsche suponen una ruptura con la tradicion y un rechazo de la belleza clasica El concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorias cientificas la subjetividad del tiempo de Bergson la Teoria de la relatividad de Einstein la mecanica cuantica la teoria del psicoanalisis de Freud etc Por otro lado las nuevas tecnologias hacen que el arte cambie de funcion debido a que la fotografia y el cine ya se encargan de plasmar la realidad Todos estos factores producen la genesis del arte abstracto el artista ya no intenta reflejar la realidad sino su mundo interior expresar sus sentimientos 26 El arte actual tiene oscilaciones continuas del gusto cambia simultaneamente junto a este asi como el arte clasico se sustentaba sobre una metafisica de ideas inmutables el actual de raiz kantiana encuentra gusto en la conciencia social de placer cultura de masas Tambien hay que valorar la progresiva disminucion del analfabetismo puesto que antiguamente al no saber leer gran parte de la poblacion el arte grafico era el mejor medio para la transmision del conocimiento sobre todo religioso funcion que ya no es necesaria en el siglo XX Una de las primeras formulaciones fue la del marxismo de la obra de Marx se desprendia que el arte es una superestructura cultural determinada por las condiciones sociales y economicas del ser humano Para los marxistas el arte es reflejo de la realidad social si bien el propio Marx no veia una correspondencia directa entre una sociedad determinada y el arte que produce Georgi Plejanov en Arte y vida social 1912 formulo una estetica materialista que rechazaba el arte por el arte asi como la individualidad del artista ajeno a la sociedad que lo envuelve 27 Walter Benjamin incidio de nuevo en el arte de vanguardia que para el es la culminacion de la dialectica de la modernidad el final del intento totalizador del arte como expresion del mundo circundante Intento dilucidar el papel del arte en la sociedad moderna realizando un analisis semiotico en el que el arte se explica a traves de signos que el hombre intenta descifrar sin un resultado aparentemente satisfactorio En La obra de arte en la epoca de la reproductibilidad tecnica 1936 analizo la forma como las nuevas tecnicas de reproduccion industrial del arte pueden hacer variar el concepto de este al perder su caracter de objeto unico y por tanto su halo de reverencia mitica esto abre nuevas vias de concebir el arte inexploradas aun para Benjamin pero que supondran una relacion mas libre y abierta con la obra de arte 28 Theodor W Adorno como Benjamin perteneciente a la Escuela de Francfort defendio el arte de vanguardia como reaccion a la excesiva tecnificacion de la sociedad moderna En su Teoria estetica 1970 afirmo que el arte es reflejo de las tendencias culturales de la sociedad pero sin llegar a ser fiel reflejo de esta ya que el arte representa lo inexistente lo irreal o en todo caso representa lo que existe pero como posibilidad de ser otra cosa de trascender El arte es la negacion de la cosa que a traves de esta negacion la trasciende muestra lo que no hay en ella de forma primigenia Es apariencia mentira presentando lo inexistente como existente prometiendo que lo imposible es posible 29 Isla Pagoda en la desembocadura del rio Min 1870 de John Thomson La fotografia supuso una gran revolucion a la hora de concebir el arte en el siglo XIX y el XX Representante del pragmatismo John Dewey en Arte como experiencia 1934 definio el arte como culminacion de la naturaleza defendiendo que la base de la estetica es la experiencia sensorial La actividad artistica es una consecuencia mas de la actividad natural del ser humano cuya forma organizativa depende de los condicionamientos ambientales en que se desenvuelve Asi el arte es expresion donde fines y medios se fusionan en una experiencia agradable Para Dewey el arte como cualquier actividad humana implica iniciativa y creatividad asi como una interaccion entre sujeto y objeto entre el hombre y las condiciones materiales en las que desarrolla su labor 30 Jose Ortega y Gasset analizo en La deshumanizacion del arte 1925 el arte de vanguardia desde el concepto de sociedad de masas donde el caracter minoritario del arte vanguardista produce una elitizacion del publico consumidor de arte Ortega aprecia en el arte una deshumanizacion debida a la perdida de perspectiva historica es decir de no poder analizar con suficiente distancia critica el sustrato socio cultural que conlleva el arte de vanguardia La perdida del elemento realista imitativo que Ortega aprecia en el arte de vanguardia supone una eliminacion del elemento humano que estaba presente en el arte naturalista Asimismo esta perdida de lo humano hace desaparecer los referentes en que estaba basado el arte clasico suponiendo una ruptura entre el arte y el publico y generando una nueva forma de comprender el arte que solo podran entender los iniciados La percepcion estetica del arte deshumanizado es la de una nueva sensibilidad basada no en la afinidad sentimental como se producia con el arte romantico sino en un cierto distanciamiento una apreciacion de matices Esa separacion entre arte y humanidad supone un intento de volver al hombre a la vida de rebajar el concepto de arte como una actividad secundaria de la experiencia humana 31 En la escuela semiotica Luigi Pareyson elaboro en Estetica Teoria de la formatividad 1954 una estetica hermeneutica donde el arte es interpretacion de la verdad Para Pareyson el arte es formativo es decir expresa una forma de hacer que a la vez que hace inventa el modo de hacer En otras palabras no se basa en reglas fijas sino que las define conforme se elabora la obra y las proyecta en el momento de realizarla Asi en la formatividad la obra de arte no es un resultado sino un logro donde la obra ha encontrado la regla que la define especificamente El arte es toda aquella actividad que busca un fin sin medios especificos debiendo hallar para su realizacion un proceso creativo e innovador que de resultados originales de caracter inventivo 32 Pareyson influyo en la denominada Escuela de Turin que desarrollara su concepto ontologico del arte Umberto Eco en Obra abierta 1962 afirmo que la obra de arte solo existe en su interpretacion en la apertura de multiples significados que puede tener para el espectador Gianni Vattimo en Poesia y ontologia 1968 relaciono el arte con el ser y por tanto con la verdad ya que es en el arte donde la verdad se muestra de forma mas pura y reveladora 33 El comic ha sido una de las ultimas incorporaciones a la categoria de bellas artes En la imagen Little Nemo in Slumberland el primer gran clasico del comic publicado en 1905 Una de las ultimas derivaciones de la filosofia y el arte es la postmodernidad teoria socio cultural que postula la actual vigencia de un periodo historico que habria superado el proyecto moderno es decir la raiz cultural politica y economica propia de la Edad Contemporanea marcada en lo cultural por la Ilustracion en lo politico por la Revolucion francesa y en lo economico por la Revolucion industrial Frente a las propuestas del arte de vanguardia los postmodernos no plantean nuevas ideas ni eticas ni esteticas tan solo reinterpretan la realidad que les envuelve mediante la repeticion de imagenes anteriores que pierden asi su sentido La repeticion encierra el marco del arte en el arte mismo se asume el fracaso del compromiso artistico la incapacidad del arte para transformar la vida cotidiana El arte postmoderno vuelve sin pudor al sustrato material a la obra de arte objeto al arte por el arte sin pretender hacer ninguna evolucion ninguna ruptura Algunos de sus mas importantes teoricos han sido Jacques Derrida y Michel Foucault 34 Como conclusion cabria decir que las viejas formulas que basaban el arte en la creacion de belleza o en la imitacion de la naturaleza han quedado obsoletas y hoy dia el arte es una cualidad dinamica en constante transformacion inmersa ademas en los medios de comunicacion de masas en los canales de consumo con un aspecto muchas veces efimero de percepcion instantanea presente con igual validez en la idea y en el objeto en su genesis conceptual y en su realizacion material 35 Morris Weitz representante de la estetica analitica opinaba en El papel de la teoria en la estetica 1957 que es imposible establecer cualquier tipo de criterios del arte que sean necesarios y suficientes por lo tanto cualquier teoria del arte es una imposibilidad logica y no simplemente algo que sea dificil de obtener en la practica Segun Weitz una cualidad intrinseca de la creatividad artistica es que siempre produce nuevas formas y objetos por lo que las condiciones del arte no pueden establecerse nunca de antemano Asi el supuesto basico de que el arte pueda ser tema de cualquier definicion realista o verdadera es falso 36 En el fondo la indefinicion del arte estriba en su reduccion a determinadas categorias como imitacion como recreacion como expresion el arte es un concepto global que incluye todas estas formulaciones y muchas mas un concepto en evolucion y abierto a nuevas interpretaciones que no se puede fijar de forma convencional sino que debe aglutinar todos los intentos de expresarlo y formularlo siendo una sintesis amplia y subjetiva de todos ellos El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas construir formas o expresar una experiencia si el producto de esta reproduccion construccion o expresion puede deleitar emocionar o producir un choque Wladyslaw Tatarkiewicz Historia de seis ideas 1976 37 Clasificacion Editar Las siete artes liberales imagen del Hortus deliciarum siglo XII de Herrad von Landsberg La clasificacion del arte o de las distintas facetas o categorias que pueden considerarse artisticas ha tenido una evolucion paralela al concepto mismo de arte como se ha visto anteriormente durante la antiguedad clasica se consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza de tipo racional y sujeta a reglas asi entraban en esa denominacion tanto las actuales bellas artes como la artesania y las ciencias mientras que quedaban excluidas la musica y la poesia Una de las primeras clasificaciones que se hicieron de las artes fue la de los filosofos sofistas presocraticos que distinguieron entre artes utiles y artes placenteras es decir entre las que producen objetos de cierta utilidad y las que sirven para el entretenimiento Plutarco introdujo junto a estas dos las artes perfectas que serian lo que hoy consideramos ciencias Platon por su parte establecio la diferencia entre artes productivas y artes imitativas segun si producian objetos nuevos o imitaban a otros 38 Durante la era romana hubo diversos intentos de clasificar las artes Quintiliano dividio el arte en tres esferas artes teoricas basadas en el estudio principalmente las ciencias artes practicas basadas en una actividad pero sin producir nada como la danza y artes poeticas segun la etimologia griega donde poihsis poiesis quiere decir produccion que son las que producen objetos Ciceron catalogo las artes segun su importancia artes mayores politica y estrategia militar artes medianas ciencias poesia y retorica y artes menores pintura escultura musica interpretacion y atletismo Plotino clasifico las artes en cinco grupos las que producen objetos fisicos arquitectura las que ayudan a la naturaleza medicina y agricultura las que imitan a la naturaleza pintura las que mejoran la accion humana politica y retorica y las intelectuales geometria 39 Sin embargo la clasificacion que tuvo mas fortuna llegando hasta la era moderna fue la de Galeno en el siglo II que dividio el arte en artes liberales y artes vulgares segun si tenian un origen intelectual o manual Entre las liberales se encontraban la gramatica la retorica y la dialectica que formaban el trivium y la aritmetica la geometria la astronomia y la musica que formaban el quadrivium las vulgares incluian la arquitectura la escultura y la pintura pero tambien otras actividades que hoy consideramos artesania 40 Durante la Edad Media continuo la division del arte entre artes liberales y vulgares llamadas estas ultimas entonces mecanicas si bien hubo nuevos intentos de clasificacion Boecio dividio las artes en ars y artificium clasificacion similar a la de artes liberales y vulgares pero en una acepcion que casi excluia las formas manuales del campo del arte dependiendo este tan solo de la mente En el siglo XII Radulfo de Campo Lungo intento hacer una clasificacion de las artes mecanicas reduciendolas a siete igual numero que las liberales En funcion de su utilidad cara a la sociedad las dividio en ars victuaria para alimentar a la gente lanificaria para vestirles architectura para procurarles una casa suffragatoria para darles medios de transporte medicinaria que les curaba negotiatoria para el comercio militaria para defenderse 41 En el siglo XVI empezo a considerarse que la arquitectura la pintura y la escultura eran actividades que requerian no solo oficio y destreza sino tambien un tipo de concepcion intelectual que las hacian superiores a otros tipos de manualidades Se gestaba asi el concepto moderno de arte que durante el Renacimiento adquirio el nombre de arti del disegno artes del diseno por cuanto comprendian que esta actividad el disenar era la principal en la genesis de las obras de arte 42 Las Meninas 1656 de Velazquez fue un alegato de la figura del pintor como artista inspirado frente a la condicion de simple artesano que hasta entonces se tenia del oficio de pintor Sin embargo faltaba aglutinar estas artes del diseno con el resto de actividades consideradas artisticas musica poesia y teatro tarea que se desarrollo durante los dos siglos siguientes con varios intentos de buscar un nexo comun a todas estas actividades asi el humanista florentino Giannozzo Manetti propuso el termino artes ingeniosas donde incluia las artes liberales por lo que solo cambiaba el vocablo el filosofo neoplatonico Marsilio Ficino elaboro el concepto de artes musicales argumentando que la musica era la inspiracion para todas las artes en 1555 Giovanni Pietro Capriano introdujo en su De vera poetica la acepcion artes nobles apelando a la elevada finalidad de estas actividades Lodovico Castelvetro hablo en su Correttione 1572 de artes memoriales ya que segun el estas artes buscaban fijar en objetos la memoria de cosas y acontecimientos Claude Francois Menestrier historiador frances del siglo XVII formulo la idea de artes pictoricas remarcando el caracter visual del arte Emanuele Tesauro ideo en 1658 la nocion de artes poeticas inspirado en la celebre cita de Horacio ut pictura poesis la pintura como la poesia describiendo el componente poetico y metaforico de estas artes ya en el siglo XVIII coincidieron en un mismo ano 1744 dos definiciones la de artes agradables de Giambattista Vico y la de artes elegantes de James Harris por ultimo en 1746 Charles Batteux establecio en Las bellas artes reducidas a un unico principio la concepcion actual de bellas artes remarcando su aspecto de imitacion imitatio 43 Batteux incluyo en las bellas artes pintura escultura musica poesia y danza mientras que mantuvo el termino artes mecanicas para el resto de actividades artisticas y senalo como actividades entre ambas categorias la arquitectura y la retorica si bien al poco tiempo se elimino el grupo intermedio y la arquitectura y la retorica se incorporaron plenamente a las bellas artes Sin embargo con el tiempo esta lista sufrio diversas variaciones y si bien se aceptaba comunmente la presencia de arquitectura pintura escultura musica y poesia los dos puestos restantes oscilaron entre la danza la retorica el teatro y la jardineria o mas adelante nuevas disciplinas como la fotografia y el cine El termino bellas artes hizo fortuna y quedo fijado como definicion de todas las actividades basadas en la elaboracion de objetos con finalidad estetica producidos de forma intelectual y con voluntad expresiva y trascendente Asi desde entonces las artes fueron bellas artes separadas tanto de las ciencias como de los oficios manuales Por eso mismo durante el siglo XIX se fue produciendo un nuevo cambio terminologico ya que las artes eran solo las bellas artes y el resto de actividades no lo eran poco a poco se fue perdiendo el termino bellas para quedar solo el de artes quedando la acepcion arte tal como la entendemos hoy dia Incluso sucedio que entonces se restringio el termino bellas artes para designar las artes visuales las que en el Renacimiento se denominaban artes del diseno arquitectura pintura y escultura siendo las demas las artes en general Tambien hubo una tendencia cada vez mas creciente a separar las artes visuales de las literarias que recibieron el nombre de bellas letras 44 Se podria decir que las bellas artes son aquellas que cumplen con ciertas caracteristicas esteticas dignas de ser admiradas tienen como objetivo expresar la belleza aunque esta sea definida por el artista o por la particular perspectiva del observador cayendo en la ambiguedad de lo que es bello Gary Martin senalo que debido a que constituye una experiencia subjetiva a menudo se dice que la belleza esta en el ojo del observador Las bellas artes han tenido historicamente tal adjetivo debido a que representan la maxima expresion sentimental del ser humano desde epocas remotas Sin embargo pese a la aceptacion general de la clasificacion propuesta por Batteux en los siglos siguientes todavia se produjeron intentos de nuevas clasificaciones del arte Immanuel Kant distinguio entre artes mecanicas y artes esteticas Robert von Zimmermann hablo de artes de la representacion material arquitectura y escultura de la representacion perceptiva pintura