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Montaje

El montaje audiovisual es el proceso consistente en unir trozos de película para crear distintas secuencias, generalmente siguiendo un guion cinematográfico o idea del director de cine que termina en una cinta final. En vídeo la palabra equivalente es edición, asegurarse de que cada uno de los detalles necesarios para una puesta en escena estén bien.

Mesa de montaje convencional.

Ya que de cada escena se hacen varias tomas, y que existen miles de tomas diferentes en una película, el montaje constituye una ardua labor. Siguiendo la trama del guion, el montador, en general, tiene libertad para montar las diferentes tomas realizadas de una escena de la manera que estime más apropiada. Asimismo, puede utilizar más o menos metraje de película de cada toma, y decidir cómo enlazar una escena o secuencia con la siguiente. Por todo ello se considera que el montaje es una de las disciplinas fundamentales en la realización de una película.

Primeros experimentos

Edwin S. Porter es generalmente considerado como el primer cineasta estadounidense en poner la edición fílmica en uso. Aunque es en Inglaterra con la Escuel Smith quien fracciona una acciòn, es decir, ejecuta montaje: Las aventuras de Mary Jane. Porter trabajó como un técnico eléctrico antes de unirse al laboratorio de cine de Thomas Alva Edison a finales de los 90. Las primeras películas de Thomas Edison (los cuales la compañía inventó una cámara de movimientos y un proyector) y otras fueron cortometrajes que fueron una toma larga, estática y en picado. El movimiento en las tomas era todo lo necesario para divertir a un público, por lo que las primeras películas, simplemente mostraban actividad cotidiana, tales como el movimiento del tráfico en una calle de la ciudad. No había historia ni edición. Cada película corría tal como era filmada en la cámara. Cuando el estudio cinematográfico de Edison buscaba incrementar la duración de sus cortometrajes, Edison consultó a Porter. Porter hizo una película innovadora, Life of an American Fireman en 1903. La película fue casi la primera en tener un argumento, acción e incluso primer plano de una mano activando una alarma de fuego.

Otras películas siguieron. La avanzada película de Porter, Asalto y robo de un tren aún se mantiene mostrando en academias de cine en la actualidad como un ejemplo de primeras ediciones fílmicas. Fue producida en 1903 y fue unas de los primeros ejemplos de una edición dinámica y llena de acción —reuniendo las escenas rodadas en diferentes momentos y lugares y para el impacto emocional no está disponible en un tiro largo estático. Siendo uno de las primera películas con un guion (director fílmico, editor e ingeniero), Porter también inventó y utilizó algunos de sus muy primeros (aunque primitivos) efectos especiales como doble exposición, miniaturas y escenas cortadas.

Porter descubrió importantes aspectos del lenguaje cinematográfico: que la imagen en pantalla no necesita mostrar una persona completa de pies a cabeza y que uniendo dos tomas crea un contexto coyuntural en la mente del espectador. Estos fueron los descubrimientos clave que hicieron posible que las tomas (en este caso, toda la escena desde cada toma es una escena completa) puede ser fotografiado en lugares muy diferentes en un período de tiempo (horas, días o incluso meses) y se combinan en un todo narrativo. Esto que, Asalto y robo de un tren contiene escenas en estudios de un estación de telégrafo, el interior de un carro de rieles, y un salón de baile, con escenas al aire libre en una torre de agua del ferrocarril, en el propio tren, en un punto a lo largo de la pista, y en los bosques. Pero cuando los ladrones dejaban el interior de la estación de telégrafo (estudio) y salían en una torre de agua, la audiencia creía que ellos venían inmediatamente de un lugar a otro. O que cuando se suben en el tren de una sola vez y entrar en el vagón de equipajes (una serie) en el próximo, el público cree que están en el mismo tren.

Una vez, alrededor de 1918, el director ruso Lev Kuleshov hizo un experimento que probó este punto. Tomó un clip de película antigua de un plano en la cabeza de un actor de Rusia e intercaló una toma de un plato de sopa, y luego con un niño jugando con un oso de peluche, y luego un plano a una anciana en un ataúd. Cuando mostró la película a la gente, ellos elogiaron la actuación del actor; el hambre en su cara cuando miró la sopa, el placer con los niños y la aflicción con la mujer muerta. Por supuesto, la toma del actor fue años antes que otras tomas y nunca vio ninguno de esos elementos. El simple acto de yuxtaposición hace que las tomas creen un relación entre ellas.

Fundamentos psicológicos del montaje

La sucesión de tomas de una película se basa en la mirada y en el pensamiento o en otras palabras la tensión mental del espectador. El montaje tiene un carácter dialéctico: cada toma incluye un elemento que tiene su respuesta en la toma siguiente. Entonces la tensión psicológica del espectador es una causa que debe ser satisfecha por la continuidad de tomas. Cada toma funciona en sí mismo como unidad, pero incompleta. Entonces el relato cinematográfico aparece como una serie de síntesis parciales.

Raccord

Es imprescindible crear una cierta continuidad, incluso en montaje paralelo, llamada raccord.[1]​ Sirve para situar al espectador en un espacio para no desorientarlo.

Características:

  • Explica una historia eliminando todo lo innecesario y evitando repeticiones
  • Crea una coherencia espacial
  • Mantiene la continuidad temporal
  • Crea relaciones visuales y rítmicas
  • Oculta al espectador los recursos de construcción de ficción
Tipos
  • De posición: el actor debe ocupar la misma posición de una secuencia a la otra
  • De miradas: las miradas deben seguir una orientación lógica en planos consecutivos.
  • De vestuario: se ha de respetar los posibles cambios o no de vestuario y los daños o cambios que estos tengan
  • De posición de cámara: muy importante a la hora de realizar el montaje de la película
  • De maquillaje y peluquería
  • De montaje: para dar continuidad y sentir la narración.

