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Historia del cine

La historia del cine como espectáculo comenzó en París el 28 de diciembre de 1895.

Cámara de los hermanos Lumière.

Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cinematógrafo ha evolucionado mucho, desde sus inicios con el cine mudo de los hermanos Lumière hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluidas las convenciones del género, y han surgido así distintos géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, con lo que se desarrollaron distintos movimientos cinematográficos.

El inicio del cine

Primeros pasos del cine: creación del cinematógrafo

La idea de capturar, crear y reproducir el movimiento por medios mecánicos es muy antigua, y existieron antecedentes tales como la cámara oscura, el taumatropo, la linterna mágica o el fusil fotográfico. La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada por los inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del siglo XIX.

Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo, estuvo muy cerca también de inventar el cine, al patentar el Quinetoscopio creado en su laboratorio por William Dickson, el cual , solo permitía funciones muy limitadas.

Inspirándose en este e integrando diversos inventos y descubrimientos de la época, como el rollo de fotos de Eastman, los hermanos Lumière (hijos del fotógrafo Antoine Lumière) crearon el cinematógrafo: este dispositivo que desarrollaron permitía la toma, proyección y hasta el copiado de imágenes en movimiento, así como el espectáculo público derivado de la exhibición del funcionamiento del aparato.

La primera presentación fue el 28 de diciembre de 1895 en París y consistió en una serie de imágenes documentales, de las cuales se recuerda aquella en la que aparecen los trabajadores de una fábrica (propiedad de los mismos Lumière), y la de un tren (en la estación de La Ciotat) que parecía abalanzarse sobre los espectadores; ante estas imágenes las personas reaccionaron con un instintivo pavor, creyendo que el tren los atropellaría. La función de las primeras "películas" era mayormente documental, con el agregado del movimiento. Tiempo después lograron el primer filme argumental de la historia, El regador regado.

 
El viaje a la Luna

Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero el puntapié inicial para realizar historias y experimentar recursos narrativos visuales fue cuando el ilusionista Georges Méliès usó en un primer momento el cinematógrafo como un elemento más para sus espectáculos, pero luego los desarrollaría en el cine, creando rudimentarios —pero eficaces— efectos especiales. Los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía y fue así como en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples y, tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator (ver cine mudo). Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos (ciencia ficción, históricas o de época); el género ausente fue, por supuesto, la comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro. También en la época se produjeron los primeros juicios en torno a los derechos de autor de las adaptaciones de novelas y obras teatrales al cine, lo que llevaría con el tiempo a la creación de las franquicias cinematográficas basadas en personajes o sagas.

Primera proyección cinematográfica (28 de diciembre de 1895)

El 28 de diciembre de 1895 se realiza la primera proyección cinematográfica abierta al público. Ya se habían realizado anteriormente proyecciones consideradas como experimentos delante de varios científicos. Ambos hermanos consideran al cine como un simple experimento que no tiene futuro.

Negocian con varios propietarios para encontrar una sala de proyección. Tras varios rechazos, escogen el Salón Indio del Gran Café del Boulevard que esta ubicado en París, un pequeño café de pocos metros cuadrados. Seleccionaron este café ya que, según ellos, si el público era relativamente mínimo y la proyección era un fracaso, esta pasaría desapercibida.

Esta primera proyección es un éxito y marca el nacimiento oficial del cine como se conoce hoy en día. Esa noche, por solo un franco, cualquier persona interesada pudo asistir a la primera proyección cinematográfica de la historia.

Películas estrenadas

  • La Sortie de l'usine Lumière à Lyon (La salida de la fábrica Lumière en Lyon)
  • La Voltige (El volteo)
  • La Pêche aux poissons rouges (La pesca de los peces rojos)
  • Le Débarquement du congrès de photographie à Lyon (La llegada al congreso de fotografía en Lyon)
  • Les Forgerons (Los herreros)
  • L'Arroseur arrosé (El regador regado)
  • Le Repas de bébé (La comida del bebé)
  • Le Saut à la couverture (El manteo)
  • La Place des Cordeliers à Lyon (La Plaza des Cordeliers en Lyon)

Reacción del público

Antes de encontrar la sala de proyección del Salón Indio del Gran Café del Boulevard fueron rechazados por numerosas salas como el museo Grévin y las Folies-Bergères que no confiaban en un invento del que nadie había escuchado hablar. Se realiza una primera sesión por la tarde reservada para algunos invitados especiales pero en la cual ningún periodista atiende. Al día siguiente, nadie habla del nuevo invento en los periódicos.

Esa misma noche se abre la sala al público que, por solo un franco, puede asistir a la sesión. La sala puede contener hasta cien espectadores aunque únicamente entran treinta y cinco personas, intrigadas por el cartel anunciando el cinematógrafo. Entran sin ninguna expectativa pensando encontrar frente a ellos luces de feria. Sin embargo, al encenderse el proyector, el público queda asombrado. Las paredes parecen cobrar vida y las imágenes que, hasta ahora habían permanecido estáticas, empiezan a moverse. A pesar de que se trata de escenas de la vida cotidiana, el público queda totalmente impresionado.

Poco a poco fue corriendo la voz y se empieza a hablar del dispositivo que proyecta un espectáculo nunca visto hasta ahora. El segundo día se llenó la sala. Los días siguientes se puede ver una larga fila delante del Salón Indio del Gran Café del Boulevard. Tras varias sesiones, tienen que aumentar el número de proyecciones a más de diez por día. La gente lucha por poder entrar y asistir al espectáculo. El número de representaciones va en aumento y los hermanos Lumières acaban vendiendo hasta 2500 billetes por día.

Éxitos y distribución

El cinematógrafo tiene un éxito tan grande que numerosas personas se interesaron por él. El museo Grévin y las Folies Bergères, dos de las salas que los había rechazado para la primera proyección, ofrecieron veinte mil francos uno y más de cincuenta mil el otro para comprarlo. George Méliès, uno de los primeros espectadores del 28 de diciembre de 1895 que se convertirá en el pionero de los efectos especiales en el cine, también se ofrece a pagar más de diez mil francos. Se dice que los hermanos Lumières no aceptaron, convencidos de que su invento no tenía ningún futuro y que no podía traer nada más que la ruina.

Sin embargo, eso no les impide aprovechar su éxito y abrir una sala de mayores dimensiones para seguir con sus proyecciones. Su fama llega más allá de Europa y alcanza América que, hasta ahora, solo conocía el Quinetoscopio de Edison. El cinematógrafo en seguida lo supera y conquista al público americano tanto como lo había hecho en Europa.

Un año más tarde los hermanos Lumières ya han realizado más de 500 películas que tienen tanto éxito como las primeras. Realizan “Llegada de un tren a la estación”, película que asustará por primera vez al público. Se cuenta que gran parte del público salió aterrorizado de su asiento al ver una locomotora acercándose hacia ellos que parecía salir de los límites de la pantalla.

El cine se vuelve un arte popular que atrae tanto a niños como adultos en las ferias y salas de proyecciones. Cada vez más personas se dedican a grabar eventos de la vida cotidiana en forma de documental.

Sin embargo, un evento trágico le hará perder parte de la popularidad que había ganado. El 4 de mayo de 1897, en una sala cinematográfica, se produce el enorme incendio dramático en el Bazar de la Charité. Los hermanos Lumières reaccionan a esa tragedia creando un sistema de enfriamiento para evitar que se caliente la película. A pesar de eso, el cinematógrafo seguirá triunfando y tendrá un gran éxito en la exposición universal de París en 1900 en la que se realizan proyecciones delante de 80.000 personas simultáneamente.

Discusión acerca de la percepción de movimiento aparente

Si bien durante el inicio del cine se tomó como cierta y concreta la teoría de que podemos percibir movimiento aparente a partir de una sucesión de fotografías fijas que se alojan en nuestra retina (véase persistencia de la visión o persistencia de las impresiones retinianas), varias teorías de la percepción descubiertas durante los inicios de la escuela de la Gestalt y otras posteriores relativas a la psicología de la percepción contradicen dicha teoría. Según Max Wertheimer hay varios efectos que pueden producir apariencia de movimiento. La propagación de la teoría de la persistencia retiniana como única explicación del funcionamiento del cine es un error que está demostrado por Miguel Ángel Martín Pascual.[cita requerida] Según su artículo el movimiento aparente no sucede directamente en el ojo sino en un veloz y complejo proceso que se produce entre la percepción visual directa, la memoria y la capacidad de interpretación de la imagen.

Otras personas en la historia del cine

Además de Edison, los hermanos Lumière y Méliès, hubo otros pioneros en la historia del cine como:

  • Charles Pathé: tomando como referencia el cinematógrafo de los hermanos Lumière, así como el kinetoscopio de Edison, fabricó una cámara tomavistas con la que inició sus producciones. Sus experimentos consistieron en el afán de combinar el fonógrafo con el cinematógrafo, pero los resultados resultaban de mala calidad por lo que no tuvo éxito. Luego Pathé se va a vincular en el campo empresarial del cine, por lo que se desvincula de los aspectos artísticos y creativos, quedando encargado asalariados como Ferdinand Zecca. Pathé Frères sería la primera compañía en integrar las tres grandes ramas en las que se divide la industria del cine: producción, distribución y exhibición.
  • Ferdinand Zecca: se desarrolló dentro de la compañía Pathé con una actividad cinematográfica muy diversa como actor, guionista, director y decorador. Zecca aborda el cine de fantasía, aunque introduciendo una tendencia realista su lenguaje cinematográfico se vuelve ágil, sus planos cinematográficos ya no son planos generales sino que comienza a emplear planos cinematográficos más cercanos. En 1913 Zecca abandona la producción cinematográfica para incorporarse a los servicios administrativos y comerciales y dirigir la construcción de los estudios Pathé en Berlín y Jersey City.
  • Escuela de Brighton: grupo de fotógrafos que utilizaban cámaras filmadoras para experimentar. Descubren la fragmentación del relato y un tiempo después descubren la fragmentación de la escena cinematográfica, que es lo que se denomina "principio de montaje". También descubren la variedad en los puntos de vista en una misma acción. Son los primeros en filmar una persecución en tres tomas (ladrón de frutas). Sus producciones se vuelven más comerciales.
  • Edwin S. Porter: su preocupación y desempeño se centró en contar una historia cinematográfica mejor elaborada, con mayor cantidad de escenarios. Su intención era crear un relato que se comprendiera por sí mismo ya que los filmes hasta el momento eran acompañadas por un explicador. Descubre el montaje paralelo, el montaje simultáneo y hace intentos de montaje alterno. Se sientan las bases del cine de acción. Porter ofrece al público un nuevo mundo de relaciones: físicas y psicológicas.
  • Léon Gaumont: se interesó en los aspectos técnicos mecánicos del cine. Primeramente fue fabricante y vendedor de aparatos cinematográficos y luego se orientó a la producción cinematográfica. Su secretaria Alice Guy, inició con esta producción en 1898, al renunciar, Gaumont contrata a Louis Feuillade.
 
Alice Guy (1913)
  • Alice Guy: comenzó como secretaria de Léon Gaumont y, al cabo de unos años, Guy pasó a escribir guiones y dirigir películas para la creada compañía Gaumont. En 1896 presenta su primera película narrativa, El hada de las coles, en donde combinó las imágenes en movimiento con el arte teatral. Luego de unos años, en 1906 rodó La vida de cristo (utilizando el cronófono). Luego de residir en Nueva Jersey construyó uno de los estudios cinematográficos mejor equipados de la historia. Se la considera como la primera narradora de cine, además de ser la fundadora del cine como narración cultural. Fue la primera en poner tintura a sus películas para que se vieran en color. Fue también pionera al utilizar técnicas de máscara de doble expresión y secuencias en retroceso. Regresó a Francia en 1922.
  • Louis Feuillade: primeramente trabajó en los estudios de Gaumont como asistente de Alice Guy; cuando ella se retira se convierte en jefe de producción de la compañía. Feuillade fue reconocido por el cine de episodios y el serial cinematográfico. Abordó también temas infantiles y realistas, se evita la fantasía representando las cosas y las personas como son. Feuillade alcanza la fama estando al frente de un grupo de seriales centradas en criminales, permitiendo una absoluta distinción entre el bien y el mal. Su periodo de mayor creatividad coincidió con los años que duró la Primera Guerra Mundial, que fue donde el público demostraba mayor interés en el género.

Hollywood y el Star System

En Estados Unidos, el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban el inglés, tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento para ellos.

Viendo las perspectivas de este negocio, y basándose en su patente sobre el kinetoscopio, Thomas Edison intentó tomar el control de los derechos sobre la explotación del cinematógrafo. El asunto no solo llegó a juicio, de Edison contra los llamados productores independientes, sino que se libró incluso a tiro limpio. Como consecuencia, los productores independientes emigraron desde Nueva York y la costa este, donde Edison era fuerte, hacia el oeste, recientemente pacificado. En un pequeño poblado llamado Hollywood, encontraron condiciones ideales para rodar: días soleados casi todo el año, multitud de paisajes que pudieran servir como localizaciones, y la cercanía con la frontera de México, en caso de que debieran escapar de la justicia. Así nació la llamada Meca del Cine, y Hollywood se transformó en el más importante centro cinematográfico del mundo.

La mayor parte de los estudios fueron a Hollywood (Fox, Universal, Paramount, controlados por Darryl F. Zanuck, Samuel Bronston, Samuel Goldwyn, ...), y miraban al cinematógrafo más como un negocio que como un arte. Lucharon entre sí con tesón, y a veces, para competir mejor, se fusionaron: así nacieron 20th Century Fox (de la antigua Fox) y Metro-Goldwyn-Mayer (unión de los estudios de Samuel Goldwyn con Louis B. Mayer) Estos estudios buscaron controlar íntegramente la producción fílmica. Así, no solo financiaban las películas, sino que controlaban a los medios de distribución, a través de cadenas de salas destinadas a exhibir nada más que sus propias películas. También contrataron a directores y actores como si fueran meros empleados a sueldo, bajo contratos leoninos; fue incluso común la práctica de prestarse directores y actores entre sí, en un pasando y pasando, sin que ni unos ni otros tuvieran nada que decir al respecto, amarrados como estaban por sus contratos. Esto marcó la aparición del star-system, el sistema de estrellas, en el cual las estrellas del cine eran promocionadas en serie, igual que cualquier otro producto comercial. Únicamente[cita requerida] Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford se rebelaron contra esto, pudiendo hacerlo por su gran éxito comercial, y la salida que encontraron fue crear un nuevo estudio para ellos solos: United Artists.

Cine mudo

 
Fotograma del film Intolerancia, de David Wark Griffith.

Durante los primeros treinta años las películas fueron completamente mudas. Suele hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es del todo exacto, aunque es cierto que las proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin sonido alguno. Pero las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del tema entendieran la película.

