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Historia del arte

Noviembre 04, 2021

Para la historiografía de la historia del arte, véase Estudio de la historia del arte.

La historia del arte es el relato de la evolución del arte a través del tiempo. Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con finalidad estética o comunicativa, a través de la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, empleando diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.

Cuarteto para flauta (1777), de Wolfgang Amadeus Mozart, considerado como uno de los mejores compositores de música clásica de toda la historia.
Las mil y una noches (ألف ليلة وليلة, Alf layla wa-layla), título clásico de la literatura árabe.
El acorazado Potemkin (1925), de Sergéi Eisenstein, una de las obras maestras de la historia del cine.

La historiografía del arte, como disciplina académica y entorno institucional (museos, mercado del arte, departamentos universitarios, producciones editoriales) se suele restringir a las denominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a pintura, escultura y arquitectura), mientras que otras artes son más específicamente objeto de estudio de otras disciplinas claramente delimitadas, como la historia de la literatura o la historia de la música, siendo todas ellas objeto de atención por la denominada historia de la cultura o historia cultural, junto con las historias sectoriales enfocadas a otras manifestaciones del pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de la filosofía o la historia de las religiones. Algunos campos de conocimiento estrechamente relacionados con la historia del arte son la estética y la teoría del arte.

A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa manera, desde la distinción medieval entre artes liberales y artes vulgares (o «mecánicas»), pasando por la moderna distinción entre bellas artes y artes menores o aplicadas, hasta la multiplicidad contemporánea, que entiende como arte casi cualquier manifestación de la creatividad del ser humano.

La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales» llegó en el siglo XX hasta el número de nueve: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura, la poesía —entendida de forma amplia como literatura con intención estética, que incluye los distintos géneros del teatro y la narrativa—, la cinematografía, la fotografía y la historieta (o cómic).

Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y artes visuales se añadieron los de diseño y artes gráficas. Además de antiquísimas formas de expresión artística como la moda y la gastronomía, actualmente se suelen considerar artes nuevos vehículos expresivos como la publicidad, la animación, la televisión y los videojuegos.

La historiografía del arte es una ciencia multidisciplinar, procurando un examen objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo periodizaciones y observando sus características distintivas e influencias. El estudio de la Historia del Arte se desarrolló inicialmente en el Renacimiento, con su objeto limitado a la producción artística de la civilización occidental. No obstante, con el tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la historia artística, intentando una descripción global del arte de todas las civilizaciones y el análisis de sus producciones artísticas en términos de sus propios valores culturales (relativismo cultural), y no solo de los de la historia del arte occidental.

El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia. Durante el siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos y galerías, de ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de las obras de arte, así como su exposición a un público mayoritario. El auge de los medios de comunicación ha sido fundamental para el mejor estudio y divulgación del arte.

Eventos y exposiciones internacionales, como las bienales de Venecia y São Paulo o la Documenta de Kassel han ayudado al fomento de nuevos estilos y tendencias. Premios como el Turner de la Tate Gallery, el Premio de la Fundación Wolf de las Artes, la Medalla Picasso de la UNESCO, el Premio Velázquez de Artes Plásticas, el Premio Pritzker de arquitectura, el Premio Nobel de literatura, la Medalla Mozart de la Unesco de música clásica, el Pulitzer de fotografía y los Óscar de cine también fomentan la obra de los mejores creadores a nivel internacional. Instituciones como la UNESCO con el establecimiento de un Patrimonio de la Humanidad ayudan igualmente a la conservación de los principales monumentos del planeta.[1]​

Prehistoria

Artículo principal: Arte prehistórico

El arte prehistórico es el desarrollado por el ser humano primitivo desde la Edad de Piedra (Paleolítico superior, Mesolítico y Neolítico) hasta la Edad de los Metales, periodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por parte del Homo sapiens. Durante el Paleolítico (25 000-8000 a. C.), los seres humanos se mantenían principalmente gracias a la caza y a la recolección y habitaban en cuevas, en algunas de las cuales desarrollaron la llamada pintura rupestre. Tras un periodo de transición (Mesolítico, 8000-6000 a. C.), en el Neolítico (6000-3000 a. C.) el ser humano se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura, con sociedades cada vez más complejas donde fue cobrando importancia la religión, y comenzó la producción de piezas de artesanía. Por último, en la llamada Edad de los Metales (3000-1000 a. C.), surgieron las primeras civilizaciones protohistóricas.

Paleolítico

Artículo principal: Arte paleolítico

Las primeras manifestaciones artísticas proceden del Homo neanderthalensis, de hace unos 65 000 años, tal como se constata por los restos hallados en las cuevas de Maltravieso (Cáceres), Ardales (Málaga) y La Pasiega (Cantabria).[2]​ Aun así, la mayor parte de los primeros hallazgos artísticos son del paleolítico superior y pertenecen ya al Homo sapiens, alrededor del 25 000 a. C., teniendo su apogeo en el periodo magdaleniense (±15 000-8000 a. C.). Los primeros vestigios de objetos creados por el hombre aparecen en el sur de África, el Mediterráneo occidental, Europa central y oriental (Mar Adriático), Siberia (Lago Baikal), la India y Australia. Estos primeros vestigios son generalmente utensilios de piedra trabajada (sílex, obsidiana), o bien de hueso o madera. Para la pintura utilizaban rojo de óxido de hierro, negro de óxido de manganeso y ocre de arcilla. Su principal medio expresivo era la pintura rupestre, desarrollada principalmente en la región franco-cantábrica: son pinturas de carácter mágico-religioso, en cuevas, de sentido naturalista, con representación de animales, destacando las cuevas de Altamira, Tito Bustillo, Trois Frères, Chauvet y Lascaux. En escultura, destacan las llamadas venus, representaciones femeninas que seguramente servían de culto a la fecundidad, destacando la Venus de Willendorf. Otras obras representativas de esta época son el denominado Hombre de Brno, el Mamut de Vogelherd y la Dama de Brassempouy.[3]​

En la prehistoria surgieron las primeras formas rudimentarias de música y danza: diversos fenómenos naturales y la modulación de la propia voz humana hicieron ver al hombre primitivo que existían sonidos que resultaban armónicos y melodiosos, y que afectaban a las emociones, al estado anímico de las personas. Al tiempo, la danza, el movimiento rítmico, supuso una forma de comunicación corporal que servía para expresar sentimientos, o para ritualizar acontecimientos importantes (nacimientos, defunciones, bodas). En principio, música y danza tenían un componente ritual, celebrados en ceremonias de fecundidad, caza o guerra, o de diversa índole religiosa. Pronto el ser humano aprendió a valerse de objetos rudimentarios (huesos, cañas, troncos, conchas) para producir sonidos, mientras que la propia respiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera cadencia a la danza.[4]​

Neolítico

Artículo principal: Arte neolítico

Este periodo —iniciado alrededor del 8000 a. C. en el Próximo Oriente— supuso una profunda transformación para el antiguo ser humano, que se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura y la ganadería, surgiendo nuevas formas de convivencia social y desarrollándose la religión. En la pintura levantina —datada entre el Mesolítico y el Neolítico— se dio la figura humana, muy esquematizada, con notables ejemplos en El Cogul, Valltorta, Alpera y Minateda. También se dio este tipo de pintura en el norte de África (Atlas, Sáhara) y en la zona del actual Zimbabue. La pintura neolítica solía ser esquemática, reducida a trazos básicos (el hombre en forma de cruz, la mujer en forma triangular). Son de destacar igualmente las pinturas rupestres del río Pinturas en Argentina, especialmente la Cueva de las manos. En arte mobiliar se produjo la llamada cerámica cardial, decorada con impresiones de conchas (cardium), y apareció el arte textil. Se manufacturaron nuevos materiales como el ámbar, el cristal de roca, el cuarzo, el jaspe, etc. En esta época aparecieron los primeros vestigios de poblados con una planimetría urbanística, destacando los restos hallados en Tell as-Sultan (Jericó), Jarmo (Irak) y Çatalhöyük (Anatolia).[5]​

Edad de los Metales

 
Complejo megalítico de Stonehenge, en Inglaterra.

La última fase prehistórica es la llamada Edad de los Metales, pues la utilización de elementos como el cobre, el bronce y el hierro supuso una gran transformación material para estas antiguas sociedades. En el llamado calcolítico surgió el megalitismo, monumentos funerarios en piedra, destacando el dolmen y el menhir, o el cromlech inglés, como en el magnífico conjunto de Stonehenge. En España se formó la cultura de Los Millares, caracterizada por la cerámica campaniforme y las representaciones humanas de figuras esquemáticas de grandes ojos. En Malta destacó el conjunto de templos de Mudajdra, Tarxien y Ggantija. En las islas Baleares se desarrolló una notable cultura megalítica, con diversas tipologías de monumentos: la naveta, tumba en forma de pirámide truncada, con cámara funeraria alargada; la taula, dos grandes piedras colocadas una vertical y otra encima horizontal; y el talayot, torre con una cámara cubierta de falsa cúpula.[6]​

En la Edad del Hierro destacaron las culturas de Hallstatt (Austria) y La Tène (Suiza). La primera se dio entre los siglos VIII a. C. y V a. C., caracterizada por las necrópolis con tumbas de túmulo, con cámara mortuoria de madera en forma de casa, a menudo acompañada de un carro de cuatro ruedas. La cerámica era polícroma, con decoraciones geométricas y aplicaciones de adornos metálicos. La Tène se desarrolló entre los siglos V a. C. y I a. C., ligada a la cultura celta. Destacó por sus objetos en hierro (espadas, lanzas, escudos, fíbulas), con diversas fases de evolución (La Tène I, II y III), que al final de esta era recibió las influencias griega, etrusca y del arte de las estepas.[7]​

Arte antiguo

Artículo principal: Arte antiguo

Se denomina así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia, iniciadas con la invención de la escritura, destacando las grandes civilizaciones del Próximo Oriente: Egipto y Mesopotamia. También englobaría las primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos los continentes. En esta época aparecieron las primeras grandes ciudades, principalmente en cuatro zonas delimitadas por grandes ríos: el Nilo, el Tigris y el Éufrates, el Indo y el río Amarillo.

Uno de los grandes avances en esta época fue la invención de la escritura, generada en primer lugar por la necesidad de llevar registros de índole económica y comercial. El primer código escrito fue la escritura cuneiforme, surgida en Mesopotamia alrededor del 3500 a. C., practicada en tablillas de arcilla. Estaba basada en elementos pictográficos e ideográficos, mientras que más adelante los sumerios desarrollaron un anexo silábico para su escritura, reflejando la fonología y la sintaxis del idioma sumerio hablado. En Egipto se desarrolló la escritura jeroglífica, con una primera muestra en la Paleta de Narmer (3100 a. C.). La lengua hebrea fue una de las primeras que utilizó como método de escritura el alfabeto (abyad, alrededor del 1800 a. C.), que relaciona un único símbolo a cada fonema; de aquí derivan los alfabetos griego y latino.[8]​

Mesopotamia

Artículo principal: Arte de Mesopotamia

El arte mesopotámico se desarrolló en la zona comprendida entre los ríos Tigris y Éufrates (actuales Siria e Irak), donde desde el IV milenio a. C. se sucedieron diversas culturas como los sumerios, acadios, amorritas, asirios, caldeos, etc. La arquitectura se caracteriza por el empleo del ladrillo, con un sistema adintelado y la introducción de elementos constructivos como el arco y la bóveda. Destacan los zigurats, grandes templos de forma escalonada piramidal, de los que prácticamente no nos han llegado vestigios, excepto algunos basamentos. La tumba solía ser de corredor, con cámara cubierta de falsa cúpula, como algunos ejemplos hallados en Ur. También destacaron los palacios, conjuntos amurallados con un sistema de terrazas a modo de zigurat, otorgando gran importancia a las zonas ajardinadas (los jardines colgantes de Babilonia son una de las siete maravillas del mundo antiguo).

La escultura se desarrolló en talla exenta o relieve, en escenas religiosas o de caza y militares, con la presencia de figuras humanas y animales reales o mitológicos. En época sumeria se dieron pequeñas estatuas de formas angulosas, con piedra de color o pasta en los ojos, en figuras sin cabello, con las manos en el pecho. En el periodo acadio son figuras con cabello y larga barba, destacando la estela de Naram-Sin. De la etapa amorrita (o neosumeria) destacan las representaciones del rey Gudea de Lagash, con manto y turbante y las manos nuevamente sobre el pecho. En el dominio babilónico cabe mencionar la famosa estela de Hammurabi. De la escultura asiria destacan las figuras antropomórficas de toros o genios alados, que flanqueaban las puertas de los palacios, así como los relieves con escenas de guerra o caza, como el Obelisco negro de Salmanasar III.[9]​

Con la aparición de la escritura surgió la literatura, como medio de expresión de la creatividad del ser humano. En la literatura sumeria destaca el Poema de Gilgamesh, del siglo XVII a. C. Se escribieron una treintena de mitos sobre las divinidades sumerias y acadias más importantes, entre los que destacan: el descenso de Inanna a los infiernos y los generados en torno a los dioses Enki y Tammuz. Otra muestra de relevancia es el poema Lugal ud melambi Nirpal (Los trabajos de Ninurta), cuyo contenido es de tipo didáctico y moral. En época acadia destaca el Atrahasis, sobre el mito del diluvio. En la literatura babilónica es de remarcar el poema Enûma Elish, sobre la creación del mundo.[10]​

La música se desarrolló en esta región entre el IV y el III milenio a. C., en rituales de los templos sumerios, donde se cantaban himnos o salmos (ersemma) a los dioses. El canto litúrgico estaba compuesto de responsorios —canto alternado entre sacerdotes y coro— y antífonas —canto alternado entre dos coros—. Tenían varios instrumentos, como el tigi (flauta), el balag (tambor), la lilis (precursor del timbal), el algar (lira), el zagsal (arpa) y la adapa (pandero).[11]​

Egipto

Artículo principal: Arte del Antiguo Egipto
 
Las pirámides de Gizeh.

En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones, con obras de arte elaboradas y complejas que suponen ya una especialización profesional por parte del artista/artesano. Su arte era intensamente religioso y simbólico, con un poder político fuertemente centralizado y jerarquizado, otorgando una gran relevancia al concepto religioso de inmortalidad, principalmente del faraón,[nota 1]​ para el que se construyen obras de gran monumentalidad. Iniciado alrededor del 3000 a. C., el arte egipcio perduró hasta la conquista de Alejandro Magno, si bien su influencia persistió en el arte copto y bizantino.