Postproducción

 
La máquina original de edición, una Moviola.

Corte del editor

Existe varias etapas de edición y el corte del editor es el primero. Un corte del editor (a veces referido como la «edición de ensamblaje» o «corte en bruto») normalmente es el primer paso de lo que la película final será cuando alcanza su total postproducción. El editor usualmente comienza trabajando mientras el rodaje inicia. Probablemente, antes del corte, el editor y director habrían visto o discutido sobre «dailies» (tomas realizadas día a día) cuando la filmación progresa. Los dailies entregaban una idea aproximada de las intenciones del director. Debido a que esto es el primer paso, el corte del editor quizás sea más largo que el corte final. El editor continúa perfeccionando el corte mientras la filmación continúa, y a veces, el proceso de edición dura meses a veces más que un año, depende la película.

Corte del director

Cuando la filmación acaba, el director puede centrar su atención en colaborar con el editor y seguir perfeccionando el corte de la película. Se sigue el primer corte del editor, pero moldeándolo para adaptarlo a la visión del director. En los Estados Unidos, bajo las reglas de DGA, el director recibe un mínimo de diez meses antes de completar el rodaje para preparar su primer corte. Mientras colabora en lo que es referido como el «corte del director», el director y el editor abarcan toda la película completa revisándolo minuciosamente; las escenas y las tomas son re-ordenadas, removidas, cortadas y, de lo contrario, ajustadas. A menudo, se descubre vacíos en el argumento, perdiendo tomas o incluso perdiendo segmentos que quizás requiera que nuevas escenas sean filmadas. Debido a este tiempo de trabajo y la estrecha colaboración —un período que normalmente es mucho más largo y mucho más íntimamente involucrados, que toda la producción y el rodaje—, la mayoría de los directores y editores forman un vínculo artístico único.

Corte final

A menudo, después que el director ha tenido oportunidad para revisar un corte, los cortes posteriores son supervisados por uno o más productores, quienes representan la compañía de la producción o un estudio de película. Ha habido varios conflictos en el pasado entre el director y el estudio, a veces lleva a la utilización del crédito de Alan Smithee, el cual significa cuando un director ya no quiere estar asociado con la versión final.

Tipos de montaje

Según la totalidad del relato cinematográfico

  • Montaje narrativo o clásico: cuenta los hechos, o bien cronológicamente o haciendo saltos tanto al futuro (flash-forward) como al pasado (flash-back y Racconto), pero siempre estructurándose con la idea de dotarlos de forma narrativa.
  • Montaje ideológico: cuando utiliza las emociones, ya sea basándose en símbolos, gestos, etc.
  • Montaje creativo o abstracto: ordenar sin tener en cuenta una cronología determinada como recurso cinematográfico, sino como una operación totalmente nueva, que tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la obra fílmica.
  • Montaje expresivo: cuando marca el ritmo de la acción, rápido en las aventuras y en la acción, lento en el drama y en el suspense.
  • Montaje rítmico: aspecto métrico, concierne a la longitud de las tomas, una correlación entre el ritmo (movimiento de la imagen, de las imágenes entre sí) y el movimiento en la imagen. Existen tomas largas ( ritmo lento) que dan una sensación de languidez, y tomas cortas o muy cortas/ flashes que dan una proyección de ritmo rápido.[2]

Según la temporalidad

Los planos en el relato audiovisual, se pueden ordenar de formas diferentes (no necesariamente unos detrás de otros, siguiendo un eje temporal continuo que avanza). Según el orden que sigamos, podemos diferenciar cuatro tipos de montaje:[3]

Montaje lineal o continuo

Este desarrolla una única acción siguiendo el orden cronológico natural de la escena.[4]

Montaje invertido

En este tipo de montaje, el orden cronológico del relato es alterado a partir de una temporalidad subjetiva (por ejemplo, de un personaje), para conseguir más dramatismo.

Montaje paralelo o alterno

En este tipo de montaje, dos o más escenas que suceden en escenarios distintos, se desarrollan simultáneamente, alternando imágenes de ambas situaciones, creando así asociaciones de ideas en el espectador.

Montaje analítico o externo y montaje sintético o interno

  • Montaje analítico o externo: con encuadres de planos cortos ("cerrados") y en general de corta duración. Se analiza la realidad estudiándola por partes.
  • Montaje sintético o interno: en base de encuadres de planos largos ("abiertos") y con frecuencia uso de la profundidad de campo (se ve en foco tanto el frente, la figura, como el fondo). Se da una visión más amplia de la escena, sin voluntad de análisis.

El montaje analítico se construye sobre la premisa de que la información significativa dentro del plano se da de manera sucesiva, mientras que el montaje sintético supone focos de interés simultáneos que ocurren, por lo general, en diferentes cercanías y lejanías a la cámara. Muchas veces los directores hacen uso de diferentes recursos para jerarquizar estas informaciones. El sobreencuadre (en la película Ciudadano Kane, de Orson Welles, el marco de una ventana recorta a Kane jugando con su trineo, mientras que en primer plano se ve a su madre ceder la tutoría al banquero) es una herramienta que la mayor parte de las veces ayuda a construir este plano total con montaje sintético (terminología que utiliza Bazin en su libro ¿Qué es el cine?).

El montaje imperceptible

André Bazin escribió que "el montaje no puede utilizarse más que dentro de límites precisos, bajo pena de atentar contra la ontología misma de la fábula cinematográfica" (el montaje como negación).[5]​ A esta violación perceptiva dentro del montaje, se opone a las tomas en profundidad de campo y sin cortes o que a menos existiese una homogeneidad del espacio y organizadas escenas con movimiento dentro del plano, para que el espectador sea quien distribuya su atención libremente hacia las zonas de la imagen más significativas.