El cine mudo europeo

Mientras tanto, el cine seguía otros caminos en Europa. Allí, el sentido del negocio se basó en el monopolio del celuloide. Surgieron grandes empresas cinematográficas que, con Francia a la cabeza, dominaron el mercado mundial hasta la Gran Guerra, en que su hegemonía fue reemplazada por la de la industria estadounidense. Hasta 1914, Europa, con productoras como la Gaumont, la Pathé o la Itala films, dominaron los mercados internacionales. Así, el cine cómico francés, con André Deed y Max Linder o el colossal italiano, con grandes escenografías y participación de extras, en películas como Quo vadis? (1912) o Cabiria (1914) fueron la escuela donde aprendieron Charles Chaplin y el cine cómico norteamericano o David W. Griffith que asumió los presupuestos del peplum en Judith de Betulia o Intolerancia. Más tarde Europa sufrió una patente decadencia debido a la Primera Guerra Mundial, que marcó la pérdida de la preponderancia internacional de su cine.

Aun así, tras la guerra se crearon obras maestras que iban a hacer escuela. En estos años el movimiento más importante fue el Expresionismo, cuyo punto de partida suele fijarse con la película El gabinete del doctor Caligari (1919), y cuya estética extraña y alienada respondía a los miedos de la Europa de postguerra, seguida después por Nosferatu, el vampiro (1922). También, en paralelo al movimiento surrealista en pintura y literatura, surgió un cine surrealista, cuyo exponente más célebre es Un perro andaluz dirigida por Luis Buñuel.

Por su parte el cine nórdico contaba con las figuras de Victor Sjöström y Mauritz Stiller en Suecia y Finlandia respectivamente.

La creación del lenguaje cinematográfico

En esos años, la técnica de contar una historia en imágenes sufrió una gran evolución. Los primeros cineastas concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los escenarios eran casi todos interiores, y se utilizaba una cámara estática. A medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron técnicas que hoy por hoy parecen básicas, como el plano y contraplano, el mover la cámara ─como por ejemplo el travelling─ o utilizarla en ángulo picado o contrapicado, pero que en esa época eran ideas revolucionarias.[1]​ También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra especialmente de los filmes históricos rodados en Italia en la década de los años diez (Quo vadis? o Cabiria).

Dos cineastas fueron claves en este proceso. En Estados Unidos, David W. Griffith, con El nacimiento de una nación e Intolerancia, cambió el cine para siempre, hasta el punto que se afirma que con él nace de verdad el lenguaje cinematográfico. En la Unión Soviética, otro tanto realiza Sergéi Eisenstein, con películas clave como El acorazado Potemkin u Octubre, entre otras; a Eisenstein se le debe el llamado montaje de atracciones, que busca mezclar imágenes chocantes para provocar una asociación emocional o intelectual en el público. Gracias a ellos, y a los expresionistas alemanes ya mencionados, el lenguaje fílmico alcanza su madurez en la década de 1920.

Corrientes cinematográficas

El cine, como manifestación artística, cuenta con diversos movimientos o corrientes a lo largo del siglo XX. Las escuelas estéticas constituyen un conjunto de movimientos expresivos innovadores de la historia del cine. En algunos casos, supone la ruptura con los estilos anteriores, sobre todo del cine clásico de Hollywood y, en otros casos, suponen un desarrollo de los estilos predecesores. El cine de vanguardia supone una ruptura en la narrativa del cine convencional. Junto con la literatura y el arte dominaron el primer tercio del siglo XX. Las corrientes vanguardistas cuestionan los modos tradicionales de producción, difusión, exhibición y consumo de los objetos artísticos; y recurren a cuestiones relativas a la modernidad.

En cuanto al cine, se diferencian tres etapas en el movimiento vanguardista. En primer lugar, se encuentra el cine impresionista, representado por Abel Gance y René Clair. En segundo lugar está el cine surrealista francés y el cine abstracto alemán. Por último, se halla el cine independiente o documental.

  • Impresionismo- Este estilo valora el naturalismo, el estilo directo, e ir más allá de los esquemas melodramáticos. El cine impresionista fue llamado así porque los autores pretendían que la narración representara la conciencia de los protagonistas, en otras palabras, su interior. Otorgan importancia a la emoción y a la narración psicológica, la expresión de sentimientos y los estados de ánimo de los personajes. Destacan en este ámbito los siguientes autores: Henri Chomette, Marcel L'Herbier, Germaine Dulac y Jean Epstein. Una de las películas más representativas del movimiento es La Roue (1922) de Abel Gance.
  • Surrealista- Combina la imagen, con la búsqueda de sensaciones y la expresión de sentimientos. Predominan imágenes absurdas que rompen con la lógica temporal. El surrealismo se presenta como un medio de liberación del espíritu y una revolución que ataca al orden lógico, estético y moral. Así mismo, ataca los pilares de la sociedad burguesa y sus valores incuestionados. Se trata de hacer valer el lado oscuro de la vida, como el azar, lo esotérico y lo onírico, de forma que la realidad se define por el sueño libre y por la imaginación del subconsciente. Las dos películas de referencia del cine surrealista son Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930), ambas dirigidas por Luis Buñuel, en colaboración con el pintor surrealista catalán, Salvador Dalí.
  • Cine expresionista alemán-(1905) Grupo de producciones en contraste con el impresionismo en pintura, en el que prima la expresión subjetiva sobre la representación objetiva de la realidad. Es el cine que se realiza en la Alemania de Weimar. Se aprecia la expresión de sentimientos y la emoción por encima de la representación de la imparcialidad; para ello se utilizaba la deformación de las cosas, el mundo interior, la angustia y las alucinaciones del artista. Destaca la película El gabinete del doctor Caligari (1919).

Junto a estos movimientos ligados a las vanguardias históricas de principios del siglo XX existen otras manifestaciones cinematográficas, entre las que cabe destacar:

  • Cine Ojo- (Años 20) Teoría cinematográfica creada por el documentalista soviético Dziga Vertov. Las características principales son la objetividad, el rechazo al guion y a la puesta de escena, y la utilización de la cámara como ojo humano.
  • Cinéma Pur- (Años 20) Corriente francesa, que se centra en los elementos puros del arte cinematográfico, como la forma, el movimiento, el campo visual y el ritmo.
  • Realismo Poético Francés- (Años 30, 40) Movimiento de cine cuyas características son producciones que se asemejan cada vez más a la realidad, si bien sus temáticas son ficcionales ya no recurren a la fantasía, el género más recurrente será el melodrama. Existía la necesidad de representar una realidad libre, manteniendo un equilibrio entre la velocidad y la belleza estética.
  • Neorrealismo italiano- (Años 40) Movimiento de cine cuyas características fundamentales son la trama ambientada en sectores desfavorecidos, rodaje en exteriores y actores no profesionales. El objetivo de este estilo es representar la situación moral y económica de la Italia de posguerra.
  • Underground estadounidense- (Años 40) Cine artesanal, no necesariamente narrativo con autoconciencia artística, y opuesto al cine clásico de Hollywood.
  • Cinéma verité- (Años 50) Aparece en Francia paralelamente a la Nouvelle Vague. Tiene una tendencia documentalista y busca captar la vida tal como es.
  • Nouvelle Vague- (Años 50) Corriente francesa crítica frente a lo establecido, y cuya máxima aspiración es la libertad de expresión y técnica.
  • Free Cinema- (Años 50) Movimiento británico que implanta una estética realista en la ficción y en el documental. Además, retrata historias cotidianas y está comprometido con la realidad social de la época.
  • Nueva Ola Checoslovaca - (Años 60) Movimiento cinematográfico que tuvo lugar en Checoslovaquia con gran expresión artística, en lo visual como en lo narrativo, el cual fue la edad de oro del cine del país.
  • Blaxploitation- (Años 70) Cine estadounidense cuyo tema protagonista es la comunidad afrodescendiente y en el que es recurrente el uso de bandas sonoras de conocidos artistas de la época.
  • Nuevo cine alemán (Neuer Deutscher Film)- (Años 70) La industria alemana crea su propio star-system, en el que utiliza largos travellings que favorece a la improvisación de los actores y simplifica el montaje. Además, tiene cierto carácter documental, al estilo naturalista francés.
  • New Queer Cinema- (Años 90) Cine independiente norteamericano caracterizado por su aproximación a la cultura queer.
  • Cine posmoderno - (años 80) Basado en el eclecticismo y mezcla las características de diferentes estilos ya creados.
  • Dogma 95- (Año 1995) Movimiento fílmico cuya meta es producir películas simples, sin modificaciones en la posproducción y poniendo énfasis en el desarrollo dramático.
  • Cine negro- Surge en Estados Unidos como crítica al modelo clásico y a raíz de la influencia europea. Este tipo de cine nos permite hablar de la contemporaneidad social desde distintas perspectivas, en un sentido más directo, de la extensión de los crímenes y la corrupción de la sociedad y en un sentido más amplio, de la transformación de valores que "sacudía" a un país que había sido sorprendido primeramente por un creciente avance industrial y en segundo lugar por el desarrollo de la Segunda Guerra Mundial. Las películas del género son claros testimonios de lo que está viviendo la sociedad en aquel momento, poseen un fuerte contenido expresionista en la formación de sus imágenes, reflejando tanto en la fotografía como en la escenografía. Las escenas se caracterizan por pasar de una iluminación sombra en claro-oscuro, donde se juega con el uso de las sombras para exaltar la psicología de los personajes.

Cine de propaganda política

Durante épocas de grandes enfrentamientos políticos y militares el cine fue utilizado como fuerte herramienta de propagación de ideologías y propuestas de acción. Los regímenes totalitarios de todo el siglo XX hicieron un gran uso del montaje y las técnicas del cine para la propaganda. Así, la Unión Soviética fomentó un tipo de cine que remarcaba el poder del pueblo como imagen dignificadora y potenciadora de la patria soviética. Se realizaron varias producciones relativas a la Revolución de 1917, y en contra de la antigua burguesía zarista. También en contra de las invasiones alemanas durante la Segunda Guerra Mundial (por ejemplo, Alexander Nevsky, de Serguéi Eisenstein). En Italia, el régimen fascista de Mussolini ordenó a los estudios Cinecittà crear una serie de películas fastuosas, en la tradición del colossal italiano de la década de 1910, que sirvieran para ensalzar la antigua grandeza romana, de la que Mussolini se sentía heredero; el representante más fiel de este cine fascista es probablemente el Escipión el Africano, rodado en 1937. En Alemania, si bien no hubo un fuerte control sobre el cine, sí se rodaron numerosos documentales ensalzando a los nazis, como por ejemplo El triunfo de la voluntad de Leni Riefenstahl; varios cineastas contrarios al régimen, por su parte, prefirieron marchar al exilio, como por ejemplo Fritz Lang.

El cine sonoro

El cine sonoro es aquel que incorpora en las películas sonido sincronizado o tecnológicamente aparejado con la imagen. Por su parte, el cine mudo es aquel que no posee sonido, y consiste únicamente en imágenes. Antes de la existencia del cine sonoro, los cineastas y proyectistas se habían preocupado de crearlo, pues el cine nace con esa voluntad. Raras veces se exhibía la película en silencio. Por ejemplo, los hermanos Lumière, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a la proyección de la película en su local de París. Hacia 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estética de la imagen y movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica en Hollywood, y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario.

Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del físico francés Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante. Charles Pathé combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la misma época, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en la Exposición Universal de París de 1900.

Según la publicación Where Else but Pittsburgh, la primera película de cine épica se llamó Fotodrama de la Creación, y aunque apareció 15 años antes de que se produjeran otras películas sonoras, ofreció una combinación de películas cinematográficas y fotografías sincronizadas con un discurso grabado. Se dividía en cuatro partes, duraba un total de ocho horas y la vieron aproximadamente 8 millones de personas.

Esta producción estaba compuesta de diapositivas fotográficas y película cinematográfica, acompañadas de discos fonográficos de discursos y música. El "Anuario De Los Testigos De Jehova" de 1979 aseguró: «Hubo que pintar a mano todas las diapositivas y películas de color. El foto-drama duraba ocho horas, y, en cuatro partes, llevaba a los auditorios desde la creación, a través de la historia humana, y hasta la culminación del propósito de Jehová para la Tierra y el género humano al fin del reinado milenario de Jesucristo». Fue una producción de la entonces llamada Asociación Internacional de los Estudiantes de la Biblia y hoy llamada Testigos de Jehová. Todos los asientos eran gratis y jamás se hacía una colecta. Además, esta producción de color y sonido repleta de hechos bíblicos, científicos e históricos entró en la escena años antes de que las películas cinematográficas comerciales de color y de largometraje acompañadas de diálogo grabado y música fueran vistas por los auditorios en general hasta principios de la década de 1920.

En 1918, se patentó el sistema sonoro TriErgon, que permitía la grabación directa en el celuloide. Pero el invento definitivo surgió en 1923, el Phonofilm, creado por el ingeniero Lee de Forest, quien resolvió los problemas de sincronización y amplificación de sonido, ya que lo grababa encima de la misma película; así, rodó 18 cortos para promover la técnica, entre ellos uno de 11 minutos de Concha Piquer, que se considera la primera película sonora en español. No obstante, por falta de financiamiento el invento se postergó hasta 1925, año en que la compañía Western Electric apostó por él.

En 1927, los estudios Warner Bros se encontraban en una situación financiera delicada y apostaron por integrar el nuevo sistema de sonido Vitaphone, sistema en el cual la banda sonora estaba presente en discos sincronizados con la proyección. Se incorporó por primera vez en una producción comercial titulada Don Juan (1926) de Alan Crosland, así como en otra de sus películas, Old San Francisco (1927). En ésta incorporó por primera vez ruidos y efectos sonoros. Sin embargo, la película sonora más exitosa fue El cantante de jazz (1927) en la que Al Jolson se inmortalizó pronunciando las palabras inaugurales: «Ustedes aún no han escuchado nada». Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias películas sonoras, y el cine mudo quedó olvidado.

La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica, por ejemplo: la cámara perdió movilidad, quedó relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética frente a la mayor importancia del diálogo. Los actores también se vieron implicados en este cambio técnico. Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica. Debido a esto, surgieron nuevos actores en su reemplazo. Dos películas que retratan esta transición del cine mudo al sonoro son el famoso musical Cantando bajo la lluvia (1952) y también la película El artista (2011), esta última con el estilo de una película muda en blanco y negro.

Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin, con Tiempos modernos (1936). Y, sin embargo, a partir de 1940 comenzó a realizar películas con sonido, la primera de las cuales fue El gran dictador. Así mismo, Sergei Eisenstein, Vsévolod Pudovkin y Grigori Aleksandrov manifestaron en 1928 por escrito su negativa al cine sonoro.

El cine sonoro hizo desaparecer la función que cumplía el conjunto musical al acompañar el visionado del cine mudo. El silencio cobra importancia como nuevo elemento dramático desconocido por el cine mudo. Se introduce el concepto de banda sonora.

El cine en color

Anteriormente se creía que el año 1909, en el teatro Palace-Varieté de Londres, se proyectaron por primera vez películas en color (el principal problema era que la técnica creada por George Smith (Kinemacolor), sólo utilizaba dos colores: el verde y el rojo -los cuales se mezclaban de manera aditiva-). Pero en realidad, fue en 1901 cuando se creó la primera película en color de la historia. Sin título, fue dirigida por el fotógrafo Edward Turner y su mecenas Frederick Marshall Lee. La manera en que la realizaron fue, rodar las escenas en blanco y negro, para después añadir filtros verdes, rojos y azules. Finalmente se creaba uniendo el metraje original y los filtros en un proyector especial.