La arquitectura se caracteriza por su monumentalidad con el empleo de la piedra, en grandes bloques, con sistema constructivo adintelado y sólidas columnas. Destacan los monumentos funerarios, con tres tipologías principales: la mastaba, tumba de forma rectangular; la pirámide, que puede ser escalonada (Saqqarah) o de lados lisos (Gizeh); y los hipogeos, tumbas excavadas en el suelo o en paredes de precipicios (Valle de los Reyes). La otra gran edificación es el templo, conjuntos monumentales precedidos de una avenida de esfinges y dos obeliscos, un acceso con dos pilonos o muros trapeciales, un patio hípetro, una sala hipóstila y el santuario. Destacan los templos de Karnak, Luxor, Filae y Edfú. Otro tipo de templo es el speos, en forma de hipogeo, como en Abu Simbel y Deir el-Bahari.

La escultura y la pintura muestran las representaciones de forma figurativa, generalmente con gran rigidez y esquematización. En la escultura egipcia comenzó a representarse a faraones y dioses ya en las primeras dinastías, alcanzándose durante la IV Dinastía el dominio absoluto de la técnica en elegantes representaciones de porte majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros como el granito o la diorita. Predominaba la ley de la frontalidad y el hieratismo, con formas tendentes a la geometrización, dado su carácter simbólico como manifestaciones de la vida ultraterrena. También destacan los ushebti, pequeñas figurillas de tierra cocida o madera, de mayor realismo que la escultura funeraria, representando escenas cotidianas.

La pintura se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos. Las imágenes se representaban con criterio jerárquico, por ejemplo: el faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los enemigos que están a su lado. Predominaba el canon de perfil, que consistía en representar la cabeza y las extremidades de perfil pero los hombros y los ojos de frente. En Egipto se desarrollaron notablemente las artes aplicadas, especialmente la ebanistería y la orfebrería, con magníficos ejemplos como los muebles de cedro con taraceas de ébano y marfil de las tumbas de Yuya y Tuyu (Museo Egipcio de El Cairo), o las piezas halladas en la tumba de Tutankamon, de gran calidad artística.[12]​

La literatura egipcia fue la primera en desarrollar un formato literario tal y como lo conocemos hoy en día: el libro.[13]​ Una de sus mejores manifestaciones es la Historia de Sinuhé, un servidor de Sesostris I, cuyo relato data de mediados del siglo XX a. C. Posteriormente destaca el Libro de los muertos, escrito en el Papiro de Ani, datado hacia el siglo XIII a. C. La música egipcia era principalmente de signo religioso, con un gran protagonismo del canto vocal, desarrollando un ciclo anual de festividades cada una de las cuales tenía su música correspondiente —hecho que pasó a la liturgia judía y cristiana—. Entre sus instrumentos figuraban el sistro, el ser (pandero), el ben (arpa), la seba (flauta), el sneb (trompeta) y el met (clarinete). Al parecer, tenían también un tipo de órgano hidráulico, y en la tumba de Tutankamon se encontraron dos trompetas de plata.[14]​

América

Artículo principal: Arte precolombino
 
Ciudad de Monte Albán, Oaxaca, México.

En una evolución paralela a la de los pueblos neolíticos europeos, los antiguos cazadores-recolectores se iniciaron en la agricultura en torno al VII milenio a. C. —especialmente el maíz—, surgiendo las primeras sociedades en las tierras altas de México, donde se observa el predominio de una casta sacerdotal, con grandes conocimientos en matemáticas y astronomía. Los primeros hallazgos artísticos son de alrededor del 1300 a. C. en Xochipala (estado de Guerrero), donde se hallaron unas estatuillas de arcilla de gran vivacidad. La primera gran civilización mesoamericana fue la olmeca, localizada en un espacio que actualmente corresponde a las provincias de Veracruz y Tabasco, donde destacan las esculturas de piedra, de gran naturalismo (Luchador, hallado en Santa María Uxpanapán), o las colosales cabezas monolíticas de hasta 3,5 metros de altura. Los zapotecas, establecidos en Oaxaca, construyeron el magnífico conjunto de la Ciudad de los Templos, en el Monte Albán. En América del Norte destacaron las culturas Hohokam, Mogollón y Anasazi.

En Perú está documentada la construcción de grandes templos antes incluso de la invención de la cerámica, en el III milenio a. C. (Sechín Alto, Kuntur Wasi). Destaca Chavín de Huántar (900 a. C.), complejo religioso construido en diversas fases, con una estructura en forma de U, con una plaza embaldosada con losas en relieve con figuras de jaguares y animales mitológicos, templo edificado sobre tres pisos de galerías, y un monolito central de granito blanco de 4,5 metros de altura. En esta región surgió una notable industria textil, quizá la primera del mundo, hilada con telar con hilos de casi 200 colores distintos, destacando especialmente los mantos de lana de Paracas. Otras culturas remarcables de la región fueron la moche y la nazca —con sus enigmáticos geoglifos de Nazca—. En la zona del Amazonas destacó la cultura barrancoide, con una cerámica de diseños incisos, así como la cultura San Agustín en Colombia.[15]​

África

Artículo principal: Arte africano
 
Escultura nok.

El arte africano ha tenido siempre un marcado carácter mágico-religioso, destinado más a ritos y ceremonias de las diversas creencias animistas y politeístas africanas que no a fines estéticos, aunque también hay producciones de signo ornamental. La mayoría de sus obras son de madera, piedra o marfil, en máscaras y figuras exentas de carácter más o menos antropomórfico, con un típico canon de gran cabeza, tronco recto y miembros cortos. También se producían cerámica, joyería y tejidos, así como objetos de metalurgia —el hierro era conocido desde el siglo VI a. C.—. La primera producción de cierta relevancia fue la cultura Nok, en el I milenio a. C., situada en el norte de la actual Nigeria. Destacan las esculturas de terracota, con figuras humanas —a veces sólo la cabeza— o de animales (elefantes, monos, serpientes), de gran sentido naturalista, mostrando expresiones faciales de signo individualizado, con diversos peinados, a veces con collares y brazaletes. En Sudán se desarrollaron las culturas kerma y meroe, caracterizadas por sus monumentales construcciones en barro, sus armas y su cerámica. En Etiopía destacó la ciudad de Aksum, centro de un reino que alcanzó su apogeo en el siglo IV. Con una notable cultura —desarrollaron una escritura en lengua ge'ez, y crearon un sistema monetario—, son de destacar sus estelas en forma de pilares monolíticos, de carácter funerario, de hasta 20 metros de altura.[16]​

Asia

India

Artículo principal: Arte de la India

El arte indio tiene un carácter principalmente religioso, sirviendo como vehículo de transmisión de las distintas religiones que han jalonado la India: hinduismo, budismo, islamismo, cristianismo, etc. También hay que destacar como rasgo distintivo del arte indio su afán de integración con la naturaleza, como adaptación al orden universal, teniendo en cuenta que la mayor parte de elementos naturales (montañas, ríos, árboles) tienen para los indios un carácter sagrado.

  • Cultura del Indo: la primera gran civilización india se desarrolló entre el siglo XXVI a. C. y el siglo XIII a. C., conocida hoy día por las excavaciones realizadas en 1920 por sir John Marshall en Mohenjo-Daro, antigua ciudad que en sucesivos emplazamientos muestra una planificada urbanización, con edificios públicos construidos en ladrillos de barro cocido. De igual importancia son las excavaciones realizadas en Harappa, con restos de cerámica, escultura y útiles de metal (oro, plata, cobre y latón).[17]​
  • Período védico (siglos XIII-VI a. C.) y premauria (siglos VI-III a. C.): en esta etapa se introdujeron los pueblos arios, apareciendo las religiones tradicionales indias. En el siglo VI a. C. aparecieron el budismo y el jainismo, estableciéndose estrechos lazos con el arte persa. La expedición a la India de Alejandro Magno (326-325 a. C.) abrió contacto con el arte helenístico griego, plasmado en las formas grecobudistas.
  • Arte maurya (siglos III-II a. C.): la dinastía Maurya, de religión budista, ocupó todo el curso medio del Indo y la parte central de la península del Deccán. La arquitectura de piedra sustituye al ladrillo, como en el Palacio de Aśoka en Pātaliputra. El monumento característico de este periodo es la stūpa, túmulo funerario de carácter conmemorativo, generalmente recubierto de relieves con escenas de la vida de Buda, como la Stūpa de Sānchi.
  • Arte de Gandhāra (siglos II a. C.-I d. C.): el arte de Gandhāra es de tradición grecobudista, con influencia helenística y sasánida, destacando por la representación directa de la imagen de Buda. Evolucionó la tipología de la stūpa, que es con cúpula sobre un alto tambor cilíndrico colocado sobre una base cuadrada, como el de Kanisha, en Peshawar.
  • Arte de Mathurā y Amarāvatī (siglos I-IV): en la ciudad de Mathurā, situada en la cuenca superior del Ganges, se desarrolló una importante escuela artística que se difundiría por el resto de la India e influenciaría al arte gupta. El estilo Mathurā mezclaba elementos tradicionales indios con motivos grecorromanos, sin embargo nos han llegado pocas representaciones de este periodo debido a la destrucción producida por la invasión islámica. El arte de Amarāvatī también tiene influencia grecorromana, como lo demuestra los restos hallados en Virapatnam (Pondicherry). Al igual que los estilos anteriores, sus obras principales son monasterios y stūpas, destacando la gran stūpa de Amarāvatī, de 50 metros de altura.[18]​
 
La Guerra de Kurukshetra en una ilustración del Mahābhārata.

La literatura india comenzó alrededor del 2500 a. C., escrita en sánscrito. Su primera manifestación fue la literatura védica (de veda, ‘verdad’), con escritos centrados en la religión y la guerra, con un tono poético y evocador de un mundo mágico. Se divide en tres grupos: los Samjitas (o ‘colecciones’, que incluyen el propio Rigveda (himnos litúrgicos de tema mitológico, con un lenguaje poético y de exaltación de la naturaleza); los Brāhmaṇa, también de carácter litúrgico, pero de signo más esotérico, incluyendo los Upaṇiṣad, escritos sobre doctrinas secretas que suponen la primera obra de tipo filosófico en la India; y los Sutra, series de aforismos sobre religión, gramática, filosofía y otros aspectos del brahmanismo. En un período posvédico (hacia el siglo III a. C.) surgen los grandes poemas épicos indios: el Majabhárata es la tercera obra literaria más extensa del mundo, con doscientos mil versos recopilados en dieciocho libros (donde destaca el Bhagavad-gītā), sobre leyendas y epopeyas de la mitología hindú, pero con un fuerte trasfondo filosófico y moral; y el Ramaiana, obra de Valmiki, nueva síntesis de poesía y epopeya con elementos teológicos y filosóficos.[19]​

El teatro indio tiene su origen en el Nāṭya-śāstra, libro sagrado de Brahma comunicado a los hombres por el rishi Bharata Muni, donde se habla de canto, danza y mímica. Generalmente, la temática es de signo mitológico, sobre las historias de los dioses y héroes indios. La representación es básicamente actoral, sin decorados, destacando únicamente el vestuario y el maquillaje. Había diversas modalidades: Śakuntalā, de siete actos; Mricchakaṭikā, de diez actos. Como dramaturgos destacaron Kālidāsa y Śūdraka.[20]​

La música india tiene un fuerte sello ecléctico debido a la multiplicidad étnica de los diversos pueblos que fueron llegando al subcontinente índico: los vedas tenían melodías únicamente de dos notas; los drávidas tenían músicas y danzas más elaboradas, relacionadas con cultos a la fertilidad; los protomediterráneos introdujeron nuevos instrumentos, como el magudhi, la famosa flauta de los encantadores de serpientes; los arios introdujeron los himnos religiosos en los Vedas. El Ṛig vedá («himnos vedas») deja constancia de tres tipos de entonaciones: udatta (aguda), anudatta (grave) y svarita (media). El Sāma Vedá («cantos vedas») pasó de cinco a siete notas, usando generalmente un tetracordio en las melodías vocales, que aún perdura en zonas del Himalaya.[21]​

China

Artículo principal: Arte de China
 
Ejército de terracota de Xian (210 a. C.), situado en el interior del Mausoleo de Qin Shi Huang.

El arte chino ha tenido una evolución más uniforme que el occidental, con un trasfondo cultural y estético común a las sucesivas etapas artísticas, marcadas por sus dinastías reinantes. Como la mayoría del arte oriental tiene una importante carga religiosa (principalmente taoísmo, confucianismo y budismo) y de comunión con la naturaleza. Al contrario que en Occidente, los chinos valoraban por igual la caligrafía, la cerámica, la seda o la porcelana, que la arquitectura, la pintura o la escultura, a la vez que el arte está plenamente integrado en su filosofía y cultura.

  • Dinastía Shang (1600-1046 a. C.): destacó por sus objetos y esculturas en bronce, especialmente vasijas decoradas en relieve y máscaras y estatuas antropomórficas, como las halladas en la zona de Chengdu, en el alto Yangtsé, de alrededor del 1200 a. C. Se han encontrado restos arqueológicos de varias ciudades en la zona de Henan, amuralladas y con una retícula rectangular, como en Zhengzhou y Anyang. En estos asentamientos se han hallado igualmente tumbas con ricos ajuares de armas, joyas y diversos utensilios en bronce, jade, marfil y otros materiales.
  • Dinastía Zhou (1045-256 a. C.): evolucionando desde el arte Shang, los Zhou crearon un estilo decorativo y ornamentado, de figuras estilizadas y dinámicas, continuando el trabajo en cobre. Una invasión nómada en 771 a. C. fragmentó el imperio en pequeños reinos, periodo en el que sin embargo florecieron la agricultura y la metalurgia, apareciendo diversos estilos artísticos locales en el llamado Periodo de los Reinos Combatientes. Aparecieron el taoísmo y el confucianismo, que influenciarían enormemente al arte. Destacó el trabajo en jade, decorado en relieve, y apareció la laca.
  • Dinastía Qin (221-206 a. C.): unificada China bajo el reinado de Qin Shi Huang, se construyó la Gran Muralla para evitar invasiones exteriores, con 2400 kilómetros de longitud y una media de 9 metros de altura, con torres de guardia de 12 metros de altura. Destaca el gran hallazgo arqueológico del Ejército de terracota de Xian (210 a. C.), situado en el interior del Mausoleo de Qin Shi Huang. Está compuesto por cientos de estatuas de terracota de guerreros a medida natural, incluidos varios caballos y carros, con gran naturalismo y precisión en la fisonomía y los detalles.
  • Dinastía Han (206 a. C.-220 d. C.): época de paz y prosperidad, se introdujo el budismo, que tuvo una implantación lenta pero progresiva. Destacó por sus capillas funerarias, con estatuas aladas de leones, tigres y caballos. La pintura se centró en temas de la corte imperial, nobles y funcionarios, con un sentido confucianista de la solemnidad y la virtud moral. También son de remarcar los relieves en santuarios y cámaras de ofrendas, generalmente dedicados a motivos confucianistas, en un estilo lineal de gran simplicidad.
  • Periodo de las Seis dinastías (220-618): se difundió más ampliamente el budismo, construyéndose grandes santuarios con estatuas colosales de Buda (Yungang, Longmen). Junto a esta nueva religión, y gracias a la ruta de la seda, se recibieron diversas influencias procedentes del oeste asiático. En pintura se formularon los seis principios, enunciados por Xie He a principios del siglo VI, y comenzó la caligrafía artística con la figura legendaria de Wang Xianzhi.[22]​
 
Versión del Tao te king hallada en Mawangdui.