El montaje sonoro

El sonido añade posibles conflictos entre planos, entre el interior de los encuadres o entre secuencias o segmentos, aquellos que afectan al cruce entre imagen y sonido, multiplicando las expresiones (conflicto potencial). No solo consta de la voz y la palabra, sino que incluye efectos sonoros variados.[6]

La regla de seis

Walter Murch es el creador de la teoría de montaje La regla de seis, que se plantea en su obra En el momento del parpadeo.[7]​ Esta regla se basa en el uso de una jerarquía para saber dónde y cuándo cortar para pasar de una escena a otra. La emoción es lo que se debe preservar en primer lugar a la hora del montaje. Se basa en seis criterios con un porcentaje de importancia cada uno, alcanzando un 100% el montaje ideal.

  1. Responde a la emoción del momento (51%)
  2. Hace avanzar el argumento (23%)
  3. Ocurre en un momento interesante desde el punto de vista rítmico (10%)
  4. Tiene en cuenta la dirección de la mirada (7%)
  5. Respeta la planaridad, la gramática de las tres dimensiones como cuestiones de eje (5%)
  6. Sigue la continuidad tridimensional del espacio, dónde están las personas dentro de una sala y la relación unas con otras (4%).

Técnicas de montaje

Para realizar montajes audiovisuales, existen diferentes técnicas o recursos que nos permiten aportar dinamismo u otras características (dependiendo del tratado que queramos darle a la imagen) a la historia que queremos narrar.

Entre estas técnicas, encontramos dos a destacar: el corte y la transición.[8]

Cortes

El corte es el elemento más básico del montaje, ya que es el recurso que se utiliza para pasar de un plano a otro.

Ahora bien, estos cortes pueden ser de diferentes tipos, según los cuales se le aportarán diferentes aspectos al relato audiovisual, como por ejemplo, dinamismo.

El corte sobre la acción (cutting on action o Smash cut)

Este tipo de corte consiste en cambiar de plano mientras se esta desarrollando una acción. Suele ser muy brusco e impactante para el espectador. Se utiliza, por ejemplo, cuando un personaje despierta de un sueño.[9]

El corte con inserción (cut away)

Consiste en insertar, en medio de la acción que se está desarrollando, un plano de lo que está viendo el personaje en cuestión (que puede ser lo que ve, o un recuerdo, una visión...). Este recurso nos puede servir, por ejemplo, para combinar planos de tomas diferentes y simular que es una única toma.

Jump cut

El jump cut o corte por salto consiste en realizar pequeñas elipsis en un mismo plano, con tal de dar más dinamismo a montaje.

Match cut

En este caso, se pasa de un plano a otro que tiene una composición del encuadre prácticamente idéntica a la del primero. También se le llama match cut al corte que pasa de un plano a otro en que continúa desarrollando la misma acción pero en otro escenario (usual en las películas de comedia).[10]

Corte invisible

Este es un tipo de corte que pretende pasar desapercibido para dar la sensación de plano secuencia. Uno de los ejemplos más claros lo encontramos en la película La soga de Alfred Hitchcock.

Transiciones

Las transiciones son recursos que se utilizan en el montaje audiovisual para pasar de un plano a otro. Es decir, es la manera de cambiar de plano. Dependiendo del uso que se les de, pueden interferir en la idea del discurso audiovisual.[11]​ Los diferentes tipos que existen son los siguientes:

Fundidos

Pueden ser fundidos de entrada o de salida. Ambos consisten en pasar progresivamente de la oscuridad, es decir, de una imagen completamente negra a una imagen nítida o viceversa. Se utiliza al inicio o al final de las secuencias, por lo general.

Encadenado

Este tipo de transición consiste en mezclar dos planos; mientras uno desaparece, emerge el siguiente paulatinamente, de manera que ambas imágenes se mezclan.

Barrido

Consiste en realizar un movimiento de cámara tan rápido que el espectador no es capaz de distinguir con claridad el contenido de la imagen, de manera que no detecta el cambio de plano.

Cortinilla

Esta técnica consiste en pasar de un plano a otro invadiendo la primera imagen con la segunda de arriba abajo, de un lado a otro, viceversa, etc. Digamos que "un plano empuja al otro".[12]

L-cut

Esta transición es de audio. Sucede cuando el audio de la primera escena se sigue escuchando en el de la segunda.

J-cut

Al revés que el L-cut, en este caso el sonido anticipa lo que sucederá en el siguiente plano. Este recurso sirve para que el montaje sea más fluido.[13]

Iris

Transición usual en el cine clásico. Consistía en abrir o cerrar la imagen desde o hacia el centro de la pantalla en forma de círculo, dejando en negro el resto del plano.[13]

El montaje y las metáforas visuales

La metáfora es una figura retórica proveniente de la lengua que consiste en expresar una realidad, idea o concepto por medio de una realidad, idea o concepto diferente con la que guarda cierta similitud o analogía. Trasladado al audiovisual y más específicamente al cine soviético, tanto Vsévolod Pudovkin como Sergei Eisenstein utilizaron las metáforas visuales para captar la atención del espectador, las cuales son el resultado de yuxtaponer dos planos distintos y generar un tercer significado a partir del encuentro entre de ambas imágenes, y cuyo objetivo es producir un choque psicológico en la mente del espectador. Ambos realizadores hicieron uso de las metáforas, pero con diferente forma y resultados.

Metáfora orgánica

Por un lado, Pudovkin es conocido por el uso de las metáforas orgánicas que están presentes en la diégesis de la historia, es decir, se encuentran integradas a los hechos allí presentes y permiten que la historia progrese sin cortes abruptos. Esto puede verse reflejado en el uso que le dio al montaje paralelo en La Madre (1926), mostrando la escena de la liberación y el deshielo como acto de desenvoltura, sin romper la diégesis, ya que se encuentran en la primavera. Esta forma narrativa refleja a la perfección este carácter orgánico en la película, y que no sólo está presente allí, sino que también durante la escena del bar, mientras ocurre una acalorada contienda en donde se yuxtaponen planos de los árboles agitándose que remedan el ambiente tenso del lugar.