Posteriormente, en 1916, llegó el technicolor (procedimiento tricromático (verde, rojo, azul)). Su uso exigía una triple impresión fotográfica, incorporación de filtros cromáticos y unas cámaras de enormes dimensiones). La primera pieza audiovisual que se realizó completamente con esta técnica fue el corto de Walt Disney Flowers and Trees, dirigida por Burt Gillett 1932. Sin embargo, el primer largometraje que se realizará con esta técnica será la por película La feria de las vanidades (1935), de Rouben Mamoulian. Posteriormente, el technicolor se extendió sobre todo en el ámbito musical como El mago de Oz o Cantando bajo la lluvia, en películas de la época como Robin de los bosques o en la animación, Blancanieves y los siete enanitos. [2]

Los géneros cinematográficos

La industrialización del cine hizo nacer también las llamadas convenciones de género, y por ende, los géneros cinematográficos propiamente dichos.

El primer cine era documental: escenas de obreros saliendo de las fábricas y cosas así. Pero el cine documental en cuanto tal, recién vino a nacer en 1922, con el filme Nanuk, el esquimal. Aunque nunca demasiado popular, de tarde en tarde se rodarían algunos, como por ejemplo El mundo sumergido, de Jacques Cousteau

El cine histórico y bíblico, por su parte, caminarían de la mano, en la búsqueda de la espectacularidad. Desde antiguo se habían rodado películas sobre la vida de Cristo (por ejemplo, Del pesebre a la cruz (1912). Sin embargo, el cineasta que le dio verdadera carta de naturaleza al cine histórico o bíblico fue Cecil B. DeMille, con hitos como Los diez mandamientos (la versión original de 1923 y el remake de 1956), Rey de reyes (1927) o Cleopatra (1934). Otro clásico de época es Lo que el viento se llevó, estrenada tras varias peripecias en 1939.

En la década de 1930 surgen también, estrechamente hermanados, el cine de gánsteres y el cine negro. Hitos claves del cine gansteril fueron el Scarface de 1932 o Hampa dorada, y un director clave fue Howard Hawks. Su éxito se explica por la dosis de crítica social que dichos filmes envolvían, sobre la situación posterior a la Gran Depresión de 1929. Además, fueron campo de experimentos formales con la iluminación, con fuerte influencia de los cineastas europeos herederos del Expresionismo, muchos de los cuales habían llegado a Hollywood huyendo del Tercer Reich, por ese entonces ascendente. Quizás el actor más asociado con el género es Humphrey Bogart, con clásicos como Casablanca, El halcón maltés o El sueño eterno.

El cine fantástico y de ciencia ficción había también experimentado su propio desarrollo, paralelo a un elemento que le era indispensable: el desarrollo de los efectos especiales. Ya Georges Méliès había diseñado una curiosa fantasía llamada Viaje a la Luna, vagamente basada en la novela de Julio Verne. La gran película del cine mudo de ciencia ficción fue Metrópolis, de Fritz Lang (1927), la cual marcó estéticamente a muchos cineastas posteriores, pero que en su tiempo fue un fracaso de taquilla, costoso para los cánones de la época, y que por lo tanto, relegó a la ciencia ficción fílmica al plano de mero entretenimiento, sin mayor trascendencia intelectual, estigma que pesaría sobre el género hasta 2001: Odisea del espacio (1968). En la década de 1930, coincidiendo con la Gran Depresión y el Nazismo, se puso de moda el cine de terror, con clásicos como Dracula (con Béla Lugosi, dirigida por Tod Browning, en 1931), o Frankenstein de James Whale, con Boris Karloff (1931). Con éstos y otros filmes, los Estudios Universal crearon la imagen moderna de los clásicos monstruos de la literatura de terror.

La llegada del sonido permitió también el desarrollo de la comedia musical, género harto más amable, incluso de evasión, en donde primaba el peso de los números musicales y canciones por sobre la historia, y que fue el vehículo de lucimiento para diversos bailarines. Los más importantes fueron la dupla conformada por Ginger Rogers y Fred Astaire. El gran clásico del género es Cantando bajo la lluvia (1952).

Un género típico de los Estados Unidos que se desarrolló en aquellos años fue el Western, en particular gracias al trabajo de cineastas como John Ford. El gran actor de westerns de la época fue John Wayne. El género fue muy exitoso en Estados Unidos, por construir una mitología fílmica de carácter nacionalista.

Su importancia tuvieron también los filmes de aventuras y de capa y espada. Muy exitoso en ese tiempo fue el cine de piratas. Quizás el más recordado héroe posterior a Douglas Fairbanks sea Errol Flynn (Capitán Blood, 1935), quien más o menos tomó su relevo en la década de 1930.

En cuanto a la comedia, su edad de oro comenzó con los Keystone Cops, los alocados cortos con policías de Mack Sennett, que inventaron el concepto de gag, incluyendo uno clásico: lanzarle pasteles de crema a la cara de la gente. Pero el primer gran personaje cómico fue el vagabundo sin nombre que Charles Chaplin interpretara en numerosos cortos, y más tarde en largometrajes como The Kid (1921) o en Luces de la ciudad (1927). Otro cómico importante fue Buster Keaton. Más tarde llegaron El gordo y el flaco, Los Tres Chiflados y Jerry Lewis.

El cine de animación fue experimentado desde los comienzos del cine mismo. Desde 1889 Émile Reynaud trabajó en este campo, y presentó en 1892 su serie de cortos Pantomimes Lumineuses; Stuart Blackton creó en 1906 Humorous Phases of Funny Faces, una animación realizada en un pizarrón; el Stop Motion fue descubierto por Segundo de Chomón (La casa encantada, de 1906 o 1907) y por Émile Cohl (La carrera de las calabazas, de 1908), quien además trabajaba mezclando actores y dibujos.

Y, aunque el primer largometraje animado fue El apóstol (1917), producida en Argentina por Quirino Cristiani, quien impulsó definitivamente la industria del cine de animación fue Walt Disney, con los largometrajes Blancanieves y los siete enanitos (1937) y Fantasía (1940).

 
El director Orson Welles

Posiblemente la cúspide de las posibilidades del cine de la época, en términos de lenguaje cinematográfico, haya sido alcanzada por el filme Ciudadano Kane, de Orson Welles, en 1941. Película polémica en su época, ha sido reconocida en retrospectiva como uno de los grandes hitos fílmicos de todos los tiempos, y sumó todos los experimentos conceptuales de la época, cerró caminos y abrió otros, razón por la cual figura regularmente como una de las mejores películas de todos los tiempos, en listados y reseñas críticas.

Distribución de las películas

Siendo el cine el único multimedia de la época, y estando su producción bien controlada por los grandes estudios, se desarrolló todo un mecanismo de producción industrial de películas. Así, se programaba no la exhibición de una película pura, sino de verdaderos rotativos que ofrecían, por el mismo precio, una serial y dos películas. A la película principal se sumaba una de menor costo, y producción barata y apresurada, que por su condición de relleno, pasó a ser llamada serie B. Posteriormente la serie B evolucionaría hasta ser un género por derecho propio, pero en aquel tiempo, iba adosada al cine normal.

Las llamadas seriales dominicales eran historias dirigidas al público infantil o juvenil, y que por ende, ofrecían historias de vaqueros, de aventuras o de ciencia ficción. Constaban de una docena de capítulos, de algunos minutos de extensión cada uno, y terminaban en cliffhangers que obligaban al espectador a acudir al cine el domingo siguiente, para saber cómo el protagonista saldría del peligro de muerte. Historias dominicales de matinée como por ejemplo Flash Gordon contra el universo no solo le dieron carta de naturaleza en el cine a personajes por entonces recientes como Flash Gordon, Superman o Batman, sino que son la evidente fuente de inspiración para hitos fílmicos posteriores como Star Wars o Indiana Jones.

En la época comenzó también la relación entre el negocio del cine y el de la música. Personajes tan disímiles como Mario Lanza, Frank Sinatra, Marlene Dietrich, Jorge Negrete o Carmen Miranda, por mencionar unos pocos ejemplos casi al azar, desarrollaron carreras paralelas como cantantes y actores, con éxito variable según la época y el país.

Cine por país

Para la historia del cine de cada país o cada cultura (geográficamente) o en lengua no inglesa, véase:

Crisis de Hollywood y nuevos rumbos del cine

Hollywood entra en crisis

Para la Segunda Guerra Mundial, la maquinaria productiva de Hollywood estaba tan bien engrasada, que muchos estudios pudieron prestar activos servicios creando filmes más o menos propagandísticos de apoyo a los Aliados, y en contra del Eje. Pero una vez terminada la conflagración, Hollywood experimentó problemas.

En primer lugar, hubo juicios contra los estudios por el monopolio que ejercían. En 1948, los tribunales de justicia les obligaron a desprenderse de las cadenas de cine, debiendo limitarse a la producción de las películas, perdiendo la distribución. Al mismo tiempo, los artistas, cada vez más célebres, empezaron a rebelarse contra las imposiciones de los estudios. Olivia de Havilland llevó su contrato a juicio, y tras un largo tiempo litigando, ganó. Con esto, el control que los estudios ejercían sobre actores y directores se resquebrajó.

Para colmo, Hollywood debió afrontar un nuevo enemigo: la popularización de la televisión. Las series de televisión barrieron con las series de matinée, y los noticiarios televisivos reemplazaron a los cinematográficos. En un tiempo, se pensó que la televisión acabaría con el cine.

Hollywood respondió reforzando los aspectos en los cuales la televisión no podía competir, concretamente la espectacularidad. Así, el género épico experimentó un nuevo auge, con filmes como El manto sagrado, Sinuhé el egipcio o Ben-Hur. Todos ellos se beneficiaron de avances técnicos como la pantalla panorámica, gracias a innovaciones como el cinerama o el cinemascope.

En esta época se estandarizó el cine en color. Technicolor ya había nacido en el año 1917, aunque en un proceso más rudimentario que solo utilizaba dos colores, que evolucionó a lo largo de los años 20 y primeros 30, hasta que en 1934 se estrenó la primera película con una escena de acción real en Technicolor de tres colores, El gato y el violín. Poco después Becky Sharp (1935) sería el primer largometraje íntegramente rodado en color. A pesar de todo ello, las complicaciones de rodar en color (se requería el triple de luz que con el sistema en blanco y negro y cámaras tres veces más grandes y pesadas) hizo que el cine en blanco y negro siguiera predominando una década y media más. Con la evolución y simplificación de Technicolor así como la aparición de otras compañías de cine en color como Eastmancolor entre otras que estimularon la competencia, el cine en blanco y negro quedó relegado a películas de bajo presupuesto o en las que era necesario por razones exclusivamente artísticas.

Cine de autor contra cine de productor

Mientras Hollywood luchaba por superar la crisis, en el resto del mundo se imponían nuevas ideas fílmicas. Impregnados del espíritu de las vanguardias artísticas de la primera mitad del XX, en Europa comenzó la experimentación formal, que llevó a la creación de nuevas formas fílmicas.

La primera de ellas, en la Europa posterior a la Segunda Guerra Mundial, fue el Neorrealismo. Nació en Italia, como reacción al cine fascista del régimen de Mussolini, y buscaba la máxima naturalidad, con actores no profesionales, iluminación natural, etcétera, y con un cine de fuerte crítica social. Se considera inaugurado el género con Roma, ciudad abierta (1945), aunque suele considerarse como su mayor representante el Ladri di biciclette de Vittorio de Sica (1948). El neorrealismo se agotó pronto, pero muchos cineastas formados o desarrollados en este, siguieron rodando después (Federico Fellini, Luchino Visconti, Roberto Rossellini, etcétera).

Esta tendencia hacia un cine más realista y menos espectacular fue recogida en otros lugares de Europa. En Francia, François Truffaut le dio el definitivo empuje a la nouvelle vague, con filmes como Los cuatrocientos golpes; los cineastas se agruparon en torno a la revista Cahiers du Cinéma, que utilizaron como vehículo de sus ideas sobre el cine. Destaca, aparte de Truffaut, J. L. Godard (Al final de la escapada). Este fenómeno encontró paralelo en el free cinema inglés, y después se proyectó en Latinoamérica, muy en particular en el cinema novo de Brasil, con filmes como Dios y el diablo en la tierra del sol.

Gran parte de la actividad intelectual en torno al cine se desarrollaba no en los estudios de productores, sino en los foros, en donde se proyectaban filmes, y se discutía sobre ellos entre el público interesado. Cahiers du Cinéma definió su propio cine como un cine de autor, o sea del director, frente al cine hollywoodense, el cual era considerado cine de productor, y por ende, reivindicaba la mirada artística y personal del director, por encima de las exigencias comerciales. Esto le abrió las puertas a cineastas con propuestas tan personales como Ingmar Bergman (El séptimo sello), Luis Buñuel (Los olvidados, Viridiana, Bella de día), Stanley Kubrick (2001: Odisea del Espacio o La naranja mecánica), Pier Paolo Pasolini (Salò o los 120 días de Sodoma), Werner Herzog (Aguirre, la cólera de Dios ), o Andréi Tarkovski (Stalker), por ejemplo, además de allanar el camino para cineastas no europeos, como por ejemplo el japonés Akira Kurosawa (Rashōmon). También hubo filmes que trataron géneros considerados como típicamente hollywoodenses y los plantearon en sus propios términos, como por ejemplo Barbarella (la ciencia ficción), Los paraguas de Cherburgo (la comedia musical), El Evangelio según San Mateo (el cine bíblico) o El bueno, el feo y el malo (el western).

La ironía es que muchos actores y actrices de estos movimientos, con el tiempo se convirtieron en estrellas tan rutilantes como las hollywoodenses: fue el caso de Brigitte Bardot, Catherine Deneuve, Isabelle Adjani, Jean-Paul Belmondo, etcétera. Parte de su encanto radicaba en que se permitían muchas libertades sexuales que las estrellas de Estados Unidos no podían o no querían por la censura imperante en Hollywood.

Tampoco desapareció en Europa el cine comercial. El despliegue de colosalismo por parte de Hollywood encontró respuesta en el desarrollo del peplum primero, y cuando este se agotó, en el spaghetti western. Fuera de Europa también hubo otras manifestaciones fílmicas que se hicieron prontamente comerciales, como por ejemplo el cine de artes marciales procedente de Hong Kong. Todas estas productoras trabajaban artesanalmente, y no podían competir con la alta calidad técnica de Hollywood, por lo que se esforzaron en la cantidad, redefiniendo así el cine de serie B.

La renovación del cine en Estados Unidos

Todos estos cambios en el cine, que seguían de cerca a la sociedad, iban a golpear al cine de Estados Unidos. Así es como en las décadas de 1960 y 1970 se formaron una serie de nuevos cineastas, que redefinieron la noción de cine hollywoodense. A pesar de sus muy dispares temáticas y preocupaciones, o quizás por eso mismo, todos tenían en común el privilegiar una mirada personal o autoral de sus películas, por sobre el cine comercial. Se suele considerar como el pionero de este movimiento a John Cassavetes, junto a otros nombres como Shirley Clarke, Barbara Loden, Paul Morrissey, Elaine May, Mark Rappaport y Robert Kramer. Directores como Woody Allen, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman o Peter Bogdanovich también contribuyeron a ese paso del cine americano, pero siempre más amparados por la industria y sin alcanzar los extremos de marginalidad que caracterizaron al grupo de Cassavetes.