La literatura china se inició con obras de carácter religioso y filosófico, apareciendo entre los siglos X y V a. C. los llamados Cinco Clásicos: el Li-Ki, compendio de rituales y costumbres que fue posteriormente ampliado, llegando a los cien tomos; el I Ching, manual de adivinación basado en el significado de ocho trigramas, atribuido al mítico emperador Fu Xi; el Shu-king, crónica escrita en un lenguaje formal y ceremonioso que será típico de la producción literaria china; el Shi King (El clásico de la poesía), recopilación de poemas; y el Ch'uen-tsieu, primera crónica fechada (722-481 a. C.). En torno al siglo V a. C. surgieron las principales obras del pensamiento chino, grandes compendios de la filosofía y la moral: el Lùn Yǔ (Analectas) de Confucio y el Tao te king (Libro del Tao) de Lao Tse. También tuvo mucha repercusión El arte de la guerra de Sun Tzu. En época Han apareció un nuevo género, el fu, poesía de carácter didáctico asociada a una composición musical, mientras que en prosa destacó el She-ki (Memorias históricas) de Ssê Ma-ts'ien.[23]​

La música china es pentatónica (de cinco notas), al contrario que el sistema heptatónico occidental (de siete notas). Del periodo predinástico hay constancia de varios instrumentos, como el ch'ing (piedra sonora), el hsüan (flauta), el ku (tambor) y el chun (campana). De época Shang es el Shih Ching (Libro de los Cantos), que recoge creaciones musicales desde el 1600 hasta el 600 a. C. Durante la dinastía Zhou se sentaron las bases de la música tradicional china, recopiladas en el Lü Shih Ch'un Ch'iu (Anales del Sr. Lü) de Lü Buwei (239 a. C.): sobre un «tono base» (huang chung) procedente de una caña de bambú, derivaron tonos más agudos cortando el tubo un tercio menor que el anterior, obteniendo las cinco notas: king, shang, chiao, chih, yü. Los principales instrumentos eran: el pien-ch'ing (carillones de piedra de jade), el pien-chung (campanillas), el sheng (órgano de tubos de bambú), el p'ai-hsiao (flauta pánica o siringa) y el ch'in (cítara).[24]​

Japón

Artículo principal: Arte de Japón
 
Página de un Nihonshoki (Anales de Japón) del período Heian.

El arte japonés ha estado marcado por su insularidad, aunque a intervalos ha ido recibiendo la influencia de las civilizaciones continentales, sobre todo de China y Corea. Gran parte del arte producido en Japón ha sido de tipo religioso: a la religión sintoísta, la más típicamente japonesa, formada alrededor del siglo I, se añadió el budismo en torno al siglo V, forjando un sincretismo religioso que aún hoy perdura.

  • Período Jōmon (5000-200 a. C.): durante el Mesolítico y el Neolítico se fabricaron instrumentos de hueso y piedras pulimentadas, cerámica y figuras antropomorfas. Japón se mantuvo aislado del continente, por lo que toda su producción fue autóctona, aunque de poca relevancia. Cabe señalar que la cerámica Jōmon es la más antigua producida por el ser humano, hecha a mano y decorada con incisiones o impresiones de cuerda.[25]​
  • Período Yayoi (200 a. C.-200 d. C.): desde el siglo I a. C. empezó a introducirse la civilización del continente, a causa de las relaciones con China y Corea. En esa época se difundió un tipo de sepulturas de gran tamaño con cámara y túmulo ornamentado con cilindros de terracota, con figuras humanas y de animales. La cerámica se producía con torno.
  • Período Kofun (200-600): destacan las grandes sepulturas de los emperadores Ōjin (200-310) y Nintoku (310-399), donde aparecieron diversas joyas, armas, cerámica y unas figuras de terracota llamadas haniwa. En este período encontramos las primeras muestras de pintura japonesa (tumbas de Kyūshū, siglos siglo V d. C.-VI; enterramiento real de Otsuka). En cuanto a arquitectura religiosa, cabe destacar el templo de Isa.[26]​

La literatura japonesa tiene una fuerte influencia china, debido sobre todo a la adopción de la escritura china. El testimonio más antiguo conservado es el Kojiki (Relatos de cosas antiguas), especie de historia universal de corte mítico y teogónico. Otro testimonio de relevancia es el Nihonshoki (Anales de Japón). La poesía está representada por el Man'yōshū (Colección de diez mil hojas), antología de poemas de diverso signo, con gran variedad temática y estilística, redactado por varios autores entre los que destacan Ōtomo no Yakamochi y Yamanoue no Okura.[27]​

La música japonesa tuvo sus primeras manifestaciones en las honkyoku («piezas originales»), que se remontan al siglo XIX a. C., así como el min'yō, canciones folclóricas japonesas. Los ritos sintoístas tenían coros que recitaban un trino lento acompañado de flauta de bambú (yamate-bue) y cítara de seis cuerdas (yamato-goto). La principal modalidad de música y danza sintoísta es la kagura, sobre el mito de Amaterasu, diosa del sol. Se ejecuta con los instrumentos mencionados, y otros como el hichiriki (oboe) y tambores como el o-kakko y el o-daiko.[28]​

Oceanía

Artículo principal: Arte de Oceanía

El arte oceánico está marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan el océano Pacífico, destacando las islas de Australia y Nueva Zelanda, y tres principales áreas de islas y archipiélagos: Polinesia, Melanesia y Micronesia. La primera cultura desarrollada en la zona fue la lapita (1500-500 a. C.), originada en Nueva Caledonia y extendida por Nueva Guinea y Polinesia occidental (islas Salomón, Vanuatu, Fiyi, Tonga y Samoa, principalmente). Se caracteriza por su cerámica decorada con motivos dentados hechos con peines o púas, así como objetos de obsidiana y conchas. Entre el 500 a. C. y el 500 d. C. continuó la colonización hacia Micronesia, Melanesia y Polinesia oriental (islas Sociedad, Marquesas, isla de Pascua, Hawái), aunque en estas primeras fases no se han hallado numerosos vestigios, excepto algunos utensilios y abalorios, principalmente de conchas. En Australia destacan las pinturas rupestres, que son bastante esquemáticas, llegando a la simplificación geométrica.[29]​

Otras manifestaciones

 
Puerta del León en Boğazköy.
  • Arte hitita: el pueblo hitita habitó en la península de Anatolia, Armenia y Siria, entre el III y el II milenio a. C. Recibió influencia mesopotámica y, a su vez, influenció al arte persa, minoico y etrusco. Su arquitectura era monumental, con palacios precedidos de avenidas con esculturas de esfinges, como en Boğazköy, donde aparecieron también diversos relieves con escenas de guerra y caza. También destacaron las esculturas de Karkemish y Tell-Halaf (Siria).
  • Arte fenicio: pueblo de tradición marinera, dedicados principalmente al comercio, navegaron por todo el Mediterráneo y el norte de África, fundando la ciudad de Cartago en la actual Tunicia. Transmitieron la influencia del arte oriental por todo el Mediterráneo. Destacan sus esculturas, de influencia asiria y egipcia, con cierta rigidez arcaica y falta de naturalidad. El arte fenicio se dio también en distintas zonas del Mediterráneo, especialmente Chipre, Cerdeña e Ibiza.
  • Arte escita: también llamado «arte de las estepas», es el correspondiente a los pueblos nómadas que habitaban las llanuras euroasiáticas, principalmente entre el II y el I milenio a. C. Su arte era preponderantemente mobiliar, fácil de transportar, al ser un pueblo nómada. Ligado a la metalurgia, destacan los objetos en bronce, hierro y metales preciosos (armas, escudos, fíbulas, cinturones, joyas), así como obras en madera, hueso, cuero, telas y alfombras. En sus obras destacan los motivos animalísticos, posiblemente de origen totémico. El arte escita influenció al de los pueblos germánicos, vikingos y paleocristianos.
  • Arte ibérico: se desarrolló en la península ibérica coetáneamente a la cultura de La Tène, principalmente en Andalucía y la zona de levante y, en menor medida, en la Meseta Central y el sur de Francia. La arquitectura se basaba en los muros de tapial, con sistema adintelado, realizando arcos y bóvedas falsas por aproximación de hiladas. Las ciudades se solían construir en acrópolis, como en Azaila, Ullastret y Olérdola. Se desarrolló notablemente la escultura, destacando la tipología de las «damas», como las de Elche, Baza y el Cerro de los Santos. También fue típica la representación de animales (caballos, toros, leones), algunos de carácter antropoide, como la Bicha de Balazote.
  • Arte persa: en Persia se desarrolló una importante cultura bajo el reinado de dos importantes dinastías: la aqueménida (560-331 a. C.) y la sasánida (226-640 d. C.). La arquitectura persa aglutinó las formas mesopotámicas con las egipcias, empleando por primera vez la piedra en grandes palacios como los de Susa, Persépolis y Pasargada, donde surgió por vez primera el uso de la ventana —a diferencia de la iluminación cenital utilizada hasta entonces—, y donde destacan las grandes salas o apadanas, con columnas de gran altura y capiteles de volutas. En época sasánida surgieron palacios (Ctesifonte, Firuzabad) con sistemas abovedados con cúpulas sobre trompas, y un pórtico o iwan con gran arco abierto a un patio, que influirá al arte islámico. En la escultura persa destacan los relieves, en piedra o cerámica esmaltada, con escenas de guerreros, combates con monstruos o animales como toros y leones.[30]​
  • Arte nabateo: pueblo de origen semítico que habitaron en la zona sirio-palestina entre los siglos VI y II a. C., destaca especialmente la ciudad de Petra, situada entre desfiladeros de montaña, donde se han hallado diversos templos, palacios y tumbas excavados en la roca, de estilo helenístico. Entre ellos destaca el Jazneh Firaun («el tesoro del faraón»), con una monumental fachada con pronaos hexástilo y frontón, y la parte superior con un tholos redondo y dos edículos laterales con semifrontones.
  • Arte hebreo: los hebreos se instalaron en Palestina en el siglo XIII a. C. Recibieron la influencia del arte egipcio, fenicio y mesopotámico, así como del helenístico más adelante. De acuerdo a su religión se rechazaban las imágenes, por lo que la mayoría de su arte es ornamental. En arquitectura, hay testimonios de la gran magnificencia del Templo de Jerusalén, que lamentablemente no ha llegado hasta nuestros días. Aparte de eso destacan las sinagogas, generalmente de planta basilical y fachada tripartita, como en los templos sirios. En la literatura hebrea destaca la Biblia (el Tanaj o Antiguo Testamento, también llamado Torá, «ley»), importante documento no solo religioso sino también literario, redactado entre los siglos X a. C. y II d. C. en diversos estilos y géneros (histórico, legendario, mitológico, poético, profético, sapiencial y epistolar). Posteriormente se redactaron la Mishná, el Talmud y la Cábala.[31]​

Arte clásico

 
Fachada del Partenón, en la Acrópolis de Atenas.
Artículo principal: Arte y cultura clásica

Se denomina arte clásico[nota 2]​ al arte desarrollado en las antiguas Grecia y Roma, cuyos adelantos tanto científicos como materiales y de orden estético aportaron a la historia del arte un estilo basado en la naturaleza y en el ser humano, donde preponderaba la armonía y el equilibrio, la racionalidad de las formas y los volúmenes, y un sentido de imitación («mímesis») de la naturaleza que sentaron las bases del arte occidental, de tal forma que la recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia en la civilización occidental.

Grecia

Artículo principal: Arte de la Antigua Grecia

En Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han marcado la evolución del arte occidental. Tras unos inicios donde destacaron las culturas minoica y micénica, el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico, clásico y helenístico. Caracterizado por el naturalismo y el uso de la razón en medidas y proporciones, y con un sentido estético inspirado en la naturaleza, el arte griego fue el punto de partida del arte desarrollado en el continente europeo.

En arquitectura destacaron los templos, donde se sucedieron tres órdenes constructivos: dórico, jónico y corintio. Eran construcciones en piedra, sobre un basamento (krepis), con o sin pórtico (o con pórtico delante y detrás, es decir, anfipróstilo), con o sin columnas (que pueden ser frontales, laterales, o pueden rodear todo el edificio, en cuyo caso se denomina períptero), y coronados generalmente en forma de frontón, situado por encima del entablamento, cuyo friso muestra habitualmente relieves escultóricos. Destaca especialmente el conjunto de la Acrópolis, con el templo dórico del Partenón y los jónicos del Erecteión y la Niké Áptera. Otras obras de relevancia fueron el Teatro de Epidauro y la Linterna de Lisícrates, y se desarrolló el urbanismo de la mano de Hipodamo de Mileto.