Metáfora inorgánica

Por otro lado, las metáforas inorgánicas utilizadas por Eisenstein no forman parte de la diégesis de la historia, sino que su inclusión tiene por objetivo generar un choque psicológico en la mente del espectador, a través de la yuxtaposición de planos generando así una idea nueva que no se encuentra presente en ninguno de los dos planos por sí mismos, rompiendo por completo el orden de los hechos para ser restaurado en el plano siguiente. Esto puede verse en la escena de El acorazado Potemkin (1925) cuando los marinos arrojan al doctor Smirnov a las profundidades del Mar Negro y seguidamente, se yuxtapone el plano de la carne podrida con los gusanos. Otra metáfora se puede observar cuando en una escena de represalia por lo que sucede en las escaleras, los marineros deciden usar las armas del acorazado para disparar contra la ópera de la ciudad, donde los líderes militares zaristas convocan una reunión y se yuxtaponen planos de las estatuas de los leones como símbolo de ferocidad.

Programas de montaje, edición y posproducción

Actualmente, existen varios programas digitales de edición y montaje de vídeo y sonido, los más destacados son:

  • Avid Media Composer : Este programa es de los más utilizados. Fue uno de los primeros en instaurarse en el mercado y es el estándar tanto para cine como para televisión.
  • Adobe Premiere Pro CC: Este programa es más utilizado en el ámbito profesional, ya que ofrece muchas más opciones en el tratamiento de vídeo, pero es más complejo a la hora de utilizarlo. Actualmente, la versión más reciente es la CC.
  • DaVinci Resolve: Es un software de edición de video no lineal desarrollado por Blackmagic Design para sistemas operativos Windows, MacOS y Linux. Lanzado en 2004 como un software de etalonaje digital y corrección de color, DaVinci Resolve ha ido añadiendo funcionalidades hasta convertirse en un editor de vídeo completo con multitud de herramientas. Su versión Lite es de uso gratuito.
  • Sony Vegas Pro: Este programa es bastante utilizado debido a su sencillez a la hora de adjuntar y recortar clips de vídeo y sonido. Sin embargo, no es el que ofrece un mayor abanico de opciones a nivel de efectos.
  • Adobe After Effects: Este programa es uno de los mejores que existen a nivel de creación de efectos especiales. Es bastante complejo y también puede ser utilizado para recortar y enganchar clips (aunque esta no sea su función más destacable).
  • Final Cut Pro: Es el programa de posproducción por excelencia de los ordenadores MacOs, con una ventana de posibilidades bastante amplia, pero no muy especializada en aspectos como los efectos especiales.

Véase también

Referencias

  1. «Muntatge» |url= incorrecta con autorreferencia (ayuda). Viquipèdia, l'enciclopèdia lliure (en catalán). 5 de diciembre de 2016. Consultado el 15 de diciembre de 2016. 
  2. Marcel Martin (2008). El lenguaje del cine. Gedisa. Barcelona. Pág. 188.
  3. «MONTAJE DE CONTINUIDAD». INTRODUCCIÓN AL MONTAJE Y EDICIÓN DE VIDEO (en inglés estadounidense). 4 de noviembre de 2013. Consultado el 28 de noviembre de 2018. 
  4. «MONTAJE DE CONTINUIDAD». INTRODUCCIÓN AL MONTAJE Y EDICIÓN DE VIDEO (en inglés estadounidense). 4 de noviembre de 2013. Consultado el 28 de noviembre de 2018. 
  5. Alejandro Montiel (1992). Teorías del cine. Montesinos. Barcelona. Pág. 62.
  6. Vicente Sánchez-Biosca (1996). El montaje cinematográfico. Paidós Ibérica. Buenos Aires. Pág. 249.
  7. Murch, Walter (2004). En el momento del parpadeo, Edit. Ocho y Medio, Colección: Fahrenheit.
  8. «Técnicas de montaje cinematográfico: corte y transición - Aprendercine.com». aprendercine.com. Consultado el 28 de noviembre de 2018. 
  9. «Técnicas de montaje cinematográfico: corte y transición - Aprendercine.com». aprendercine.com. Consultado el 28 de noviembre de 2018. 
  10. «Técnicas de montaje cinematográfico: corte y transición - Aprendercine.com». aprendercine.com. Consultado el 28 de noviembre de 2018. 
  11. «Apreciación Cinematográfica: 10. Enlaces y transiciones» (en inglés). Consultado el 28 de noviembre de 2018. 
  12. «TRANSICIONES». INTRODUCCIÓN AL MONTAJE Y EDICIÓN DE VIDEO (en inglés estadounidense). 6 de noviembre de 2013. Consultado el 28 de noviembre de 2018. 
  13. «Técnicas de montaje cinematográfico: corte y transición - Aprendercine.com». aprendercine.com. Consultado el 28 de noviembre de 2018. 

Bibliografía

  • Konigsberg, Ira (2004). Diccionario técnico Akal de cine. Madrid: Akal. ISBN 9788446019022. 
  • Martin, Marcel (2008). El lenguaje del cine. Barcelona: Gedisa. ISBN 9788474323818. 