Los nombres de Steven Spielberg y George Lucas son asociados con frecuencia al cine comercial que imperó desde la década de 1980 en adelante, pero no siempre se recuerda que en sus inicios, eran cineastas independientes cuyas propuestas (American Graffiti en el caso de Lucas, o Tiburón en el de Spielberg) eran consideradas como excéntricas.

También prendió con fuerza, en la serie B, el cine exploitation, en respuesta al cine de bajo presupuesto que llegaba desde el extranjero. El género más autóctono en la serie B estadounidense de la época fue el Blaxploitation, que trataba historias de pandillas y maleantes negros, con altas dosis de violencia y sexo para la censura de la época.

El cine reciente

La llegada de los blockbuster

Marcado en parte por los sucesos de la década de 1970 (Watergate, Vietnam, el fin del movimiento hippie), el cine de ese tiempo se había vuelto más oscuro, con filmes legendarios como El padrino, Apocalypse Now o Cabaret, por mencionar ejemplos concretos. En cuanto a películas de simple entretenimiento, se pusieron de moda las de catástrofes, como por ejemplo Aeropuerto y El coloso en llamas, con el productor Irwin Allen explotando el género hasta el agotamiento.

Sin embargo, en 1977, el cineasta George Lucas, con su película La guerra de las galaxias, cambió esto para siempre. Lucas hizo un trato con Fox, que los ejecutivos del estudio consideraron muy ventajoso, por el cual la Fox se llevaba las ganancias por la película, y Lucas por la mercadotecnia; por los resultados posteriores, mucho mejores para Lucas que para la Fox, los estudios entendieron que las películas podían ser explotadas económicamente de manera mucho más amplia que hasta la fecha. Surgió así el concepto moderno de blockbuster, una película que se vende como "estreno de la temporada", que supondrá un gran golpe de taquilla, y que será el vehículo principal para la venta de una extensa mercadotecnia, a través de la concesión de una franquicia sobre la película y sus personajes, a jugueterías que venderán figuras con el personaje, cadenas de comida rápida que harán promociones, etcétera. Algunos de estas primeras películas explotadas con mayor o menor habilidad como modernos blockbuster fueron Close Encounters of the Third Kind de Steven Spielberg o Superman: la película de Richard Donner; en 1981 George Lucas y Steven Spielberg unieron fuerzas para una nueva franquicia, la de Indiana Jones.

El concepto de la película como una franquicia desarrolló también el concepto de secuela. Existían algunas previamente (The Godfather Part II, La novia de Frankenstein, etcétera), e incluso una franquicia fílmica como James Bond había acumulado la respetable cantidad de una decena de entregas, pero con secuelas como Superman II, Rocky II o El Imperio contraataca, el pensar las películas como eventos con posible continuación para explotar la franquicia dejó de ser algo excepcional, para pasar a ser la norma. Por otro lado el cine se hizo más liviano, perdiendo profundidad temática.

Cine comercial y cine de arte

A medida que las películas de Hollywood se hacían cada vez más grandes en forma, y más escasas de contenido, el cine de otras regiones fue reaccionando a su vez. Así, se profundizó la grieta entre el llamado cine comercial, cuya principal factoría siguió siendo Estados Unidos, y el cine arte, elaborado en mayor abundancia en otras regiones del mundo. Esto se debió a varias razones. Por una parte, el cine comercial se hizo cada vez más caro de producir, y por ende, menos productoras podían incursionar en él (fundamentalmente de Estados Unidos); aunque esta tendencia se revirtió en parte con el auge de la computación, como lo prueban filmes europeos comerciales como los manufacturados por Luc Besson (Nikita, El quinto elemento), por ejemplo. En segundo lugar, realizar películas con contenido artístico se transformó para los círculos culturales europeos, latinoamericanos o asiáticos en una especie de estandarte cultural, para oponerse a la cultura de los Estados Unidos. De todas maneras, esta línea divisoria, muy marcada en las décadas de 1980 y 1990, se fue diluyendo entrado el siglo XXI, porque las nuevas posibilidades de los efectos especiales por computadora y el cine digital permitieron abaratar los costos de las películas comerciales. Además, el cine arte nunca desapareció por completo de Estados Unidos, como lo prueba un cineasta como David Lynch (Terciopelo azul, Twin Peaks), el cual, de todas maneras, para muchas de sus películas debió recurrir a capitales europeos.

Esta línea divisoria se observó en particular en el ámbito de los premios. Las películas "comerciales" aspiraban a ganar principalmente el Óscar, mientras que aquellas realizadas con vocación de "cine arte" tendían a buscar reconocimiento en Cannes, Berlín, o Venecia. Aunque esto sigue sin ser una regla absoluta, ya que hubo películas "comerciales" que buscaron reconocimiento artístico en Cannes (por ejemplo, Shakespeare in Love), y cineastas "artísticos" que buscaron publicidad en Hollywood (por ejemplo, Pedro Almodóvar).

El movimiento más importante relacionado con el cine europeo de la época fue el movimiento Dogma 95. Planteándose como reacción al cine comercial, postulaban un cine naturalista, sin efectos de sonido ni banda sonora, con actuaciones más bien espontáneas, y filmadas con iluminación natural. Esto fue posible en buena medida gracias a la aparición de la cámara digital. Ideológicamente, Dogma 95 se inscribía en la línea intelectual de la crítica a la burguesía, tan cara al cine europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Nada de esto era nuevo, porque en su tiempo, el Neorrealismo había adoptado presupuestos muy parecidos, y por análogas razones. Y por similares motivos también, Dogma 95 tuvo una muy corta vida, y sus cultores volvieron lentamente a los usos del cine de siempre, aunque los cineastas formados a su alero ejercieron una marcada influencia cultural. El más conocido de ellos es Lars von Trier quien, de todos modos, después se desmarcó del movimiento.

Bollywood, el Hollywood de la India

Mención aparte merece el surgimiento de Bollywood en la India. Ya en 1913 se había fundado un estudio dirigido por Dadahaseb Phalké, que produjo unas treinta películas en diez años. Sin embargo, fue con Alam Ara (1931), la primera película sonora de la India, la que marcó un antes y un después, al crear una de las más características tradiciones de Bollywood: el peso de los números musicales dentro de los filmes. A partir de entonces se diseminaron por la India varios centros de producción que se especializaron: cine histórico y superproducciones en Bombay, dramas románticos en Poona, fantasía en Calcuta. La barrera idiomática en un subcontinente con centenares de lenguas hizo que el cine occidental apenas llegara a dichas tierras, pero la gran población le permitió a este mercado cinematográfico ser prácticamente autosuficiente, de modo que Bollywood creció de manera paralela y autónoma al cine hollywoodense, europeo o soviético, desarrollando sus propios códigos y cánones, a veces sumamente extraños para el espectador occidental, pero que le confieren un sabor único dentro de la cinematografía mundial.[3]

Cine en el siglo XXI

Cine y postmodernidad

Para cierto sector de la crítica, el cine ingresó hacia la década de 1980 en el postmodernismo. De ahí que se hablara del agotamiento de las vanguardias, de la imposición del concepto de simultaneidad por sobre el de continuidad, del reciclaje de viejos materiales. Hitos de este cine posmoderno serían filmes como Blade Runner (1982) o Pulp Fiction (1994), filmes armados a partir de la recreación de viejos códigos fílmicos y literarios que han perdido vigencia como tales, como por ejemplo el cine negro o el pulp. Contribuye a esta impresión, la dilución que las películas han ido experimentando debido al fenómeno del blockbuster, en el cual éstas se venden como parte de un gran paquete promocional de otros productos relacionados, como por ejemplo la banda sonora, la novela o el videojuego de la película. Estos ensamblajes multimedia han sido particularmente visibles en fenómenos como The Blair Witch Project o The Matrix, que buscaban ser no solo películas, sino experiencias totales que abarcaran también Internet. Se considera al "cine postmoderno" como una categoría nueva de cine o no, el caso es que la experiencia de ver un filme a finales del siglo XX y comienzos del siglo XXI, era radicalmente diferente a la de las generaciones anteriores.

El cine e Internet

La generalización de las tecnologías relacionadas con el ordenador cambió al cine para siempre. Los antiguos efectos especiales a base de maquetas y sobreimpresiones pasaron a ser desarrollados mediante computadoras. La primera película con efectos digitales fue Tron (1982), pero desde ahí el desarrollo fue fulminante, hasta el punto que en 1995 la compañía Pixar pudo realizar el primer largometraje íntegramente realizado por computadora (Toy Story), y en 2004, la película Sky Captain y el mundo del mañana era completamente virtual, siendo reales solo los actores protagonistas, quienes rodaron íntegramente frente a una pantalla azul. Un paso muy simbólico lo dieron los Estudios Disney, cuando después del fracaso de su filme en animación tradicional Home on the Range, cerraron esta división y se concentraron en el mercado de la animación por computadora.

Internet supuso también un desafío mayúsculo para los grandes estudios, debido a que el brutal crecimiento de la capacidad de almacenaje en discos duros y portátiles (CD-ROM y DVD entre otros) llevó a que por primera vez se pudiera reproducir de manera virtualmente ilimitada una película íntegra, sin pérdida significativa de calidad. El siguiente paso vino con el surgimiento de las redes P2P ("peer to peer"), que permiten intercambiar información de todo tipo sin un servidor central, y que muchos usuarios empezaron a emplear para descargar películas gratuitamente desde la red, compartiendolas entre ellos.

Todo lo anterior abrió un intenso debate, que aún no termina, en torno al problema de la propiedad intelectual en Internet. Los grandes estudios se quejan de las pérdidas que este intercambio origina, y los usuarios por su parte contraatacan esgrimiendo el principio de democracia en la red. Esta democratización, por su parte, ha llevado a que muchos realizadores independientes hayan optado por el cine digital, grabando sus películas y editandolas por ordenador, para luego colocarlas en sitios de intercambio de información, como por ejemplo YouTube o Vimeo, este último muy utilizado por cineastas independientes. También se ha simplificado el proceso de convocatoria a festivales de cine, con lo cual el cine independiente, realizado al margen de los grandes estudios, se ha visto fuertemente potenciado. Todo lo anterior ha llevado a una fuerte democratización del cine. Todas estas tendencias son incipientes, y aún es demasiado pronto para determinar cómo será el nuevo mercado del cine que emergerá en un futuro cercano.

También Internet ha servido para la difusión del cine clásico. Una colección de películas de dominio público se encuentran en el Internet Archive, una completa base de datos para la preservación de la historia del cine. Prelinger Archives contenía, en 2005, 1.969 películas, todas ellas de libre uso, ya sea personal o comercial.

Las modernas técnicas de producción digitales, asociadas a internet, han propiciado lo que se conoce como cine unipersonal o solo filmmaking, es decir, películas hechas casi íntegramente por una sola persona, circunstancia que se puede dar sobre todo en el cine de animación. Ejemplos como Killer Bean Forever, de Jeff Lew, con una producción que emplea a en torno a seis personas, o La ruta de los elefantes, de Pedro Alonso Pablos, hecha íntegramente por él mismo con ayuda de una actriz de doblaje, comienzan a proliferar.[4][5]

Cine digital

 
Paris : primera proyección de cine digital público de Europa (2000)

El 2 de febrero de 2000, en París,[6]​ Philippe Binant realizó la primera proyección pública de cine digital de Europa, fundada sobre la aplicación de un MEMS (DLP CINEMA) desarrollado por Texas Instrumentos.[7]

Con la rápida difusión del digital y la proliferación de formatos, el Digital Cinema Iniciativas (DCI), trabajando junto con miembros del comité SMPTE de protocolos, publicó un sistema de especificaciones que han adoptado las mayores productoras estadounidenses. Resumiendo, los protocolos indican que las imágenes sean codificadas con el estándar ISO/IEC 15444-1 "JPEG2000" (.jp2) y que se use el espacio de color CIE XYZ a 12 bits por componentes codificado en una gama de 1/2.6; que para el audio se utilice el formato “Broadcast Wave” (.wav) a 24 bits; también hablan del cifrado y otros detalles técnicos.[8]

Véase también

Referencias

  1. Bazin, André, 1918-1958. (cop. 2012). ¿Qué es el cine? (10ª ed edición). Rialp. ISBN 978-84-321-4812-5. OCLC 1120283304. Consultado el 21 de noviembre de 2019. 
  2. «¿Cuál fue la primera película en color?». Esquire. 2 de agosto de 2017. Consultado el 7 de diciembre de 2017. 
  3. Ver artículo "El cine de Bollywood", firmado por Darío Lavia, en andreshito Televicio Webzine.
  4. «Artículo en revista Fotogramas». Consultado el 17 de septiembre de 2016. 
  5. «Artículo en revista Audiovisual451». Consultado el 1 de mayo de 2017. 
  6. Claude Forest, « De la pellicule aux pixels : l'anomie des exploitants de salles de cinéma », in Laurent Creton, Kira Kitsopanidou (sous la direction de), Les salles de cinéma : enjeux, défis et perspectives, Armand Colin, Paris, 2013.
  7. . Archivado desde el original el 26 de enero de 2012. 
  8. «Digital Cinema Iniciativas». 