y musica y de la representacion del pensamiento literatura y Alois Riegl en Arte industrial de la epoca romana tardia dividio el arte en arquitectura plastica y ornamento Hegel en su Estetica 1835 1838 establecio tres formas de manifestacion artistica arte simbolico clasico y romantico que se relacionan con tres formas diferentes de arte tres estadios de evolucion historica y tres maneras distintas de tomar forma la idea Arte Historia Idea FormaSimbolico Infancia Desajuste ArquitecturaClasico Madurez Ajuste EsculturaRomantico Vejez Desbordamiento Pintura musica y poesia En la idea primero hay una relacion de desajuste donde la idea no encuentra forma despues es de ajuste cuando la idea se ajusta a la forma por ultimo en el desbordamiento la idea sobrepasa la forma tiende al infinito En la evolucion historica equipara infancia con el arte prehistorico antiguo y oriental madurez con el arte griego y romano y vejez con el arte cristiano En cuanto a la forma la arquitectura forma monumental es un arte tectonico depende de la materia de pesos medidas etc la escultura forma antropomorfica depende mas de la forma volumetrica por lo que se acerca mas al hombre la pintura musica y poesia formas suprasensibles son la etapa mas espiritual mas desmaterializada La creacion artistica no ha de ser una mimesis sino un proceso de libertad espiritual En su evolucion cuando el artista llega a su limite se van perdiendo las formas sensibles el arte se vuelve mas conceptual y reflexivo al final de este proceso se produce la muerte del arte 45 Pese a todo estos intentos de clasificacion resultaron un tanto baldios y cuando parecia que por fin se habia llegado a una definicion del arte universalmente aceptable despues de tantos siglos de evolucion los cambios sociales culturales y tecnologicos producidos durante los siglos XIX y XX han comportado un nuevo intento de definir el arte con base en parametros mas abiertos y omnicomprensivos intentando abarcar tanto una definicion teorica del arte como una catalogacion practica que incluyese las nuevas formas artisticas que han ido surgiendo en los ultimos tiempos fotografia cine comic nuevas tecnologias etc Como el de Juan Acha con su ensayo Arte y sociedad Latinoamerica el producto artistico y estructura 1979 cuya compleja organizacion de las artes es segun su aplicacion y origen en grupos como Cuerpo Objeto Superficie Objetos Superficies Iconicas Superficies Literarias Espectaculos y Audiciones Y otra mas simple en Logica del Limite 1991 de Eugenio Trias en la que el artista es como un habitante y a un determinado oficio artistico como un habitaculo que constituyen tres grandes areas del arte artes estaticas o del espacio artes mixtas y artes temporales o dinamicas Artes estaticas o espaciales Artes mixtas Artes dinamicas o temporalesArquitectura Cine MusicaEscultura Teatro DanzaPintura opera Literatura Estos intentos un tanto infructuosos han producido en cierta forma el efecto contrario acentuando aun mas la indefinicion del arte que hoy dia es un concepto abierto e interpretable donde caben muchas formulas y concepciones si bien se suele aceptar un minimo denominador comun basado en cualidades esteticas y expresivas asi como un componente de creatividad 35 Cinco artes son comunmente citadas en el siglo XIX a las cuales en el siglo XX se le anadiran cuatro mas para llegar a un total de nueve artes sin ser capaces los expertos y criticos de ponerse de acuerdo sobre la clasificacion un decimo arte Al final del siglo XX la siguiente lista establece las nuevas clasificaciones al igual que el numero de musas antiguas Arquitectura Escultura Artes visuales que incluyen la pintura el dibujo y el grabado Musica Literatura que incluye la poesia Artes escenicas que incluyen el teatro la danza el mimo y el circo Cinematografia Fotografia HistorietaCiertos criticos e historiadores consideran otras artes en la lista como la gastronomia la perfumeria la television la moda la publicidad la animacion y los videojuegos En la actualidad existe aun cierta discrepancia sobre cual seria el decimo arte 46 Elementos del fenomeno artistico Editar Autorretrato 1498 de Alberto Durero Artista se denomina artista a aquella persona que o bien practica un arte o bien destaca en el Por definicion un artista es quien elabora una obra de arte asi pues y en paralelo a la evolucion del concepto de arte que hemos visto anteriormente en epocas pasadas un artista era cualquier persona que trabajase en las artes liberales o vulgares desde un gramatico un astronomo o un musico hasta un albanil un alfarero o un ebanista Sin embargo hoy dia se entiende por artista a alguien que practica las bellas artes Aun asi el termino artista puede tener diversas acepciones desde el artista como creador hasta el artista como el que tiene en la practica de un arte su profesion Asi a menudo llamamos artistas a actores o musicos que solo interpretan obras creadas por otros autores Tambien se suele emplear el vocablo artista para diferenciar a quien practica una actividad liberal para distinguirlo del que practica un oficio en ese sentido se suele decir pintor artista para diferenciarlo de un pintor de brocha gorda Al artista se le supone una disposicion especialmente sensible frente al mundo que lo rodea ha desarrollado su propio punto de vista asi como su creatividad una buena tecnica y un medio de comunicacion hacia el espectador por medio de sus obras El artista adquiere su propio dominio de la tecnica y su desarrollo artistico intelectual para llegar al camino del profesionalismo Con esta personalidad el artista se manifiesta hacia el mundo tratando de reflejar lo que acontece o le gustaria que aconteciera en el 47 Obra de arte una obra es una realizacion material que tiene una existencia objetiva y que es perceptible sensiblemente El termino proviene del latin opera que deriva de opus trabajo por lo que equivale a trabajo como objeto es decir como resultado de un trabajo Una obra de arte puede ser tanto el objeto material en si una pintura una escultura un grabado como una produccion intelectual donde la artisticidad se encuentra en el momento de su ejecucion o captacion por medio de los sentidos asi en la literatura el arte se encuentra mas en la lectura de la obra que no en el lenguaje escrito que le sirve de vehiculo de comunicacion o en el medio material libro revista que le sirva de soporte en musica el arte se encuentra en su percepcion auditiva no en la partitura en que se ve reflejada Asi en el arte conceptual se valora mas la concepcion de la obra de arte por parte del artista que no su realizacion material En ese sentido una obra de arte puede tener varios niveles de elaboracion decia Panofsky que al escribir una carta se cumple basicamente el objetivo de comunicarse pero si se escribe poniendo especial atencion en la caligrafia puede tener un sentido artistico valorable per se y si ademas se escribe en un tono poetico o literario la carta trasciende su sustrato material para convertirse en una obra de arte valorable por sus cualidades intrinsecas Por otro lado hay que valorar la percepcion del receptor un objeto puede no estar elaborado con finalidades artisticas pero ser interpretado asi por la persona que lo percibe como en los ready made de Duchamp Igualmente una obra de arte puede tener diversas interpretaciones segun la persona que lo valore como remarco Umberto Eco con su concepto de obra abierta Y una misma obra puede ser percibida como artistica por unos y como no artistica por otros decia Marcel Mauss que es obra de arte el objeto que es reconocido como tal por un grupo social definido Asi habria que reconocer que una obra de arte es un objeto que tiene un valor anadido sea este valor un concepto artistico estetico cultural sociologico o de diversa indole 48 En conclusion se podria decir que una obra de arte es un hecho sensorial realizado artificialmente con intencionalidad comunicativa y orientacion ludica La obra de arte para ser considerada como tal debe trascender su sustrato material para adquirir una significacion trascendente basada tanto en su aspecto estetico como en el historico al ser reflejo de un lugar y tiempo determinados asi como de una determinada cultura que subyace en la genesis de toda obra de arte 49 Sea cual sea su antiguedad y clasicismo una obra de arte es en acto y no solo potencialmente una obra de arte cuando pervive en alguna experiencia individualizada En cuanto pedazo de pergamino de marmol de tela permanece aunque sujeta a las devastaciones del tiempo identica a si misma a traves de los anos Pero como obra de arte se recrea cada vez que es experimentada esteticamente John Dewey El arte como experiencia 1934 50 Una performance ejemplo de actividad artistica que requiere un publico Publico un factor cada vez mas determinante en el mundo del arte es el del publico la gente que acude a museos o exposiciones y que manifiesta cada vez mas un sentido critico y apreciativo del arte pudiendo influir en las modas y los gustos artisticos En siglos anteriores el arte era un circulo cerrado al que solo tenian acceso las clases mas favorecidas que eran las que encargaban y adquirian obras de arte Sin embargo desde la apertura de los primeros museos publicos en el siglo XVIII la participacion del publico en general en la apreciacion del arte ha sido cada vez mayor favorecida sobre todo por el aumento de medios de comunicacion de masas prensa libros revistas y mas recientemente medios digitales e Internet Asimismo las nuevas corrientes artisticas sobre todo desde pasada la Segunda Guerra Mundial han favorecido la participacion del publico en la propia genesis del hecho artistico a traves de acciones artisticas como los happenings y las performances 51 Percepcion la percepcion del arte es un fenomeno subjetivo motivado no solo por el hecho sensorial sino por el aspecto de mentalidad inherente que depende de la cultura la educacion etc La percepcion es un proceso activo y selectivo el ser humano tiende a seleccionar la percepcion mas sencilla asi como a ver las cosas globalmente por ejemplo tendemos a ver las cosas simetricas aunque no lo sean De la percepcion sensorial dependen factores como la textura la forma y el color asi como la geometria la proporcion y el ritmo Materia y tecnica el proceso artistico comienza con la elaboracion mental de la obra por parte del artista pero esta se ha de plasmar en materia proceso que se realiza a traves de la tecnica La materia tiene una nocion constitutiva creadora siendo parte esencial de la creacion artistica Tambien puede aportar diferentes concepciones esteticas como el uso del hierro y el vidrio en la arquitectura contemporanea A su vez la tecnica es la manera como el artista da forma a la obra de arte como moldea la materia para conseguir expresar aquello que desea crear Los materiales y la tecnica van evolucionando con el tiempo y pueden ser definitorios de un determinado lenguaje o estilo artistico 52 Funcion del arte el arte puede cumplir diversas funciones segun la voluntad del propio artista o segun la interpretacion que de la obra haga el publico Practica el arte puede tener una utilidad practica siempre y cuando cumpla diversas premisas de satisfacer necesidades o de tener una finalidad destinada a su uso o disfrute como es el caso de la arquitectura o bien de la artesania y las artes aplicadas decorativas e industriales Estetica el arte esta estrechamente vinculado a una finalidad estetica es decir de provocar sentimientos o emociones o bien suscitar belleza y admiracion en todo aquel que contempla la obra de arte Simbolica el arte puede estar revestido de una funcion simbolica cuando pretende trascender su simple materialidad para ser un simbolo una forma de expresion o comunicacion un lenguaje por el cual se expresa una idea que debe ser descifrable para el publico al cual va dirigida Economica el arte como producto elaborado por el hombre no deja de ser un objeto que puede estar motivado con fines economicos bien en su concepcion o bien en su posterior mercantilizacion Comunicativa el arte es un medio de comunicacion por el cual se expresan ideas o conceptos o bien se recrean estados de animo En este sentido puede ser tanto critico como propagandistico del mensaje que desea transmitir Imitativa el arte ha pretendido historicamente ser fiel reflejo de la realidad al menos hasta la aparicion de la fotografia y el cine en el siglo XX Asi el arte ha sido un medio ideal para plasmar el mundo la forma de vida de las diversas culturas y civilizaciones que se han sucedido a lo largo del tiempo Critica el arte puede tener una voluntad critica bien de tipo politico religioso o social haciendose eco de las reivindicaciones sociales de cada periodo historico Museo del Prado Museos son instituciones dedicadas al estudio conservacion y exposicion de obras de arte El origen de los museos esta en el coleccionismo donde a la obra de arte se le anade un valor historico o cultural o bien de admiracion o singularidad A partir del siglo XVIII comenzaron a abrirse las colecciones al publico surgiendo los museos de proteccion estatal British Museum 1753 Uffizi 1769 Louvre 1789 Prado 1819 Altes Museum de Berlin 1830 National Gallery 1838 Hermitage 1851 al tiempo que surgieron las academias instituciones que regulan el proceso creativo educativo y formativo del arte El Consejo Internacional de Museos ICOM define el museo como una institucion sin animo de lucro permanente al servicio de la sociedad y su desarrollo abierto al publico que adquiere conserva investiga comunica y exhibe testimonios materiales de la evolucion de la naturaleza y del hombre con finalidades de estudio de educacion y de delectacion Existen dos disciplinas vinculadas al estudio de los museos la museografia estudia la vertiente tecnica y estructural de los museos arquitectura equipamiento medios de exposicion y la museologia analiza el museo desde una perspectiva historica social y cultural 53 Academias de arte son instituciones encargadas de preservar el arte como fenomeno cultural de reglamentar su estudio y su conservacion y de promocionarlo mediante exposiciones y concursos originalmente servian tambien como centros de formacion de artistas aunque con el tiempo perdieron esta funcion traspasada a instituciones privadas Las primeras academias surgieron en Italia en el siglo XVI en 1562 la Accademia del Disegno en Florencia en 1577 la Accademia di San Luca en Roma Posteriormente cabe destacar la Academie Royal d Art fundada en Paris en 1648 la Akademie der Kunste de Berlin 1696 la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid 1744 la Academia Rusa de Artes de San Petersburgo 1757 y la Royal Academy of Arts de Londres 1768 Las academias de arte a menudo han sido criticadas como centros conservadores anclados en el gusto por el arte clasico excesivamente reglamentadas llegando incluso a que el termino arte academico sea sinonimo de un arte de corte clasico y tipo canonico de repeticion de formas tradicionales Hoy en dia las academias tienen mas que nada una funcion institucional representativa y de asesoramiento 54 Fundaciones de arte conocidas como el tercer sector ya que son privadas pero no persiguen fines lucrativos por lo que se situan entre los museos y las galerias de arte las fundaciones son instituciones de ambito privado y filantropico encargadas de difundir y fomentar el arte Entre sus funciones se cuentan tanto la conservacion de obras de arte generalmente estas fundaciones tienen sus propias colecciones como el estimulo y fomento de la creatividad artistica a traves de becas para jovenes artistas Instancia intermedia entre la sociedad civil y el estado las fundaciones favorecen la participacion ciudadana en las esferas culturales fomentando la democratizacion del estamento artistico Entre las diversas fundaciones internacionales destacan la Fundacion Maeght la del Chase Manhattan Bank la Fundacion Beyeler la Fundacion Cartier la Fundacion Lucio Fontana la Fundacion Calouste Gulbenkian la Fundacion Solomon R Guggenheim la Fundacion Robert Mapplethorpe la Fundacion Vincent Van Gogh etc en Espana la Fundacion Miro la Fundacion Antoni Tapies la Fundacion BBVA la Fundacion Caixa Forum la Fundacion Telefonica la Fundacion Juan March la Fundacion Gala Salvador Dali la Fundacion Thyssen Bornemisza etc 55 Coleccionismo es una actividad generalmente de indole privada destinada a la creacion de colecciones de obras de arte Desde siempre el hombre ha sentido fascinacion por el arte hecho que le ha llevado a la adquisicion de obras de arte para su disfrute personal o desde el crecimiento del mercado artistico en el Renacimiento como inversion economica Las colecciones particulares de arte han rivalizado a menudo con los museos en cuanto a cantidad y calidad de obras de arte y gracias a donaciones filantropicas han sido origen muchas veces de la ampliacion o creacion de nuevos museos El coleccionismo empezo de forma amplia en la antigua Roma fruto generalmente de botines de guerra de los paises conquistados Durante la Edad Media fue comun el atesoramiento de piezas de valor orfebreria obras de marfil y ebano y de reliquias Sin embargo el auge del coleccionismo se produjo en el Renacimiento cuando nobles y mecenas encargaron y adquirieron gran numero de obras de arte para sus palacios y villas Circunscrito en principio a la aristocracia a partir del siglo XVIII el coleccionismo paso tambien a la burguesia y a los ricos hombres de negocios ya que el arte tenia entonces un marcado componente de ostentacion social Desde entonces la figura del coleccionista privado ha sido fundamental para el exito del mercado artistico 56 Galeria