Bibliografía adicional

  • Aumont, Jacques, et al. (1985). Estética del cine: espacio fílmico, montaje, narración, lenguaje, Paidós, Barcelona.
  • Gubern, Román (1993). Historia del cine, Barcelona: Lumen, 2.ª edición.
  • Morales, Fernando (2013). Montaje audiovisual: teoría, técnica y métodos de control, Edit. UOC, Barcelona.
  • Morales Morante, Luis Fernando (2001). Teoría y Práctica de la Edición de Vídeo, Editorial Universidad de San Martín de Porres, Lima, Perú.
  • Murch, Walter (2004). En el momento del parpadeo, Edit. Ocho y Medio, Colección: Fahrenheit.
  • Reisz, Karel & Millar, Gavin (2003). Técnica del Montaje Cinematográfico. Editorial Plot, Madrid. (Título original: The technique of film editing).
  • Sánchez-Biosca, Vicente (1993). El montaje cinematográfico, Edit. Paidós, 2.ª edición.
  • Sánchez, Rafael C. (2004). Montaje cinematográfico, arte de movimiento, La Crujía. Buenos Aires.
  • Gubern, Román. (1969). Historia del Cine. Editorial Lumen. Edición actualizada (2014)
  • Lacolla, Enrique. (2008). El cine en su época: Una historia política del filme. Comunicarte.
  •   Datos: Q237893
  •   Multimedia: Film editing