En escultura predominó la representación del cuerpo humano, basado en la armonía de las proporciones. En época arcaica se dieron formas rígidas y esquemáticas, de gran expresividad, destacando por un tipo de sonrisa cercano a la mueca, llamada «sonrisa eginética» por tener su mayor representación en las figuras del Templo de Afaia en Egina. También son típicos de esta época las estatuas de atletas desnudos (kouros) y de muchachas vestidas (kore). En el siglo V a. C. (el llamado «siglo de Pericles») se instauró el clasicismo, llevando a la perfección el canon en las proporciones del cuerpo humano, con mayor naturalismo y un estudio anímico en la expresión de la figura representada. Destacó especialmente la obra de Mirón, Fidias y Policleto. En una segunda fase clasicista, se rompió la serenidad naturalista en aras de enfatizar la expresión, que resulta más trágica y angustiosa, como percibimos en la obra de Escopas, Praxíteles y Lisipo. Por último, en el periodo helenístico la proporción y la armonía dan paso al recargamiento y la sinuosidad, al dinamismo violento de la forma y la expresión patética del sentimiento, como en el Laocoonte y el Toro Farnesio, si bien persisten las formas clásicas en obras como la Venus de Milo y la Victoria de Samotracia.

La pintura se desarrolló sobre todo en la cerámica, en escenas cotidianas o de temática histórica o mitológica. Se suele establecer dos épocas, en función de la técnica utilizada en la confección de cerámica pintada: «figuras negras sobre fondo rojo» (hasta el siglo VI a. C.) y «figuras rojas sobre fondo negro» (desde el siglo VI a. C.). Aunque no han llegado numerosas muestras hasta la actualidad, se tiene constancia por fuentes históricas del nombre de varios famosos pintores griegos, como Zeuxis, Apeles, Parrasio, Eufranor, Polignoto, etc.[32]​

 
Comienzo de la Odisea, de Homero.

La literatura griega alcanzó cotas de gran calidad, poniendo las bases de la literatura occidental. Se configuraron los géneros literarios (épica, lírica y dramática), siendo la base argumental de sus obras la religión y la mitología. Desde unos inicios de tradición oral (la epopeya), surgió la literatura escrita con el desarrollo del alfabeto griego alrededor del siglo VIII a. C.. Los mitos griegos eran una fusión de elementos indogermánicos y mediterráneos, con un particular sentido estético que daría origen a la poesía. En origen, el mythos griego era una historia explicada, de tradición oral, considerándose fidedigna —al contrario que hoy, en que «mito» es sinónimo de leyenda, de ficción—; con la épica y la poesía, el mito pasó a la literatura, principalmente con la figura de Homero y sus dos grandes obras: la Ilíada y la Odisea. La poesía destacó por una lírica coral que expresaba sentimientos colectivos, como se percibe en la obra de Hesíodo, Píndaro, Safo y Anacreonte. También se desarrolló la prosa, sobre todo en el género histórico, destacando Heródoto, Tucídides y Jenofonte; la oratoria, representada por Demóstenes, Platón y Aristóteles; y la fábula, practicada por Esopo.[33]​

En Grecia nació el teatro entendido como «arte dramático», donde junto a un texto —donde predomina el diálogo, base de la representación escénica—, intervienen también los actores, la escenografía, las luces y efectos de sonido, el vestuario, el maquillaje, etc., mientras que es esencial la presencia de un público que contempla el espectáculo. El teatro griego evolucionó de antiguos rituales religiosos (komos); el ritual pasó a mito y, a través de la «mímesis», se añadió la palabra, surgiendo la tragedia. A la vez, el público pasó de participar en el rito a ser un observador de la tragedia, la cual tenía un componente educativo, de transmisión de valores, a la vez que de purgación de los sentimientos («catarsis»). Más adelante surgió la comedia, con un primer componente de sátira y crítica política y social, derivando más tarde a temas costumbristas y personajes arquetípicos. Apareció entonces también la mímica y la farsa. Los principales dramaturgos griegos fueron: Esquilo, Sófocles y Eurípides en tragedia, mientras que en comedia destacaron Aristófanes y Menandro.[34]​

La música griega nos es desconocida a nivel auditivo, tan sólo tenemos idea de cómo podía ser por documentos escritos. Los griegos escribían música con las letras del alfabeto, pero no se sabe cuánto duraba cada nota, por lo que se desconoce el ritmo. Una de las primeras modalidades fue el ditirambo, relacionado con el culto a Dioniso. El teatro y las narraciones épicas eran cantados, aunque al perderse las anotaciones musicales han quedado como documentos escritos. En Grecia fue la primera vez en la historia que se estudió la música de forma científica: Pitágoras la relacionó con las matemáticas, y se escribieron tratados teóricos sobre música, siendo el primero el de Aristóxeno en el siglo IV a. C. Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira, la cítara, el aulos, la siringa, varios tipos de tambores —como por ejemplo el tympanon—, el crótalo, el címbalo, el sistro, etc.[35]​ Grecia fue el primer lugar donde la danza fue considerada un arte, teniendo una musa dedicada a ella: Terpsícore. Los primeros vestigios provienen nuevamente de los cultos a Dioniso, mientras que fue en las tragedias —principalmente las de Esquilo— donde se desarrolló como técnica, en los movimientos rítmicos del coro.[36]​

Roma

Artículo principal: Arte de la Antigua Roma

Con un claro precedente en el arte etrusco, el arte romano recibió una gran influencia del arte griego. Gracias a la expansión del Imperio romano, el arte clásico grecorromano llegó a casi todos los rincones de Europa, norte de África y Próximo Oriente, sentando la base evolutiva del futuro arte desarrollado en estas zonas.

La arquitectura destacó por su carácter práctico y utilitario: grandes ingenieros y constructores, los romanos destacaron en arquitectura civil, con la construcción de carreteras, puentes, acueductos y obras urbanísticas, así como templos, palacios, teatros, anfiteatros, circos, termas, arcos de triunfo, etc. Al sistema arquitrabado griego añadieron el uso del arco y la bóveda, con el empleo de sillería, ladrillo y mampostería. Utilizaron los órdenes griegos, al que añadieron el orden toscano, de fuste liso y capitel con collarino y equino rematado en un ábaco cuadrado. Entre sus principales obras se pueden recordar el Coliseo, el Panteón de Agripa, el Teatro de Mérida, la Maison Carrée de Nîmes, las Termas de Caracalla, el Acueducto de Segovia, el Arco de Constantino, la Torre de Hércules, etc.

La escultura, inspirada en la griega, se centró igualmente en la figura humana, aunque con más realismo, no les importaba mostrar defectos que eran ignorados por la idealizada escultura griega. Un género muy difundido fue el retrato, con gran detallismo y fidelidad en los rasgos, perceptible en el uso del trépano para producir claroscuro y en el hecho de grabar las pupilas. Más idealizados son los retratos de los emperadores, realizados en tres versiones: togata, como patricio; thoracata, como militar; y apoteósica, como divinidad. Destacó especialmente el relieve, en temas históricos o religiosos, como vemos en el Ara Pacis de Augusto, en el Arco de Tito y en la Columna Trajana.

La pintura es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya, donde se perciben cuatro estilos: el de incrustación, que imita el revestimiento en mármol; el arquitectónico, llamado así por simular arquitecturas; el ornamental, con arquitecturas fantásticas, guirnaldas y amorcillos; y el fantástico, mezcla de los dos anteriores, con paisajes imaginarios, variadas formas arquitectónicas y escenas mitológicas. También destacó el mosaico, en opus sectile, de formas geométricas, u opus tesellatum, con pequeñas piezas que forman escenas figurativas, como El sacrificio de Ifigenia en Ampurias o La batalla de Isos en Nápoles.[37]​

La literatura romana recibió como en el resto de las artes la influencia griega, de la que adoptaron técnica y géneros; la principal innovación latina fue el concepto de «estilo» que los romanos aplicaron a sus obras. Si bien su producción no fue de gran calidad —en el aspecto estético-literario—, la obra de los autores latinos ha ejercido una gran influencia en la literatura occidental, por su ascendiente sobre la literatura cristiana y medieval, y debido a que el latín fue el origen de las lenguas vernáculas habladas posteriormente en muchos lugares de Europa. Cultivaron los mismos géneros que los griegos, destacando en poesía Lucrecio, Virgilio, Horacio y Ovidio; en prosa, Petronio y Apuleyo; en oratoria, Cicerón y Séneca; en historiografía, Salustio, Tácito y Tito Livio.[38]​

El teatro romano recibió la influencia del griego, aunque originalmente derivó de antiguos espectáculos etruscos, que mezclaban el arte escénico con la música y la danza: tenemos así los ludiones, actores que bailaban al ritmo de las tibiae —una especie de aulos—; más tarde, al añadirse la música vocal, surgieron los histriones —que significa «bailarines» en etrusco—, que mezclaban canto y mimo (las saturae, origen de la sátira). Al parecer, fue Livio Andrónico —de origen griego— quien en el siglo III a. C. introdujo en estos espectáculos la narración de una historia. El ocio romano se dividía entre ludi circenses (circo) y ludi scaenici (teatro), predominando en este último el mimo, la danza y el canto (pantomima). Como autores destacaron Plauto y Terencio.[39]​ La música romana nos es desconocida, igual que la griega. Tan sólo Cicerón habla un poco de ella en sus escritos. Al parecer, la época de mayor esplendor fue el reinado de Nerón, que favoreció notablemente la música —él mismo tocaba la lira—. La música romana pasó a la iglesia cristiana primitiva.

Arte medieval

 
Mosaico del Buen pastor, Mausoleo de Gala Placidia, Rávena (primera mitad del siglo V).
Artículo principal: Arte medieval

La caída del Imperio romano de Occidente marcó el inicio en Europa de la Edad Media, etapa de cierta decadencia política y social, pues la fragmentación del imperio en pequeños estados y la dominación social de la nueva aristocracia militar supuso la feudalización de todos los territorios anteriormente administrados por la burocracia imperial. El arte clásico será reinterpretado por las nuevas culturas dominantes, de origen germánico, mientras que la nueva religión, el cristianismo, impregnará la mayor parte de la producción artística medieval.

Arte paleocristiano

Artículo principal: Arte paleocristiano

Se denomina arte paleocristiano al efectuado por los primeros seguidores de esta nueva religión, primero de forma oculta, mientras aún eran perseguidos por el poder imperial, para pasar posteriormente, tras la conversión al cristianismo del emperador romano Constantino, a ser el estilo oficial del Imperio. Las formas clásicas fueron reinterpretadas para servir como vehículo de expresión de la nueva religión oficial, y se produjo una atomización de estilos por zonas geográficas.

En arquitectura, las primeras manifestaciones se produjeron en el ámbito de los cementerios o «catacumbas», que servían a la vez de lugares de reunión para los perseguidos devotos cristianos. Con la legalización de su religión, destacó como tipología la basílica, adaptación del edificio romano de mismo nombre que, sin embargo, pasó de una función civil a una religiosa. Generalmente constaba de tres partes: un atrio de acceso, el cuerpo de la basílica, dividido en tres naves, y el presbiterio, donde se sitúa el altar. Destacan las basílicas de San Pedro del Vaticano, San Juan de Letrán, San Lorenzo y San Clemente en Roma, y San Apolinar en Rávena.

Las artes figurativas inician el camino del arte medieval, eminentemente religioso, dando preponderancia al simbolismo de las escenas representadas por encima del realismo de la narración o de su carácter estético. En escultura destacaron los sarcófagos, que evolucionaron desde la simple decoración ornamental con molduras cóncavas (strygiles) hasta la narración de escenas en friso. La pintura se dio sobre todo en las catacumbas, con escenas religiosas y alegóricas, y surgió la miniatura, iluminación de manuscritos, con dos principales escuelas: la helenística-alejandrina y la siria. Cobró especial relevancia el mosaico, que tuvo un gran desarrollo, llegando a influir al arte bizantino; los mejores ejemplos se hallan en Santa María la Mayor de Roma y San Apolinar y San Vital de Rávena.[40]​

La literatura cristiana fue desarrollada en latín y griego, generalmente con propósito didáctico y propagandístico de la nueva fe. Eran obras prácticas, sin voluntad estilística, con una finalidad moralizante. En un primer momento destacó la elaboración del Nuevo Testamento, redactado en griego, con tres partes principales: los cuatro evangelios (Mateo, Marcos, Lucas, Juan), el corpus epistolar (cartas de San Pablo y otros apóstoles) y el Apocalipsis de San Juan. A continuación surgieron una serie de escritos apologéticos de los llamados Padres de la Iglesia: Atenágoras, Orígenes, Clemente de Alejandría, Eusebio de Cesarea, etc. Al convertirse el cristianismo en la religión oficial del Imperio surgió una tendencia más literaria, más elaborada y retórica, destacando san Basilio el Grande, san Juan Crisóstomo y san Gregorio Nacianceno. Entre los exegetas latinos destacaron Tertuliano, Lactancio, Prudencio, San Jerónimo (traductor de la Biblia al latín, la llamada Vulgata) y, especialmente, San Agustín.[41]​

La música cristiana primitiva era heredera de la romana, así como de la liturgia judía. La misa era cantada, de tipo coral. En el siglo IV, san Ambrosio introdujo el canto ambrosiano, ondulación vocal sin ritmo ni saltos entre notas. Más adelante, el papa Gregorio I Magno creó el canto gregoriano (siglo VII), con una línea melódica continua, en forma de misal (missalis romanum). Existen tres estilos de canto gregoriano, que se clasifican dependiendo de la cantidad de tonos diferentes que se cantan por sílaba: cuando hay un tono por sílaba se llama estilo «silábico»; de 2 a 5 tonos por sílaba se llama «neumático»; y de 6 a más tonos por sílaba se llama «melismático».[42]​

Arte germánico

 
Iglesia visigoda de San Juan, en Baños de Cerrato (Palencia).

La invasión del Imperio romano por los pueblos germánicos supuso la fragmentación del territorio en diversos reinos, donde los pueblos invasores pasaron a ser la clase dirigente, si bien subsistió la cultura romana entre las clases humildes. Esta convivencia cultural generó la aparición de las lenguas vernáculas y la creación de nuevas entidades políticas y culturales, que se irán afianzando a lo largo de la Edad Media hasta formar las diversas nacionalidades existentes en la actualidad en el mundo occidental.

Las primeras manifestaciones arquitectónicas de estos pueblos fueron de escasa relevancia, debido a la pobreza de los materiales usados y a la falta de un programa constructivo de envergadura. Se solían aprovechar instalaciones y materiales romanos, generalizándose el uso del arco de medio punto y la bóveda. Destacan las construcciones ostrogodas en Italia, como el Mausoleo de Teodorico en Rávena. En escultura destacó el relieve, como los de Poitiers en Francia o de Cividale en Italia. La pintura se desarrolló en la miniatura, como vemos en los sacramentarios de Luxeuil y Gelasiano (Vaticano).