de arte con vistas de la Roma antigua 1754 1757 de Giovanni Paolo Pannini Mercado artistico la valoracion de la obra de arte como mercancia susceptible de ser adquirida por una contraprestacion economica comienza con la toma de conciencia de la singularidad del arte de su valor como obra unica e irrepetible unido a aspectos como su antiguedad su calidad su autenticidad etc El comercio artistico surgio en Grecia y Roma pero se consolido en el Renacimiento en el siglo XVI existian ya en Venecia y Florencia lonjas especializadas en la transaccion del arte En el siglo XVII el principal centro comercializador de arte fueron los Paises Bajos donde una creciente burguesia hacia del arte un reflejo de su estatus social En el siglo XIX el mercado del arte cobro una gran difusion en paralelo a la apertura de los museos publicos y a la realizacion de exposiciones internacionales donde se exhibian los mejores productos tanto artisticos como industriales de todos los paises Prolifero entonces la apertura de galerias privadas de arte y aparecio la figura del marchante de arte que a menudo jugaria un papel relevante en su relacion con los artistas y llegaria a cobrar un protagonismo propio en la historia del arte como Daniel Henry Kahnweiler o Ambroise Vollard Tambien aparecieron casas de subastas como las famosas Christie s y Sotheby s britanicas la francesa Drouot la alemana Lempertz la italiana Finarte o las espanolas Brok Ansorena y Duran 57 Ferias uno de los principales medios de comercializacion del arte son las ferias donde los artistas dan a conocer sus obras mientras que el publico puede apreciarlas y estar al corriente de las diversas novedades que se van sucediendo en el tiempo Las ferias han ido adquiriendo cada vez mayor relevancia existiendo un circuito donde a lo largo del ano diversas ciudades de todo el mundo acogen ferias de diversa indole Actualmente su cometido no es solo comercial sino tambien cultural e institucional ya que suponen una fuente de difusion del arte Una de las primeras ferias conocidas fue la celebrada en el Salone degli Innocenti de la Academia de Florencia donde en 1564 se vendieron 17 de 25 cuadros pintados en homenaje a Miguel Angel tras su fallecimiento En 1737 se abrio la muestra bienal del Salon Carre del Louvre organizada por la Academie Royal d Art primeras ferias abiertas a un publico mayoritario En la actualidad destacan la Bienal de Venecia la Documenta de Kassel la Bienal de Sao Paulo la Trienal de Milan la feria ARCO de Madrid la FIAC de Paris ArtBasel de Basilea etc 58 Exposiciones uno de los factores clave en la difusion del arte sobre todo actualmente es la organizacion de exposiciones publicas o privadas de arte antiguo o contemporaneo individuales o colectivas tematicas o antologicas Las primeras exposiciones surgieron en Gran Bretana a finales del siglo XVIII propiciadas por el exilio de artistas provocado por la Revolucion francesa En el siglo XIX surgieron las exposiciones universales primeros fenomenos de masas donde se exponian las principales novedades tanto del mundo del arte como de la ciencia la industria y cualquier otra actividad humana Desde entonces se han sucedido las exposiciones por todo el mundo circunscritas a menudo en los propios museos de arte como forma de favorecer una mayor afluencia de publico Actualmente son habituales las exposiciones antologicas e itinerantes que suelen recorrer los principales centros artisticos mundiales Otro factor a tener en cuenta sobre todo dada la temporalidad de estas exposiciones es la cada vez mayor importancia de los catalogos unicos testimonios del conjunto de obras de arte expuestas de forma muchas veces irrepetible La exposicion mas visitada ha sido la de Arte degenerado organizada en 1937 por el ministro de propaganda nazi Joseph Goebbels que fue visitada por unos tres millones de personas en diversas ciudades alemanas a lo largo de cuatro anos 59 Disciplinas artisticas Editar Arquitectura Casa de la Cascada 1939 de Frank Lloyd Wright Pintura La noche estrellada 1889 de Vincent van Gogh Escultura Extasis de la beata Ludovica Albertoni 1671 1674 de Gian Lorenzo Bernini Musica Cuarteto para flauta 1777 de Wolfgang Amadeus Mozart Literatura Ejemplo de caligrafia en latin que representa una Biblia de 1407 Las artes creativas a menudo son divididas en categorias mas especificas como las artes decorativas las artes plasticas las artes escenicas o la literatura Asi la pintura es una forma de arte visual y la poesia es una forma de literatura Algunos ejemplos son Artes visualesArquitectura es el arte de proyectar y construir edificios Denominada a veces como el arte del espacio la arquitectura es un proceso tecnico y de diseno que procura mediante diversos materiales la construccion de estructuras que organizan el espacio para su utilizacion por el ser humano Inicialmente destinada a la construccion de viviendas con el tiempo se ha ido diversificando en distintas tipologias con fines muy diversos desde espacios de culto religioso hasta instalaciones militares pasando por edificios publicos ayuntamientos escuelas universidades hospitales bibliotecas museos etc fabricas instalaciones deportivas obras de ingenieria puentes carreteras estaciones de transporte ferrocarriles puertos aeropuertos etc Igualmente la arquitectura ha asumido con el tiempo diversas competencias como el urbanismo el paisajismo obras de salud publica alcantarillado canalizaciones etc Arte corporal es el que utiliza el cuerpo humano como soporte Incluye actividades como el maquillaje el vestuario la peluqueria el tatuaje el piercing etc Arte digital es el realizado por medios digitales como el video o la informatica vinculado a menudo a las instalaciones o que utiliza diversos soportes como Internet un ejemplo son los videojuegos Arte efimero es el que tiene una duracion determinada en el tiempo ya que en la genesis de su concepcion estriba ya el hecho de que sea perecedero Incluye diversas formas de arte conceptual y de accion como el happening y la performance Tambien engloba diversas actividades como la gastronomia la perfumeria la pirotecnia etc Un punto esencial de este tipo de actividades es la participacion del publico Artes decorativas o aplicadas termino aplicado preferentemente a las artes industriales asi como a la pintura y la escultura cuando su objetivo no es el de generar una obra unica y diferenciada sino que buscan una finalidad decorativa y ornamental Artes graficas son las que se realizan por medio de un proceso de impresion asi son artes graficas tanto el grabado como la fotografia el cartelismo o el comic o cualquier actividad artistica que utilice un medio impreso En su realizacion intervienen por un lado la creacion de un diseno y por otro su traslado a un determinado sustrato como el papel Las artes graficas aparecieron con la invencion de la imprenta por Johannes Gutenberg hacia 1450 agrupando todos los oficios que se relacionaban con la impresion tipografica Mas tarde la necesidad de generar impresiones de mejor calidad propicio la aparicion de la preprensa o fotomecanica Artes industriales son las desarrolladas con una elaboracion industrial o artesanal pero persiguiendo una cierta finalidad estetica sobre todo en la elaboracion de determinados objetos como vestidos viviendas y utensilios asi como diversos elementos de decoracion Muchas artes decorativas son tambien industriales Artes y oficios son las que comportan un trabajo manual que puede tener un caracter artesanal o industrial Engloba diversas actividades como la ceramica la corioplastia la ebanisteria la forja la jardineria la joyeria el mosaico la orfebreria la tapiceria la vidrieria etc Cinematografia tecnica basada en la reproduccion de imagenes en movimiento el cine surgio con el invento del cinematografo por los hermanos Lumiere en 1895 Si bien en principio unicamente suponia la captacion de imagenes del natural como si fuese un documental enseguida la cinematografia evoluciono hacia la narracion de historias mediante la utilizacion de guiones y procesos tecnicos como el montaje que permitian rodar escenas y ordenarlas de forma que presentase una historia coherente Con la incorporacion de elementos tomados del teatro proceso iniciado por Melies el cine alcanzo un grado de autentica artisticidad siendo bautizado como el septimo arte termino propuesto por Ricciotto Canudo en 1911 Dibujo representacion grafica realizada por medio de lineas trazos y sombras elaborados mediante lapiz pluma u objetos similares El dibujo esta en la base de casi cualquier obra artistica pues la mayoria de obras pictoricas se realizan sobre un esbozo dibujado sobre el lienzo sobre el que posteriormente se pinta igualmente muchas esculturas son disenadas primero en dibujo e incluso la arquitectura se basa en planos dibujados Aparte de esto el dibujo tiene una indudable autonomia artistica siendo innumerables los dibujos realizados por la mayoria de grandes artistas a lo largo de la Historia Diseno es la traza o delineacion de cualquier elemento relacionado con el ser humano sea un edificio un vestido un peinado etc Utilizado habitualmente en el contexto de las artes aplicadas ingenieria arquitectura y otras disciplinas creativas el diseno se define como el proceso previo de configuracion mental de una obra mediante esbozos dibujos bocetos o esquemas trazados en cualquier soporte El diseno tiene un componente funcional y otro estetico ha de satisfacer necesidades pero ha de agradar a los sentidos Comprende multitud de disciplinas y oficios dependiendo del objeto a disenar y de la participacion en el proceso de una o varias personas o especialidades Escultura es el arte de modelar figuras en volumen mediante diversos materiales como el barro la piedra la madera el metal etc Es un arte espacial donde el autor se expresa mediante volumenes y formas dimensionales En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel junto con las de fundicion y moldeado y a veces el arte de la alfareria Puede ser en talla exenta tambien llamada de bulto redondo o en relieve sobre diversas superficies Fotografia es una tecnica que permite capturar imagenes del mundo sensible y fijarlas en un soporte material una pelicula sensible a la luz o un sensor digital Se basa en el principio de la camara oscura con la cual se consigue proyectar una imagen captada por un pequeno agujero sobre una superficie de tal forma que el tamano de la imagen queda reducido y aumentada su nitidez La fotografia moderna comenzo con la construccion del daguerrotipo por Louis Jacques Mande Daguerre a partir de donde se fueron perfeccionando los procedimientos tecnicos para su captacion y reproduccion Pese a tomar sus imagenes de la realidad la fotografia fue enseguida considerada un arte pues se reconoce que la vision aportada por el fotografo a la hora de elegir una toma o encuadre es un proceso artistico realizado con una voluntad estetica Grabado el grabado es una tecnica de elaboracion de estampas artisticas mediante una plancha de madera o metal trabajada segun diversos procedimientos aguafuerte aguatinta calcografia grabado al buril grabado a media tinta grabado a punta seca linograbado litografia serigrafia xilografia etc Historieta la historieta o comic es una representacion grafica mediante la cual se narra una historia a traves de una sucesion de vinetas en las que mediante dibujos en color o blanco y negro y textos enmarcados en unos recuadros llamados bocadillos se va presentando la accion narrada en un sentido lineal Derivada de la caricatura la historieta se desarrollo a partir del siglo XIX sobre todo en medios periodisticos en tiras insertadas generalmente en las secciones de entretenimiento de los periodicos aunque pronto adquirieron autonomia propia y empezaron a ser editadas en forma de albumes Aunque comenzo dentro del genero humoristico posteriormente aparecieron historietas de todos los generos alcanzando gran exito a nivel popular durante el siglo XX Pintura es el arte y tecnica de crear imagenes a traves de la aplicacion de pigmentos de color sobre una superficie sea papel tela madera pared etc Se suele dividir en pintura mural fresco temple o de caballete temple oleo pastel e igualmente puede clasificarse segun su genero retrato paisaje bodegon etc La pintura ha sido durante siglos el principal medio para documentar la realidad el mundo circundante reflejando en sus imagenes el devenir historico de las distintas culturas que han sucedido a lo largo del tiempo asi como sus costumbres y condiciones materiales Artes escenicasDanza la danza es una forma de expresion del cuerpo humano que consiste en una serie de movimientos ritmicos al compas de una musica aunque esta ultima no es del todo imprescindible Entre sus modalidades figura el ballet o danza clasica aunque existen innumerables tipos de danzas rituales y folcloricas entre las diversas culturas y sociedades humanas asi como infinitud de bailes populares Las tecnicas de danza requieren una gran concentracion para dominar todo el cuerpo con especial hincapie en la flexibilidad la coordinacion y el ritmo Teatro es un arte escenico que tiene por objetivo la representacion de un drama literario a traves de unos actores que representan unos papeles establecidos combinado con una serie de factores como son la escenografia la musica el espectaculo los efectos especiales el maquillaje el vestuario los objetos de atrezzo etc Se realiza sobre un escenario siendo parte esencial de la obra el dirigirse a un publico El teatro puede incluir en exclusiva o de forma combinada diversos tipos de modalidades escenicas como la opera el ballet y la pantomima Artes musicalesCanto coral es el realizado por un grupo de voces bien masculinas o femeninas o mixtas que interpretan una cancion o melodia de forma conjunta aunando sus voces para ofrecer una sola voz musical Entre las diversas formas de canto coral figura el canto gregoriano Musica sinfonica la musica es el arte de organizar sensible y logicamente una combinacion coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodia la armonia y el ritmo En su vertiente sinfonica se considera que es la musica instrumental interpretada por una orquesta formada por los principales instrumentos de viento madera y metal cuerda y percusion opera es un arte donde se combina la musica con el canto sobre la base de un guion libreto interpretado segun los principios de las artes escenicas La interpretacion es realizada por cantantes de diversos registros vocales bajo baritono tenor contralto mezzosoprano y soprano Artes literariasNarrativa es el arte de escribir en prosa recreando en palabras sucesos reales o ficticios que el escritor dispone de forma adecuada para su correcta comprension por el lector con finalidades informativas o recreativas expresadas con un lenguaje que puede variar desde un aspecto descriptivo hasta otro imaginario o de diversa indole Entre las diversas formas de narrativa se encuentran la novela y el cuento Poesia es una composicion literaria basada en la metrica y el ritmo dispuesta a traves de una estructura de versos y estrofas que pueden tener diversas formas de rima aunque tambien pueden ser de verso libre Su contenido puede ser igualmente realista o ficticio aunque por lo general la poesia siempre suele tener un aspecto evocador e intimista siendo el principal vehiculo de expresion del componente mas emotivo del ser humano Drama es una forma de escritura basada en el dialogo de diversos personajes que van contando una historia a traves de la sucesion cronologica y argumental de diversas escenas donde se va desarrollando la accion Aunque tiene un caracter literario autonomo generalmente esta concebido para ser representado de forma teatral por lo que el drama esta intimamente ligado a las artes escenicas Estilos artisticos EditarArticulo principal Movimiento artistico Cada periodo historico ha tenido unas caracteristicas concretas y definibles comunes a otras regiones y culturas o bien unicas y diferenciadas que han ido evolucionando con el devenir de los tiempos De ahi surgen los estilos artisticos que pueden tener un origen geografico o temporal o incluso reducirse a la obra de un artista en concreto siempre y cuando se produzcan unas formas artisticas claramente definitorias Estilo proviene del latin stilus punzon escrito en epoca medieval como stylus por influencia del termino griego stylos stylos columna Antiguamente se denominaba asi a un tipo de punzon para escribir sobre tablillas de cera con el tiempo paso a designar tanto el instrumento como el trabajo del escritor y su manera de escribir El concepto de estilo surgio en literatura pero pronto se extendio al resto de artes especialmente musica y danza Actualmente se emplea este termino en su sentido metonimico es decir como aquella cualidad que identifica la forma de trabajar de expresarse o de concebir una obra de arte por parte del artista o bien en sentido mas generico de un conjunto de artistas u obras que tienen diversos puntos en comun agrupados geografica o cronologicamente Asi el estilo puede ser tanto un conjunto de caracteres formales bien individuales la forma de escribir de componer o de elaborar una obra de arte por parte de un artista o bien colectivos de un grupo una epoca o un lugar geografico como un sistema organico de formas en que seria la conjuncion de determinados factores la que generaria la forma de trabajar del grupo como en el arte romanico gotico barroco etc Segun Focillon un estilo es un conjunto coherente de formas unidas por una conveniencia reciproca sumisas a una logica interna que las organiza Estos caracteres individuales o sociales son signos distintivos