montaje, para, otros, usos, este, término, véase, desambiguación, véase, también, fotomontaje, montaje, audiovisual, proceso, consistente, unir, trozos, película, para, crear, distintas, secuencias, generalmente, siguiendo, guion, cinematográfico, idea, direct. Para otros usos de este termino vease Montaje desambiguacion Vease tambien Fotomontaje El montaje audiovisual es el proceso consistente en unir trozos de pelicula para crear distintas secuencias generalmente siguiendo un guion cinematografico o idea del director de cine que termina en una cinta final En video la palabra equivalente es edicion asegurarse de que cada uno de los detalles necesarios para una puesta en escena esten bien Mesa de montaje convencional Ya que de cada escena se hacen varias tomas y que existen miles de tomas diferentes en una pelicula el montaje constituye una ardua labor Siguiendo la trama del guion el montador en general tiene libertad para montar las diferentes tomas realizadas de una escena de la manera que estime mas apropiada Asimismo puede utilizar mas o menos metraje de pelicula de cada toma y decidir como enlazar una escena o secuencia con la siguiente Por todo ello se considera que el montaje es una de las disciplinas fundamentales en la realizacion de una pelicula Indice 1 Primeros experimentos 2 Fundamentos psicologicos del montaje 3 Raccord 4 Postproduccion 4 1 Corte del editor 4 2 Corte del director 4 3 Corte final 5 Tipos de montaje 5 1 Segun la totalidad del relato cinematografico 5 2 Segun la temporalidad 5 2 1 Montaje lineal o continuo 5 2 2 Montaje invertido 5 2 3 Montaje paralelo o alterno 5 3 Montaje analitico o externo y montaje sintetico o interno 5 4 El montaje imperceptible 5 5 El montaje sonoro 5 6 La regla de seis 6 Tecnicas de montaje 6 1 Cortes 6 1 1 El corte sobre la accion cutting on action o Smash cut 6 1 2 El corte con insercion cut away 6 1 3 Jump cut 6 1 4 Match cut 6 1 5 Corte invisible 6 2 Transiciones 6 2 1 Fundidos 6 2 2 Encadenado 6 2 3 Barrido 6 2 4 Cortinilla 6 2 5 L cut 6 2 6 J cut 6 2 7 Iris 7 El montaje y las metaforas visuales 7 1 Metafora organica 7 2 Metafora inorganica 8 Programas de montaje edicion y posproduccion 9 Vease tambien 10 Referencias 11 Bibliografia 12 Bibliografia adicionalPrimeros experimentos EditarEdwin S Porter es generalmente considerado como el primer cineasta estadounidense en poner la edicion filmica en uso Aunque es en Inglaterra con la Escuel Smith quien fracciona una accion es decir ejecuta montaje Las aventuras de Mary Jane Porter trabajo como un tecnico electrico antes de unirse al laboratorio de cine de Thomas Alva Edison a finales de los 90 Las primeras peliculas de Thomas Edison los cuales la compania invento una camara de movimientos y un proyector y otras fueron cortometrajes que fueron una toma larga estatica y en picado El movimiento en las tomas era todo lo necesario para divertir a un publico por lo que las primeras peliculas simplemente mostraban actividad cotidiana tales como el movimiento del trafico en una calle de la ciudad No habia historia ni edicion Cada pelicula corria tal como era filmada en la camara Cuando el estudio cinematografico de Edison buscaba incrementar la duracion de sus cortometrajes Edison consulto a Porter Porter hizo una pelicula innovadora Life of an American Fireman en 1903 La pelicula fue casi la primera en tener un argumento accion e incluso primer plano de una mano activando una alarma de fuego Otras peliculas siguieron La avanzada pelicula de Porter Asalto y robo de un tren aun se mantiene mostrando en academias de cine en la actualidad como un ejemplo de primeras ediciones filmicas Fue producida en 1903 y fue unas de los primeros ejemplos de una edicion dinamica y llena de accion reuniendo las escenas rodadas en diferentes momentos y lugares y para el impacto emocional no esta disponible en un tiro largo estatico Siendo uno de las primera peliculas con un guion director filmico editor e ingeniero Porter tambien invento y utilizo algunos de sus muy primeros aunque primitivos efectos especiales como doble exposicion miniaturas y escenas cortadas Porter descubrio importantes aspectos del lenguaje cinematografico que la imagen en pantalla no necesita mostrar una persona completa de pies a cabeza y que uniendo dos tomas crea un contexto coyuntural en la mente del espectador Estos fueron los descubrimientos clave que hicieron posible que las tomas en este caso toda la escena desde cada toma es una escena completa puede ser fotografiado en lugares muy diferentes en un periodo de tiempo horas dias o incluso meses y se combinan en un todo narrativo Esto que Asalto y robo de un tren contiene escenas en estudios de un estacion de telegrafo el interior de un carro de rieles y un salon de baile con escenas al aire libre en una torre de agua del ferrocarril en el propio tren en un punto a lo largo de la pista y en los bosques Pero cuando los ladrones dejaban el interior de la estacion de telegrafo estudio y salian en una torre de agua la audiencia creia que ellos venian inmediatamente de un lugar a otro O que cuando se suben en el tren de una sola vez y entrar en el vagon de equipajes una serie en el proximo el publico cree que estan en el mismo tren Una vez alrededor de 1918 el director ruso Lev Kuleshov hizo un experimento que probo este punto Tomo un clip de pelicula antigua de un plano en la cabeza de un actor de Rusia e intercalo una toma de un plato de sopa y luego con un nino jugando con un oso de peluche y luego un plano a una anciana en un ataud Cuando mostro la pelicula a la gente ellos elogiaron la actuacion del actor el hambre en su cara cuando miro la sopa el placer con los ninos y la afliccion con la mujer muerta Por supuesto la toma del actor fue anos antes que otras tomas y nunca vio ninguno de esos elementos El simple acto de yuxtaposicion hace que las tomas creen un relacion entre ellas Fundamentos psicologicos del montaje EditarLa sucesion de tomas de una pelicula se basa en la mirada y en el pensamiento o en otras palabras la tension mental del espectador El montaje tiene un caracter dialectico cada toma incluye un elemento que tiene su respuesta en la toma siguiente Entonces la tension psicologica del espectador es una causa que debe ser satisfecha por la continuidad de tomas Cada toma funciona en si mismo como unidad pero incompleta Entonces el relato cinematografico aparece como una serie de sintesis parciales Raccord EditarEs imprescindible crear una cierta continuidad incluso en montaje paralelo llamada raccord 1 Sirve para situar al espectador en un espacio para no desorientarlo Caracteristicas Explica una historia eliminando todo lo innecesario y evitando repeticiones Crea una coherencia espacial Mantiene la continuidad temporal Crea relaciones visuales y ritmicas Oculta al espectador los recursos de construccion de ficcionTiposDe posicion el actor debe ocupar la misma posicion de una secuencia a la otra De miradas las miradas deben seguir una orientacion logica en planos consecutivos De vestuario se ha de respetar los posibles cambios o no de vestuario y los danos o cambios que estos tengan De posicion de camara muy importante a la hora de realizar el montaje de la pelicula De maquillaje y peluqueria De montaje para dar continuidad y sentir la narracion Postproduccion Editar La maquina original de edicion una Moviola Corte del editor Editar Existe varias etapas de edicion y el corte del editor es el primero Un corte del editor a veces referido como la edicion de ensamblaje o corte en bruto normalmente es el primer paso de lo que la pelicula final sera cuando alcanza su total postproduccion El editor usualmente comienza trabajando mientras el rodaje inicia Probablemente antes del corte el editor y director