Entre los pueblos germánicos conviene destacar el visigodo, asentado en la península ibérica, que desarrolló un estilo propio de gran relevancia. La arquitectura destacó por el empleo de la sillería, el arco de herradura y la bóveda, bien de cañón o de aristas. Desarrollaron tres tipos de iglesias: la basilical de tres naves (San Juan de Baños), la de una nave con cámaras laterales (San Pedro de la Mata) y la de cruz griega (Santa Comba de Bande). En escultura, es de destacar la incorporación de la escultura figurativa a las iglesias, sobre todo en frisos y capiteles, como en Quintanilla de las Viñas ) y San Pedro de la Nave. Destacó también la orfebrería, sobre todo en coronas y cruces, como los hallados en los tesoros de Guarrazar y Torredonjimeno.[43]​

Arte prerrománico

Artículo principal: Arte prerrománico
 
Interior de la Capilla Palatina, en Aquisgrán.

Se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la coronación de Carlomagno (año 800) hasta alrededor del año 1000, donde la aparición del románico supondrá la divulgación de un mismo estilo unitario a lo largo de todo el continente europeo. Esta acepción es simplemente una forma de englobar una serie de estilos independientes y con pocos o ningún factor común, con el único aglutinante de ser predecesores de la internacionalización del románico.

La literatura medieval es heredera de la tradición clásica grecorromana, aunque con un claro componente teocéntrico y de exaltación de la religión cristiana. Enmarcada en el terreno eclesiástico, que es el encargado de la conservación del antiguo legado cultural, la producción literaria es enteramente en latín, generalmente sobre temas morales y de retórica, como se percibe en la obra de Sidonio Apolinar, Boecio, Casiodoro, san Isidoro, san Gregorio Magno, Venancio Fortunato, etc. También destacó la escuela irlandesa (san Columbano, san Beda el Venerable) y la carolingia (Alcuino de York, Teodulfo de Orleans, Rabano Mauro).[45]​

En esta época, la música va experimentando sucesivos avances: la música carolingia fue la primera en incorporar instrumentos musicales, además del canto de tipo gregoriano; surgen las primeras piezas musicales sin texto, en incisos a los cantos litúrgicos (tropos a medio texto, y secuencias al final); en el siglo VIII comenzó un tipo de escritura musical diferenciada del alfabeto, con una serie de grafismos (neumas) actualmente no identificados.[46]​

Arte bizantino

Artículo principal: Arte bizantino

Pese a la caída del Imperio Romano de Occidente, en Oriente perduró —conocido como Imperio bizantino—[nota 3]​ hasta la conquista de Constantinopla en 1453 por los turcos otomanos. Heredero del arte helenístico, el arte bizantino recogió las principales tradiciones artísticas orientales, de las que fue puerta de entrada en Europa, donde el arte bizantino influyó en el arte prerrománico y románico. Se distinguen en el arte bizantino tres «edades de oro»: una primera en el siglo VI, coincidiendo con el reinado de Justiniano; una segunda desde el siglo IX hasta la toma de Constantinopla por los cruzados el 1204; y una tercera en el siglo XIV, con la dinastía Paleólogo.

En arquitectura se empleó la piedra y el ladrillo, con recubrimientos exteriores de placas de piedra con relieves e interiores de mosaico. Abundó el uso de la columna, con capiteles cúbicos decorados con relieves a dos planos, o bien en forma de avispero. Se utilizó el arco de medio punto y la bóveda con cúpula sobre pechinas. La tipología más utilizada fue la de planta centralizada —quizá por la importancia otorgada a la cúpula—, con un atrio de entrada, nártex, presbiterio y coro al fondo, con dos cámaras o sacristías laterales y el altar bajo un baldaquino. Las primeras manifestaciones, de época de Justiniano, son las más monumentales: iglesia de los Santos Sergio y Baco, de Santa Irene y de Santa Sofía[nota 4]​ en Constantinopla; en la segunda edad dorada destacan la catedral de Santa Sofía de Kiev y San Marcos de Venecia; y en la tercera cabe mencionar los conjuntos de Mistra, Salónica y monte Athos.

Las artes figurativas tuvieron en época de Justiniano influencia paleocristiana, a la vez que recogieron diversas tradiciones anteriores, especialmente la helenística y la siria neoática, destacando los conjuntos musivarios de San Demetrio de Salónica y San Vital de Rávena. En la segunda edad dorada se establecieron la estética y la iconografía bizantinas, sobre todo en torno a los iconos, con una fuerte carga simbólica de las imágenes, con figuras estilizadas y perspectivas jerárquicas (el tamaño de la figura depende de su importancia religiosa). La escultura solía ser en relieve, sobre piedra o marfil, destacando las imágenes de «consagración imperial» (Cristo con las manos sobre las cabezas de los emperadores). En la tercera edad dorada la pintura sustituyó al mosaico, sobre todo los iconos de pintura sobre tabla, destacando las escuelas de Chipre, Salónica, Creta, Venecia y Moscú (donde descuella Andrei Rubliov).[47]​

Arte islámico

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Con la Hégira de Mahoma en 622 surgió una nueva religión, el islamismo, que tuvo una rápida difusión desde el Próximo Oriente por el norte de África, llegando a Europa con la conquista de la península ibérica y con la zona de los Balcanes tras la caída del Imperio bizantino. Con el tiempo, la nueva religión aglutinó a una gran diversidad de pueblos y culturas, siendo su arte el reflejo de esta disparidad, teniendo numerosas manifestaciones y variantes estilísticas según la región donde se produjese. La mayor parte de las manifestaciones del arte islámico son obras de arquitectura —en las que se incluyen magníficas ornamentaciones esculturales o de otro tipo—. En cuanto a pintura y escultura, la prohibición religiosa de representar imágenes figurativas conllevó que se desarrollase sobre todo como ornamentación, en motivos abstractos o geométricos; las escasas muestras de obras figurativas se dieron habitualmente en ámbitos privados como los palaciegos.

La arquitectura destacó por el uso del arco apuntado —que en al-Ándalus fue de herradura por herencia del arte visigodo—, usado a veces en superposiciones y entrecruzamientos, surgiendo más adelante el arco lobulado, generalmente de tres o cinco lóbulos. Se utilizaban diversos tipos de bóveda, como la de gallones y la de crucería. Se otorgó gran relevancia a la decoración ornamental, generalmente de yesería, alabastro, mármol, mosaico o pintura, que era de signo abstracto, con motivos epigráficos, vegetales o de lacería. La principal tipología es la mezquita, compuesta habitualmente por un amplio patio (sahn), la torre o alminar y la sala de oración (haram), en cuyo fondo (quibla) se sitúa una hornacina llamada mihrab, precedida en ocasiones de un espacio con arquerías (macsura). Destacan las mezquitas de Damasco, la de la Roca y al-Aqsa de Jerusalén, la de Samarra, la de Ibn Tulun en Egipto, la de Isfahán, la de Tamerlán en Samarcanda, la Mezquita Azul de Estambul, etc.

En al-Andalus el arte islámico tuvo su momento de esplendor en el emirato de Córdoba: la arquitectura cordobesa era heredera de las formas hispanorromanas y visigodas, como demuestra el uso del arco de herradura, que es enmarcado en alfiz y al que se añade una característica alternancia de sus dovelas en color rojo y blanco. Su principal monumento es la Mezquita de Córdoba, compuesta de once naves perpendiculares a la quibla, con una serie de arcadas superpuestas, de medio punto en la parte superior y de herradura en la inferior, con la tradicional alternancia blanco-rojo. También cabe destacar la Mezquita de Bab al-Mardum en Toledo y el Palacio de Medina Azahara. Otras importantes manifestaciones del arte islámico en la península fueron las producidas en Sevilla durante la dominación almohade, destacando la Giralda y la Torre del Oro; y el arte nazarí en Granada, que tiene su principal expresión en la Alhambra.[48]​

 
El Corán fue la primera obra importante y la más influyente de la literatura árabe.

La literatura árabe arrancó con una obra de gran trascendencia, el Corán, libro sagrado del islam escrito por Mahoma y fijado en su texto definitivo por el califa Uthman Ibn Affan en 650. Consta de 114 capítulos (sura), en versículos rimados, con dos principales grupos de predicaciones: las escritas por Mahoma en La Meca, breves y de tono poético, de una religiosidad más fervorosa; y las escritas en Medina, más largas y discursivas, exponiendo los principales preceptos de la nueva religión. El Corán fue la base gramatical y estilística de la literatura árabe, que se desarrolló sobre todo en la poesía (Abu Nuwas, al-Mutanabbi, Ibn Quzman); y la prosa, ya sea filosófica (al-Kindi, Avicena, Avempace, Ibn Tufail, Averroes), histórica (Ibn Jaldún), narrativa (Ibn al-Muqaffa, al-Jahiz), o fantástica (al-Hamadani, al-Hariri). Cabe destacar la recopilación de cuentos titulada Las mil y una noches, obra anónima redactada entre los siglos IX y XV en diversos estilos, y que es un impresionante ejercicio de ingenio y fantasía.[49]​

La música árabe tiene su origen en antiguos cantos (huda’) efectuados por los beduinos en sus viajes en caravana, con seis pies métricos (rajaz) derivados —según la leyenda— de los pasos del camello. El canto tenía una especial relevancia, con dos partes: estribillo (tarji’) y antífona (jawab). La música sacra no se desarrolló tanto como la cristiana: en origen, la llamada a la oración (adhdan) era cantada; el Corán tiene una prosa rimada cuya asonancia se presta a la modulación. La música profana fue prohibida por los califas ortodoxos, pero potenciada posteriormente por los Omeyas, predominando el canto solista con laúd. Ibn Misjaḥ fue el primer teórico musical árabe, y es considerado el padre de la música clásica árabe. Creó un sistema melódico ornado (zawa'id), similar a la fioritura occidental. A partir del siglo X cobró importancia la música instrumental —con una modalidad principal, la nauba, especie de suite vocal—, y comenzó el estudio teórico de la música (al-musiqi), destacando diversos eruditos como Avicena, al-Kindi y al-Farabi. Entre los instrumentos árabes destacan el laúd (‘ud), la lira (mi'zaf), el arpa (jank), la flauta (gussaba), el oboe (mizmar), el pífano (shahin), el tambor (tabl), la pandereta (duff) y los palillos (gadib).[50]​

Arte románico

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El arte románico representa el primer estilo de carácter internacional de la cultura europea occidental, con una identidad plenamente consolidada tras el paso del latín a las lenguas vernáculas. De carácter eminentemente religioso, casi todo el arte románico estaba dirigido a la exaltación y divulgación del cristianismo. Surgido a mediados del siglo XI, se desarrolló fundamentalmente durante el siglo XII, a finales del cual empezó a coexistir con el incipiente gótico. En el románico culminaron los diversos estilos producidos por el prerrománico, a la vez que se denota la influencia oriental del arte bizantino.

La arquitectura destacó por el uso de muros de sillería, arcos de medio punto y bóvedas de cañón, apoyadas en pilares por arcos fajones, correspondientes con los contrafuertes exteriores; también son frecuentes las cúpulas, sobre trompas o pechinas. Las iglesias son de una o tres naves, con crucero y en ocasiones girola. Se inició la construcción de grandes catedrales, que seguirá durante el gótico. Como principales muestras tenemos: el Monasterio de Cluny, San Lázaro de Autun, Santa Fe de Conques, San Saturnino de Toulouse, San Front de Périgueux y San Esteban de Caen en Francia; las catedrales de Durham, York y Canterbury en Inglaterra; San Ambrosio de Milán, San Abundio de Como, San Zenón de Verona y las catedrales de Parma, Módena, Pisa y Lucca en Italia; las catedrales de Spira, Maguncia y Worms en Alemania; las catedrales de Braga y Coímbra en Portugal; y Sant Pere de Roda, San Isidoro de León, San Martín de Frómista, San Juan de Duero (Soria), Santo Domingo de Silos y las catedrales de Jaca, Solsona y Santiago de Compostela en España.[51]​

La escultura se desarrolló principalmente en el marco arquitectónico, de carácter religioso, con figuras esquematizadas, sin realismo, de signo simbólico, con un marcado carácter didáctico, debido al analfabetismo de la época. Los principales ciclos escultóricos se producen en los tímpanos de los portales de acceso a las iglesias y catedrales, como en Santa Magdalena de Vézelay, San Lázaro de Autun, Santa Fe de Conques y el Pórtico Real de Chartres. En Italia destacó la figura de Benedetto Antelami, que trabajó en la Catedral de Parma, como en su magnífico Descendimiento (1178). En España destacaron en primer lugar los talleres catalanes de Ripoll y la zona pirenaica, los talleres de marfil de León (Crucifijo de Fernando I), los talleres del Camino de Santiago, la Fachada de las Platerías de la Catedral de Santiago y el claustro de Silos; en el siglo XII se produjeron diversas escuelas regionales: la catalana (portal del monasterio de Santa María de Ripoll), la aragonesa (monasterio de San Pedro el Viejo de Huesca), la navarra (portada de Sangüesa) y la castellana (monasterio de Santa María la Real de Nájera).[52]​

La pintura se desarrolló sobre todo en formato mural y en tabla, así como en la miniatura. Su temática era de signo eminentemente religioso, en un estilo de corte esquemático al igual que la escultura, con una intencionalidad simbólica alejada de la descripción naturalista. Tuvo una fuerte influencia bizantina, difundida sobre todo por la orden benedictina a través de la abadía de Montecassino como centro irradiante. La pintura mural se vinculó estrechamente con la arquitectura, hasta el punto de que casi todos los muros de las iglesias se decoraban con pinturas, con un programa iconográfico donde destacaba la figura del Pantocrátor —localizada por lo general en el ábside—, así como el Tetramorfos, la Virgen y los apóstoles, el Juicio Final y otras escenas del Antiguo y Nuevo Testamento. Algunos de los mejores exponentes se encuentran en la Abadía de Sant'Angelo in Formis (Capua), la iglesia de San Clemente de Tahull y el panteón real de San Isidoro de León. En la pintura sobre tabla, generalmente destinada a servir de frontal de altar, se empleó principalmente el temple. En la miniatura cabe destacar las escuelas inglesa e italiana.[53]​