que permiten diferenciar definir y catalogar de forma empirica la obra de un artista o un grupo de artistas adscritos a un mismo estilo o escuela termino que designa un grupo de autores con caracteristicas comunes definitorias Asi la estilistica es la ciencia que estudia los diversos signos distintivos objetivos y univocos de la obra de un artista o escuela Este estudio ha servido en la Historia del arte como punto de partida para el analisis del devenir historico artistico basado en el estilo como se puede apreciar en alguna escuela historiografica como el formalismo 60 El estilo estudia al artista y a la obra de arte como materializacion de una idea plasmada en la materia a traves de la tecnica lo que constituye un lenguaje formal susceptible de analisis y de catalogacion y periodificacion Por otro lado asi como la similitud de formas crean un lenguaje y por tanto un estilo una misma forma puede tener distinta significacion en diversos estilos Asi los estilos estan sujetos a una dinamica evolutiva que suele ser ciclica recurrente perceptible en mayor o menor grado en cada periodo historico Se suelen distinguir en cada estilo escuela o periodo artistico diversas fases con las naturales variaciones concretas en cada caso fase preclasica donde se comienzan a configurar los signos distintivos de cada estilo concreto se suelen denominar con los prefijos proto o pre como el prerromanticismo fase clasica donde se concretan los principales signos caracteristicos del estilo que serviran de puntos de referencia y supondran la materializacion de sus principales realizaciones fase manierista donde se reinterpretan las formas clasicas elaboradas desde un punto de vista mas subjetivo por parte del autor fase barroca que es una reaccion contra las formas clasicas deformadas a gusto y capricho del artista fase arcaizante donde se vuelve a las formas clasicas pero ya con la evidente falta de naturalidad que le es intrinseca se suele denominar con el prefijo post como el postimpresionismo y fase recurrente donde la falta de referentes provoca una tendencia al eclecticismo se suelen denominar con el prefijo neo como el neoclasicismo 61 Estilos artisticos Fase preclasica Kuros del Asclepeion de Paros Fase clasica Discobolo de Miron Fase manierista Apolo Sauroctono de Praxiteles Fase barroca Laocoonte y sus hijos de Agesandro Polidoro y Atenodoro de Rodas Fase arcaizante Grupo de San Ildefonso escultura romana inspirada en modelos griegos Fase recurrente Napoleon divinizado de Antonio Canova escultura neoclasicista inspirada en modelos clasicos grecorromanos Generos artisticos EditarArticulo principal Tema artistico Un genero artistico es una especializacion tematica en que se suelen dividir las diversas artes Antiguamente se denominaba pintores de genero a los que se ocupaban de un solo tema retratos paisajes pinturas de flores animales etc El termino tenia un cierto sentido peyorativo ya que parecia que el artista que trataba solo esos asuntos no valia para otros y se contraponia al pintor de historia que en una sola composicion trataba diversos elementos paisaje arquitectura figuras humanas En el siglo XVIII el termino se aplico al pintor que representaba escenas de la vida cotidiana opuesto igualmente al pintor de historia que trataba temas historicos mitologicos etc En cambio en el siglo XIX al perder la pintura de historia su posicion privilegiada se otorgo igual categoria a la historia que al paisaje retrato etc Entonces la pintura de genero paso a ser la que no trataba las principales cuatro clases reconocidas historia retrato paisaje y marina Asi un pintor de genero era el que no tenia ningun genero definido Por ultimo al eliminar cualquier jerarquia en la representacion artistica actualmente se considera pintura de genero cualquier obra que represente escenas de la vida cotidiana temas anecdoticos al tiempo que aun se habla de generos artisticos para designar los diversos temas que han sido recurrentes en la Historia del arte paisaje retrato desnudo bodegon haciendo asi una sintesis entre los diversos conceptos anteriores 62 Generos pictoricos se suelen clasificar en cuanto a su contenido tematico retrato y autorretrato desnudo bodegon y vanidades paisaje y marina pintura de mitologia pintura de historia pintura religiosa pintura de genero etc Generos literarios los generos literarios son los distintos grupos o categorias en que podemos clasificar las obras literarias atendiendo a su contenido La retorica clasica los ha clasificado en tres grupos importantes lirico epico y dramatico A estos algunos suelen anadir el didactico oratoria ensayo biografia cronica Generos musicales se basan en criterios como el ritmo la instrumentacion las caracteristicas armonicas o melodicas o la estructura La musica clasica academica o musica culta es uno de los tres grandes generos en los que se puede dividir la musica en general junto con la musica popular y la musica tradicional o folclorica Generos cinematograficos primero se clasificaron en dos grandes grupos comedia y tragedia mas tarde se fueron diversificando cine de accion suspense thriller en ingles cine belico de ciencia ficcion cine de aventuras western de artes marciales cine fantastico cine de terror de catastrofes cine epico cine historico cine musical cine policiaco cine negro gore erotico cine de animacion cine documental cine experimental clase B etc En arquitectura en vez de generos se habla de tipologias que dependen de la configuracion global la tecnica la construccion y la decoracion Tenemos asi tipologias como la iglesia el palacio el castillo la vivienda el rascacielos la fabrica etc Generos artisticos Retrato La Gioconda 1503 de Leonardo da Vinci Paisaje Puerto con el embarque de la Reina de Saba 1648 de Claudio de Lorena Desnudo Venus del espejo 1647 1651 de Diego Velazquez Bodegon Bodegon con cebollas 1895 1900 de Paul Cezanne Tecnicas artisticas Editar Johann Sebastian Bach considerado el gran maestro del contrapunto MusicaArmonia es la ciencia que ensena a constituir los acordes conjuntos de sonidos y que sugiere la manera de combinarlos en la manera mas equilibrada consiguiendo asi sensaciones de relajacion armonia consonante o de tension armonia disonante Establece un estilo de composicion esencialmente vertical entre notas que se tocan al unisono Contrapunto es la tecnica que se utiliza para componer musica polifonica mediante el enlace de dos o mas melodias tambien voces o lineas independientes que se escuchan simultaneamente De mayor complejidad que la armonia da un mayor enfasis al desarrollo horizontal de la composicion que se establece mediante las relaciones intervalicas entre sucesivas notas Homofonia y Monodia es una textura musical donde dos o mas partes musicales se mueven simultaneamente desde el punto de vista armonico y cuya relacion forma acordes Se contrapone a la polifonia ya que en esta las partes tienen independencia ritmica y melodica y donde no hay predominancia de ninguna parte Polifonia se reconoce como un conjunto de sonidos simultaneos en que cada uno expresa su idea musical conservando su independencia formando asi con los demas un todo armonico Adornos musicales son recursos que pueden ser utilizados en las composiciones con el objeto de imprimirles a estas expresion ornamento variedad gracia o vivacidad Incluyen los trinos los mordentes las florituras DibujoCarboncillo es uno de los materiales mas antiguos para el dibujo empleado desde la prehistoria Se hace con ramitas de sauce asadas al horno en una cacerola cerrada dejandolo cocer a baja temperatura toda la noche Despues se le saca punta y se inserta en una cana o bastoncillo Es ideal para bocetos y estudios preparatorios ya que es friable y facil de borrar Lapiz es un grafito insertado en un tubo de madera o metal de color negro afilable y facil de borrar ideal para el dibujo Se difundio desde Italia en el siglo XV Pincel apto para dibujo y pintura esta compuesto de un soporte de madera y pelos de diferentes animales preferentemente cerdo marta cibelina ardilla etc Se emplea con tinta liquido elaborado con negro de carbon procedente de cascaras de nueces quemadas con agua goma arabiga gelatinas y odorizantes como el alcanfor o el almizcle Es ideal para remarcar volumenes y destacar brillos y zonas luminosas Pluma uno de los medios mas antiguos e ideales para el dibujo asi como la escritura y cualquier tipo de expresion grafica es la pluma bien de bastoncillos de cana a los que se saca punta o bien de plumas de animales preferentemente la oca Se aplica con tinta sobre papel o pergamino Puntas metalicas stilum la punta de metal plomo estano plata se usa desde epoca romana aplicada sobre papel pergamino o madera Sanguina es un tipo de lapiz de color rojizo obtenido de arcilla ferruginosa que hace un tipo de dibujo de color rojizo muy caracteristico de moda en la Italia del Renacimiento Tiza es sulfato de calcio bihidratado empleado desde el Renacimiento para material de dibujo o como pigmento para la pintura al temple Tallada en barritas existe la tiza blanca calcita la gris arcilla cruda de ladrillos y la negra carbon de fosil y ya en era moderna las tizas de colores de compuestos artificiales 63 Paleta de pintor pinceles y tubos de pintura oleos PinturaLa pintura como elemento bidimensional necesita un soporte muro madera lienzo cristal metal papel etc sobre este soporte se pone el pigmento colorante aglutinante Es el aglutinante el que clasifica los distintos procedimientos pictoricos Acrilico tecnica pictorica donde al colorante se le anade un aglutinante plastico Acuarela tecnica realizada con pigmentos transparentes diluidos en agua con aglutinantes como la goma arabiga o la miel usando como blanco el del propio papel Tecnica conocida desde el antiguo Egipto ha sido usada todas las epocas aunque con mas intensidad durante los siglos XVIII y XIX Aguada o gouache tecnica similar a la acuarela con colores mas espesos y diluidos en agua o cola mezclada con miel A diferencia de la acuarela contiene el color blanco Encaustica tecnica donde los colores se diluyen en cera fundida cola y lejia pintando en caliente Es una pintura densa y cremosa resistente a la luz y al agua Una vez aplicado el pigmento debe procederse al pulido con trapos de lino Fresco la pintura al fresco se realiza sobre un muro revocado de cal humeda y con colores diluidos en agua de cal El fresco se debe ejecutar muy deprisa ya que la cal absorbe rapidamente el color habiendo de retocarse posteriormente al temple en caso de ser necesario Conocido desde la antiguedad se practico frecuentemente durante la Edad Media y el Renacimiento Laca el colorante se aglutina con laca producto de unos pulgones japoneses disuelta con alcohol o acetona Miniatura es la decoracion de manuscritos con laminas de oro y plata y pigmentos de colores aglutinados con cola huevo o goma arabiga La palabra viene de la utilizacion del rojo minio en la rotulacion de las iniciales del manuscrito oleo tecnica que consiste en disolver los colores en un aglutinante de tipo oleoso aceite de linaza nuez almendra o avellana aceites animales anadiendo aguarras para que seque mejor Pastel el pastel es un lapiz de pigmento de diversos colores minerales con aglutinantes caolin yeso goma arabiga latex de higo cola de pescado azucar candi etc amasado con cera y jabon de Marsella y cortado en forma de barritas El color se debe extender con un difumino cilindro de piel o papel que se usa para difuminar los trazos de color los contornos etc lo que le da un aspecto suave y aterciopelado ideal para retratos Sin embargo es poco persistente por lo que necesita de algun fijador agua y cola o leche Surgio en Francia en el siglo XVI Temple pintura realizada con colores diluidos en agua temperada o engrosada con aglutinantes con base de cola yema de huevo caseina cola de higuera cerezo o ciruelo Se utiliza sobre tabla o muro y a diferencia del fresco puede retocarse en seco 64 Tecnicas mixtas Collage tecnica consistente en aplicar sobre una superficie diversos materiales papel tela chapa periodicos fotografias etc elaborados de forma diversa rotos cortados rasgados de tal forma que compongan una composicion de signo artistico bien de forma individual o mezclados con otras tecnicas pictoricas Decollage designa a la tecnica opuesta al collage en lugar de construir una imagen a partir de la suma de otras imagenes o partes de ellas aquella es creada cortando rasgando o eliminando de cualquier otra forma partes de la imagen original Dripping tecnica proveniente del action painting consiste en chorrear dripping chorreando la pintura sobre el lienzo que mediante el movimiento del artista sobre la tela adquiere diferentes formas y espesores Ensamblaje assemblage tecnica consistente en la utilizacion de objetos reales provenientes de la vida cotidiana que son pegados o ensamblados a un soporte y sometidos posteriormente a otras actuaciones pictoricas o de cualquier otra tecnica mixta frottage tecnica ideada por Max Ernst en 1925 consiste en frotar un lapiz sobre una hoja colocada sobre un objeto consiguiendo una impresion de la forma y textura de ese objeto Se puede hacer tambien con lapices de colores o pintar sobre el primer esbozo Grattage deriva del frottage elaborando la imagen como un esgrafiado esparciendo el color en apliques densos que despues se rascan con espatula o con redes metalicas de diversas texturas EsculturaSegun el material se puede trabajar en tres sistemas aditivo modelando y anadiendo materia generalmente en materias blandas cera plastilina barro sustractivo eliminando materia hasta descubrir la figura generalmente en materiales duros piedra marmol madera bronce hierro y mixto anadiendo y quitando Tambien se puede hacer por fundicion a traves de un molde Hecha la escultura se puede dejar al natural o policromarla con colorantes vegetales o minerales o en encausto al temple o al oleo en dorado o estofado imitacion de oro Escultura en marfil proveniente de colmillos de diversos animales elefante hipopotamo morsa jabali africano el marfil es un material empleado en escultura y orfebreria Es facil de tallar aunque tiene el impedimento de su escasa longitud y su curvatura Se trabaja con escoplos y taladros En combinacion con el oro produce la llamada tecnica crisoelefantina Escultura en metal se realiza con cobre bronce oro o plata trabajado directamente con martillo y cincel generalmente en laminas de metal sobre placas de madera El metal se vuelve rigido al ir golpeandolo por lo que hay que ir calentandolo para seguir trabajando proceso conocido como recocido Tambien se puede trabajar en repujado practicando el bajorrelieve con martillo y punzon Otra tecnica es a la cera perdida sobre un modelo de arcilla o yeso sobre el que se aplica una aleacion de bronce o laton Escultura en piedra es una de las mas frecuentes realizada por sustraccion Generalmente se emplean piedras como la caliza el marmol el basalto el granito el porfido el alabastro etc Se trabaja con taladro escoplo martillo y cincel Estuco formado por cal polvo de marmol arena lavada y cola de caseina el estuco se emplea desde la antiguedad en escultura o como elemento decorativo en la arquitectura Facilmente moldeable se puede dejar al natural o policromarlo Talla la talla en madera es una de las tecnicas escultoricas mas antiguas facil de ejecutar y de multiples cualidades plasticas Su caracter irregular le da un aire expresivo inacabado que puede ser ideal para determinados estilos artisticos pero que es rechazado por otros de corte mas clasico y perfeccionista Una vez realizada la talla se puede policromar aplicarle diversos tratamientos con ceras o lacas laminas metalicas tejidos o incrustaciones de piedras preciosas u otros elementos Terracota escultura realizada con arcilla cocida fue el primer material utilizado para modelar figuras Se trabaja sobre un caballete con estiques o espatulas o bien con un molde de yeso Una vez modelada y dejada secar se cuece a 750 950 Una vez terminada se puede dejar al natural decorarla con pintura o esmaltarla forma esta ultima ideada en el siglo XV por Luca della Robbia 65 Tecnicas mixtas como en pintura en escultura se puede dar la utilizacion de diversos elementos para formar la figura procedimiento diversificado en el siglo XX con la utilizacion de materiales considerados no artisticos procedentes incluso de elementos detriticos o de desecho o anadiendo diversos objetos naturales o artificiales como en los denominados ready made Grabado El velo de Veronica 1513 de Alberto Durero Mosaico mosaico bizantino del siglo V Estambul Vidriera Moises en el monte Sinai y Moises ante el faraon siglo XIII Catedral de Colonia Alemania Ceramica fuente de la Dinastia ming siglos XIV XV Orfebreria collar de oro micenico siglo XII a C GrabadoCalcografia grabado sobre cobre realizado en hueco en diversas tecnicas Aguafuerte tecnica de grabado consistente en tratar las partes de la plancha de metal no protegidas por un barniz con agua fuerte acido nitrico diluido en agua Aguatinta tecnica proveniente de una plancha de metal cubierta con resina que una vez calentada se adhiere a la superficie de la plancha dibujando posteriormente sobre esta superficie con un tipo de tinta especial llamada aguatinta Proveniente del aguafuerte produce efectos parecidos a la acuarela Surgio en el siglo XVIII Grabado a buril se realiza sobre plancha de cobre con un buril instrumento formado por un mango redondo y una barra de acero de seccion cuadrada tallada en forma de rombo Con esta herramienta se perfila el dibujo rellenando los surcos con tinta Grabado a punta seca en esta tecnica la plancha se trabaja directamente con