Enlaces externos

  •   Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Historia del cine.
  • Internet Movie Data Base
  • World's first colour moving pictures discovered
  • Listado de las 10 películas de los pioneros del cine
  • Las mejores películas del género Cine Negro
  • El cine antes del cine
  •   Datos: Q107478
  •   Multimedia: History of cinema

historia, cine, este, artículo, sección, tiene, referencias, pero, necesita, más, para, complementar, verificabilidad, este, aviso, puesto, octubre, 2016, historia, cine, como, espectáculo, comenzó, parís, diciembre, 1895, cámara, hermanos, lumière, hermanos, . Este articulo o seccion tiene referencias pero necesita mas para complementar su verificabilidad Este aviso fue puesto el 7 de octubre de 2016 La historia del cine como espectaculo comenzo en Paris el 28 de diciembre de 1895 Camara de los hermanos Lumiere Los hermanos Lumiere Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos Por un lado la tecnologia del cinematografo ha evolucionado mucho desde sus inicios con el cine mudo de los hermanos Lumiere hasta el cine digital del siglo XXI Por otro lado ha evolucionado el lenguaje cinematografico incluidas las convenciones del genero y han surgido asi distintos generos cinematograficos En tercer lugar ha evolucionado con la sociedad con lo que se desarrollaron distintos movimientos cinematograficos Indice 1 El inicio del cine 1 1 Primeros pasos del cine creacion del cinematografo 1 2 Primera proyeccion cinematografica 28 de diciembre de 1895 1 2 1 Peliculas estrenadas 1 2 2 Reaccion del publico 1 3 Exitos y distribucion 1 4 Discusion acerca de la percepcion de movimiento aparente 1 5 Otras personas en la historia del cine 1 6 Hollywood y el Star System 1 7 Cine mudo 1 8 El cine mudo europeo 1 9 La creacion del lenguaje cinematografico 2 Corrientes cinematograficas 2 1 Cine de propaganda politica 2 2 El cine sonoro 2 3 El cine en color 2 4 Los generos cinematograficos 2 5 Distribucion de las peliculas 2 6 Cine por pais 3 Crisis de Hollywood y nuevos rumbos del cine 3 1 Hollywood entra en crisis 3 2 Cine de autor contra cine de productor 3 3 La renovacion del cine en Estados Unidos 4 El cine reciente 4 1 La llegada de los blockbuster 4 2 Cine comercial y cine de arte 4 3 Bollywood el Hollywood de la India 5 Cine en el siglo XXI 5 1 Cine y postmodernidad 5 2 El cine e Internet 5 3 Cine digital 6 Vease tambien 7 Referencias 8 Enlaces externosEl inicio del cine EditarPrimeros pasos del cine creacion del cinematografo Editar Articulo principal Cine mudo La idea de capturar crear y reproducir el movimiento por medios mecanicos es muy antigua y existieron antecedentes tales como la camara oscura el taumatropo la linterna magica o el fusil fotografico La tecnica para captar la realidad por medios luminosos habia sido ya desarrollada por los inventores del daguerrotipo y la fotografia a mediados del siglo XIX Thomas Alva Edison inventor de la lampara incandescente y el fonografo estuvo muy cerca tambien de inventar el cine al patentar el Quinetoscopio creado en su laboratorio por William Dickson el cual solo permitia funciones muy limitadas Inspirandose en este e integrando diversos inventos y descubrimientos de la epoca como el rollo de fotos de Eastman los hermanos Lumiere hijos del fotografo Antoine Lumiere crearon el cinematografo este dispositivo que desarrollaron permitia la toma proyeccion y hasta el copiado de imagenes en movimiento asi como el espectaculo publico derivado de la exhibicion del funcionamiento del aparato La primera presentacion fue el 28 de diciembre de 1895 en Paris y consistio en una serie de imagenes documentales de las cuales se recuerda aquella en la que aparecen los trabajadores de una fabrica propiedad de los mismos Lumiere y la de un tren en la estacion de La Ciotat que parecia abalanzarse sobre los espectadores ante estas imagenes las personas reaccionaron con un instintivo pavor creyendo que el tren los atropellaria La funcion de las primeras peliculas era mayormente documental con el agregado del movimiento Tiempo despues lograron el primer filme argumental de la historia El regador regado El viaje a la Luna Por un tiempo el cine fue considerado una atraccion menor incluso un numero de feria pero el puntapie inicial para realizar historias y experimentar recursos narrativos visuales fue cuando el ilusionista Georges Melies uso en un primer momento el cinematografo como un elemento mas para sus espectaculos pero luego los desarrollaria en el cine creando rudimentarios pero eficaces efectos especiales Los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecia y fue asi como en la primera decada del siglo XX surgieron multiples pequenos estudios filmicos tanto en Estados Unidos como en Europa En la epoca los filmes eran de pocos minutos y metraje trataban temas mas o menos simples y tanto por decorados como por vestuario eran de produccion relativamente barata Ademas la tecnica no habia resuelto el problema del sonido por lo que las funciones se acompanaban con un piano y un relator ver cine mudo Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad de los generos cinematograficos ciencia ficcion historicas o de epoca el genero ausente fue por supuesto la comedia musical que deberia esperar hasta la aparicion del cine sonoro Tambien en la epoca se produjeron los primeros juicios en torno a los derechos de autor de las adaptaciones de novelas y obras teatrales al cine lo que llevaria con el tiempo a la creacion de las franquicias cinematograficas basadas en personajes o sagas Primera proyeccion cinematografica 28 de diciembre de 1895 Editar El 28 de diciembre de 1895 se realiza la primera proyeccion cinematografica abierta al publico Ya se habian realizado anteriormente proyecciones consideradas como experimentos delante de varios cientificos Ambos hermanos consideran al cine como un simple experimento que no tiene futuro Negocian con varios propietarios para encontrar una sala de proyeccion Tras varios rechazos escogen el Salon Indio del Gran Cafe del Boulevard que esta ubicado en Paris un pequeno cafe de pocos metros cuadrados Seleccionaron este cafe ya que segun ellos si el publico era relativamente minimo y la proyeccion era un fracaso esta pasaria desapercibida Esta primera proyeccion es un exito y marca el nacimiento oficial del cine como se conoce hoy en dia Esa noche por solo un franco cualquier persona interesada pudo asistir a la primera proyeccion cinematografica de la historia Peliculas estrenadas Editar La Sortie de l usine Lumiere a Lyon La salida de la fabrica Lumiere en Lyon La Voltige El volteo La Peche aux poissons rouges La pesca de los peces rojos Le Debarquement du congres de photographie a Lyon La llegada al congreso de fotografia en Lyon Les Forgerons Los herreros L Arroseur arrose El regador regado Le Repas de bebe La comida del bebe Le Saut a la couverture El manteo La Place des Cordeliers a Lyon La Plaza des Cordeliers en Lyon Reaccion del publico Editar Antes de encontrar la sala de proyeccion del Salon Indio del Gran Cafe del Boulevard fueron rechazados por numerosas salas como el museo Grevin y las Folies Bergeres que no confiaban en un invento del que nadie habia escuchado hablar Se realiza una primera sesion por la tarde reservada para algunos invitados especiales pero en la cual ningun periodista atiende Al dia siguiente nadie habla del nuevo invento en los periodicos Esa misma noche se abre la sala al publico que por solo un franco puede asistir a la sesion La sala puede contener hasta cien espectadores aunque unicamente entran treinta y cinco personas intrigadas por el cartel anunciando el cinematografo Entran sin ninguna expectativa pensando encontrar frente a ellos luces de feria Sin embargo al encenderse el proyector el publico queda asombrado Las paredes parecen cobrar vida y las imagenes que hasta ahora habian permanecido estaticas empiezan a moverse A pesar de que se trata de escenas de la vida cotidiana el publico queda totalmente impresionado Poco a poco fue corriendo la voz y se empieza a hablar del dispositivo que proyecta un espectaculo nunca visto hasta ahora El segundo dia se lleno la sala Los dias siguientes se puede ver una larga fila delante del Salon Indio del Gran Cafe del Boulevard Tras varias sesiones tienen que aumentar el numero de proyecciones a mas de diez por dia La gente lucha por poder entrar y asistir al espectaculo El numero de representaciones va en aumento y los hermanos Lumieres acaban vendiendo hasta 2500 billetes por dia Exitos y distribucion Editar El cinematografo tiene un exito tan grande que numerosas personas se interesaron por el El museo Grevin y las Folies Bergeres dos de las salas que los habia rechazado para la primera proyeccion ofrecieron veinte mil francos uno y mas de cincuenta mil el otro para comprarlo George Melies uno de los primeros espectadores del 28 de diciembre de 1895 que se convertira en el pionero de los efectos especiales en el cine tambien se ofrece a pagar mas de diez mil francos Se dice que los hermanos Lumieres no aceptaron convencidos de que su invento no tenia ningun futuro y que no podia traer nada mas que la ruina Sin embargo eso no les impide aprovechar su exito y abrir una sala de mayores dimensiones para seguir con sus proyecciones Su fama llega mas alla de Europa y alcanza America que hasta ahora solo conocia el Quinetoscopio de Edison El cinematografo en seguida lo supera y conquista al publico americano tanto como lo habia hecho en Europa Un ano mas tarde los hermanos Lumieres ya han realizado mas de 500 peliculas que tienen tanto exito como las primeras Realizan Llegada de un tren a la estacion pelicula que asustara por primera vez al publico Se cuenta que gran parte del publico salio aterrorizado de su asiento al ver una locomotora acercandose hacia ellos que parecia salir de los limites de la pantalla El cine se vuelve un arte popular que atrae tanto a ninos como adultos en las ferias y salas de proyecciones Cada vez mas personas se dedican a grabar eventos de la vida cotidiana en forma de documental Sin embargo un evento tragico le hara perder parte de la popularidad que habia ganado El 4 de mayo de 1897 en una sala cinematografica se produce el enorme incendio dramatico en el Bazar de la Charite Los hermanos Lumieres reaccionan a esa tragedia creando un sistema de enfriamiento para evitar que se caliente la pelicula A pesar de eso el cinematografo seguira triunfando y tendra un gran exito en la exposicion universal de Paris en 1900 en la que se realizan proyecciones delante de 80 000 personas simultaneamente Discusion acerca de la percepcion de movimiento aparente Editar Si bien durante el inicio del cine se tomo como cierta y concreta la teoria de que podemos percibir movimiento aparente a partir de una sucesion de fotografias fijas que se alojan en nuestra retina vease persistencia de la vision o persistencia de las impresiones retinianas varias teorias de la percepcion descubiertas durante los inicios de la escuela de la Gestalt y otras posteriores relativas a la psicologia de la percepcion contradicen dicha teoria Segun Max Wertheimer hay varios efectos que pueden producir apariencia de movimiento La propagacion de la teoria de la persistencia retiniana como unica explicacion del funcionamiento del cine es un error que esta demostrado por Miguel Angel Martin Pascual cita requerida Segun su articulo el movimiento aparente no sucede directamente en el ojo sino en un veloz y complejo proceso que se produce entre la percepcion visual directa la memoria y la capacidad de interpretacion de la imagen Otras personas en la historia del cine Editar Ademas de Edison los hermanos Lumiere y Melies hubo otros pioneros en la historia del cine como Charles Pathe tomando como referencia el cinematografo de los hermanos Lumiere asi como el kinetoscopio de Edison fabrico una camara tomavistas con la que inicio sus producciones Sus experimentos consistieron en el afan de combinar el fonografo con el cinematografo pero los resultados resultaban de mala calidad por lo que no tuvo exito Luego Pathe se va a vincular en el campo empresarial del cine por lo que se desvincula de los aspectos artisticos y creativos quedando encargado asalariados como Ferdinand Zecca Pathe Freres seria la primera compania en integrar las tres grandes ramas en las que se divide la industria del cine produccion distribucion y exhibicion Ferdinand Zecca se desarrollo dentro de la compania Pathe con una actividad cinematografica muy diversa como actor guionista director y decorador Zecca aborda el cine de fantasia aunque introduciendo una tendencia realista su lenguaje cinematografico se vuelve agil sus planos cinematograficos ya no son planos generales sino que comienza a emplear planos cinematograficos mas cercanos En 1913 Zecca abandona la produccion cinematografica para incorporarse a los servicios administrativos y comerciales y dirigir la construccion de los estudios Pathe en Berlin y Jersey City Escuela de Brighton grupo de fotografos que utilizaban camaras filmadoras para experimentar Descubren la fragmentacion del relato y un tiempo despues descubren la fragmentacion de la escena cinematografica que es lo que se denomina principio de montaje Tambien descubren la variedad en los puntos de vista en una misma accion Son los primeros en filmar una persecucion en tres tomas ladron de frutas Sus producciones se vuelven mas comerciales Edwin S Porter su preocupacion y desempeno se centro en contar una historia cinematografica mejor elaborada con mayor cantidad de escenarios Su intencion era crear un relato que se comprendiera por si mismo ya que los filmes hasta el momento eran acompanadas por un explicador Descubre el montaje paralelo el montaje simultaneo y hace intentos de montaje alterno Se sientan las bases del cine de accion Porter ofrece al publico un nuevo mundo de relaciones fisicas y psicologicas Leon Gaumont se intereso en los aspectos tecnicos mecanicos del cine Primeramente fue fabricante y vendedor de aparatos cinematograficos y luego se oriento a la produccion cinematografica Su secretaria Alice Guy inicio con esta produccion en 1898 al renunciar Gaumont contrata a Louis Feuillade Alice Guy 1913 Alice Guy comenzo como secretaria de Leon Gaumont y al cabo de unos anos Guy paso a escribir guiones y dirigir peliculas para la creada compania Gaumont En 1896 presenta su primera pelicula narrativa El hada de las coles en donde combino las imagenes en movimiento con el arte teatral Luego de unos anos en 1906 rodo La vida de cristo utilizando el cronofono Luego de residir en Nueva Jersey construyo uno de los estudios cinematograficos mejor equipados de la historia Se la considera como la primera narradora de cine ademas de ser la fundadora del cine como narracion cultural Fue la primera en poner tintura a sus peliculas para que se vieran en color Fue tambien pionera al utilizar tecnicas de mascara de doble expresion y secuencias en retroceso Regreso a Francia en 1922 Louis Feuillade primeramente trabajo en los estudios de Gaumont como asistente de Alice Guy cuando ella se retira se convierte en jefe de produccion de la compania Feuillade fue reconocido por el cine de episodios y el serial cinematografico Abordo tambien temas infantiles y realistas se evita la fantasia representando las cosas y las personas como son Feuillade alcanza la fama estando al frente de un grupo de seriales centradas en criminales permitiendo una absoluta distincion entre el bien y el mal Su periodo de mayor creatividad coincidio con los anos que duro la Primera Guerra Mundial que fue donde el publico demostraba mayor interes en el genero Hollywood y el Star System Editar En Estados Unidos el cine tuvo un exito arrollador por una peculiar circunstancia social al ser un pais de inmigrantes muchos de los cuales no hablaban el ingles tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomatica y asi el cine mudo se transformo en una fuente muy importante de esparcimiento para ellos Viendo las perspectivas de este negocio y basandose en su patente sobre el kinetoscopio Thomas Edison intento tomar el control de los derechos sobre la explotacion del cinematografo El asunto no solo llego a juicio de Edison contra los llamados productores independientes sino que se libro incluso a tiro limpio Como consecuencia los productores independientes emigraron desde Nueva York y la costa este donde Edison era fuerte hacia el oeste recientemente pacificado En un pequeno poblado llamado Hollywood encontraron condiciones ideales para rodar dias soleados casi todo el ano multitud de paisajes que pudieran servir como