habrian visto o discutido sobre dailies tomas realizadas dia a dia cuando la filmacion progresa Los dailies entregaban una idea aproximada de las intenciones del director Debido a que esto es el primer paso el corte del editor quizas sea mas largo que el corte final El editor continua perfeccionando el corte mientras la filmacion continua y a veces el proceso de edicion dura meses a veces mas que un ano depende la pelicula Corte del director Editar Cuando la filmacion acaba el director puede centrar su atencion en colaborar con el editor y seguir perfeccionando el corte de la pelicula Se sigue el primer corte del editor pero moldeandolo para adaptarlo a la vision del director En los Estados Unidos bajo las reglas de DGA el director recibe un minimo de diez meses antes de completar el rodaje para preparar su primer corte Mientras colabora en lo que es referido como el corte del director el director y el editor abarcan toda la pelicula completa revisandolo minuciosamente las escenas y las tomas son re ordenadas removidas cortadas y de lo contrario ajustadas A menudo se descubre vacios en el argumento perdiendo tomas o incluso perdiendo segmentos que quizas requiera que nuevas escenas sean filmadas Debido a este tiempo de trabajo y la estrecha colaboracion un periodo que normalmente es mucho mas largo y mucho mas intimamente involucrados que toda la produccion y el rodaje la mayoria de los directores y editores forman un vinculo artistico unico Corte final Editar A menudo despues que el director ha tenido oportunidad para revisar un corte los cortes posteriores son supervisados por uno o mas productores quienes representan la compania de la produccion o un estudio de pelicula Ha habido varios conflictos en el pasado entre el director y el estudio a veces lleva a la utilizacion del credito de Alan Smithee el cual significa cuando un director ya no quiere estar asociado con la version final Tipos de montaje EditarSegun la totalidad del relato cinematografico Editar Montaje narrativo o clasico cuenta los hechos o bien cronologicamente o haciendo saltos tanto al futuro flash forward como al pasado flash back y Racconto pero siempre estructurandose con la idea de dotarlos de forma narrativa Montaje ideologico cuando utiliza las emociones ya sea basandose en simbolos gestos etc Montaje creativo o abstracto ordenar sin tener en cuenta una cronologia determinada como recurso cinematografico sino como una operacion totalmente nueva que tratara de dar coherencia ritmo accion y belleza a la obra filmica Montaje expresivo cuando marca el ritmo de la accion rapido en las aventuras y en la accion lento en el drama y en el suspense Montaje ritmico aspecto metrico concierne a la longitud de las tomas una correlacion entre el ritmo movimiento de la imagen de las imagenes entre si y el movimiento en la imagen Existen tomas largas ritmo lento que dan una sensacion de languidez y tomas cortas o muy cortas flashes que dan una proyeccion de ritmo rapido 2 Segun la temporalidad Editar Los planos en el relato audiovisual se pueden ordenar de formas diferentes no necesariamente unos detras de otros siguiendo un eje temporal continuo que avanza Segun el orden que sigamos podemos diferenciar cuatro tipos de montaje 3 Montaje lineal o continuo Editar Este desarrolla una unica accion siguiendo el orden cronologico natural de la escena 4 Montaje invertido Editar En este tipo de montaje el orden cronologico del relato es alterado a partir de una temporalidad subjetiva por ejemplo de un personaje para conseguir mas dramatismo Montaje paralelo o alterno Editar En este tipo de montaje dos o mas escenas que suceden en escenarios distintos se desarrollan simultaneamente alternando imagenes de ambas situaciones creando asi asociaciones de ideas en el espectador Montaje analitico o externo y montaje sintetico o interno Editar Montaje analitico o externo con encuadres de planos cortos cerrados y en general de corta duracion Se analiza la realidad estudiandola por partes Montaje sintetico o interno en base de encuadres de planos largos abiertos y con frecuencia uso de la profundidad de campo se ve en foco tanto el frente la figura como el fondo Se da una vision mas amplia de la escena sin voluntad de analisis El montaje analitico se construye sobre la premisa de que la informacion significativa dentro del plano se da de manera sucesiva mientras que el montaje sintetico supone focos de interes simultaneos que ocurren por lo general en diferentes cercanias y lejanias a la camara Muchas veces los directores hacen uso de diferentes recursos para jerarquizar estas informaciones El sobreencuadre en la pelicula Ciudadano Kane de Orson Welles el marco de una ventana recorta a Kane jugando con su trineo mientras que en primer plano se ve a su madre ceder la tutoria al banquero es una herramienta que la mayor parte de las veces ayuda a construir este plano total con montaje sintetico terminologia que utiliza Bazin en su libro Que es el cine El montaje imperceptible Editar Andre Bazin escribio que el montaje no puede utilizarse mas que dentro de limites precisos bajo pena de atentar contra la ontologia misma de la fabula cinematografica el montaje como negacion 5 A esta violacion perceptiva dentro del montaje se opone a las tomas en profundidad de campo y sin cortes o que a menos existiese una homogeneidad del espacio y organizadas escenas con movimiento dentro del plano para que el espectador sea quien distribuya su atencion libremente hacia las zonas de la imagen mas significativas El montaje sonoro Editar El sonido anade posibles conflictos entre planos entre el interior de los encuadres o entre secuencias o segmentos aquellos que afectan al cruce entre imagen y sonido multiplicando las expresiones conflicto potencial No solo consta de la voz y la palabra sino que incluye efectos sonoros variados 6 La regla de seis Editar Walter Murch es el creador de la teoria de montaje La regla de seis que se plantea en su obra En el momento del parpadeo 7 Esta regla se basa en el uso de una jerarquia para saber donde y cuando cortar para pasar de una escena a otra La emocion es lo que se debe preservar en primer lugar a la hora del montaje Se basa en seis criterios con un porcentaje de importancia cada uno alcanzando un 100 el montaje ideal Responde a la emocion del momento 51 Hace avanzar el argumento 23 Ocurre en un momento interesante desde el punto de vista ritmico 10 Tiene en cuenta la direccion de la mirada 7 Respeta la planaridad la gramatica de las tres dimensiones como cuestiones de eje 5 Sigue la continuidad tridimensional del espacio donde estan las personas dentro de una sala y la relacion unas con otras 4 Tecnicas de montaje EditarPara realizar montajes audiovisuales existen diferentes tecnicas o recursos que nos permiten aportar dinamismo u otras caracteristicas dependiendo del tratado que queramos darle a la imagen a la historia que queremos narrar Entre estas tecnicas encontramos dos a destacar el corte y la transicion 8 Cortes Editar El corte es el elemento mas basico del montaje ya que es el recurso que se utiliza para pasar de un plano a otro Ahora bien estos cortes pueden ser de diferentes tipos segun los cuales se le aportaran diferentes aspectos al relato audiovisual como por ejemplo dinamismo El corte sobre la accion cutting on action o Smash cut Editar Este tipo de corte consiste en cambiar de plano mientras se esta desarrollando una accion Suele ser muy brusco e impactante para el espectador Se utiliza por ejemplo cuando un personaje despierta de un sueno 9 El corte con insercion cut away Editar Consiste en insertar en medio de la accion que se esta desarrollando un plano de lo que esta viendo el personaje en cuestion que puede ser lo que ve o un recuerdo