una punta de acero diamante o rubi sin recurrir a barnices ni acidos obteniendo unas lineas asperas llamadas rebabas diferentes segun la presion y el angulo de incision A diferencia del buril no corta el metal sino que lo arana Grabado a media tinta mezzotinto tambien llamado grabado en negro o al humo se trabaja la plancha con un rascador de varias puntas rocker o berceau obteniendo un graneado uniforme por entrecruzamiento de lineas distinguiendo asi tonos claros y oscuros Linograbado tecnica de grabado en relieve similar a la xilografia pero utilizando linoleo en vez de madera Litografia es un grabado sobre piedra caliza tratando la superficie con un lapiz de materia grasa para delimitar el dibujo y realizando el grabado segun dos procedimientos banando con acido para corroer la parte no engrasada y dejar el dibujo en relieve o aplicando dos clases de tinta acuosa y grasa fijandose la primera en el fondo y cubriendo la segunda las lineas dibujadas a lapiz Fue inventado por Aloys Senefelder en 1778 Serigrafia tecnica por la cual se obtienen impresiones filtrando los colores por una trama de seda o actualmente nailon recubriendo con cola las partes que no deben filtrarse para impermeabilizarlas Fue inventado en China Xilografia grabado en madera generalmente cerezo o boj realizado sobre un boceto calcado sobre la plancha de madera y tallado con cuchillo gubia formon o buril vaciando de madera los blancos y dejando en relieve los negros a continuacion se entinta con un rodillo y se estampa bien a mano o bien con el torculo Fue muy utilizado en la Edad Media sobre todo en Alemania 66 MosaicoLithostroton termino griego que designa al mosaico colocado a modo de pavimento El revestimiento es aplicado sobre cal arena u otros materiales como piedras guijarros losas de marmol etc Existen varios tipos opus lapilli pequenos guijarros de colores naturales que por si mismos componen el dibujo opus tessellatum formado por teselas piezas de forma cuadrada de dos centimetros con las que se elabora la composicion generalmente de tipo geometrico opus vermiculatum igualmente elaborado con teselas pero de diferentes contornos pudiendo formar asi diversos trazados opus sectile formado por losas de marmol de forma irregular Mosaico tambien llamado opus musivum es la misma tecnica que el lithostroton pero aplicada a la decoracion mural en vez de la pavimental Se realiza con teselas de pasta vitrea aplicadas sobre la pared preparada con varias capas de mortero elaborando figuras y dibujos Taracea tecnica similar a las anteriores puede ser pavimental o parietal o incluso se puede aplicar a muebles u otros objetos Consiste en incrustar sobre una superficie compacta finas losas de piedra y marmol de color cortadas y encajadas formando imagenes o composiciones diversas Tambien puede realizarse en madera intarsia siendo una tecnica frecuente en ebanisteria En Carpi en el siglo XVII surgio tambien una taracea en escayola 67 VidrioExisten diversos tipos de vidrio vidrio sodico el mas basico a partir de silice cristal silice y oxido de plomo o potasio vidrio calcedonio silice y oxidos metalicos y vidrio lacteo silice bioxido de manganeso y oxido de estano La principal tecnica para trabajarlo es el soplado donde se le puede dar cualquier forma y espesor En cuanto a la decoracion puede ser pintada esgrafiada tallada con pinzas a filigrana etc 68 Vidriera se realiza sobre cristales engarzados en madera yeso oro o plomo los cuales se van encajando con laminas de plomo estanandolos con una capa de masilla blanco pintor con aceite de linaza Las vidrieras antiguas tienen grisallas oxido ferrico liquido aplicado para dibujar con precision detalles pequenos hacia 1340 se sustituyo por el oxido de plata y a partir de aqui ya no se hacen cristales de colores sino que se colorea sobre cristal blanco Esmalte es una pasta de vidrio silice cal potasa plomo y minio sobre soporte de metal trabajado segun diversas tecnicas cloisonne pequenos filamentos de oro o cobre con los que se dibuja la figura sobre el soporte para separar el esmalte en tabiques champleve rebajando el soporte en alveolos ahuecando el material en concavidades rellenadas con el esmalte ajouge superficie de oro donde se recortan las formas con sierras o limas rellenando con esmalte la parte eliminada CeramicaSe realiza con arcilla en cuatro clases barro cocido poroso rojo amarillento alfareria terracota bizcocho barro cocido poroso blanco loza barro cocido no poroso gris pardo o marron gres barro cocido compacto no poroso blanco medio transparente porcelana Se puede elaborar de forma manual o mecanica con torno despues se cuece en el horno a temperaturas entre 400 y 1300 segun el tipo y se decora con esmalte o pintura 69 OrfebreriaEs el arte de confeccionar objetos decorativos con metales nobles o piedras preciosas como el oro plata diamante perla ambar coral etc Camafeo es el tallado de figuras en relieve sobre piedras duras estratificadas como el agata la sardonica el coral y la concha que por lo general poseen capas de diversos colores lo que proporciona unos intensos contrastes cromaticos Cincelado consiste en trabajar el metal precioso con un cincel realizando decoraciones ahuecadas o trabajos de acabado con cinceles de distintas formas y grosores Damasquinado o ataujia sobre un soporte metalico se traza el dibujo con punta fina luego se hace una incision con buriles y escalpelos y por ultimo se aplica una filigrana de metales de diverso color Filigrana se crea con hilos de metal precioso con los que se elabora la pieza trenzando o enroscando los hilos hasta obtener la forma deseada Fusion son los trabajos ejecutados a molde elaborados de dos formas fusion permanente realizada con un molde bivalvo con la forma ya trabajada de piedra o terracota a la cera perdida donde se modela el objeto en cera al que se aplica un embudo con respiraderos cubriendose de creta que una vez seca se calienta hasta que expulse la cera llenandose luego del metal fundido Granulado es un procedimiento por el que se obtienen minusculas esferas de oro con las que se elaboran dibujos o decoraciones geometricas Nielado consiste en grabar un dibujo sobre una lamina de metal generalmente plata rellenando los surcos con el nielado aleacion de plata cobre y plomo con azufre y borax que produce una mezcla negra y brillante Opus interrasile tecnica de origen romano que consiste en realizar pequenas incisiones en las laminas de metal precioso realizando una funcion de calado que da a la obra un aspecto de encaje Repujado es la decoracion en relieve realizada sobre planchas de oro plata o cobre trabajando el reves de la plancha con martillo y cincel 70 ForjaSe hace con hierro limonita pirita o magnetita reduciendolo con calor saliendo una pasta al rojo con la que se hacen lingotes Hay tres clases colado con mucho carbono silice azufre y manganeso no sirve para forjar solo para fundir en molde hierro dulce o forjado con menos carbono es mas maleable y ductil se puede forjar pero es blando y desafilable acero con manganeso tungsteno cobalto y wolframio es mas duro para instrumentos cortantes El modelado se realiza sin anadir ni quitar material sino que existen diversas tecnicas alternativas estirar ensanchar hendir curvar recalcar etc Restauracion EditarArticulo principal Restauracion arte El Juicio Final de Miguel Angel antes de la restauracion El Juicio Final durante la restauracion El Juicio Final tras la restauracion La restauracion de obras de arte es una actividad que tiene por objeto la reparacion o actuacion preventiva de cualquier obra que debido a su antiguedad o estado de conservacion sea susceptible de ser intervenida para preservar su integridad fisica asi como sus valores artisticos respetando al maximo la esencia original de la obra 71 La restauracion debe dirigirse al restablecimiento de la unidad potencial de la obra de arte siempre que esto sea posible sin cometer una falsificacion artistica o una falsificacion historica y sin borrar huella alguna del transcurso de la obra de arte a traves del tiempo Cesare Brandi Teoria de la restauracion 1988 50 En arquitectura la restauracion suele ser de tipo funcional para preservar la estructura y unidad del edificio o reparar grietas o pequenos defectos que puedan surgir en los materiales constructivos Hasta el siglo XVIII las restauraciones arquitectonicas solo preservaban las obras de culto religioso dado su caracter liturgico y simbolico reconstruyendo otro tipo de edificios sin respetar siquiera el estilo original Sin embargo desde el auge de la arqueologia a finales del siglo XVIII especialmente con las excavaciones de Pompeya y Herculano se tendio a preservar en la medida de lo posible cualquier estructura del pasado siempre y cuando tuviese un valor artistico y cultural Aun asi en el siglo XIX los ideales romanticos llevaron a buscar la pureza estilistica del edificio y la moda del historicismo llevo a planteamientos como los de Viollet le Duc defensor de la intervencion en monumentos en funcion de cierto ideal estilistico En la actualidad se tiende a preservar al maximo la integridad de los edificios historicos En el terreno de la pintura se ha evolucionado desde una primera perspectiva de intentar recuperar la legibilidad de la imagen anadiendo si fuese necesario partes perdidas de la obra a respetar la integridad tanto fisica como estetica de la obra de arte haciendo las intervenciones necesarias para su conservacion sin que se produzca una transformacion radical de la obra La restauracion pictorica adquirio un creciente impulso a partir del siglo XVII debido al mal estado de conservacion de pinturas al fresco tecnica bastante corriente en la Edad Media y el Renacimiento Igualmente el aumento del mercado de las antiguedades propicio la restauracion de obras antiguas cara a su posterior comercializacion Por ultimo en escultura ha habido una evolucion paralela desde la reconstruccion de obras antiguas generalmente en cuanto a miembros mutilados como en la reconstruccion del Laocoonte en 1523 1533 por parte de Giovanni Angelo Montorsoli hasta la actuacion sobre la obra preservando su estructura original manteniendo en caso necesario un cierto grado de reversibilidad de la actuacion practicada 72 Estetica EditarArticulo principal Estetica El Hombre vitruviano de Leonardo da Vinci estudio de las proporciones en el cuerpo humano La estetica es una rama de la filosofia que se encarga de estudiar la manera como el razonamiento del ser humano interpreta los estimulos sensoriales que recibe del mundo circundante Se podria decir asi como la logica estudia el conocimiento racional que la estetica es la ciencia que estudia el conocimiento sensible el que adquirimos a traves de los sentidos 73 Entre los diversos objetos de estudio de la estetica figuran la belleza o los juicios de gusto asi como las distintas maneras de interpretarlos por parte del ser humano Por tanto la estetica esta intimamente ligada al arte analizando los diversos estilos y periodos artisticos conforme a los diversos componentes esteticos que en ellos se encuentran A menudo se suele denominar la estetica como una filosofia del arte La estetica es una reflexion filosofica que se hace sobre objetos artisticos y naturales y que produce un juicio estetico La percepcion sensorial una vez analizada por la inteligencia humana produce ideas que son abstracciones de la mente y que pueden ser objetivas o subjetivas Las ideas provocan juicios al relacionar elementos sensoriales a su vez la relacion de juicios es razonamiento El objetivo de la estetica es analizar los razonamientos producidos por dichas relaciones de juicios 74 El termino estetica proviene del griego aἴs8hsis aisthesis sensacion Fue introducido por el filosofo aleman Alexander Gottlieb Baumgarten en su obra Reflexiones filosoficas acerca de la poesia 1735 y mas tarde en su Aesthetica 1750 75 Asi pues la Historia de la estetica rigurosamente hablando comenzaria con Baumgarten en el siglo XVIII sobre todo con la sistematizacion de esta disciplina realizada por Immanuel Kant Sin embargo el concepto es extrapolable a los estudios sobre el tema efectuados por los filosofos anteriores especialmente desde la Grecia clasica Cabe senalar por ejemplo que los antiguos griegos tenian un vocablo equiparable al actual concepto de estetica que era Filokalia filocalia amor a la belleza Se podria decir que en Grecia nacio la estetica como concepto mientras que con Baumgarten se convierte en una ciencia filosofica Segun Arnold Hauser las obras de arte son provocaciones con las cuales polemizamos pero que no nos explicamos Las interpretamos de acuerdo con nuestras propias finalidades y aspiraciones les trasladamos un sentido cuyo origen esta en nuestras formas de vida y habitos mentales Nosotros de todo arte con el cual tenemos una relacion autentica hacemos un arte moderno Hoy dia el arte ha establecido unos conjuntos de relaciones que permiten englobar dentro de una sola interaccion la obra de arte el artista o creador y el publico receptor o destinatario Hegel en su Estetica intento definir la trascendencia de esta relacion diciendo que la belleza artistica es mas elevada que la belleza de la naturaleza ya que cambia las formas ilusorias de este mundo imperfecto donde la verdad se esconde tras las falsas apariencias para alcanzar una verdad mas elevada creada por el espiritu El arte es tambien un juego con las apariencias sensibles los colores las formas los volumenes los sonidos etc Es un juego gratuito donde se crea de la nada o de poco mas que la nada una apariencia que no pretende otra cosa que enganarnos Es un juego placentero que satisface nuestras necesidades eternas de simetria de ritmo o de sorpresa La sorpresa que para Baudelaire es el origen de la poesia Asi segun Kant el placer estetico deriva menos de la intensidad y la diversidad de sensaciones que de la manera en apariencia espontanea por la cual ellas manifiestan una profunda unidad sensible en su reflejo pero no conceptualizable Para Ernst Gombrich en realidad el arte no existe solo hay artistas Mas adelante en la introduccion de su obra La historia del arte dice que no tiene nada de malo que nos deleitemos en el cuadro de un paisaje porque nos recuerda nuestra casa o en un retrato porque nos recuerda un amigo ya que como humanos que somos cuando miramos una obra de arte estamos sometidos a un conjunto de recuerdos que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos Siguiendo a Gombrich se puede ver como a los artistas tambien les sucede algo parecido en el Retrato de un nino Nicholas Rubens el pintor flamenco Rubens lo represento hermoso ya que seguramente se sentia orgulloso del aspecto del nino y nos quiso transmitir su pasion de padre a la vez que de artista en el Retrato de la madre el pintor aleman Alberto Durero la dibujo con la misma devocion y amor que Rubens sentia por su hijo pero aqui vemos un estudio fiel de la cara de una mujer vieja no hay belleza natural pero Durero con su enorme sinceridad creo una gran obra de arte Vease tambien Historia de la esteticaSociologia del arte EditarArticulo principal Sociologia del arte La Libertad guiando al pueblo 1830 de Eugene Delacroix La sociologia del arte es una disciplina de las ciencias sociales que estudia el arte desde un planteamiento metodologico basado en la sociologia Su objetivo es estudiar el arte como producto de la sociedad humana analizando los diversos componentes sociales que concurren en la genesis y difusion de la obra artistica La sociologia del arte es una ciencia multidisciplinar recurriendo para sus analisis a diversas disciplinas como la cultura la politica la economia la antropologia la linguistica la filosofia y demas ciencias sociales que influyan en el devenir de la sociedad Entre los diversos objetos de estudio de la sociologia del arte se encuentran varios factores que intervienen desde un punto de vista social en la creacion artistica desde aspectos mas genericos como la situacion social del artista o la estructura sociocultural del publico hasta mas especificos como el mecenazgo el mercantilismo y comercializacion del arte las galerias de arte la critica de arte el coleccionismo la museografia las instituciones y fundaciones artisticas etc 76 Tambien cabe remarcar en el siglo XX la aparicion de nuevos factores como el avance en la difusion de los medios de comunicacion la cultura de masas la categorizacion de la moda la incorporacion de nuevas tecnologias o la apertura de conceptos en la creacion material de la obra de arte arte conceptual arte de accion La sociologia del arte debe sus primeros planteamientos al interes de diversos historiadores por el analisis del entorno social del arte desde mediados del siglo XIX sobre todo tras la irrupcion del positivismo como metodo de analisis cientifico de la cultura y la creacion de la sociologia como ciencia autonoma por Auguste Comte Sin embargo la sociologia del arte se desarrollo como disciplina particular durante el siglo XX con su propia metodologia y sus objetos de estudio determinados Principalmente el punto de partida de esta disciplina se suele situar inmediatamente despues de la Segunda Guerra Mundial con la aparicion de diversas obras decisivas en el desarrollo de esta corriente disciplinar Arte y revolucion industrial de Francis Klingender 1947 La pintura florentina y su ambiente social de Friedrich Antal 1948 e Historia social de la literatura y el arte de Arnold Hauser 1951 En sus inicios la sociologia del arte estuvo estrechamente vinculada al marxismo como los propios Hauser y Antal o Nikos Hadjinikolaou autor de Historia del arte y lucha de clases 1973 si bien luego se