localizaciones y la cercania con la frontera de Mexico en caso de que debieran escapar de la justicia Asi nacio la llamada Meca del Cine y Hollywood se transformo en el mas importante centro cinematografico del mundo La mayor parte de los estudios fueron a Hollywood Fox Universal Paramount controlados por Darryl F Zanuck Samuel Bronston Samuel Goldwyn y miraban al cinematografo mas como un negocio que como un arte Lucharon entre si con teson y a veces para competir mejor se fusionaron asi nacieron 20th Century Fox de la antigua Fox y Metro Goldwyn Mayer union de los estudios de Samuel Goldwyn con Louis B Mayer Estos estudios buscaron controlar integramente la produccion filmica Asi no solo financiaban las peliculas sino que controlaban a los medios de distribucion a traves de cadenas de salas destinadas a exhibir nada mas que sus propias peliculas Tambien contrataron a directores y actores como si fueran meros empleados a sueldo bajo contratos leoninos fue incluso comun la practica de prestarse directores y actores entre si en un pasando y pasando sin que ni unos ni otros tuvieran nada que decir al respecto amarrados como estaban por sus contratos Esto marco la aparicion del star system el sistema de estrellas en el cual las estrellas del cine eran promocionadas en serie igual que cualquier otro producto comercial Unicamente cita requerida Charles Chaplin Douglas Fairbanks y Mary Pickford se rebelaron contra esto pudiendo hacerlo por su gran exito comercial y la salida que encontraron fue crear un nuevo estudio para ellos solos United Artists Cine mudo Editar Fotograma del film Intolerancia de David Wark Griffith Durante los primeros treinta anos las peliculas fueron completamente mudas Suele hablarse de cine mudo de la epoca silente o muda y esto no es del todo exacto aunque es cierto que las proyecciones no podian por si mismas sino mostrar imagenes en movimiento sin sonido alguno Pero las proyecciones en las salas iban acompanadas de la musica tocada por un pianista o una pequena orquesta y ademas comentada por la voz de un explicador imprescindible figura que hacia posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del tema entendieran la pelicula El cine mudo europeo Editar Mientras tanto el cine seguia otros caminos en Europa Alli el sentido del negocio se baso en el monopolio del celuloide Surgieron grandes empresas cinematograficas que con Francia a la cabeza dominaron el mercado mundial hasta la Gran Guerra en que su hegemonia fue reemplazada por la de la industria estadounidense Hasta 1914 Europa con productoras como la Gaumont la Pathe o la Itala films dominaron los mercados internacionales Asi el cine comico frances con Andre Deed y Max Linder o el colossal italiano con grandes escenografias y participacion de extras en peliculas como Quo vadis 1912 o Cabiria 1914 fueron la escuela donde aprendieron Charles Chaplin y el cine comico norteamericano o David W Griffith que asumio los presupuestos del peplum en Judith de Betulia o Intolerancia Mas tarde Europa sufrio una patente decadencia debido a la Primera Guerra Mundial que marco la perdida de la preponderancia internacional de su cine Aun asi tras la guerra se crearon obras maestras que iban a hacer escuela En estos anos el movimiento mas importante fue el Expresionismo cuyo punto de partida suele fijarse con la pelicula El gabinete del doctor Caligari 1919 y cuya estetica extrana y alienada respondia a los miedos de la Europa de postguerra seguida despues por Nosferatu el vampiro 1922 Tambien en paralelo al movimiento surrealista en pintura y literatura surgio un cine surrealista cuyo exponente mas celebre es Un perro andaluz dirigida por Luis Bunuel Por su parte el cine nordico contaba con las figuras de Victor Sjostrom y Mauritz Stiller en Suecia y Finlandia respectivamente La creacion del lenguaje cinematografico Editar El acorazado Potemkin de Sergei Eisenstein En esos anos la tecnica de contar una historia en imagenes sufrio una gran evolucion Los primeros cineastas concebian al cine como teatro filmado En consecuencia los escenarios eran casi todos interiores y se utilizaba una camara estatica A medida que paso el tiempo los directores aprendieron tecnicas que hoy por hoy parecen basicas como el plano y contraplano el mover la camara como por ejemplo el travelling o utilizarla en angulo picado o contrapicado pero que en esa epoca eran ideas revolucionarias 1 Tambien se paso desde el telon pintado al escenario tridimensional por obra especialmente de los filmes historicos rodados en Italia en la decada de los anos diez Quo vadis o Cabiria Dos cineastas fueron claves en este proceso En Estados Unidos David W Griffith con El nacimiento de una nacion e Intolerancia cambio el cine para siempre hasta el punto que se afirma que con el nace de verdad el lenguaje cinematografico En la Union Sovietica otro tanto realiza Sergei Eisenstein con peliculas clave como El acorazado Potemkin u Octubre entre otras a Eisenstein se le debe el llamado montaje de atracciones que busca mezclar imagenes chocantes para provocar una asociacion emocional o intelectual en el publico Gracias a ellos y a los expresionistas alemanes ya mencionados el lenguaje filmico alcanza su madurez en la decada de 1920 Corrientes cinematograficas EditarEl cine como manifestacion artistica cuenta con diversos movimientos o corrientes a lo largo del siglo XX Las escuelas esteticas constituyen un conjunto de movimientos expresivos innovadores de la historia del cine En algunos casos supone la ruptura con los estilos anteriores sobre todo del cine clasico de Hollywood y en otros casos suponen un desarrollo de los estilos predecesores El cine de vanguardia supone una ruptura en la narrativa del cine convencional Junto con la literatura y el arte dominaron el primer tercio del siglo XX Las corrientes vanguardistas cuestionan los modos tradicionales de produccion difusion exhibicion y consumo de los objetos artisticos y recurren a cuestiones relativas a la modernidad En cuanto al cine se diferencian tres etapas en el movimiento vanguardista En primer lugar se encuentra el cine impresionista representado por Abel Gance y Rene Clair En segundo lugar esta el cine surrealista frances y el cine abstracto aleman Por ultimo se halla el cine independiente o documental Impresionismo Este estilo valora el naturalismo el estilo directo e ir mas alla de los esquemas melodramaticos El cine impresionista fue llamado asi porque los autores pretendian que la narracion representara la conciencia de los protagonistas en otras palabras su interior Otorgan importancia a la emocion y a la narracion psicologica la expresion de sentimientos y los estados de animo de los personajes Destacan en este ambito los siguientes autores Henri Chomette Marcel L Herbier Germaine Dulac y Jean Epstein Una de las peliculas mas representativas del movimiento es La Roue 1922 de Abel Gance Surrealista Combina la imagen con la busqueda de sensaciones y la expresion de sentimientos Predominan imagenes absurdas que rompen con la logica temporal El surrealismo se presenta como un medio de liberacion del espiritu y una revolucion que ataca al orden logico estetico y moral Asi mismo ataca los pilares de la sociedad burguesa y sus valores incuestionados Se trata de hacer valer el lado oscuro de la vida como el azar lo esoterico y lo onirico de forma que la realidad se define por el sueno libre y por la imaginacion del subconsciente Las dos peliculas de referencia del cine surrealista son Un perro andaluz 1929 y La edad de oro 1930 ambas dirigidas por Luis Bunuel en colaboracion con el pintor surrealista catalan Salvador Dali Cine expresionista aleman 1905 Grupo de producciones en contraste con el impresionismo en pintura en el que prima la expresion subjetiva sobre la representacion objetiva de la realidad Es el cine que se realiza en la Alemania de Weimar Se aprecia la expresion de sentimientos y la emocion por encima de la representacion de la imparcialidad para ello se utilizaba la deformacion de las cosas el mundo interior la angustia y las alucinaciones del artista Destaca la pelicula El gabinete del doctor Caligari 1919 Junto a estos movimientos ligados a las vanguardias historicas de principios del siglo XX existen otras manifestaciones cinematograficas entre las que cabe destacar Cine Ojo Anos 20 Teoria cinematografica creada por el documentalista sovietico Dziga Vertov Las caracteristicas principales son la objetividad el rechazo al guion y a la puesta de escena y la utilizacion de la camara como ojo humano Cinema Pur Anos 20 Corriente francesa que se centra en los elementos puros del arte cinematografico como la forma el movimiento el campo visual y el ritmo Realismo Poetico Frances Anos 30 40 Movimiento de cine cuyas caracteristicas son producciones que se asemejan cada vez mas a la realidad si bien sus tematicas son ficcionales ya no recurren a la fantasia el genero mas recurrente sera el melodrama Existia la necesidad de representar una realidad libre manteniendo un equilibrio entre la velocidad y la belleza estetica Neorrealismo italiano Anos 40 Movimiento de cine cuyas caracteristicas fundamentales son la trama ambientada en sectores desfavorecidos rodaje en exteriores y actores no profesionales El objetivo de este estilo es representar la situacion moral y economica de la Italia de posguerra Underground estadounidense Anos 40 Cine artesanal no necesariamente narrativo con autoconciencia artistica y opuesto al cine clasico de Hollywood Cinema verite Anos 50 Aparece en Francia paralelamente a la Nouvelle Vague Tiene una tendencia documentalista y busca captar la vida tal como es Nouvelle Vague Anos 50 Corriente francesa critica frente a lo establecido y cuya maxima aspiracion es la libertad de expresion y tecnica Free Cinema Anos 50 Movimiento britanico que implanta una estetica realista en la ficcion y en el documental Ademas retrata historias cotidianas y esta comprometido con la realidad social de la epoca Nueva Ola Checoslovaca Anos 60 Movimiento cinematografico que tuvo lugar en Checoslovaquia con gran expresion artistica en lo visual como en lo narrativo el cual fue la edad de oro del cine del pais Blaxploitation Anos 70 Cine estadounidense cuyo tema protagonista es la comunidad afrodescendiente y en el que es recurrente el uso de bandas sonoras de conocidos artistas de la epoca Nuevo cine aleman Neuer Deutscher Film Anos 70 La industria alemana crea su propio star system en el que utiliza largos travellings que favorece a la improvisacion de los actores y simplifica el montaje Ademas tiene cierto caracter documental al estilo naturalista frances New Queer Cinema Anos 90 Cine independiente norteamericano caracterizado por su aproximacion a la cultura queer Cine posmoderno anos 80 Basado en el eclecticismo y mezcla las caracteristicas de diferentes estilos ya creados Dogma 95 Ano 1995 Movimiento filmico cuya meta es producir peliculas simples sin modificaciones en la posproduccion y poniendo enfasis en el desarrollo dramatico Cine negro Surge en Estados Unidos como critica al modelo clasico y a raiz de la influencia europea Este tipo de cine nos permite hablar de la contemporaneidad social desde distintas perspectivas en un sentido mas directo de la extension de los crimenes y la corrupcion de la sociedad y en un sentido mas amplio de la transformacion de valores que sacudia a un pais que habia sido sorprendido primeramente por un creciente avance industrial y en segundo lugar por el desarrollo de la Segunda Guerra Mundial Las peliculas del genero son claros testimonios de lo que esta viviendo la sociedad en aquel momento poseen un fuerte contenido expresionista en la formacion de sus imagenes reflejando tanto en la fotografia como en la escenografia Las escenas se caracterizan por pasar de una iluminacion sombra en claro oscuro donde se juega con el uso de las sombras para exaltar la psicologia de los personajes Cine de propaganda politica Editar Articulo principal Cine politico Durante epocas de grandes enfrentamientos politicos y militares el cine fue utilizado como fuerte herramienta de propagacion de ideologias y propuestas de accion Los regimenes totalitarios de todo el siglo XX hicieron un gran uso del montaje y las tecnicas del cine para la propaganda Asi la Union Sovietica fomento un tipo de cine que remarcaba el poder del pueblo como imagen dignificadora y potenciadora de la patria sovietica Se realizaron varias producciones relativas a la Revolucion de 1917 y en contra de la antigua burguesia zarista Tambien en contra de las invasiones alemanas durante la Segunda Guerra Mundial por ejemplo Alexander Nevsky de Serguei Eisenstein En Italia el regimen fascista de Mussolini ordeno a los estudios Cinecitta crear una serie de peliculas fastuosas en la tradicion del colossal italiano de la decada de 1910 que sirvieran para ensalzar la antigua grandeza romana de la que Mussolini se sentia heredero el representante mas fiel de este cine fascista es probablemente el Escipion el Africano rodado en 1937 En Alemania si bien no hubo un fuerte control sobre el cine si se rodaron numerosos documentales ensalzando a los nazis como por ejemplo El triunfo de la voluntad de Leni Riefenstahl varios cineastas contrarios al regimen por su parte prefirieron marchar al exilio como por ejemplo Fritz Lang El cine sonoro Editar El cine sonoro es aquel que incorpora en las peliculas sonido sincronizado o tecnologicamente aparejado con la imagen Por su parte el cine mudo es aquel que no posee sonido y consiste unicamente en imagenes Antes de la existencia del cine sonoro los cineastas y proyectistas se habian preocupado de crearlo pues el cine nace con esa voluntad Raras veces se exhibia la pelicula en silencio Por ejemplo los hermanos Lumiere en 1897 contrataron un cuarteto de saxofones para que acompanase a la proyeccion de la pelicula en su local de Paris Hacia 1926 el cine mudo habia alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estetica de la imagen y movimiento de la camara Habia una gran produccion cinematografica en Hollywood y el publico se contentaba con las peliculas producidas No se exigia que los personajes comenzaran a hablar ya que la musica aportaba el dramatismo necesario Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del fisico frances Demeny quien en 1893 invento la fotografia parlante Charles Pathe combino fonografo y cinematografo En la misma epoca Leon Gaumont desarrollo un sistema de sonorizacion de peliculas que presento en la Exposicion Universal de Paris de 1900 Segun la publicacion Where Else but Pittsburgh la primera pelicula de cine epica se llamo Fotodrama de la Creacion y aunque aparecio 15 anos antes de que se produjeran otras peliculas sonoras ofrecio una combinacion de peliculas cinematograficas y fotografias sincronizadas con un discurso grabado Se dividia en cuatro partes duraba un total de ocho horas y la vieron aproximadamente 8 millones de personas Esta produccion estaba compuesta de diapositivas fotograficas y pelicula cinematografica acompanadas de discos fonograficos de discursos y musica El Anuario De Los Testigos De Jehova de 1979 aseguro Hubo que pintar a mano todas las diapositivas y peliculas de color El foto drama duraba ocho horas y en cuatro partes llevaba a los auditorios desde la creacion a traves de la historia humana y hasta la culminacion del proposito de Jehova para la Tierra y el genero humano al fin del reinado milenario de Jesucristo Fue una produccion de la entonces llamada Asociacion Internacional de los Estudiantes de la Biblia y hoy llamada Testigos de Jehova Todos los asientos eran gratis y jamas se hacia una colecta Ademas esta produccion de color y sonido repleta de hechos biblicos cientificos e historicos entro en la escena anos antes de que las peliculas cinematograficas comerciales de color y de largometraje acompanadas de dialogo grabado y musica fueran vistas por los auditorios en general hasta principios de la decada de 1920 En 1918 se patento el sistema sonoro TriErgon que permitia la grabacion directa en el celuloide Pero el invento definitivo surgio en 1923 el Phonofilm creado por el ingeniero Lee de Forest quien resolvio los problemas de sincronizacion y amplificacion de sonido ya que lo grababa encima de la misma pelicula asi rodo 18 cortos para promover la tecnica entre ellos uno de 11 minutos de Concha Piquer que se considera la primera pelicula sonora en espanol No obstante por falta de financiamiento el invento se postergo hasta 1925 ano en que la compania Western Electric aposto por el En 1927 los estudios Warner Bros se encontraban en una situacion financiera