Tuvieron gran relevancia en esta época las artes aplicadas,[nota 5]​ especialmente la orfebrería en oro y piedras preciosas (Arca de las reliquias de los Reyes Magos, catedral de Colonia; Cáliz de doña Urraca, San Isidoro de León); el esmalte, desarrollado notablemente por el taller de Limoges; y las labores textiles (Tapiz de Bayeux, Tapiz de la Creación de la catedral de Gerona).[54]​

En esta época, la literatura siguió preferentemente en manos eclesiásticas, conservando la tradición latina, aunque poco a poco fueron surgiendo obras en lengua vernácula y comenzó la producción literaria de ámbito profano, principalmente con el género trovadoresco. Las principales innovaciones se produjeron en Francia, donde los círculos artísticos cortesanos fueron ganando peso y desplazando al poder eclesiástico: destaca la gran epopeya del Cantar de Roldán, de finales del siglo XI. La poesía trovadoresca se desarrolló especialmente en lengua provenzal, exaltando el amor cortesano (fin'amors), representada por Guillermo de Poitiers, Jaufré Rudel, Bernart de Ventadorn, Marcabrú, Arnaut Daniel, Bertran de Born, etc. Otro género relevante fue la novela de caballería (roman courtois), en francés, representada principalmente por Chrétien de Troyes y sus novelas del ciclo artúrico. En España, los primeros textos escritos en lengua romance fueron las glosas del monasterio de San Millán de la Cogolla, a las que siguieron las jarchas mozárabes; posteriormente surgieron los «cantares de gesta», como el Cantar de Mío Cid (1140).[55]​

 
Notación musical con los versos del Himno a San Juan Bautista, que dieron nombre a las siete notas musicales, innovación realizada por Guido de Arezzo.[nota 6]​

El teatro medieval era de calle, lúdico, festivo, con tres principales tipologías: «litúrgico», temas religiosos dentro de la Iglesia; «religioso», en forma de misterios y pasiones; y «profano», temas no religiosos. Estaba subvencionado por la Iglesia y, más adelante, por gremios y cofradías. Los actores eran en principio sacerdotes, pasando más tarde a actores profesionales. Las obras fueron en primer lugar en latín, pasando a continuación a lenguas vernáculas. El primer texto que se conserva es el Regularis Concordia, de san Æthelwold, que explica la representación de la obra Quem quaeritis?, diálogo extraído del Evangelio entre varios clérigos y un ángel.[56]​

Durante el románico surgió la música tal como es practicada actualmente, gracias a la creación del pentagrama y a la nomenclatura de las notas musicales elaborada por Guido de Arezzo. Las principales obras musicales se circunscriben al canto gregoriano, aunque empezó a desarrollarse la polifonía y la música profana, en torno a trovadores y juglares. Los juglares eran trotamundos, mitad poetas y mitad saltimbanquis, mezclando en sus actuaciones la declamación y el malabarismo, la música y la sátira, la lírica y las gestas épicas. Los trovadores eran de clase social más elevada (el mismo rey Ricardo Corazón de León fue trovador), y componían y cantaban sus propias obras. Entre las formas trovadorescas destacan: el rondeau (alternancia de coplas y estribillo), el virelai (en que el estribillo no interrumpe el desarrollo de las estrofas), y la ballade (estribillo alternante cada tres estrofas). En Alemania, los trovadores recibieron el nombre de minnesänger.[57]​

La danza medieval tuvo escasa relevancia, debido a la marginación a la que la sometió la Iglesia, que la consideraba un rito pagano. A nivel eclesiástico, el único vestigio eran las «danzas de la muerte», que tenían una finalidad moralizadora. En las cortes aristocráticas se dieron las «danzas bajas», llamadas así porque arrastraban los pies, de las que se tiene poca constancia. Fueron más importantes las danzas populares, de tipo folclórico, como el pasacalle y la farándula, siendo famosas las «danzas moriscas», que llegaron hasta Inglaterra (Morris dances).[58]​

Arte gótico

Artículo principal: Arte gótico

El arte gótico[nota 7]​ se desarrolló entre los siglos XII y XVI, época de gran desarrollo económico y cultural. El fin de la época feudal supuso el afianzamiento de los estados centralizados, con mayor predominio de las ciudades sobre el campo, al tiempo que un sector cada vez mayor de la sociedad tenía acceso a la cultura, que dejó de ser patrimonio exclusivo de la Iglesia. El auge de las universidades comportó un aumento de los estudios científicos, filosóficos y literarios, sentando las bases de la cultura moderna.

La arquitectura sufrió una profunda transformación, con formas más ligeras, más dinámicas, con un mejor análisis estructural que permitió hacer edificios más estilizados, con más aberturas y, por tanto, mejor iluminación. Aparecieron nuevas tipologías como el arco apuntado y la bóveda de crucería, y la utilización de contrafuertes y arbotantes para sostener la estructura del edificio, permitiendo interiores más amplios y decorados con vitrales y rosetones. Es la época de las grandes catedrales, entre las que cabe destacar: Laon, Chartres, Amiens, Reims, Bourges y Notre-Dame de París, en Francia; Canterbury, Salisbury y Gloucester, en Inglaterra; Siena, Orvieto, Florencia, Bolonia y Milán, en Italia; Colonia, Estrasburgo, Ulm y Magdeburgo en Alemania; San Esteban de Viena en Austria; Barcelona, Gerona, Palma de Mallorca, Sevilla, Toledo, Burgos, León, Zamora y Sigüenza, en España; y los monasterios de Batalha y Alcobaça en Portugal. En España cabe destacar también el desarrollo del arte mudéjar, fuertemente influido por las formas islámicas, y que se caracteriza por el empleo del ladrillo, el yeso y la madera de pequeña escuadría: Cristo de la Vega (Toledo), San Lorenzo de Sahagún, Las Huelgas (Burgos), Santa Clara de Tordesillas, Convento de Guadalupe (Cáceres), Alcázar de Sevilla, etc.

La escultura continuó enmarcada en la obra arquitectónica, aunque comenzó a desarrollarse la escultura exenta, con formas más realistas, inspiradas en la naturaleza. Los artistas buscaban la belleza ideal, en formas sencillas y diáfanas, con cierta melancolía y nobleza en los sentimientos, y con escenas de carácter narrativo. En Francia destacan el Pórtico Real y las portadas del crucero de la Catedral de Chartres, así como los conjuntos de Amiens y Reims. En Italia destaca el taller de Nicola y Giovanni Pisano en Pisa, mientras en Alemania descuella la obra de Veit Stoss y Tilman Riemenschneider. En España destaca el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela, las portadas de la Colegiata de Toro y de las catedrales de Tuy y Ciudad Rodrigo, los conjuntos de Burgos, León y Toledo, así como la obra de Pere Johan y Gil de Siloé.

La pintura dejó de ser mural para pasar a retablos situados en los altares de las iglesias, y empezó a desarrollarse la pintura en lienzo, al temple o al óleo. Se sucedieron cuatro estilos pictóricos:

Las artes aplicadas también tuvieron gran relevancia durante el gótico, favorecidas por las nuevas clases urbanas de mercaderes y artesanos. Destacó la ebanistería, la tapicería —siendo famosos los tapices de Arras—, la orfebrería —especialmente las custodias y los relicarios, donde sobresale el nombre de Enrique de Arfe—, las obras en esmalte —en particular las procedentes de Limoges—, la cerámica —donde destaca la de Faenza y Manises—, la vidriería —singularmente la veneciana y catalana—, etc.[59]​

La literatura tardomedieval se movió entre las obras escritas todavía en latín —generalmente de signo religioso—, y las escritas en lenguas vernáculas, que irán ganando protagonismo y popularidad. El centro creador pasó de Francia a Italia, donde las cortes de los pequeños estados que se repartían el territorio de la península itálica favorecieron las artes y las letras, dando origen a lo que será el Renacimiento. Se practicó sobre todo el género del canzone, escrito en endecasílabo —del que surgirá el soneto—, mientras que en Florencia surgió el llamado Dolce Stil Novo, género poético de signo más subjetivo, que exalta el amor, pero un amor más puro, más simbólico que el trovadoresco. Destacan especialmente tres nombres: Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio y Dante Alighieri, autor de La Divina Comedia (1304-1320), una de las grandes obras de la literatura universal. En Inglaterra destacó Geoffrey Chaucer con sus Cuentos de Canterbury (1386-1400). En Francia, François Villon fue el primer gran poeta en lengua francesa. En España, en el siglo XIII surgió la poesía del mester de clerecía (Gonzalo de Berceo), así como la lírica galaico-portuguesa (Alfonso X el Sabio) y la catalana (Ramon Llull); en el siglo XIV destacaron el Arcipreste de Hita, don Juan Manuel y Pedro López de Ayala; mientras que en el siglo XV es de remarcar las figuras de Jorge Manrique y el Marqués de Santillana, así como del poeta catalán Ausiàs March.[60]​

El teatro se desarrolló en tres principales tipologías: «misterios», sobre la vida de Jesucristo, con textos de gran valor literario y elementos juglarescos; «milagros», sobre la vida de los santos, con diálogos y partes danzadas; y «moralidades», sobre personajes simbólicos, alegóricos, con máscaras tipificadas. En esta época nació el teatro profano, con tres posibles orígenes —según los historiadores—: la imitación de textos latinos de Terencio y Plauto; el arte polivalente de los juglares; o los pequeños divertimentos escritos por autores de signo religioso para evadirse un poco de la rigidez eclesiástica.[61]​

En música, durante el gótico se desarrolló la polifonía, surgiendo por vez primera una música profana separada de la música religiosa realizada hasta entonces (Le jeu de Robin et Marion, de Adam de la Halle, 1285). Surgió el contrapunto, voces paralelas que se funden o se contraponen, y se desarrollaron las técnicas compositivas y la notación. De la primera fórmula compositiva por repetición se pasó a la imitación en el siglo XIV, y a la variación en el XVI. El primer compositor conocido es Leoninus, organista de Notre-Dame de París de mediados siglo XIII. En el siglo XIV surgió el Ars Nova, con Guillaume de Machaut y Francesco Landino, mientras que en el XV destacan Josquin des Prés, Guillaume Dufay, Gilles Binchois, Johannes Ockeghem, Jacob Obrecht, John Dunstable y Bartolomé Ramos de Pareja. En danza, las principales modalidades fueron: el carol, el estampie, el branle, el saltarello y la tarantela.[62]​

América

Artículo principal: Arte precolombino

El arte precolombino floreció con gran brillantez hasta el descubrimiento de América. Los invasores destruyeron numerosas obras de arte precolombino (máscaras, códices ilustrados, piezas de plumas y, especialmente, obras de oro y plata, que fueron fundidas). Aun así, la huella precolombina perduró en numerosas producciones artísticas posteriores.

En México se desarrollaron varias culturas: la primera fue la de Teotihuacan, ciudad construida entre los siglos I y VII, de sistema reticular —con un trazado de base astrológica—, donde destacaba una gran avenida flanqueada de templos en forma de pirámide escalonada, decorados con esculturas en relieve y pinturas al fresco. Los mayas ocupaban la península del Yucatán y las actuales Belice y Guatemala (siglos II-IX), desarrollando un arte de signo religioso, donde destacaban igualmente los templos, concebidos bajo mediciones astronómicas, de forma piramidal (Tikal, Uxmal, Templo de Kukulcán en Chichén Itzá). La escultura era en relieve, generalmente de animales mitológicos, serpientes, pájaros y figuras humanas, a menudo con jeroglíficos. Los toltecas (siglos VII-VIII), en el estado de Hidalgo, construyeron el Templo del Dios de la Estrella Matutina en Tula, y nos han dejado una de las mejores muestras de escultura precolombina: el Chac Mool. En la meseta mexicana se desarrolló la cultura azteca (siglos XIII-XV), que recogió diversas tradiciones anteriores en un arte sintético consagrado a la expresión del poder. En su capital, Tenochtitlán, construyeron una gran ciudad con grandes palacios y jardines, y templos de forma piramidal, dedicados al sacrificio humano.

En los Andes floreció el arte inca, surgido igual que el azteca en el siglo XIII, abarcando los actuales Ecuador, Perú, Bolivia, Chile y parte de Argentina. Los incas tenían una cultura muy desarrollada, con adelantados procedimientos metalúrgicos, cerámicos y textiles. Al igual que los romanos desarrollaron una notable arquitectura e ingeniería civil, con ciudades planificadas y carreteras bien trazadas, como el Camino Real de las Montañas, de 6000 kilómetros, amurallado y con un ancho de 9 metros. Su capital, Cuzco, estaba fortificada con murallas de sillares poligonales, técnica igualmente empleada en Machu Picchu. Sus edificios eran rectangulares o circulares, con puertas y ventanas de forma trapezoidal. Además de su arquitectura, destacó su cerámica y arte textil, generalmente decorado con motivos geométricos. En Bolivia destacó la ciudad de Tiahuanaco.[63]​

La literatura precolombina era predominantemente oral, por lo que nos han llegado pocos vestigios. En México se conservan varias expresiones en lengua náhuatl: escritos de signo religioso, cosmológico y adivinatorio (Códice Borgia); documentos administrativos y relatos históricos (Códice Xólotl); y composiciones poéticas, como los himnos rituales recogidos por Bernardino de Sahagún en Cantares de los Dioses. En lengua maya destacan los libros de Chilam Balam, transcripción de obras jeroglíficas sobre tradiciones orales, y el Popol Vuh, libro sagrado de los indios quiché. En Perú, la literatura inca está representada por una serie de obras de poesía religiosa, así como largos poemas narrativos de temática histórica o mitológica. Al parecer, fue la única cultura precolombina donde se desarrolló algo parecido al teatro, como se puede apreciar en el drama en lengua quechua Ollantay.[64]​

África

Artículo principal: Arte africano
 
Iglesia de San Jorge, del conjunto de iglesias talladas en la roca de Lalibela (Etiopía).