desmarco de esta tendencia para adquirir autonomia propia como ciencia Otros autores destacados de esta disciplina son Pierre Francastel Herbert Read Francis Haskell Michael Baxandall Peter Burke Giulio Carlo Argan etc 77 Psicologia del arte EditarArticulo principal Psicologia del arte Autorretrato con la oreja cortada 1889 de Vincent van Gogh El psicoanalisis permite comprender ciertos aspectos de la personalidad del artista La psicologia del arte es la ciencia que estudia los fenomenos de la creacion y la apreciacion artistica desde una perspectiva psicologica El arte es como manifestacion de la actividad humana susceptible de ser analizado de forma psicologica estudiando los diversos procesos mentales y culturales que en la genesis del arte se encuentran tanto en su creacion como en su recepcion por parte del publico A su vez como fenomeno de la conducta humana puede servir como base de analisis de la conciencia humana siendo la percepcion estetica un factor distintivo del ser humano como especie que lo aleja de los animales La psicologia del arte es una ciencia interdisciplinar que debe recurrir forzosamente a otras disciplinas cientificas para poder efectuar sus analisis desde logicamente la Historia del arte hasta la filosofia y la estetica pasando por la sociologia la antropologia la neurobiologia etc Tambien esta estrechamente conectada con el resto de ramas de la psicologia desde el psicoanalisis hasta la psicologia cognitiva evolutiva o social o bien la psicobiologia y los estudios de personalidad Asimismo a nivel fisiologico la psicologia del arte estudia los procesos basicos de la actividad humana como la percepcion la emocion y la memoria asi como las funciones superiores del pensamiento y el lenguaje Entre sus objetos de estudio se encuentran tanto la percepcion del color recepcion retiniana y procesamiento cortical y el analisis de la forma como los estudios sobre creatividad capacidades cognitivas simbolos iconos el arte como terapia etc Para el desarrollo de esta disciplina han sido esenciales las contribuciones de Sigmund Freud Gustav Fechner la Escuela de la Gestalt dentro de la que destacan los trabajos de Rudolf Arnheim Lev Vygotski Howard Gardner etc 78 Una de las principales corrientes de la psicologia del arte ha sido la Escuela de la Gestalt que afirma que estamos condicionados por nuestra cultura en sentido antropologico tanto que la cultura condiciona nuestra percepcion Toma un punto de partida con la obra de Karl Popper quien afirmo que en la apreciacion estetica hay un punto de inseguridad gusto que no tiene base cientifica y no se puede generalizar llevamos una idea preconcebida hipotesis previa que hace que encontremos en el objeto lo que buscamos Segun la Gestalt la mente configura a traves de ciertas leyes los elementos que llegan a ella a traves de los canales sensoriales percepcion o de la memoria pensamiento inteligencia y resolucion de problemas En nuestra experiencia del medio ambiente esta configuracion tiene un caracter primario sobre los elementos que la conforman y la suma de estos ultimos por si solos no podria llevarnos a la comprension del funcionamiento mental Se fundamentan en la nocion de estructura entendida como un todo significativo de relaciones entre estimulos y respuestas e intentan entender los fenomenos en su totalidad sin separar los elementos del conjunto que forman una estructura integrada fuera de la cual dichos elementos no tendrian significacion Sus principales exponentes fueron Rudolf Arnheim Max Wertheimer Wolfgang Kohler Kurt Koffka y Kurt Lewin 79 Critica de arte EditarArticulo principal Critica de arte Denis Diderot considerado el padre de la critica de arte La critica de arte es un genero entre literario y academico que hace una valoracion sobre las obras de arte artistas o exposiciones en principio de forma personal y subjetiva pero basandose en la Historia del arte y sus multiples disciplinas valorando el arte segun su contexto o evolucion Es a la vez valorativa informativa y comparativa redactada de forma concisa y amena sin pretender ser un estudio academico pero aportando datos empiricos y contrastables Denis Diderot es considerado el primer critico de arte moderno por sus comentarios sobre las obras de arte expuestas en los salones parisinos realizados en el Salon Carre del Louvre desde 1725 Estos salones abiertos al publico actuaron como centro difusor de tendencias artisticas propiciando modas y gustos en relacion al arte por lo que fueron objeto de debate y critica Diderot escribio sus impresiones sobre estos salones primero en una carta escrita en 1759 que fue publicada en la Correspondance litteraire de Grimm y desde entonces hasta 1781 siendo el punto de arranque del genero 80 En la genesis de la critica de arte hay que valorar por un lado el acceso del publico a las exposiciones artisticas que unido a la proliferacion de los medios de comunicacion de masas desde el siglo XVIII produjo una via de comunicacion directa entre el critico y el publico al que se dirige Por otro lado el auge de la burguesia como clase social que invirtio en el arte como objeto de ostentacion y el crecimiento del mercado artistico que llevo consigo propiciaron el ambiente social necesario para la consolidacion de la critica artistica La critica de arte ha estado generalmente vinculada al periodismo ejerciendo una labor de portavoces del gusto artistico que por una parte les ha conferido un gran poder al ser capaces de hundir o encumbrar la obra de un artista pero por otra les ha hecho objeto de feroces ataques y controversias Otra faceta a remarcar es el caracter de actualidad de la critica de arte ya que se centra en el contexto historico y geografico en el que el critico desarrolla su labor inmersa en un fenomeno cada vez mas dinamico como es el de las corrientes de moda Asi la falta de historicidad para emitir un juicio sobre bases consolidadas lleva a la critica de arte a estar frecuentemente sustentada en la intuicion del critico con el factor de riesgo que ello conlleva Sin embargo como disciplina sujeta a su tiempo y a la evolucion cultural de la sociedad la critica de arte siempre revela un componente de pensamiento social en el que se ve inmersa existiendo asi diversas corrientes de critica de arte romantica positivista fenomenologica semiologica etc 81 Para ser justa es decir para tener su razon de ser la critica debe ser parcial apasionada politica esto es debe adoptar un punto de vista exclusivo pero un punto de vista exclusivo que abra al maximo los horizontes Charles Baudelaire Salon de 1846 82 Entre los criticos de arte ha habido desde famosos escritores hasta los propios historiadores del arte que muchas veces han pasado del analisis metodologico a la critica personal y subjetiva conscientes de que era un arma de gran poder hoy dia Como nombres se podria citar a Charles Baudelaire John Ruskin Oscar Wilde Emile Zola Joris Karl Huysmans Guillaume Apollinaire Wilhelm Worringer Clement Greenberg Michel Tapie etc en el mundo hispanohablante destacan Eugeni d Ors Aureliano de Beruete Jorge Romero Brest Juan Antonio Gaya Nuno Alexandre Cirici Juan Eduardo Cirlot Enrique Lafuente Ferrari Rafael Santos Torroella Francisco Calvo Serraller Jose Corredor Matheos Irma Arestizabal Ticio Escobar Raul Zamudio etc 83 Historiografia del arte EditarArticulo principal Estudio de la Historia del Arte Johann Joachim Winckelmann considerado el padre de la Historia del arte La historiografia del arte es la ciencia que analiza el estudio de la Historia del arte desde un punto de vista metodologico es decir de la forma como el historiador afronta el estudio del arte las herramientas y disciplinas que le pueden ser de utilidad para este estudio El mundo del arte siempre ha llevado en paralelo un componente de autorreflexion desde antiguo los artistas u otras personas a su alrededor han plasmado por escrito diversas reflexiones sobre su actividad Vitruvio escribio el tratado sobre arquitectura mas antiguo que se conserva De Architectura Su descripcion de las formas arquitectonicas de la antiguedad grecorromana influyo poderosamente en el Renacimiento siendo a la vez una importante fuente documental por las informaciones que aporta sobre la pintura y la escultura griegas y romanas 84 Giorgio Vasari en Vida de los mas excelentes arquitectos pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestros tiempos 1542 1550 fue uno de los predecesores de la historiografia del arte haciendo una cronica de los principales artistas de su tiempo poniendo especial enfasis en la progresion y el desarrollo del arte Sin embargo estos escritos generalmente cronicas inventarios biografias u otros escritos mas o menos literarios carecian de perspectiva historica y el rigor cientifico necesarios para ser considerados historiografia del arte 85 Johann Joachim Winckelmann es considerado el padre de la Historia del arte creando una metodologia cientifica para la clasificacion de las artes y basando la Historia del arte en una teoria estetica de influencia neoplatonica la belleza es el resultado de una materializacion de la idea Gran admirador de la cultura griega postulo que en la Grecia antigua se dio la belleza perfecta generando un mito sobre la perfeccion de la belleza clasica que aun condiciona la percepcion del arte hoy dia En Reflexion sobre la imitacion de las obras de arte griegas 1755 afirmo que los griegos llegaron a un estado de perfeccion total en la imitacion de la naturaleza por lo que nosotros solo podemos imitar a los griegos Asimismo relaciono el arte con las etapas de la vida humana infancia madurez vejez estableciendo una evolucion del arte en tres estilos arcaico clasico y helenistico 86 Durante el siglo XIX la nueva disciplina busco una formulacion mas practica y rigurosa sobre todo desde la aparicion del positivismo Sin embargo esta tarea se abordo desde diversas metodologias que supusieron una gran multiplicidad de tendencias historiograficas el romanticismo impuso una vision historicista y revivalista del pasado rescatando y poniendo nuevamente de moda estilos artisticos que habian sido minusvalorados por el neoclasicismo winckelmanniano asi lo vemos en la obra de Ruskin Viollet le Duc Goethe Schlegel Wackenroder etc En cambio la obra de autores como Karl Friedrich von Rumohr Jacob Burckhardt o Hippolyte Taine supuso un primer intento serio de formular una Historia del arte basada en criterios cientificos basandose en el analisis critico de las fuentes historiograficas Por otro lado Giovanni Morelli introdujo el concepto del connoisseur el experto en arte que lo analiza en base tanto a sus conocimientos como a su intuicion 87 La primera escuela historiografica de gran relevancia fue el formalismo que defendia el estudio del arte a partir del estilo aplicando una metodologia evolucionista que otorgaba al arte una autonomia alejada de cualquier consideracion filosofica rechazando la estetica romantica y el idealismo hegeliano y acercandose al neokantismo Su principal teorico fue Heinrich Wolfflin considerado el padre de la moderna Historia del arte Aplico al arte criterios cientificos como el estudio psicologico o el metodo comparativo definia los estilos por las diferencias estructurales inherentes a los mismos como argumento en su obra Conceptos fundamentales de la Historia del Arte 1915 Wolfflin no otorgaba importancia a las biografias de los artistas defendiendo en cambio la idea de nacionalidad de escuelas artisticas y estilos nacionales Las teorias de Wolfflin fueron continuadas por la llamada Escuela de Viena con autores como Alois Riegl Max Dvorak Hans Sedlmayr y Otto Pacht 88 Ya en el siglo XX la historiografia del arte ha continuado dividida en multiples tendencias desde autores aun enmarcados en el formalismo Roger Fry Henri Focillon pasando por las escuelas sociologica Friedrich Antal Arnold Hauser Pierre Francastel Giulio Carlo Argan o psicologica Rudolf Arnheim Max Wertheimer Wolfgang Kohler hasta perspectivas individuales y sintetizadoras como las de Adolf Goldschmidt o Adolfo Venturi Una de las escuelas mas reconocidas ha sido la de la iconologia que centra sus estudios en la simbologia del arte en el significado de la obra artistica A traves del estudio de imagenes emblemas alegorias y demas elementos de significacion visual pretenden esclarecer el mensaje que el artista pretendio transmitir en su obra estudiando la imagen desde postulados mitologicos religiosos o historicos o de cualquier indole semantica presente en cualquier estilo artistico Los principales teoricos de este movimiento fueron Aby Warburg Erwin Panofsky Ernst Gombrich Rudolf Wittkower y Fritz Saxl 89 Historia del arte EditarArticulo principal Historia del arte Arte en la prehistoria ca 25000 3000 a C Editar Venus de Willendorf Arte prehistorico es el desarrollado por el ser humano primitivo desde el paleolitico superior hasta el neolitico periodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artisticas por parte del ser humano En el paleolitico el ser humano se dedicaba a la caza y recoleccion y vivia en cuevas elaborando la llamada pintura rupestre En el neolitico se vuelve sedentario y se dedica a la agricultura con sociedades cada vez mas complejas donde va cobrando importancia la religion como se puede ver en los monumentos megaliticos y comienza la produccion de piezas de artesania 90 Arte antiguo ca 3000 300 a C Editar Articulo principal Arte antiguo En Egipto y Mesopotamia surgieron las primeras civilizaciones y sus artistas artesanos elaboraron complejas obras de arte que suponen ya una especializacion profesional Arte egipcio su arte era intensamente religioso y simbolico destacando en arquitectura las mastabas las piramides y los hipogeos como en Guiza y el Valle de los Reyes La escultura y la pintura muestran la figura humana de forma realista aunque adolecen de hieratismo y esquematismo a causa de la rigidez de sus canones simbolico religiosos Arte mesopotamico se desarrolla en la zona comprendida entre los rios Tigris y Eufrates donde se sucedieron diversas culturas como los sumerios acadios asirios persas etc En la arquitectura destacan los zigurats grandes templos de forma escalonada piramidal mientras que la escultura se desarrolla en talla exenta o relieve en escenas religiosas o de caza y militares con la presencia de figuras humanas y animales reales o mitologicos 91 Vease tambien Arte iberico Arte clasico 1000 300 d C Editar Victoria de Samotracia anonimo 190 a C Arte griego en Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artisticas que han marcado la evolucion del arte occidental Tras unos inicios donde destacaron las culturas minoica y micenica el arte griego se desarrollo en tres periodos arcaico clasico y helenistico En arquitectura destacaron los templos donde se sucedieron tres ordenes constructivos dorico jonico y corintio Destaca especialmente el conjunto de la Acropolis En escultura predomino la representacion del cuerpo humano con una evolucion desde formas rigidas y esquematicas pasando por el naturalismo del periodo clasico con la obra de Miron Fidias y Policleto hasta el recargamiento y sinuosidad del periodo helenistico Arte romano con un claro precedente en el arte etrusco el arte romano recibio una gran influencia del arte griego Gracias a la expansion del Imperio romano el arte clasico grecorromano llego a casi todos los rincones de Europa norte de Africa y Proximo Oriente sentando las bases del arte occidental Grandes ingenieros y constructores destacaron en arquitectura civil con la construccion de carreteras puentes acueductos y obras urbanisticas asi como templos palacios teatros anfiteatros circos termas arcos de triunfo etc La escultura inspirada en la griega se centra igualmente en la figura humana aunque con mas realismo no les importaba mostrar defectos que eran ignorados por la idealizada escultura griega La pintura es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya y destaco especialmente el mosaico 92 Arte en la Alta Edad Media siglo IV siglo X Editar Articulo principal Arte medieval Arte paleocristiano con la aparicion del cristianismo se genero a lo largo del Imperio el llamado arte paleocristiano que adquirio estatus oficial tras la conversion al cristianismo del emperador Constantino El arte paleocristiano reinterpreto tanto las formas clasicas como las judias para servir como vehiculo de expresion de la nueva religion oficial y se produjo una atomizacion de estilos por zonas geograficas En arquitectura destaco como tipologia la basilica mientras que en escultura destacan los sarcofagos y continuan como en epoca romana la pintura y el mosaico Arte prerromanico se denomina asi a los multiples estilos desarrollados en Europa desde la caida del Imperio romano hasta alrededor del ano 1000 donde la fusion de la cultura clasica con la de los nuevos pobladores de origen germanico generara las diversas nacionalidades que conforman actualmente el continente europeo Se engloban en esta fase diversos estilos de marcado caracter regional desde el arte visigodo y de los otros pueblos germanicos o incluso el arte celta especialmente en las islas britanicas o vikingo pasando por el arte asturiano hasta el arte carolingio y otoniano en el centro de Europa 93 Veanse tambien Arte bizantino Arte islamicoy Arte mozarabe Arte en la Baja Edad Media 900 1400 Editar Pantocrator del abside de Sant Climent de Taull MNAC Arte romanico representa el primer estilo de caracter internacional de la cultura europea occidental con una identidad plenamente consolidada tras el paso del latin a las lenguas vernaculas De caracter eminentemente religioso casi todo el arte romanico esta