delicada y apostaron por integrar el nuevo sistema de sonido Vitaphone sistema en el cual la banda sonora estaba presente en discos sincronizados con la proyeccion Se incorporo por primera vez en una produccion comercial titulada Don Juan 1926 de Alan Crosland asi como en otra de sus peliculas Old San Francisco 1927 En esta incorporo por primera vez ruidos y efectos sonoros Sin embargo la pelicula sonora mas exitosa fue El cantante de jazz 1927 en la que Al Jolson se inmortalizo pronunciando las palabras inaugurales Ustedes aun no han escuchado nada Ante el exito pronto todos los grandes estudios montaron sus propias peliculas sonoras y el cine mudo quedo olvidado La aparicion del cine sonoro introdujo grandes cambios en la tecnica y expresion cinematografica por ejemplo la camara perdio movilidad quedo relegada a la posicion fija del cine primitivo y la imagen perdio su estetica frente a la mayor importancia del dialogo Los actores tambien se vieron implicados en este cambio tecnico Algunas grandes estrellas filmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala diccion su pesima voz o su excesiva mimica Debido a esto surgieron nuevos actores en su reemplazo Dos peliculas que retratan esta transicion del cine mudo al sonoro son el famoso musical Cantando bajo la lluvia 1952 y tambien la pelicula El artista 2011 esta ultima con el estilo de una pelicula muda en blanco y negro Quizas el unico de los grandes del cine mudo que siguio haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin con Tiempos modernos 1936 Y sin embargo a partir de 1940 comenzo a realizar peliculas con sonido la primera de las cuales fue El gran dictador Asi mismo Sergei Eisenstein Vsevolod Pudovkin y Grigori Aleksandrov manifestaron en 1928 por escrito su negativa al cine sonoro El cine sonoro hizo desaparecer la funcion que cumplia el conjunto musical al acompanar el visionado del cine mudo El silencio cobra importancia como nuevo elemento dramatico desconocido por el cine mudo Se introduce el concepto de banda sonora El cine en color Editar Anteriormente se creia que el ano 1909 en el teatro Palace Variete de Londres se proyectaron por primera vez peliculas en color el principal problema era que la tecnica creada por George Smith Kinemacolor solo utilizaba dos colores el verde y el rojo los cuales se mezclaban de manera aditiva Pero en realidad fue en 1901 cuando se creo la primera pelicula en color de la historia Sin titulo fue dirigida por el fotografo Edward Turner y su mecenas Frederick Marshall Lee La manera en que la realizaron fue rodar las escenas en blanco y negro para despues anadir filtros verdes rojos y azules Finalmente se creaba uniendo el metraje original y los filtros en un proyector especial Posteriormente en 1916 llego el technicolor procedimiento tricromatico verde rojo azul Su uso exigia una triple impresion fotografica incorporacion de filtros cromaticos y unas camaras de enormes dimensiones La primera pieza audiovisual que se realizo completamente con esta tecnica fue el corto de Walt Disney Flowers and Trees dirigida por Burt Gillett 1932 Sin embargo el primer largometraje que se realizara con esta tecnica sera la por pelicula La feria de las vanidades 1935 de Rouben Mamoulian Posteriormente el technicolor se extendio sobre todo en el ambito musical como El mago de Oz o Cantando bajo la lluvia en peliculas de la epoca como Robin de los bosques o en la animacion Blancanieves y los siete enanitos 2 Los generos cinematograficos Editar La industrializacion del cine hizo nacer tambien las llamadas convenciones de genero y por ende los generos cinematograficos propiamente dichos El primer cine era documental escenas de obreros saliendo de las fabricas y cosas asi Pero el cine documental en cuanto tal recien vino a nacer en 1922 con el filme Nanuk el esquimal Aunque nunca demasiado popular de tarde en tarde se rodarian algunos como por ejemplo El mundo sumergido de Jacques CousteauEl cine historico y biblico por su parte caminarian de la mano en la busqueda de la espectacularidad Desde antiguo se habian rodado peliculas sobre la vida de Cristo por ejemplo Del pesebre a la cruz 1912 Sin embargo el cineasta que le dio verdadera carta de naturaleza al cine historico o biblico fue Cecil B DeMille con hitos como Los diez mandamientos la version original de 1923 y el remake de 1956 Rey de reyes 1927 o Cleopatra 1934 Otro clasico de epoca es Lo que el viento se llevo estrenada tras varias peripecias en 1939 En la decada de 1930 surgen tambien estrechamente hermanados el cine de gansteres y el cine negro Hitos claves del cine gansteril fueron el Scarface de 1932 o Hampa dorada y un director clave fue Howard Hawks Su exito se explica por la dosis de critica social que dichos filmes envolvian sobre la situacion posterior a la Gran Depresion de 1929 Ademas fueron campo de experimentos formales con la iluminacion con fuerte influencia de los cineastas europeos herederos del Expresionismo muchos de los cuales habian llegado a Hollywood huyendo del Tercer Reich por ese entonces ascendente Quizas el actor mas asociado con el genero es Humphrey Bogart con clasicos como Casablanca El halcon maltes o El sueno eterno El cine fantastico y de ciencia ficcion habia tambien experimentado su propio desarrollo paralelo a un elemento que le era indispensable el desarrollo de los efectos especiales Ya Georges Melies habia disenado una curiosa fantasia llamada Viaje a la Luna vagamente basada en la novela de Julio Verne La gran pelicula del cine mudo de ciencia ficcion fue Metropolis de Fritz Lang 1927 la cual marco esteticamente a muchos cineastas posteriores pero que en su tiempo fue un fracaso de taquilla costoso para los canones de la epoca y que por lo tanto relego a la ciencia ficcion filmica al plano de mero entretenimiento sin mayor trascendencia intelectual estigma que pesaria sobre el genero hasta 2001 Odisea del espacio 1968 En la decada de 1930 coincidiendo con la Gran Depresion y el Nazismo se puso de moda el cine de terror con clasicos como Dracula con Bela Lugosi dirigida por Tod Browning en 1931 o Frankenstein de James Whale con Boris Karloff 1931 Con estos y otros filmes los Estudios Universal crearon la imagen moderna de los clasicos monstruos de la literatura de terror La llegada del sonido permitio tambien el desarrollo de la comedia musical genero harto mas amable incluso de evasion en donde primaba el peso de los numeros musicales y canciones por sobre la historia y que fue el vehiculo de lucimiento para diversos bailarines Los mas importantes fueron la dupla conformada por Ginger Rogers y Fred Astaire El gran clasico del genero es Cantando bajo la lluvia 1952 Un genero tipico de los Estados Unidos que se desarrollo en aquellos anos fue el Western en particular gracias al trabajo de cineastas como John Ford El gran actor de westerns de la epoca fue John Wayne El genero fue muy exitoso en Estados Unidos por construir una mitologia filmica de caracter nacionalista Su importancia tuvieron tambien los filmes de aventuras y de capa y espada Muy exitoso en ese tiempo fue el cine de piratas Quizas el mas recordado heroe posterior a Douglas Fairbanks sea Errol Flynn Capitan Blood 1935 quien mas o menos tomo su relevo en la decada de 1930 En cuanto a la comedia su edad de oro comenzo con los Keystone Cops los alocados cortos con policias de Mack Sennett que inventaron el concepto de gag incluyendo uno clasico lanzarle pasteles de crema a la cara de la gente Pero el primer gran personaje comico fue el vagabundo sin nombre que Charles Chaplin interpretara en numerosos cortos y mas tarde en largometrajes como The Kid 1921 o en Luces de la ciudad 1927 Otro comico importante fue Buster Keaton Mas tarde llegaron El gordo y el flaco Los Tres Chiflados y Jerry Lewis El cine de animacion fue experimentado desde los comienzos del cine mismo Desde 1889 Emile Reynaud trabajo en este campo y presento en 1892 su serie de cortos Pantomimes Lumineuses Stuart Blackton creo en 1906 Humorous Phases of Funny Faces una animacion realizada en un pizarron el Stop Motion fue descubierto por Segundo de Chomon La casa encantada de 1906 o 1907 y por Emile Cohl La carrera de las calabazas de 1908 quien ademas trabajaba mezclando actores y dibujos Y aunque el primer largometraje animado fue El apostol 1917 producida en Argentina por Quirino Cristiani quien impulso definitivamente la industria del cine de animacion fue Walt Disney con los largometrajes Blancanieves y los siete enanitos 1937 y Fantasia 1940 El director Orson Welles Posiblemente la cuspide de las posibilidades del cine de la epoca en terminos de lenguaje cinematografico haya sido alcanzada por el filme Ciudadano Kane de Orson Welles en 1941 Pelicula polemica en su epoca ha sido reconocida en retrospectiva como uno de los grandes hitos filmicos de todos los tiempos y sumo todos los experimentos conceptuales de la epoca cerro caminos y abrio otros razon por la cual figura regularmente como una de las mejores peliculas de todos los tiempos en listados y resenas criticas Distribucion de las peliculas Editar Siendo el cine el unico multimedia de la epoca y estando su produccion bien controlada por los grandes estudios se desarrollo todo un mecanismo de produccion industrial de peliculas Asi se programaba no la exhibicion de una pelicula pura sino de verdaderos rotativos que ofrecian por el mismo precio una serial y dos peliculas A la pelicula principal se sumaba una de menor costo y produccion barata y apresurada que por su condicion de relleno paso a ser llamada serie B Posteriormente la serie B evolucionaria hasta ser un genero por derecho propio pero en aquel tiempo iba adosada al cine normal Las llamadas seriales dominicales eran historias dirigidas al publico infantil o juvenil y que por ende ofrecian historias de vaqueros de aventuras o de ciencia ficcion Constaban de una docena de capitulos de algunos minutos de extension cada uno y terminaban en cliffhangers que obligaban al espectador a acudir al cine el domingo siguiente para saber como el protagonista saldria del peligro de muerte Historias dominicales de matinee como por ejemplo Flash Gordon contra el universo no solo le dieron carta de naturaleza en el cine a personajes por entonces recientes como Flash Gordon Superman o Batman sino que son la evidente fuente de inspiracion para hitos filmicos posteriores como Star Wars o Indiana Jones En la epoca comenzo tambien la relacion entre el negocio del cine y el de la musica Personajes tan disimiles como Mario Lanza Frank Sinatra Marlene Dietrich Jorge Negrete o Carmen Miranda por mencionar unos pocos ejemplos casi al azar desarrollaron carreras paralelas como cantantes y actores con exito variable segun la epoca y el pais Cine por pais Editar Para la historia del cine de cada pais o cada cultura geograficamente o en lengua no inglesa vease cine budista cine de Alemania cine de America Latina cine de Argentina cine de Asia Central cine de Asia del Sudeste cine de Asia del Sur cine de Asjabad cine de Armenia cine de Belgica cine de Bolivia cine de Bosnia y Herzegovina cine de Brasil cine de Burkina Faso cine de Cantabria cine de China cine de Chile cine de Colombia cine de Corea cine de Cuba cine de Dinamarca cine de Ecuador cine de El Salvador cine de Eslovaquia cine de Espana cine de Francia cine de Gran Bretana cine de Grecia cine de Honduras cine de Hong Kong cine de Hungria cine de India cine de Iran cine de Irlanda cine de Italia cine de Japon cine de Kazajistan cine de la Republica Checa Cine de Republica Dominicana cine de la Union Sovietica cine de los Paises Bajos cine de los paises escandinavos cine de Mexico cine de Moldavia cine de Peru cine de Polonia cine de Portugal cine de Puerto Rico cine de Rumania cine de Rusia cine de Taiwan cine de Turkmenistan cine de Turquia cine de Venezuela cine de Yugoslavia cine en catalan cine en esperanto cine tamilCrisis de Hollywood y nuevos rumbos del cine EditarHollywood entra en crisis Editar Para la Segunda Guerra Mundial la maquinaria productiva de Hollywood estaba tan bien engrasada que muchos estudios pudieron prestar activos servicios creando filmes mas o menos propagandisticos de apoyo a los Aliados y en contra del Eje Pero una vez terminada la conflagracion Hollywood experimento problemas En primer lugar hubo juicios contra los estudios por el monopolio que ejercian En 1948 los tribunales de justicia les obligaron a desprenderse de las cadenas de cine debiendo limitarse a la produccion de las peliculas perdiendo la distribucion Al mismo tiempo los artistas cada vez mas celebres empezaron a rebelarse contra las imposiciones de los estudios Olivia de Havilland llevo su contrato a juicio y tras un largo tiempo litigando gano Con esto el control que los estudios ejercian sobre actores y directores se resquebrajo Para colmo Hollywood debio afrontar un nuevo enemigo la popularizacion de la television Las series de television barrieron con las series de matinee y los noticiarios televisivos reemplazaron a los cinematograficos En un tiempo se penso que la television acabaria con el cine Hollywood respondio reforzando los aspectos en los cuales la television no podia competir concretamente la espectacularidad Asi el genero epico experimento un nuevo auge con filmes como El manto sagrado Sinuhe el egipcio o Ben Hur Todos ellos se beneficiaron de avances tecnicos como la pantalla panoramica gracias a innovaciones como el cinerama o el cinemascope En esta epoca se estandarizo el cine en color Technicolor ya habia nacido en el ano 1917 aunque en un proceso mas rudimentario que solo utilizaba dos colores que evoluciono a lo largo de los anos 20 y primeros 30 hasta que en 1934 se estreno la primera pelicula con una escena de accion real en Technicolor de tres colores El gato y el violin Poco despues Becky Sharp 1935 seria el primer largometraje integramente rodado en color A pesar de todo ello las complicaciones de rodar en color se requeria el triple de luz que con el sistema en blanco y negro y camaras tres veces mas grandes y pesadas hizo que el cine en blanco y negro siguiera predominando una decada y media mas Con la evolucion y simplificacion de Technicolor asi como la aparicion de otras companias de cine en color como Eastmancolor entre otras que estimularon la competencia el cine en blanco y negro quedo relegado a peliculas de bajo presupuesto o en las que era necesario por razones exclusivamente artisticas Cine de autor contra cine de productor Editar Mientras Hollywood luchaba por superar la crisis en el resto del mundo se imponian nuevas ideas filmicas Impregnados del espiritu de las vanguardias artisticas de la primera mitad del XX en Europa comenzo la experimentacion formal que llevo a la creacion de nuevas formas filmicas La primera de ellas en la Europa posterior a la Segunda Guerra Mundial fue el Neorrealismo Nacio en Italia como reaccion al cine fascista del regimen de Mussolini y buscaba la maxima naturalidad con actores no profesionales iluminacion natural etcetera y con un cine de fuerte critica social Se considera inaugurado el genero con Roma ciudad abierta 1945 aunque suele considerarse como su mayor representante el Ladri di biciclette de Vittorio de Sica 1948 El neorrealismo se agoto pronto pero muchos cineastas formados o desarrollados en este siguieron rodando despues Federico Fellini Luchino Visconti Roberto Rossellini etcetera Esta tendencia hacia un cine mas realista y menos espectacular fue recogida en otros lugares de Europa En Francia Francois Truffaut le dio el definitivo empuje a la nouvelle vague con filmes como Los cuatrocientos golpes los cineastas se agruparon en torno a la revista Cahiers du Cinema que utilizaron como vehiculo de sus ideas sobre el cine Destaca aparte de Truffaut J L Godard Al final de la escapada Este fenomeno encontro paralelo en el free cinema ingles y despues se proyecto en Latinoamerica muy en particular en el cinema novo de Brasil con filmes como Dios y el diablo en la tierra del sol Gran parte de la actividad intelectual en torno al cine se desarrollaba no en los estudios de productores sino en los foros en donde se proyectaban filmes y se discutia sobre ellos entre el publico interesado Cahiers du Cinema definio su propio cine como un cine de autor o sea del director frente al cine hollywoodense el cual era considerado cine de productor y por ende reivindicaba la mirada artistica y personal del director por encima de las exigencias comerciales Esto le abrio las puertas a cineastas con propuestas tan personales como Ingmar Bergman El septimo sello Luis Bunuel Los olvidados Viridiana Bella de dia Stanley Kubrick 