El norte de África tuvo más relación con el arte europeo y asiático, introduciéndose el cristianismo en el siglo IV, especialmente en Etiopía. Posteriormente, el islamismo se expandió con fuerza por todos los países del Magreb. El África subsahariana, en cambio, estuvo más aislada, con pequeños reinos sumidos en frecuentes disputas. Sus primeras manifestaciones artísticas, en materiales perecederos, no han llegado hasta nosotros. Los primeros vestigios son tallas en madera, como las de los pueblos tellem y dogon, en el actual Malí. Los objetos en bronce aparecen en África occidental y meridional alrededor del siglo X, como algunas vasijas del pueblo Igbo-Ukwu en Nigeria. En Zimbabue floreció la cultura Monomotapa (siglos XI-XV), cuya capital, Gran Zimbabue, fue una de las ciudades más grandes de toda África. En Ife (igualmente en Nigeria), de cultura yoruba, surgió en los siglos XII-XIII una notable escuela de figuras en terracota, de gran naturalismo. De esta época datan las iglesias talladas en la roca de Lalibela, en Etiopía, donde también destaca la pintura de temas cristianos. Entre los siglos XII y XV se dio en Djenné (Malí) un estilo de figuras de terracota más esquemático, de figuras masculinas con una característica barba puntiaguda. Por último, entre los siglos XV y XVI, se dio otra notable escuela escultórica en Benín, destacando su magnífica colección de bronces.[65]​

Asia

India
Artículo principal: Arte de la India
 
Templo de Khajurāhō.
  • Arte gupta (siglos IV-VIII): en el Imperio gupta se expandió el budismo, con un arte caracterizado por el purismo formal, la armonía de proporciones y la idealización de la figura humana. Destacan los grandes santuarios rupestres o vihara (Ajantā, Ellorā, Elephanta) y los templos al aire libre (Bhitargaon, Bodhagaya, Deogarth, Sirpur). El arte gupta se extendió por casi todo el Deccán: los Chālukya lo emplearon en los templos de Ahiōlē y Bādāmi (550-750), y los Pallava lo pusieron de manifiesto en su complejo arquitectónico-escultórico de Mahābalipuram. A estos estilos se les suele denominar «posgupta».
  • Arte hindú (siglos VIII-XII): durante este periodo perviven los estilos anteriores, acentuando las formas brahmánicas. El tipo de santuario más difundido es el śikhara, como el de Udaipur. La arquitectura se divide en dos tipologías: «el edificio cubierto y la pirámide» (vimāna de Tanjore, siglo XI), y «el edificio con tejado curvilíneo» (templo de Gujarāt). Entre los siglos X-XI se produjo el arte de Khajurāhō, máxima expresión del arte indoario por la elegancia formal y estética de sus templos, así como de la escultura que los adorna. En Orissā, en la parte nororiental de la India, se desarrollan nuevas tipologías que convirtieron los śikhara y los vimāna en representaciones arquitectónicas de los dioses hindúes, como en Bhubaneshwar y Kōnārka.[66]​

La literatura india de esta época se realizó en diversas modalidades: el drama continuó con las epopeyas mitológicas, con un fuerte sello de imaginación, destacando Bhavabhūti, autor de Malatimadhava, historia sobre el amor de dos jóvenes que ha sido comparada con Romeo y Julieta; el poema épico es heredero del Rāmāyana, en un nuevo género denominado mahakavya, de temas históricos y mitológicos, destacando el Rajatarangini de Kalhana (hacia 1150); la poesía lírica está representada por las Sataka de Bhartrihari, conjunto de poesías sobre el concepto indio de la vida, y la Gītāgovinda de Jāyādeva, poemas de amor de tipo alegórico; por último, la fábula se caracterizó por cuentos breves de aire popular, de carácter didáctico y aleccionador, destacando los autores Narayana y Sivadasa. También cabe citar al famoso Kama-sutra, compilado en el siglo VI por Vātsyāyana, que es un conjunto de preceptos y consejos relativos al amor y el sexo.[67]​

El teatro evolucionó sin grandes signos de ruptura desde época antigua, en espectáculos donde, junto a dramas de tipo mitológico sobre la cosmogonía hindú, destacaban el canto, la danza y la mímica. En esta época destacaron dos modalidades principales: el mahanataka (gran espectáculo), sobre las grandes epopeyas indias; y el dutangada, en que un actor recita el texto principal mientras otros lo escenifican con ayuda del mimo y la danza.[68]​

La música fue en esta época predominantemente vocal, con acompañamiento de diversos instrumentos, principalmente cítaras y laúdes. Se escribieron varios tratados sobre música: el Brihad deshi de Matamga (siglo VIII), el Naradiya-siksa de Nārada (siglo X) y el Samgita-Ratnakara de Śārngadeva (siglo XIII). Tenían siete notas (svaras): sa, ri, ga, ma, pa, dha, ni; con 22 grados microtonales (srutis). La melodía se componía de varias estructuras de ciclos tonales (ragas), que incluyen diversos ornamentos (gamakas). A su vez, cada raga está relacionado con un tala o medida de tiempo, para marcar el ritmo, que puede ser lento (vilambita), medio (madhya) o rápido (druta). Por último, el kharaja (pedal) es un sonido mantenido que sostiene el centro tonal, ejerciendo de guía durante la ejecución de la obra.[69]​

China
Artículo principal: Arte de China
 
Colores del otoño en las montañas Qiao y Hua, de Zhao Mengfu.
  • Dinastía Tang (618-907): este fue uno de los periodos más florecientes del arte chino, destacando por su escultura y sus célebres figuras de cerámica. La figura más representada siguió siendo Buda, así como los bodhisattvas (místicos budistas), destacando la estatua en madera policromada de Guan Yin (o Bodhisattva de la Misericordia), de 2,41 metros de altura. En arquitectura la tipología principal fue la pagoda (Hua-yen, Hsiangchi). En pintura apareció el paisaje, género inicialmente de signo elitista, destinado a reducidos círculos culturales. Desafortunadamente, los paisajes Tang no han llegado hasta nuestros días, y sólo se conocen por copias, como Templo budista en las colinas después de la lluvia, de Li Cheng (siglo X).
  • Dinastía Song (960-1279): época de gran florecimiento de las artes, se alcanzó un nivel de elevada cultura que sería recordado con gran admiración en posteriores etapas. Apareció el grabado sobre madera, impregnada de tinta sobre seda o papel. En arquitectura continuó la construcción de pagodas, como la pagoda hexagonal de Kuo-Hsiang-Su (960), o la pagoda de madera de Chang-Tiu-Fu. En cerámica destacan dos tipologías: la cerámica de esmalte blanco de Ting-tcheu, y la cerámica de esmalte rosa o azul de Kin-tcheu. En pintura continuó el paisaje, con dos estilos: el septentrional, de dibujo preciso y colores nítidos, con figuras de monjes o filósofos, flores e insectos; y el meridional, de pinceladas rápidas, colores ligeros y diluidos, con especial representación de paisajes nublados.
  • Dinastía Yuan (1280-1368): dinastía de origen mongol (su primer emperador fue Kublai, nieto de Gengis Khan), China se abrió más hacia Occidente, como queda patente en el famoso viaje de Marco Polo. En arquitectura destaca la Pagoda Blanca de Pekín. Se desarrollaron especialmente las artes decorativas: se manufacturaron alfombras, se produjo cerámica con nuevas formas y colores, y se elaboraron obras de metalistería de gran riqueza. En pintura proliferaron los temas religiosos, especialmente los taoístas y budistas, destacando las pinturas murales del templo de Yonglegong (Shanxi), y artistas como Huang Gongwang, Wang Meng y Ni Zan.[70]​
 
Representación de un concierto de música tradicional china en el Museo Provincial de Hubei (Wuhan).

La literatura china de esta época estuvo marcada por la continuidad respecto a la producción anterior. La época Tang fue la edad dorada de la poesía china, destacando Li Bai y Du Fu, mientras que en prosa se tendió a un estilo más simplificado, representado por Han Yu y Liu Zongyuan. También apareció un nuevo género, el pienhuen, mezcla de verso y prosa, de signo budista. Durante la dinastía Song apareció la imprenta de tipos móviles (inventada por Bi Sheng), que favoreció la difusión de la literatura. La poesía estaba íntimamente relacionada con la música (género ts'e), como en Liu Yu-Hui y Su She; en prosa destacó el tratado histórico Tsê-che T'ong-kien, de Ssê Ma-kuang. En época Yuan cobró relevancia el teatro, destacando Kuan-Han-K'ing y Po-Yeu-Fu, mientras que en poesía descolló San-K'iu.[71]​

En este periodo se produjo la edad de oro musical china: destacaron los rituales confucianistas, donde un coro cantaba el himno, con instrumentos de viento y campanillas, un órgano soplado para el contrapunto, y diversos juegos de cítaras (ch'in, de 5 cuerdas, y sê, de 26 cuerdas), para definir la duración (tsao-man). Era una música predominantemente tímbrica, con una armonía sencilla y elemental. Durante el reinado del emperador Hsüan-tsung (713-756) hay constancia de que existía en la corte una orquesta de unos 1300 músicos. Los poetas recitaban al ritmo de un laúd corto (p'i-p'a), música de la que nos han llegado composiciones como La última batalla de Hsiang Yü y Nueve canciones para Yüeh. Durante la dinastía Song se popularizaron los espectáculos músico-teatrales, como Nan-ch'ü (Cantos del sur) y Pei-ch'ü (Cantos del norte). En época Yuan surgieron los dramas musicales u óperas, con dos escuelas: septentrional y meridional, que han llegado hasta nuestros días.[72]​

Japón
Artículo principal: Arte del Japón
 
Templo de Hōryū-ji, en Nara.
  • Período Asuka (552-646): la llegada del budismo produjo en Japón un gran impacto a nivel artístico y estético, con fuerte influencia del arte chino. Como edificio más destacable de este período hay que mencionar el templo de Hōryū-ji (607), representante del estilo Kudara. Las primeras imágenes de Buda fueron importadas del continente, pero luego se instalaron en Japón gran número de artistas chinos y coreanos (Kannon de Kudara, siglo VI). La pintura denota un gran sentido del dibujo, con obras de gran originalidad, como el relicario de Tamamushi.
  • Período Nara (646-794): en esta época tuvo su apogeo el arte budista, continuando con gran intensidad la influencia china. Se conservan pocos ejemplos de arquitectura: Pagoda del Este de Yakushi-ji, templo de Tōdai-ji, templo de Kōfuku-ji, Shōsoin de Nara. Obtuvo gran desarrollo en escultura la representación de Buda: Sho Kannon, Buda de Tachibana, Bodhisattva Gakko de Tōdai-ji. La pintura está representada por la decoración mural de Hōryū-ji (finales del siglo VII) y por kakemonos y makimonos, historias pintadas en un largo rollo de papel o seda, con textos relatando las diversas escenas o sutras.
  • Período Heian (794-1185): la iconografía budista tuvo un nuevo desarrollo con la importación de dos nuevas sectas del continente: Tendai y Shingon. La arquitectura sufrió un cambio en la planta de los monasterios, que se erigían en lugares apartados, pensados para la meditación: templos de Enryaku-ji, Kongōbu-ji y santuario-pagoda de Muro-ji. Durante el período Fujiwara (897-1185), el templo volvió a situarse en la ciudad, siendo centro de reunión de las clases dirigentes. Se construían según el modelo de los grandes palacios, con una decoración muy desarrollada (monasterio de Byōdō-in, también llamado del Fénix). En pintura, la aparición de la escuela de Yamato-e supuso la independencia de la pintura japonesa de la influencia china; se caracterizó por su armonía y luminosidad, con colores brillantes.
  • Período Kamakura (1185-1333): en esta época se introdujo en Japón la secta zen, que influyó poderosamente en el arte figurativo. En escultura destacó la Escuela de Nara, con la figura más remarcada de Unkei (estatuas de los montes Muchaku y Seshin). La arquitectura era más sencilla, más funcional, menos lujosa y recargada; la influencia zen provocó el llamado estilo Kara-yo. Destacan el conjunto de cinco grandes templos de Sanjūsangen-dō (1266). La pintura se caracterizó por un mayor realismo y por su introspección psicológica, desarrollándose principalmente el retratismo y el paisajismo.
  • Período Muromachi o Ashikaga (1333-1573): en este período floreció notablemente la pintura, enmarcada dentro de la estética zen. Predominó la técnica de la aguada, perfecta transcripción de la doctrina zen, que pretendía reflejar en los paisajes lo que significan, más que lo que representan, destacando Sesshū, autor de retratos y paisajes. Cabe mencionar también la Escuela Kanō, que aplicó la técnica de la aguada a temas tradicionales. La arquitectura se distinguió por su elegancia, destacando las mansiones señoriales: el Pabellón de Oro y el Pabellón de Plata, en Kioto; también hay que mencionar el monasterio de Zuiho-ji. Se desarrolló notablemente el arte de la jardinería, en cerámica destaca la de Seto, y cobraron importancia los objetos de laca y metal.[73]​
 
Interpretación de teatro nō en el Gran Santuario Kasuga (Nara).

La literatura japonesa continuó con el influjo de la china, sobre todo en poesía, donde la mayor producción fue en lengua china, considerada más culta: tenemos así el Kaifuso (Tiernos recuerdos de poesía, 751), antología de varios poetas. En época Heian hubo un renacer de las letras japonesas, destacando la narrativa: Genji Monogatari (Relato de Genji), de Murasaki Shikibu, es un clásico de la literatura nipona, describiendo el mundo de la nobleza en un lenguaje sencillo, de tono a veces erótico. La poesía de la época fue compilada en la antología imperial Kokinshu, donde se exaltaba preferentemente la naturaleza, escrita en waka (composición de 31 sílabas). En el período Kamakura la literatura se vio afectada por las constantes guerras feudales, reflejadas en una narrativa de tono pesimista y desolado: Hojoki (Narración de mi cabaña), de Kamo no Chomei. Del período Muromachi cabe destacar el Tsurezuregusa (Ensayos en ocio), de Yoshida Kenkō, y el Sannin Hoshi (Los tres sacerdotes), anónimo.[74]​

En teatro apareció en el siglo XIV la modalidad denominada nō, drama lírico-musical en prosa o verso, de tema histórico o mitológico. Su origen se sitúa en el antiguo baile kakura y en la liturgia sintoísta, aunque posteriormente fue asimilado por el budismo. Está caracterizado por una trama esquemática, con tres personajes principales: el protagonista (waki), un monje itinerante y un intermediario. La narración es recitada por un coro, mientras los actores principales se desenvuelven de forma gestual, en movimientos rítmicos. Los decorados son austeros, frente a la magnificencia de vestidos y máscaras. Su principal exponente fue Chikamatsu Monzaemon.[75]​

En música la llegada del budismo comportó la influencia extranjera, surgiendo dos corrientes: la música izquierda, de origen indio y chino; y la música derecha, de origen manchú y coreano. Estas modalidades empleaban instrumentos como el biwa (laúd de cuello corto), el taiko (tambor japonés), el kakko (tambor chino), el shôko (gong), el sô-no-koto (cítara), el koma-bue (flauta), el hichiriki (oboe), el ôteki (flauta travesera) y el shô (órgano soplado). Asimismo había una gran variedad de tipos de música tradicional: dos de los estilos más antiguos eran shōmyō («hombre gordo que canta») y gagaku («música graciosa»), ambos provenientes de los períodos Nara y Heian. Adicionalmente, el gagaku se divide en sōgaku (música instrumental) y bugaku (música y danza).[76]​

Sudeste asiático
 
Templo de Angkor Wat, principal realización del arte jemer.