dirigido a la exaltacion y divulgacion del cristianismo La arquitectura destaca por el uso de bovedas de canon y arcos de medio punto iniciandose la construccion de grandes catedrales que seguira durante el gotico La escultura se desarrollo principalmente en el marco arquitectonico de caracter religioso con figuras esquematizadas sin realismo de signo simbolico La pintura es preferentemente mural de signo religioso y figuras esquematicas al igual que la escultura Arte gotico desarrollado entre los siglos XII y XVI fue una epoca de desarrollo economico y cultural La arquitectura sufrio una profunda transformacion con formas mas ligeras mas dinamicas con un mejor analisis estructural que permitio hacer edificios mas estilizados con mas aberturas y por tanto mejor iluminacion Aparecieron nuevas tipologias como el arco apuntado y la boveda de cruceria y la utilizacion de contrafuertes y arbotantes para sostener la estructura del edificio permitiendo interiores mas amplios y decorados con vitrales y rosetones La escultura continuo enmarcada en la obra arquitectonica aunque comenzo a desarrollarse la escultura exenta con formas mas realistas inspiradas en la naturaleza La pintura dejo de ser mural para pasar a retablos situados en los altares de las iglesias y empezo a desarrollarse la pintura en lienzo al temple o al oleo Se sucedieron cuatro estilos pictoricos el gotico lineal o franco gotico el gotico italico o trecentista Cimabue Giotto Duccio el gotico internacional Stefan Lochner Bernat Martorell y el gotico flamenco Jan Van Eyck el Bosco 94 Vease tambien Arte mudejar Arte en la Edad Moderna 1400 1800 Editar El nacimiento de Venus 1485 de Sandro Botticelli Articulo principal Arte de la Edad Moderna Renacimiento epoca de gran esplendor cultural en Europa la religion dejo paso a una concepcion mas cientifica del hombre y el universo surgiendo el humanismo Los nuevos descubrimientos geograficos hicieron que la civilizacion europea se expandiese por todos los continentes y la invencion de la imprenta supuso una mayor universalizacion de la cultura El arte se inspira en el arte clasico grecorromano por lo que se habla de renacimiento artistico tras el oscurantismo medieval Inspirado en la naturaleza surgen nuevos modelos de representacion como el uso de la perspectiva La arquitectura recupero los modelos clasicos reelaborados con un concepto mas naturalista y con bases cientificas destacan Filippo Brunelleschi Leon Battista Alberti y Bramante La escultura busco igualmente la idealizada perfeccion del clasicismo como en la obra de Lorenzo Ghiberti y Donatello La pintura sufrio una notable evolucion desde las formas medievales con formas naturalistas y tematicas profanas o mitologicas junto a las religiosas destacando Botticelli Perugino Piero della Francesca Andrea Mantegna Leonardo Da Vinci Rafael Alberto Durero Pieter Brueghel etc Manierismo evolucion de las formas renacentistas el manierismo abandono la naturaleza como fuente de inspiracion para buscar un tono mas emotivo y expresivo cobrando importancia la interpretacion subjetiva que el artista hace de la obra de arte La arquitectura adquiere un signo mas efectista y de tenso equilibrio destacando Andrea Palladio y Miguel Angel En escultura descuella la obra de Miguel Angel con obras de tenso dinamismo donde resalta la expresion de la persona representada La pintura tiene un sello mas caprichoso extravagante con gusto por la forma sinuosa y estilizada destacando en primer lugar como en las otras artes Miguel Angel seguido de Bronzino Correggio Parmigianino Giorgione Tiziano Veronese Tintoretto El Greco etc 95 Barroco epoca de grandes disputas en el terreno politico y religioso surge una division entre los paises catolicos contrarreformistas donde se afianza el estado absolutista y los paises protestantes de signo mas parlamentario El arte se vuelve mas refinado y ornamentado con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con formas mas dinamicas y efectistas con gusto por lo sorprendente y anecdotico por las ilusiones opticas y los golpes de efecto La arquitectura bajo unas lineas clasicas asume unas formas mas dinamicas con una exuberante decoracion destacando Gian Lorenzo Bernini Francesco Borromini Fischer von Erlach Jose Benito Churriguera etc La escultura adquiere el mismo caracter dinamico sinuoso expresivo ornamental destacando nuevamente Bernini asi como Pedro de Mena Francisco Salzillo etc La pintura se desarrollo en dos tendencias contrapuestas el naturalismo basado en la estricta realidad natural con gusto por el claroscuro el llamado tenebrismo donde cabe citar a Caravaggio y Georges de La Tour y el clasicismo que es igualmente realista pero con un concepto de la realidad mas intelectual e idealizado englobando a Annibale Carracci Nicolas Poussin Claude Lorrain etc Aparte de estas dos corrientes hubo infinitud de escuelas estilos y autores de muy diverso signo destacando dos escuelas regionales la flamenca Rubens Van Dyck y la neerlandesa Rembrandt Johannes Vermeer En Espana destaco la figura excepcional de Velazquez asi como Jose de Ribera Francisco de Zurbaran y Bartolome Esteban Murillo Rococo desarrollado en el siglo XVIII supone la pervivencia de las principales manifestaciones artisticas del barroco con un sentido mas enfatizado de la decoracion y el gusto ornamental que son llevados a un paroxismo de riqueza sofisticacion y elegancia La arquitectura rococo se desarrollo sobre todo en Francia y Alemania representado por Ange Jacques Gabriel y Johann Balthasar Neumann La escultura tiene un aire gracil refinado como en la obra de Jean Antoine Houdon o los hermanos Asam Cosmas Damian y Egid Quirin La pintura se mueve entre la exaltacion religiosa o el paisajismo vedutista en Italia y las escenas cortesanas de Watteau y Fragonard en Francia pasando por el retratismo ingles de Reynolds y Gainsborough Figura aparte es el inclasificable pintor espanol Francisco de Goya que evoluciono desde un sello mas o menos rococo hasta un cierto prerromanticismo pero con una obra personal y expresiva de fuerte tono intimista Neoclasicismo el auge de la burguesia tras la Revolucion francesa favorecio el resurgimiento de las formas clasicas mas puras y austeras en contraposicion a los excesos ornamentales del barroco y rococo identificados con la aristocracia La arquitectura neoclasica es mas racional de signo funcional y un cierto aire utopico como vemos en los postulados de Claude Nicolas Ledoux y Etienne Louis Boullee La escultura de logico referente grecorromano tuvo como principales figuras a Antonio Canova y Bertel Thorvaldsen La pintura mantuvo un sello austero y equilibrado influido por la escultura grecorromana o figuras como Rafael y Poussin destacando Jacques Louis David J A D Ingres Jose de Madrazo etc 96 Arte no europeo Editar El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina 1857 de Utagawa Hiroshige Brooklyn Museum of Art Nueva York Arte precolombino las primeras grandes civilizaciones surgieron en Mexico los olmecas realizaban esculturas de piedra de gran naturalismo Luchador hallado en Santa Maria Uxpanapan asi como colosales cabezas monoliticas de hasta 3 5 metros de altura los zapotecas construyeron el magnifico conjunto de la Ciudad de los Templos en el Monte Alban Posteriormente los mayas desarrollaron un arte de signo religioso donde destacaban los templos de forma piramidal Tikal Uxmal Templo de Kukulcan en Chichen Itza Los toltecas construyeron el Templo del Dios de la Estrella Matutina en Tula y nos han dejado una de las mejores muestras de escultura precolombina el Chac Mool Los aztecas consagraron el arte a la expresion del poder destacando su capital Tenochtitlan En Peru la primera cultura de relevancia fue la de Chavin de Huantar 900 a C complejo religioso donde destaca el templo edificado sobre tres pisos de galerias Otras culturas remarcables de la region fueron la de Paracas la moche y la nazca con sus enigmaticas lineas de Nazca Mas adelante los incas crearon una cultura muy desarrollada con una notable arquitectura e ingenieria civil destacando la ciudad de Machu Picchu 97 Arte africano su principal peculiaridad ha sido siempre su caracter magico religioso con obras de madera piedra o marfil en mascaras y figuras exentas de caracter mas o menos antropomorfico La primera produccion de cierta relevancia fue la cultura Nok en el primer milenio a C situada en el norte de la actual Nigeria En Sudan se desarrollaron las culturas kerma y meroe caracterizadas por sus monumentales construcciones en barro sus armas y su ceramica En Etiopia destaco la ciudad de Aksum siendo de remarcar sus estelas en forma de pilares monoliticos de caracter funerario de hasta 20 metros de altura En Zimbabue florecio la cultura Monomotapa siglos XI XV cuya capital Gran Zimbabue fue una de las ciudades mas grandes de toda Africa En Ife Nigeria de cultura yoruba surgio en los siglos XII XIII una notable escuela de figuras en terracota de gran naturalismo De esta epoca datan tambien las iglesias talladas en la roca de Lalibela en Etiopia En Mali destacaron las construcciones en adobe como la Gran Mezquita de Djenne datada inicialmente del siglo XIII pero reconstruida varias veces 98 Arte indio tiene un caracter principalmente religioso sirviendo como vehiculo de transmision de las distintas religiones que han jalonado la India hinduismo budismo islamismo etc La primera gran civilizacion se produjo en la ciudad de Mohenjo Daro que muestra un planificado urbanismo con edificios publicos construidos en barro cocido y ladrillo Entre los siglos III y II a C se desarrollo el arte maurya de signo budista destacando como monumento caracteristico la stupa tumulo funerario de caracter conmemorativo generalmente recubierto de relieves con escenas de la vida de Buda como la Stupa de Sanchi Otras muestras de arte budista fueron el arte de Gandhara con influencia helenistica y sasanida el de Mathura que mezclaba elementos tradicionales indios con motivos grecorromanos y el de Amaravati igualmente de influencia grecorromana destacando la gran stupa de Amaravati de 50 metros de altura Entre los siglos IV y VIII se desarrollo el arte gupta donde destacan los grandes santuarios rupestres o vihara Ajanta Ellora Elephanta El arte hindu tuvo su apogeo entre los siglos VIII y XII con un tipo de santuario caracteristico denominado sikhara como el de Udaipur Entre los siglos X y XI se produjo el arte de Khajurahō maxima expresion del arte indoario por la elegancia formal y estetica de sus templos asi como de la escultura que los adorna Por ultimo tras la invasion musulmana se produjo el arte mogol de formas islamicas destacando el Taj Mahal siglo XVII 99 Arte chino como la mayoria del arte oriental tiene un fuerte sello religioso principalmente taoismo confucianismo y budismo Se suele estudiar por etapas que coinciden con las dinastias reinantes la Dinastia Shang 1600 1046 a C destaco por sus objetos y esculturas en bronce especialmente vasijas decoradas en relieve y mascaras y estatuas antropomorficas como las halladas en la zona de Chengdu La Dinastia Zhou 1045 256 a C creo un estilo decorativo y ornamentado de figuras estilizadas y dinamicas continuando el trabajo en cobre La Dinastia Qin 221 206 a C destaco por la construccion de la Gran Muralla asi como el hallazgo arqueologico del Ejercito de terracota de Xian La Dinastia Han 206 a C 220 d C vio la introduccion del budismo destacando por la pintura y los relieves en santuarios y camaras de ofrendas Durante el Periodo de las Seis dinastias 220 618 se difundio mas ampliamente el budismo construyendose grandes santuarios con estatuas colosales de Buda Yungang Longmen La Dinastia Tang 618 907 fue uno de los periodos mas florecientes del arte chino destacando por su escultura y sus celebres figuras de ceramica mientras que en arquitectura la tipologia principal fue la pagoda Hua yen Hsiangchi y en pintura aparecio el paisaje En la Dinastia Song 960 1279 se alcanzo un nivel de elevada cultura que seria recordado con gran admiracion en posteriores etapas destacando igualmente la ceramica y la pintura de paisaje Durante la Dinastia Yuan 1280 1368 se desarrollaron especialmente las artes decorativas principalmente alfombras ceramica y obras de metalisteria y en pintura proliferaron los temas religiosos En la Dinastia Ming 1368 1644 se construyo el Palacio Imperial la Ciudad Prohibida y la pintura era tradicional de signo naturalista y cierta opulencia tambien destaco la porcelana Por ultimo la Dinastia Qing 1644 1911 supuso la continuidad de las formas tradicionales la pintura era bastante eclectica dedicada a temas florales Yun Shouping religiosos Wu Li paisajes Gai Qi etc continuo la tradicion en las artes aplicadas especialmente ebanisteria porcelana tejidos de seda lacas esmalte jade etc 100 Arte japones tambien cabe estudiarlo por periodos el Periodo Jōmon 5000 a C 200 a C estuvo marcado por la produccion de ceramica la mas antigua producida por el ser humano decorada con incisiones o impresiones de cuerda Durante el Periodo Yayoi 200 a C 200 d C se difundio un tipo de sepulturas de gran tamano con camara y tumulo ornamentado con cilindros de terracota En el Periodo Kofun 200 600 destacan las grandes sepulturas llamadas kofun asi como unas figuras de terracota llamadas haniwa en arquitectura destaca el santuario de Ise En el Periodo Asuka 552 646 se introdujo el budismo destacando el templo de Hōryu ji 607 y las estatuas de Buda En el Periodo Nara 646 794 tuvo su apogeo el arte budista plasmado igualmente en arquitectura Pagoda del Este de Yakushi ji templo de Tōdai ji y escultura Buda de Tachibana Bodhisattva Gakko El Periodo Heian 794 1185 fue el mas clasico del arte japones monasterio de Byōdō in escuela pictorica de yamato e En el Periodo Kamakura 1185 1333 se introdujo la secta zen que influyo poderosamente en el arte figurativo en escultura destaco Unkei en arquitectura el conjunto de cinco grandes templos de Sanjusangen dō 1266 y en pintura el retrato y el paisaje En el Periodo Muromachi 1333 1573 florecio notablemente la pintura enmarcada dentro de la estetica zen apareciendo el estilo sumi e representado fundamentalmente por Sesshu tambien se desarrollo el arte de la jardineria y cobraron importancia los objetos de laca y metal Durante el Periodo Momoyama 1573 1615 el arte se alejo de la estetica budista remarcando los valores tradicionales japoneses se construyeron grandes castillos como el de Himeji y el de Fushimi Momoyama en pintura continuo la tradicion epica japonesa la ceramica alcanzo un momento de gran apogeo y en laca destaco Honami Kōetsu En el Periodo Edo 1615 1868 Japon se cerro a todo contacto exterior aunque fue una epoca de gran prosperidad se desarrollo notablemente la pintura que adquirio gran vitalidad destacando Tawaraya Sōtatsu y Ogata Kōrin asi como la escuela de ukiyo e que destaco por la representacion de tipos y escenas populares Kitagawa Utamaro Katsushika Hokusai Utagawa Hiroshige 101 Arte oceanico esta marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan el Oceano Pacifico destacando las islas de Australia y Nueva Zelanda y tres principales areas de islas y archipielagos Polinesia Melanesia y Micronesia La primera cultura desarrollada en la zona fue la lapita 1 500 500 a C que se caracteriza por su ceramica decorada con motivos dentados hechos con peines o puas asi como objetos de obsidiana y conchas En Australia destacan las pinturas rupestres que son bastante esquematicas llegando a la simplificacion geometrica Mas adelante continuo la expansion hacia la periferia oceanica produciendose una gran diversificacion cultural La mayoria de manifestaciones artisticas eran de caracter ritual relacionadas con danzas y ceremonias de tipo religioso en Micronesia se produjeron elaborados complejos arquitectonicos con esculturas de piedra y megalitos en Guam y las islas Marianas destacan las casas sobre columnas de piedra latte en Hawai se construyeron grandes templos heiau con esculturas de madera de hasta tres metros que representaban a sus dioses en Nueva Zelanda los maories desarrollaron un tipo de talla de madera con figuras de lideres politicos y religiosos en la isla de Pascua se construyeron las famosas cabezas monoliticas moai entre el ano 900 y el 1600 en Melanesia destacan las grandes casas de reunion o casas de los espiritus dedicadas a ceremonias relacionadas con el culto a los antepasados las mascaras fueron caracteristicas de Nueva Guinea mai Nueva Irlanda malanggan y Nueva Caledonia apuema los asmat de Irian Jaya Nueva Guinea construian unos postes conmemorativos bisj de entre 5 y 10 metros de altura tallados con figuras antropomorficas en las islas Salomon se dieron estatuas de madera indalo de figuras humanas o animales con incrustaciones de conchas 102 Arte en la Edad contemporanea 1800 actualidad Editar Viajero frente al mar de niebla 1818 de Caspar David Friedrich Articulo principal Arte contemporaneo Siglo XIXEntre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporanea marcada en el terreno politico por el fin del absolutismo y la instauracion de gobiernos democraticos impulso iniciado con la Revolucion francesa y en lo economico por la Revolucion industrial y el afianzamiento del capitalismo que tendra respuesta en el marxismo y la lucha de clases En el terreno del arte comienza una dinamica evolutiva de estilos que se suceden cronologicamente cada vez con mayor celeridad que culminara en el siglo XX con una atomizacion de estilos y corrientes que conviven y se contraponen se influyen y se enfrentan Arquitectura del siglo XIX la arquitectura decimononica sufrio una gran evolucion debido a los