una vision Este recurso nos puede servir por ejemplo para combinar planos de tomas diferentes y simular que es una unica toma Jump cut Editar El jump cut o corte por salto consiste en realizar pequenas elipsis en un mismo plano con tal de dar mas dinamismo a montaje Match cut Editar En este caso se pasa de un plano a otro que tiene una composicion del encuadre practicamente identica a la del primero Tambien se le llama match cut al corte que pasa de un plano a otro en que continua desarrollando la misma accion pero en otro escenario usual en las peliculas de comedia 10 Corte invisible Editar Este es un tipo de corte que pretende pasar desapercibido para dar la sensacion de plano secuencia Uno de los ejemplos mas claros lo encontramos en la pelicula La soga de Alfred Hitchcock Transiciones Editar Las transiciones son recursos que se utilizan en el montaje audiovisual para pasar de un plano a otro Es decir es la manera de cambiar de plano Dependiendo del uso que se les de pueden interferir en la idea del discurso audiovisual 11 Los diferentes tipos que existen son los siguientes Fundidos Editar Pueden ser fundidos de entrada o de salida Ambos consisten en pasar progresivamente de la oscuridad es decir de una imagen completamente negra a una imagen nitida o viceversa Se utiliza al inicio o al final de las secuencias por lo general Encadenado Editar Este tipo de transicion consiste en mezclar dos planos mientras uno desaparece emerge el siguiente paulatinamente de manera que ambas imagenes se mezclan Barrido Editar Consiste en realizar un movimiento de camara tan rapido que el espectador no es capaz de distinguir con claridad el contenido de la imagen de manera que no detecta el cambio de plano Cortinilla Editar Esta tecnica consiste en pasar de un plano a otro invadiendo la primera imagen con la segunda de arriba abajo de un lado a otro viceversa etc Digamos que un plano empuja al otro 12 L cut Editar Esta transicion es de audio Sucede cuando el audio de la primera escena se sigue escuchando en el de la segunda J cut Editar Al reves que el L cut en este caso el sonido anticipa lo que sucedera en el siguiente plano Este recurso sirve para que el montaje sea mas fluido 13 Iris Editar Transicion usual en el cine clasico Consistia en abrir o cerrar la imagen desde o hacia el centro de la pantalla en forma de circulo dejando en negro el resto del plano 13 El montaje y las metaforas visuales EditarLa metafora es una figura retorica proveniente de la lengua que consiste en expresar una realidad idea o concepto por medio de una realidad idea o concepto diferente con la que guarda cierta similitud o analogia Trasladado al audiovisual y mas especificamente al cine sovietico tanto Vsevolod Pudovkin como Sergei Eisenstein utilizaron las metaforas visuales para captar la atencion del espectador las cuales son el resultado de yuxtaponer dos planos distintos y generar un tercer significado a partir del encuentro entre de ambas imagenes y cuyo objetivo es producir un choque psicologico en la mente del espectador Ambos realizadores hicieron uso de las metaforas pero con diferente forma y resultados Metafora organica Editar Por un lado Pudovkin es conocido por el uso de las metaforas organicas que estan presentes en la diegesis de la historia es decir se encuentran integradas a los hechos alli presentes y permiten que la historia progrese sin cortes abruptos Esto puede verse reflejado en el uso que le dio al montaje paralelo en La Madre 1926 mostrando la escena de la liberacion y el deshielo como acto de desenvoltura sin romper la diegesis ya que se encuentran en la primavera Esta forma narrativa refleja a la perfeccion este caracter organico en la pelicula y que no solo esta presente alli sino que tambien durante la escena del bar mientras ocurre una acalorada contienda en donde se yuxtaponen planos de los arboles agitandose que remedan el ambiente tenso del lugar Metafora inorganica Editar Por otro lado las metaforas inorganicas utilizadas por Eisenstein no forman parte de la diegesis de la historia sino que su inclusion tiene por objetivo generar un choque psicologico en la mente del espectador a traves de la yuxtaposicion de planos generando asi una idea nueva que no se encuentra presente en ninguno de los dos planos por si mismos rompiendo por completo el orden de los hechos para ser restaurado en el plano siguiente Esto puede verse en la escena de El acorazado Potemkin 1925 cuando los marinos arrojan al doctor Smirnov a las profundidades del Mar Negro y seguidamente se yuxtapone el plano de la carne podrida con los gusanos Otra metafora se puede observar cuando en una escena de represalia por lo que sucede en las escaleras los marineros deciden usar las armas del acorazado para disparar contra la opera de la ciudad donde los lideres militares zaristas convocan una reunion y se yuxtaponen planos de las estatuas de los leones como simbolo de ferocidad Programas de montaje edicion y posproduccion EditarActualmente existen varios programas digitales de edicion y montaje de video y sonido los mas destacados son Avid Media Composer Este programa es de los mas utilizados Fue uno de los primeros en instaurarse en el mercado y es el estandar tanto para cine como para television Adobe Premiere Pro CC Este programa es mas utilizado en el ambito profesional ya que ofrece muchas mas opciones en el tratamiento de video pero es mas complejo a la hora de utilizarlo Actualmente la version mas reciente es la CC DaVinci Resolve Es un software de edicion de video no lineal desarrollado por Blackmagic Design para sistemas operativos Windows MacOS y Linux Lanzado en 2004 como un software de etalonaje digital y correccion de color DaVinci Resolve ha ido anadiendo funcionalidades hasta convertirse en un editor de video completo con multitud de herramientas Su version Lite es de uso gratuito Sony Vegas Pro Este programa es bastante utilizado debido a su sencillez a la hora de adjuntar y recortar clips de video y sonido Sin embargo no es el que ofrece un mayor abanico de opciones a nivel de efectos Adobe After Effects Este programa es uno de los mejores que existen a nivel de creacion de efectos especiales Es bastante complejo y tambien puede ser utilizado para recortar y enganchar clips aunque esta no sea su funcion mas destacable Final Cut Pro Es el programa de posproduccion por excelencia de los ordenadores MacOs con una ventana de posibilidades bastante amplia pero no muy especializada en aspectos como los efectos especiales Vease tambien Editar Portal cine Contenido relacionado con cine Referencias Editar Muntatge url incorrecta con autorreferencia ayuda Viquipedia l enciclopedia lliure en catalan 5 de diciembre de 2016 Consultado el 15 de diciembre de 2016 Marcel Martin 2008 El lenguaje del cine Gedisa Barcelona Pag 188 MONTAJE DE CONTINUIDAD INTRODUCCIoN AL MONTAJE Y EDICIoN DE VIDEO en ingles estadounidense 4 de noviembre de 2013 Consultado el 28 de noviembre de 2018 MONTAJE DE CONTINUIDAD INTRODUCCIoN AL MONTAJE Y EDICIoN DE VIDEO en ingles estadounidense 4 de noviembre de 2013 Consultado el 28 de noviembre de 2018 Alejandro Montiel 1992 Teorias del cine Montesinos Barcelona Pag 62 Vicente Sanchez Biosca 1996 El montaje cinematografico Paidos Iberica Buenos Aires Pag 249 Murch Walter 2004 En el momento del parpadeo Edit Ocho y Medio Coleccion Fahrenheit Tecnicas de montaje cinematografico corte y transicion Aprendercine com aprendercine com Consultado el 28 de noviembre de 2018 Tecnicas de montaje cinematografico corte y transicion Aprendercine com aprendercine com Consultado el 28 de noviembre de 2018 Tecnicas de montaje cinematografico corte y transicion Aprendercine com aprendercine com 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