2001 Odisea del Espacio o La naranja mecanica Pier Paolo Pasolini Salo o los 120 dias de Sodoma Werner Herzog Aguirre la colera de Dios o Andrei Tarkovski Stalker por ejemplo ademas de allanar el camino para cineastas no europeos como por ejemplo el japones Akira Kurosawa Rashōmon Tambien hubo filmes que trataron generos considerados como tipicamente hollywoodenses y los plantearon en sus propios terminos como por ejemplo Barbarella la ciencia ficcion Los paraguas de Cherburgo la comedia musical El Evangelio segun San Mateo el cine biblico o El bueno el feo y el malo el western La ironia es que muchos actores y actrices de estos movimientos con el tiempo se convirtieron en estrellas tan rutilantes como las hollywoodenses fue el caso de Brigitte Bardot Catherine Deneuve Isabelle Adjani Jean Paul Belmondo etcetera Parte de su encanto radicaba en que se permitian muchas libertades sexuales que las estrellas de Estados Unidos no podian o no querian por la censura imperante en Hollywood Tampoco desaparecio en Europa el cine comercial El despliegue de colosalismo por parte de Hollywood encontro respuesta en el desarrollo del peplum primero y cuando este se agoto en el spaghetti western Fuera de Europa tambien hubo otras manifestaciones filmicas que se hicieron prontamente comerciales como por ejemplo el cine de artes marciales procedente de Hong Kong Todas estas productoras trabajaban artesanalmente y no podian competir con la alta calidad tecnica de Hollywood por lo que se esforzaron en la cantidad redefiniendo asi el cine de serie B La renovacion del cine en Estados Unidos Editar Articulo principal Nuevo cine estadounidense Todos estos cambios en el cine que seguian de cerca a la sociedad iban a golpear al cine de Estados Unidos Asi es como en las decadas de 1960 y 1970 se formaron una serie de nuevos cineastas que redefinieron la nocion de cine hollywoodense A pesar de sus muy dispares tematicas y preocupaciones o quizas por eso mismo todos tenian en comun el privilegiar una mirada personal o autoral de sus peliculas por sobre el cine comercial Se suele considerar como el pionero de este movimiento a John Cassavetes junto a otros nombres como Shirley Clarke Barbara Loden Paul Morrissey Elaine May Mark Rappaport y Robert Kramer Directores como Woody Allen Martin Scorsese Francis Ford Coppola Robert Altman o Peter Bogdanovich tambien contribuyeron a ese paso del cine americano pero siempre mas amparados por la industria y sin alcanzar los extremos de marginalidad que caracterizaron al grupo de Cassavetes Los nombres de Steven Spielberg y George Lucas son asociados con frecuencia al cine comercial que impero desde la decada de 1980 en adelante pero no siempre se recuerda que en sus inicios eran cineastas independientes cuyas propuestas American Graffiti en el caso de Lucas o Tiburon en el de Spielberg eran consideradas como excentricas Tambien prendio con fuerza en la serie B el cine exploitation en respuesta al cine de bajo presupuesto que llegaba desde el extranjero El genero mas autoctono en la serie B estadounidense de la epoca fue el Blaxploitation que trataba historias de pandillas y maleantes negros con altas dosis de violencia y sexo para la censura de la epoca El cine reciente EditarLa llegada de los blockbuster Editar Marcado en parte por los sucesos de la decada de 1970 Watergate Vietnam el fin del movimiento hippie el cine de ese tiempo se habia vuelto mas oscuro con filmes legendarios como El padrino Apocalypse Now o Cabaret por mencionar ejemplos concretos En cuanto a peliculas de simple entretenimiento se pusieron de moda las de catastrofes como por ejemplo Aeropuerto y El coloso en llamas con el productor Irwin Allen explotando el genero hasta el agotamiento Sin embargo en 1977 el cineasta George Lucas con su pelicula La guerra de las galaxias cambio esto para siempre Lucas hizo un trato con Fox que los ejecutivos del estudio consideraron muy ventajoso por el cual la Fox se llevaba las ganancias por la pelicula y Lucas por la mercadotecnia por los resultados posteriores mucho mejores para Lucas que para la Fox los estudios entendieron que las peliculas podian ser explotadas economicamente de manera mucho mas amplia que hasta la fecha Surgio asi el concepto moderno de blockbuster una pelicula que se vende como estreno de la temporada que supondra un gran golpe de taquilla y que sera el vehiculo principal para la venta de una extensa mercadotecnia a traves de la concesion de una franquicia sobre la pelicula y sus personajes a jugueterias que venderan figuras con el personaje cadenas de comida rapida que haran promociones etcetera Algunos de estas primeras peliculas explotadas con mayor o menor habilidad como modernos blockbuster fueron Close Encounters of the Third Kind de Steven Spielberg o Superman la pelicula de Richard Donner en 1981 George Lucas y Steven Spielberg unieron fuerzas para una nueva franquicia la de Indiana Jones El concepto de la pelicula como una franquicia desarrollo tambien el concepto de secuela Existian algunas previamente The Godfather Part II La novia de Frankenstein etcetera e incluso una franquicia filmica como James Bond habia acumulado la respetable cantidad de una decena de entregas pero con secuelas como Superman II Rocky II o El Imperio contraataca el pensar las peliculas como eventos con posible continuacion para explotar la franquicia dejo de ser algo excepcional para pasar a ser la norma Por otro lado el cine se hizo mas liviano perdiendo profundidad tematica Cine comercial y cine de arte Editar A medida que las peliculas de Hollywood se hacian cada vez mas grandes en forma y mas escasas de contenido el cine de otras regiones fue reaccionando a su vez Asi se profundizo la grieta entre el llamado cine comercial cuya principal factoria siguio siendo Estados Unidos y el cine arte elaborado en mayor abundancia en otras regiones del mundo Esto se debio a varias razones Por una parte el cine comercial se hizo cada vez mas caro de producir y por ende menos productoras podian incursionar en el fundamentalmente de Estados Unidos aunque esta tendencia se revirtio en parte con el auge de la computacion como lo prueban filmes europeos comerciales como los manufacturados por Luc Besson Nikita El quinto elemento por ejemplo En segundo lugar realizar peliculas con contenido artistico se transformo para los circulos culturales europeos latinoamericanos o asiaticos en una especie de estandarte cultural para oponerse a la cultura de los Estados Unidos De todas maneras esta linea divisoria muy marcada en las decadas de 1980 y 1990 se fue diluyendo entrado el siglo XXI porque las nuevas posibilidades de los efectos especiales por computadora y el cine digital permitieron abaratar los costos de las peliculas comerciales Ademas el cine arte nunca desaparecio por completo de Estados Unidos como lo prueba un cineasta como David Lynch Terciopelo azul Twin Peaks el cual de todas maneras para muchas de sus peliculas debio recurrir a capitales europeos Esta linea divisoria se observo en particular en el ambito de los premios Las peliculas comerciales aspiraban a ganar principalmente el oscar mientras que aquellas realizadas con vocacion de cine arte tendian a buscar reconocimiento en Cannes Berlin o Venecia Aunque esto sigue sin ser una regla absoluta ya que hubo peliculas comerciales que buscaron reconocimiento artistico en Cannes por ejemplo Shakespeare in Love y cineastas artisticos que buscaron publicidad en Hollywood por ejemplo Pedro Almodovar El movimiento mas importante relacionado con el cine europeo de la epoca fue el movimiento Dogma 95 Planteandose como reaccion al cine comercial postulaban un cine naturalista sin efectos de sonido ni banda sonora con actuaciones mas bien espontaneas y filmadas con iluminacion natural Esto fue posible en buena medida gracias a la aparicion de la camara digital Ideologicamente Dogma 95 se inscribia en la linea intelectual de la critica a la burguesia tan cara al cine europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial Nada de esto era nuevo porque en su tiempo el Neorrealismo habia adoptado presupuestos muy parecidos y por analogas razones Y por similares motivos tambien Dogma 95 tuvo una muy corta vida y sus cultores volvieron lentamente a los usos del cine de siempre aunque los cineastas formados a su alero ejercieron una marcada influencia cultural El mas conocido de ellos es Lars von Trier quien de todos modos despues se desmarco del movimiento Bollywood el Hollywood de la India Editar Mencion aparte merece el surgimiento de Bollywood en la India Ya en 1913 se habia fundado un estudio dirigido por Dadahaseb Phalke que produjo unas treinta peliculas en diez anos Sin embargo fue con Alam Ara 1931 la primera pelicula sonora de la India la que marco un antes y un despues al crear una de las mas caracteristicas tradiciones de Bollywood el peso de los numeros musicales dentro de los filmes A partir de entonces se diseminaron por la India varios centros de produccion que se especializaron cine historico y superproducciones en Bombay dramas romanticos en Poona fantasia en Calcuta La barrera idiomatica en un subcontinente con centenares de lenguas hizo que el cine occidental apenas llegara a dichas tierras pero la gran poblacion le permitio a este mercado cinematografico ser practicamente autosuficiente de modo que Bollywood crecio de manera paralela y autonoma al cine hollywoodense europeo o sovietico desarrollando sus propios codigos y canones a veces sumamente extranos para el espectador occidental pero que le confieren un sabor unico dentro de la cinematografia mundial 3 Cine en el siglo XXI EditarCine y postmodernidad Editar Para cierto sector de la critica el cine ingreso hacia la decada de 1980 en el postmodernismo De ahi que se hablara del agotamiento de las vanguardias de la imposicion del concepto de simultaneidad por sobre el de continuidad del reciclaje de viejos materiales Hitos de este cine posmoderno serian filmes como Blade Runner 1982 o Pulp Fiction 1994 filmes armados a partir de la recreacion de viejos codigos filmicos y literarios que han perdido vigencia como tales como por ejemplo el cine negro o el pulp Contribuye a esta impresion la dilucion que las peliculas han ido experimentando debido al fenomeno del blockbuster en el cual estas se venden como parte de un gran paquete promocional de otros productos relacionados como por ejemplo la banda sonora la novela o el videojuego de la pelicula Estos ensamblajes multimedia han sido particularmente visibles en fenomenos como The Blair Witch Project o The Matrix que buscaban ser no solo peliculas sino experiencias totales que abarcaran tambien Internet Se considera al cine postmoderno como una categoria nueva de cine o no el caso es que la experiencia de ver un filme a finales del siglo XX y comienzos del siglo XXI era radicalmente diferente a la de las generaciones anteriores El cine e Internet Editar La generalizacion de las tecnologias relacionadas con el ordenador cambio al cine para siempre Los antiguos efectos especiales a base de maquetas y sobreimpresiones pasaron a ser desarrollados mediante computadoras La primera pelicula con efectos digitales fue Tron 1982 pero desde ahi el desarrollo fue fulminante hasta el punto que en 1995 la compania Pixar pudo realizar el primer largometraje integramente realizado por computadora Toy Story y en 2004 la pelicula Sky Captain y el mundo del manana era completamente virtual siendo reales solo los actores protagonistas quienes rodaron integramente frente a una pantalla azul Un paso muy simbolico lo dieron los Estudios Disney cuando despues del fracaso de su filme en animacion tradicional Home on the Range cerraron esta division y se concentraron en el mercado de la animacion por computadora Internet supuso tambien un desafio mayusculo para los grandes estudios debido a que el brutal crecimiento de la capacidad de almacenaje en discos duros y portatiles CD ROM y DVD entre otros llevo a que por primera vez se pudiera reproducir de manera virtualmente ilimitada una pelicula integra sin perdida significativa de calidad El siguiente paso vino con el surgimiento de las redes P2P peer to peer que permiten intercambiar informacion de todo tipo sin un servidor central y que muchos usuarios empezaron a emplear para descargar peliculas gratuitamente desde la red compartiendolas entre ellos Todo lo anterior abrio un intenso debate que aun no termina en torno al problema de la propiedad intelectual en Internet Los grandes estudios se quejan de las perdidas que este intercambio origina y los usuarios por su parte contraatacan esgrimiendo el principio de democracia en la red Esta democratizacion por su parte ha llevado a que muchos realizadores independientes hayan optado por el cine digital grabando sus peliculas y editandolas por ordenador para luego colocarlas en sitios de intercambio de informacion como por ejemplo YouTube o Vimeo este ultimo muy utilizado por cineastas independientes Tambien se ha simplificado el proceso de convocatoria a festivales de cine con lo cual el cine independiente realizado al margen de los grandes estudios se ha visto fuertemente potenciado Todo lo anterior ha llevado a una fuerte democratizacion del cine Todas estas tendencias son incipientes y aun es demasiado pronto para determinar como sera el nuevo mercado del cine que emergera en un futuro cercano Tambien Internet ha servido para la difusion del cine clasico Una coleccion de peliculas de dominio publico se encuentran en el Internet Archive una completa base de datos para la preservacion de la historia del cine Prelinger Archives contenia en 2005 1 969 peliculas todas ellas de libre uso ya sea personal o comercial Las modernas tecnicas de produccion digitales asociadas a internet han propiciado lo que se conoce como cine unipersonal o solo filmmaking es decir peliculas hechas casi integramente por una sola persona circunstancia que se puede dar sobre todo en el cine de animacion Ejemplos como Killer Bean Forever de Jeff Lew con una produccion que emplea a en torno a seis personas o La ruta de los elefantes de Pedro Alonso Pablos hecha integramente por el mismo con ayuda de una actriz de doblaje comienzan a proliferar 4 5 Cine digital Editar Paris primera proyeccion de cine digital publico de Europa 2000 El 2 de febrero de 2000 en Paris 6 Philippe Binant realizo la primera proyeccion publica de cine digital de Europa fundada sobre la aplicacion de un MEMS DLP CINEMA desarrollado por Texas Instrumentos 7 Con la rapida difusion del digital y la proliferacion de formatos el Digital Cinema Iniciativas DCI trabajando junto con miembros del comite SMPTE de protocolos publico un sistema de especificaciones que han adoptado las mayores productoras estadounidenses Resumiendo los protocolos indican que las imagenes sean codificadas con el estandar ISO IEC 15444 1 JPEG2000 jp2 y que se use el espacio de color CIE XYZ a 12 bits por componentes codificado en una gama de 1 2 6 que para el audio se utilice el formato Broadcast Wave wav a 24 bits tambien hablan del cifrado y otros detalles tecnicos 8 Vease tambien EditarHistoria de los videojuegos Corrientes cinematograficas Estudios cinematograficos Teoria cinematografica Iluminacion en el cineReferencias Editar Bazin Andre 1918 1958 cop 2012 Que es el cine 10ª ed edicion Rialp ISBN 978 84 321 4812 5 OCLC 1120283304 Consultado el 21 de noviembre de 2019 Cual fue la primera pelicula en color Esquire 2 de agosto de 2017 Consultado el 7 de diciembre de 2017 Ver articulo El cine de Bollywood firmado por Dario Lavia en andreshito Televicio Webzine Articulo en revista Fotogramas Consultado el 17 de septiembre de 2016 Articulo en revista Audiovisual451 Consultado el 1 de mayo de 2017 Claude Forest De la pellicule aux pixels l anomie des exploitants de salles de cinema in Laurent Creton Kira Kitsopanidou sous la direction de Les salles de cinema enjeux defis et perspectives Armand Colin Paris 2013 Texas Business Archivado desde el original el 26 de enero de 2012 Digital Cinema Iniciativas Enlaces externos Editar Wikimedia Commons alberga una categoria multimedia sobre Historia del cine Internet Movie Data Base World s first colour moving pictures discovered Listado de las 10 peliculas de los pioneros del cine Las mejores peliculas del genero Cine Negro Listado de las 2000 mejores peliculas del siglo XX El cine antes del cine Datos Q107478 Multimedia History of cinema Obtenido de https es wikipedia org w index php title Historia del cine amp oldid 142166817, wikipedia, wiki, leyendo, leer, libro, biblioteca,

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