avances tecnicos que comporto la Revolucion industrial con la incorporacion de nuevos materiales como el hierro y el hormigon que permitieron la construccion de estructuras mas solidas y diafanas Estilisticamente la primera mitad de siglo vio un cierto eclecticismo de las formas asi como un revival de estilos anteriores reinterpretados segun conceptos modernos es el llamado historicismo que produjo movimientos como el neorromanico el neogotico el neobarroco etc A finales de siglo surgio el modernismo que supuso una gran revolucion en terreno del diseno con nombres como Victor Horta Otto Wagner Antoni Gaudi Lluis Domenech i Montaner Josep Puig i Cadafalch etc 103 Romanticismo movimiento de profunda renovacion en todos los generos artisticos los romanticos pusieron especial atencion en el terreno de la espiritualidad de la imaginacion la fantasia el sentimiento la evocacion ensonadora En pintura despues de una fase prerromantica donde podriamos citar a William Blake y Johann Heinrich Fussli destacaron Eugene Delacroix Theodore Gericault John Constable Joseph Mallord William Turner etc Una derivacion del romanticismo fue el movimiento aleman de los Nazarenos Realismo desde mediados de siglo surgio una tendencia que puso enfasis en la realidad la descripcion del mundo circundante especialmente de obreros y campesinos en el nuevo marco de la era industrial con un cierto componente de denuncia social ligado a movimientos politicos como el socialismo utopico En pintura destacan Camille Corot Gustave Courbet Jean Francois Millet Honore Daumier y Mariano Fortuny En Gran Bretana surgio la escuela de los prerrafaelitas que se inspiraban como su nombre indica en los pintores italianos anteriores a Rafael asi como en la recien surgida fotografia En escultura destaco Constantin Meunier Impresionismo fue un movimiento profundamente innovador que supuso una ruptura con el arte academico y una transformacion del lenguaje artistico iniciando el camino hacia los movimientos de vanguardia Se inspiraban en la naturaleza de la que pretendian captar una impresion visual la plasmacion de un instante en el lienzo por influjo de la fotografia con una tecnica de pincelada suelta y tonos claros y luminosos Cabe mencionar como principales representantes a Edouard Manet considerado un precursor Claude Monet Camille Pissarro Pierre Auguste Renoir y Edgar Degas Igual de renovador fue en el terreno de la escultura el papel de Auguste Rodin que sento las bases de la escultura del siglo XX Neoimpresionismo evolucionando desde el impresionismo los neoimpresionistas se preocupan mas de los fenomenos opticos desarrollando la tecnica del puntillismo como se puede apreciar en la obra de Georges Seurat y Paul Signac Postimpresionismo son artistas que partiendo de los nuevos hallazgos tecnicos efectuados por los impresionistas los reinterpretan de manera personal abriendo distintas vias de desarrollo de suma importancia para la evolucion del arte en el siglo XX Henri de Toulouse Lautrec Paul Gauguin Paul Cezanne Vincent Van Gogh Joaquin Sorolla etc 104 Simbolismo corriente de corte fantastico y onirico surgio como reaccion al naturalismo de la corriente realista e impresionista poniendo especial enfasis en el mundo de los suenos asi como en aspectos satanicos y terrorificos el sexo y la perversion Destacaron Gustave Moreau Odilon Redon Pierre Puvis de Chavannes y Gustav Klimt Formas unicas de continuidad en el espacio 1913 de Umberto Boccioni Siglo XXEl arte del siglo XX padece una profunda transformacion en una sociedad mas materialista mas consumista el arte se dirige a los sentidos no al intelecto Igualmente cobra especial relevancia el concepto de moda una combinacion entre la rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista de la civilizacion actual Surgen asi los movimientos de vanguardia que pretenden integrar el arte en la sociedad buscando una mayor interrelacion artista espectador ya que es este ultimo el que interpreta la obra pudiendo descubrir significados que el artista ni conocia Las ultimas tendencias artisticas pierden incluso el interes por el objeto artistico el arte tradicional era un arte de objeto el actual de concepto Hay una revalorizacion del arte activo de la accion de la manifestacion espontanea efimera del arte no comercial arte conceptual happening environment Arquitectura del siglo XX la arquitectura ha sufrido una profunda transformacion desde las formas tradicionales hasta las movimientos de vanguardia que han supuesto un nuevo concepto constructivo basado en una concepcion mas racional del espacio estructurado de forma mas depurada y funcional con especial atencion a las nuevas tecnologias y a su ubicacion medioambiental La principal tendencia artistica ha sido el racionalismo representado fundamentalmente por la Escuela de la Bauhaus Entre los nombres de los mas destacados arquitectos del siglo XX sobresalen Walter Gropius Frank Lloyd Wright Ludwig Mies van der Rohe Le Corbusier Jose Luis Sert Oscar Niemeyer Alvar Aalto Pier Luigi Nervi Luis Barragan Rafael Moneo Richard Rogers Robert Venturi Denise Scott Brown Frank Gehry Norman Foster James Stirling Santiago Calatrava Zaha Hadid etc 105 Vanguardismo 1905 1945 Fovismo primer movimiento vanguardista del siglo XX el fovismo supuso una experimentacion en el terreno del color que es concebido de modo subjetivo y personal aplicandole valores emotivos y expresivos Destacan Henri Matisse Albert Marquet Raoul Dufy Andre Derain y Maurice de Vlaminck Expresionismo surgido como reaccion al impresionismo los expresionistas defendian un arte mas personal e intuitivo donde predominase la vision interior del artista la expresion frente a la plasmacion de la realidad la impresion reflejando en sus obras una tematica personal e intimista con gusto por lo fantastico deformando la realidad para acentuar el caracter expresivo de la obra Con precedentes en las figuras de Edvard Munch y James Ensor se formo principalmente en torno a dos grupos Die Brucke Ernst Ludwig Kirchner Erich Heckel Karl Schmidt Rottluff Emil Nolde y Der Blaue Reiter Vasili Kandinski Franz Marc August Macke Paul Klee destacando igualmente Egon Schiele Oskar Kokoschka Amedeo Modigliani Marc Chagall etc Cubismo este movimiento se baso en la deformacion de la realidad mediante la destruccion de la perspectiva espacial de origen renacentista organizando el espacio en funcion de una trama geometrica con vision simultanea de los objetos una gama de colores frios y apagados y una nueva concepcion de la obra de arte con la introduccion del collage La figura principal de este movimiento fue Pablo Picasso uno de los grandes genios del siglo XX junto a Georges Braque Juan Gris y Fernand Leger asi como Alexander Archipenko Pablo Gargallo y Julio Gonzalez en escultura Una derivacion del cubismo fue el orfismo de Robert Delaunay Futurismo movimiento italiano que exalto los valores del progreso tecnico e industrial del siglo XX destacando aspectos de la realidad como el movimiento la velocidad y la simultaneidad de la accion Destacan en pintura Giacomo Balla y Gino Severini y Umberto Boccioni en escultura Dadaismo movimiento de reaccion a los desastres de la guerra el dadaismo supuso un planteamiento radical del concepto de arte que pierde cualquier componente basado en la logica y la razon reivindicando la duda el azar lo absurdo de la existencia Esto se traduce en un lenguaje subversivo donde se cuestionan tanto las tematicas como las tecnicas tradicionales del arte experimentando con nuevos materiales y nuevas formas de composicion como el collage el fotomontaje y los ready made Destacan Hans Arp Francis Picabia Kurt Schwitters y Marcel Duchamp Surrealismo con un claro precedente en la pintura metafisica Giorgio de Chirico Carlo Carra el surrealismo puso especial enfasis en la imaginacion la fantasia el mundo de los suenos con una fuerte influencia del psicoanalisis como se percibe en su concepto de escritura automatica por la que intentan expresarse liberando su mente de cualquier atadura racional mostrar la pureza del inconsciente La pintura surrealista se movio entre la figuracion Salvador Dali Paul Delvaux Rene Magritte Max Ernst y la abstraccion Joan Miro Andre Masson Yves Tanguy En escultura destacan Henry Moore Constantin Brancusi Alberto Giacometti y Alexander Calder Arte abstracto cuestionado el concepto de realidad por las nuevas teorias cientificas y con el surgimiento de nuevas tecnologias como la fotografia y el cine que ya se encargan de plasmar la realidad se produce la genesis del arte abstracto el artista ya no intenta reflejar la realidad sino su mundo interior expresar sus sentimientos El arte pierde todo aspecto real y de imitacion de la naturaleza para centrarse en la simple expresividad del artista en formas y colores que carecen de cualquier componente referencial Iniciado por Vasili Kandinski fue desarrollado por el movimiento neoplasticista De Stijl con figuras como Piet Mondrian y Theo Van Doesburg Constructivismo surgido en la Rusia revolucionaria es un estilo comprometido politicamente que pretende a traves del arte realizar una transformacion de la sociedad mediante una reflexion sobre las formas puras artisticas concebidas desde aspectos como el espacio y el tiempo que generan una serie de obras de estilo abstracto con tendencia a la geometrizacion Destacan Vladimir Tatlin Lissitzky Anton Pevsner y Naum Gabo Una variante fue el suprematismo de Kasimir Malevich 106 Liberacion de 1001 globos azules escultura aerostatica de Yves Klein Las ultimas tendencias han sido propensas a un arte mas desmaterializado donde importa mas el concepto el mensaje la accion La escultura de 18m de alto de Ibo Bonilla basada en la Flor de la Vida y la Geometria Sagrada muestra nuevas formas y conceptos usando clasicos principios Ultimas tendencias 1945 Actualidad Informalismo conjunto de tendencias basadas en la expresividad del artista renunciando a cualquier aspecto racional del arte estructura composicion aplicacion preconcebida del color Incluye diversas corrientes como el tachismo el art brut y la pintura materica Destacan Georges Mathieu Hans Hartung Jean Fautrier Jean Dubuffet Antoni Tapies Lucio Fontana Antonio Saura Manolo Millares etc En escultura cabe citar a Jorge Oteiza Pablo Serrano y Eduardo Chillida En Estados Unidos se desarrollo el expresionismo abstracto caracterizado por la utilizacion de la tecnica del dripping el chorreado de pintura sobre la tela sobre la que intervenia el artista con diversos utensilios o con su propio cuerpo Entre sus miembros figuran Jackson Pollock Mark Rothko Franz Kline y Willem de Kooning Pop art surgio en Estados Unidos como movimiento de rechazo al expresionismo abstracto englobando una serie de autores que vuelven a la figuracion con un marcado componente de inspiracion popular tomando imagenes del mundo de la publicidad y de los medios de comunicacion de masas Con un precedente en el llamado New Dada Robert Rauschenberg Jasper Johns destacaron en el pop art Andy Warhol Roy Lichtenstein Tom Wesselmann James Rosenquist Eduardo Paolozzi Richard Hamilton y en escultura Claes Oldenburg Nuevo realismo movimiento frances inspirado en el mundo de la realidad circundante del consumismo y la sociedad industrial del que extraen al contrario que en el pop art su aspecto mas desagradable con especial predileccion por los materiales detriticos Sus representantes fueron Arman Cesar Baldaccini Yves Klein Jean Tinguely Piero Manzoni etc Arte cinetico tambien llamado op art arte optico es un estilo que pone enfasis en el aspecto visual del arte especialmente en los efectos opticos que son producidos bien por ilusiones opticas figuras ambiguas imagenes persistentes efecto de moire bien mediante el movimiento o los juegos de luces Destacan Victor Vasarely Jesus Rafael Soto Yaacov Agam Julio Le Parc Eusebio Sempere etc Arte de accion son diversas tendencias basadas en el acto de la creacion artistica donde lo importante no es la obra en si sino el proceso creador en el que ademas del artista interviene a menudo el publico con un gran componente de improvisacion Engloba diversas manifestaciones artisticas como el happening el fluxus la performance el environment la instalacion etc Entre sus figuras destacan Joseph Beuys George Maciunas Allan Kaprow Wolf Vostell Yōko Ono Nam June Paik etc Videoarte aparece en los anos 1960 con artistas como Nam June Paik Joseph Beuys Wolf Vostell Charlotte Moorman entre otros Minimalismo con un antecedente en la Nueva abstraccion o Abstraccion postpictorica el minimalismo fue una corriente que supuso un proceso de desmaterializacion que desembocaria en el arte conceptual Son obras de caracter abstracto de acusada simplicidad reducidas a un minimo motivo depurado al planteamiento inicial del autor la base sobre la que habria desarrollado la idea que sin embargo queda plasmada en su fase inicial Destacaron los pintores Robert Mangold y Robert Ryman y los escultores Carl Andre Dan Flavin Donald Judd y Sol LeWitt Hiperrealismo como reaccion al minimalismo surgio esta nueva corriente figurativa caracterizada por su vision superlativa y exagerada de la realidad que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles con un aspecto casi fotografico Destacan Chuck Close Richard Estes Antonio Lopez Garcia y en escultura George Segal famoso por sus figuras humanas en yeso Arte conceptual tras el despojamiento material del minimalismo el arte conceptual renuncia al sustrato material para centrarse en el proceso mental de la creacion artistica afirmando que el arte esta en la idea no en el objeto Incluye diversas tendencias el arte conceptual linguistico el mas purista de la conceptualidad centrado en la relacion arte lenguaje Joseph Kosuth el arte povera centrado en las instalaciones generalmente de materiales detriticos Mario Merz Jannis Kounellis el body art con el cuerpo humano como soporte el land art que utiliza la naturaleza como soporte con un marcado componente efimero el bio art que usa tecnicas biologicas etc Arte postmoderno por oposicion al denominado arte moderno es el arte propio de la postmodernidad Asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno las vanguardias pretendian eliminar la distancia entre el arte y la vida universalizar el arte el artista postmoderno en cambio es autorreferencial el arte habla del arte no pretenden hacer una labor social Destacan artistas individuales como Jeff Koons David Salle Jean Michel Basquiat Keith Haring Julian Schnabel Miquel Barcelo etc o tambien diversos movimientos como la transvanguardia italiana el neoexpresionismo aleman el neomanierismo la figuracion libre etc 107 Vease tambien Historia de la literatura Historia de la musica Historia del teatro Historia de la opera Historia de la danza Historia de la fotografia Historia del cine e Historia del comicVease tambien Editar Portal Arte Contenido relacionado con Arte Belleza Bellas Artes Estetica Artes liberales Teoria del arte Clasificacion de las artes Arte autodestructivo Arte marcial Arte y anatomia Artes decorativas Artesania Dia Mundial del Arte Todos los articulos en la Wikipedia que comienzan por la palabra ArteReferencias Editar Real Academia Espanola y Asociacion de Academias de la Lengua Espanola arte Diccionario de la lengua espanola 23 ª edicion Tatarkiewicz 2002 pp 63 67 Omar Argerami Psicologia de la creacion artistica p 23 30 Buenos Aires Columbia 1968 Tatarkiewicz 2002 p 39 Beardsley Hospers 1990 p 20 Tatarkiewicz 1989 vol II p 87 88 Tatarkiewicz 2002 p 43 Beardsley Hospers 1990 p 44 Tatarkiewicz 1991 vol III p 367 368 Bozal 2000 vol I p 21 Beardsley Hospers 1990 p 65 Givone 2001 p 65 66 Beardsley Hospers 1990 p 68 Bozal 2000 vol I p 370 373 Eco 2004 p 329 Beardsley Hospers 1990 p 70 Eco 2004 p 333 Givone 2001 p 114 Bozal 2000 vol I p 324 329 Givone 2001 p 102 104 Givone 2001 p 112 113 Beardsley Hospers 1990 p 73 Givone 2001 p 108 109 Givone 2001 p 110 111 Bozal 2000 vol I p 379 380 Eco 2004 p 415 417 Beardsley Hospers 1990 p 79 80 Givone 2001 p 122 124 Givone 2001 p 125 127 Givone 2001 p 129 131 Givone 2001 p 222 230 Givone 2001 p 151 153 Givone 2001 p 154 Bozal 1993 p 8 18 a b Tatarkiewicz 2002 p 51 53 Tatarkiewicz 2002 p 62 63 Tatarkiewicz 2002 p 67 Tatarkiewicz 2002 p 82 Tatarkiewicz 2002 p 84 85 Tatarkiewicz 2000 vol I p 318 Tatarkiewicz 2002 p 42 Tatarkiewicz 2002 p 45 Tatarkiewicz 2002 pp 46 48 Tatarkiewicz 2002 p 49 Givone 2001 pp 50 54 Tatarkiewicz 2002 p 53 Souriau 1998 p 142 Souriau 1998 p 838 Brandi 2002 p 15 a b Brandi 2002 p 14 Villa 2003 p 55 Azcarate 1983 p 9 12 AA VV 1991 p 678 AA VV 1991 p 19 Villa 2003 pp 120 123 AA VV 1991 p 213 AA VV 1991 p 615 Villa 2003 p 91 96 Villa 2003 pp 71 73 Souriau 1998 p 540 541 Azcarate 1983 p 14 16 Souriau 1998 p 612 Fuga 2004 p 12 30 Fuga 2004 p 92 132 Fuga 2004 p 138 167 Fatas Borras 1990 pp 122 123 Fuga 2004 pp 176 201 Fuga 2004 pp 250 284 Fuga 2004 pp 212 230 Fuga 2004 pp 300 358 Brandi 2002 pp 13 17 AA VV 1991 p 812 Beardsley Hospers 1990 p 97 Tatarkiewicz 2000 vol I p 9 Givone 2001 p 14 Bozal 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La estetica moderna 1400 1700 Madrid Akal ISBN 84 7600 669 1 2002 Historia de seis ideas Madrid Tecnos ISBN 84 309 3911 3 Villa Rocio de la 2003 Guia del arte hoy Tecnos Madrid ISBN 84 309 3930 X Enlaces externos Editar Wikimedia Commons alberga una categoria multimedia sobre Arte Portal Arte Contenido relacionado con Arte Datos Q735 Multimedia Art Diccionario arte Citas celebres Arte Obtenido de https es wikipedia org w index php title Arte amp oldid 142150162, wikipedia, wiki, leyendo, leer, libro, biblioteca,

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