En el sudeste asiático el arte estuvo a caballo entre la tradición hinduista y budista, introduciéndose el islamismo en el siglo XV, principalmente en Indonesia. En las culturas autóctonas de la edad del bronce y del hierro —de las que se conservan escasos restos— se denota la influencia china, siendo a partir del siglo VI que comenzará progresivamente la influencia india.

  • Arte jemer: el reino jemer se situó en Camboya, teniendo su apogeo entre los siglos VIII y XII. Su principal manifestación es el magnífico conjunto de Angkor Wat (1113-1150), ciudadela-templo dedicado a Vishnú, cuya planimetría representa el universo. El templo central está rodeado de cuatro santuarios más pequeños, coronados por agujas inspiradas en las śikhara indias, construidos con piedra caliza con abrazaderas de hierro. Destaca igualmente la decoración esculpida en relieve.
  • Arte thai: es el desarrollado en Siam (Tailandia), caracterizado por una arquitectura vertical de formas alargadas y puntiagudas, con una torre-relicario (prang), como el templo de Vat Sri Sampet (siglo XVI). Destacan las imágenes de Buda, como la de Sukhothai (siglo XIV), en bronce y pan de oro.
  • Arte cham: se dio en el reino de Champa (Vietnam). En los siglos VIII-IX recibió la influencia hindú (monasterio de Dông-Dương). En el siglo XII predominó la influencia jemer, plasmada en una arquitectura armónica de sobria decoración.
  • Arte birmano: en Birmania es más palpable la influencia china, como en el uso de la bóveda de crucería. Se utilizaba el ladrillo recubierto de estuco, sobre el que se realizaba la decoración. Su período clásico fue la época de Pagan (siglos X-XIII), donde destacan las stūpas, que pueden ser de forma cilíndrica, cónica, hemisférica, en bulbo o en campana (templo de Ananda, siglo XII).
  • Arte indonesio: se recibió una primera influencia india —principalmente gupta—, constatable en las stūpas con cúpulas de campana. El período más floreciente se dio entre los siglos VII y X, principalmente en Java, donde la dinastía Sailendra adoptó el budismo, construyendo el templo de Borobudur, la stūpa más grande del mundo, con 120 metros de largo por cada lado y 35 metros de altura, contando con 1500 bajorrelieves y 400 estatuas de Buda. Entre los siglos X y XV predominó nuevamente el hinduismo, con una arquitectura más vertical, con decoración en relieve, destacando los monumentos funerarios (chandi), como los de Shwentar y Kidal. En el siglo XV se introdujo el islamismo, destacando las estelas sepulcrales y las nuevas tipologías arquitectónicas, como la mezquita de Sendang Duwur.[77]​

Oceanía

Artículo principal: Arte de Oceanía
 
Moái en Rano Raraku, isla de Pascua.

En este periodo continuó la expansión polinesia hacia la periferia oceánica (Nueva Zelanda, islas Kermadec, islas Chatham). Se produjo una gran diversificación cultural y artística: solo en Melanesia, por ejemplo, había más de 1000 grupos étnicos diferentes. La mayoría de manifestaciones artísticas eran de carácter ritual, relacionadas con danzas y ceremonias de tipo animista o politeísta. En Micronesia se produjeron elaborados complejos arquitectónicos con esculturas de piedra y megalitos. En Yap (islas Carolinas), apareció un tipo de moneda de piedra compuesta por grandes discos con un agujero central. En Guam y las islas Marianas destacan las casas sobre columnas de piedra (latte). En Hawái se construyeron grandes templos (heiau), con esculturas de madera de hasta tres metros que representaban a sus dioses. En las islas Marquesas se dieron un tipo de construcciones de casas megalíticas sobre plataformas de piedra, con grandes estatuas antropomórficas. En Nueva Zelanda, los maoríes desarrollaron un tipo de talla de madera con figuras de líderes políticos y religiosos, así como colgantes de nefrita tallada (hei tiki). Por último, cabe destacar la construcción en la isla de Pascua de las famosas cabezas monolíticas (moái), de las que se erigieron unas 600 entre el año 900 y el 1600. Son figuras de 4 o 5 metros, que se situaban sobre plataformas de piedra que servían de base a los templos (ahu) de culto a los ancestros.[78]​

Arte de la Edad Moderna

Artículo principal: Arte de la Edad Moderna

El arte de la Edad Moderna —no confundir con arte moderno, que se suele emplear como sinónimo de arte contemporáneo—[nota 8]​ se desarrolló entre los siglos XV y XVIII. La Edad Moderna supuso cambios radicales a nivel político, económico, social y cultural: la consolidación de los estados centralizados supuso la instauración del absolutismo; los nuevos descubrimientos geográficos —especialmente el continente americano— abrieron una época de expansión territorial y comercial, suponiendo el inicio del colonialismo; la invención de la imprenta conllevó una mayor difusión de la cultura, que se abrió a todo tipo de público; la religión perdió la preponderancia que tenía en la época medieval, a lo que coadyuvó el surgimiento del protestantismo; a la vez, el humanismo surgió como nueva tendencia cultural, dejando paso a una concepción más científica del hombre y del universo.

El origen de la historia del arte como tal data del siglo XVI, considerándose las Vidas de Giorgio Vasari el texto inaugural del estudio del arte con carácter historiográfico. El método que siguió el erudito florentino era la biografía del artista. Esta metodología fue la que se impuso hasta el siglo XVIII, cuando el historiador alemán Johann Joachim Winckelmann inició un nuevo tipo de análisis del arte buscando en el desarrollo de las civilizaciones una evolución estilística.[nota 9]​

Renacimiento

Artículo principal: Renacimiento

Surgido en Italia en el siglo XV (Quattrocento), se expandió por el resto de Europa desde finales de ese siglo e inicios del XVI. Los artistas se inspiraron en el arte clásico grecorromano, por lo que se habló de «renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval. Estilo inspirado en la naturaleza, surgieron nuevos modelos de representación, como el uso de la perspectiva. Sin renunciar a la temática religiosa, cobró mayor relevancia la representación del ser humano y su entorno, apareciendo nuevas temáticas como la mitológica o la histórica, o nuevos géneros como el paisaje, el bodegón e, incluso, el desnudo. La belleza dejó de ser simbólica, como en la era medieval, para tener un componente más racional y mesurado, basado en la armonía y la proporción.

La arquitectura recuperó los modelos clásicos, reelaborados con un concepto más naturalista y con bases científicas: se recuperó el uso del arco de medio punto, la bóveda de cañón, la cúpula de media naranja y los órdenes clásicos (dórico, jónico, corintio y compuesto). La estructura del edificio se basó en proporciones matemáticas, que buscaban la perfección de las formas, a la vez que se potenció la luminosidad y la diafanidad de los espacios. En el Quattrocento destacó la arquitectura desarrollada en Florencia: Filippo Brunelleschi (cúpula de Santa María del Fiore, Basílica de San Lorenzo), Leon Battista Alberti (San Andrés de Mantua); mientras que en el Cinquecento el centro artístico pasó a ser Roma: Bramante (San Pietro in Montorio, Basílica de San Pedro del Vaticano), Antonio da Sangallo (Palacio Farnesio). En esta época cobró un progresivo auge la jardinería, que empezó a ser concebida mediante un diseño estructurado; surgió así el llamado «jardín italiano», de composición geométrica, construido sobre terrazas con escalinatas (Jardín del Belvedere, Bramante; Villa Madama, Rafael). Fuera de Italia, el Renacimiento se desarrolló sobre todo en Francia, con la obra de Philibert Delorme; en Alemania no llegó hasta mediados del siglo XVI, con el castillo de Heidelberg y, sobre todo a finales de siglo, en Baviera; en los Países Bajos la influencia italiana se denotó especialmente en la decoración, sobre estructuras todavía de signo gótico; en Inglaterra se produjo el estilo Tudor, desarrollado sobre todo en la construcción de palacios civiles, caracterizado por la utilización del arco Tudor; en Rusia, el Renacimiento italiano —introducido por Aristotile Fioravanti— fue adaptado al estilo bizantino típicamente ruso, como en el magnífico conjunto del Kremlin. En España se desarrollaron varios estilos: el plateresco, caracterizado por el uso de paramentos almohadillados, columnas abalaustradas y profusa decoración de grutescos (Alonso Covarrubias, Diego de Siloé); y el purismo, más preocupado por la estructura racional del edificio, abandonando la decoración exuberante del plateresco (Rodrigo Gil de Hontañón, Andrés de Vandelvira).

La escultura buscó igualmente la idealizada perfección del clasicismo, aunque perduraron hasta el siglo XVI la elegancia curvilínea y la esbeltez de proporciones del gótico internacional. Se utilizaban materiales nobles, como el mármol y el bronce, con un especial gusto por la forma monumental. Junto a la temática religiosa se desarrolló el retrato, en busto o en figuras ecuestres, al estilo de la antigua Roma. Destacaron especialmente: Lorenzo Ghiberti, Jacopo della Quercia, Luca della Robbia, Andrea Verrocchio y, especialmente, Donatello (David, 1409; Judit y Holofernes, 1455-1460); y, fuera de Italia, Michel Colombe en Francia, Peter Vischer en Alemania, y Felipe Bigarny, Bartolomé Ordóñez y Damián Forment en España.

La pintura sufrió una notable evolución desde las formas medievales, con formas naturalistas y temáticas profanas o mitológicas junto a las religiosas. Los estudios de perspectiva permitieron hacer obras de gran efecto realista, basadas en proporciones matemáticas, con especial utilización de la «sección áurea» tras el estudio publicado por Luca Pacioli (De Divina Proportione, 1509). Se utilizó el fresco y el temple, mientras que se introdujo el óleo a mediados del siglo XV por influencia flamenca. Uno de sus principales exponentes fue Leonardo Da Vinci, genio polifacético que introdujo el sfumato o «perspectiva aérea», con obras como La Virgen de las Rocas (1483), La Última Cena (1495-1497), La Gioconda (1503), etc. Otro nombre de relevancia fue Rafael, maestro del clasicismo sereno y equilibrado, con una perfecta ejecución pictórica, como se demuestra en sus frescos de las Estancias del Vaticano. Otros artistas destacados fueron: Masaccio, Fra Angelico, Paolo Ucello, Andrea del Castagno, Perugino, Piero della Francesca, Benozzo Gozzoli, Domenico Ghirlandaio, Botticelli, Andrea del Verrocchio, Luca Signorelli, Andrea Mantegna, Giovanni Bellini, Antonello da Messina, etc. En el resto de Europa: Matthias Grünewald, Alberto Durero, Hans Holbein el Joven y Lucas Cranach el Viejo en Alemania; Quentin Metsys y Pieter Brueghel en Holanda; y Pedro Berruguete, Alejo Fernández, Vicente Masip, Juan de Juanes, Pedro Machuca y Luis de Morales en España.

Las artes industriales tuvieron un gran auge debido al gusto por el lujo de las nuevas clases adineradas: se desarrolló la ebanistería, sobre todo en Italia y Alemania, destacando la técnica de la intarsia, embutidos de madera de varios tonos para producir efectos lineales o de ciertas imágenes. La tapicería destacó en Flandes, con obras basadas en bocetos desarrollados por pintores como Bernard van Orley. La cerámica se elaboró en Italia con barnices vidriados, consiguiendo tonos brillantes de gran efecto. El vidrio se desarrolló notablemente en Venecia (Murano), decorado a veces con hilos de oro o con filamentos de vidrios de colores. La orfebrería fue cultivada por escultores como Lorenzo Ghiberti, con piezas de gran virtuosismo y elevada calidad, destacando especialmente los esmaltes y camafeos. Con la invención de la imprenta se desarrollaron las artes gráficas, apareciendo o perfeccionándose la mayoría de las técnicas de grabado: calcografía (aguafuerte, aguatinta, grabado al buril, grabado a media tinta o grabado a punta seca), linograbado, xilografía, etc.[79]​

La literatura renacentista se desarrolló en torno al humanismo, la nueva teoría que destacaba el papel primordial del ser humano sobre cualquier otra consideración, especialmente la religiosa. En esta época el mundo de las letras recibió un gran impulso con la invención de la imprenta por Gutenberg, hecho que propició el acceso a la literatura por un público más mayoritario. Ello conllevó a una mayor preocupación por la ortografía y la lingüística, surgiendo los primeros sistemas de gramática en lenguas vernáculas (como la española de Elio Antonio de Nebrija) y apareciendo las primeras academias de lenguas nacionales. Entre los literatos de esta época destacan: Angelo Poliziano, Matteo Maria Boiardo, Ludovico Ariosto, Jacopo Sannazaro, Pietro Bembo, Baldassare Castiglione, Torquato Tasso, Tomás Moro, Erasmo de Róterdam, François Rabelais, Pierre de Ronsard, Michel de Montaigne, Edmund Spenser, Luís de Camões, etc. En España comenzó una edad dorada de las letras, que se prolongaría hasta el siglo XVII: la poesía, influida por la italiana del stil nuovo, contó con las figuras de Garcilaso de la Vega, fray Luis de León, San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Jesús; en prosa surgieron los libros de caballería (Amadís de Gaula, 1508) y se inició el género de la picaresca con el Lazarillo de Tormes (1554), mientras que despuntó la obra de Miguel de Cervantes, el gran genio de las letras españolas, autor del inmortal Don Quijote (1605).[80]​

El teatro renacentista también acusó el paso del teocentrismo al antropocentrismo, con obras más naturalistas, de aspecto histórico, intentando reflejar las cosas tal como son. Se buscaba la recuperación de la realidad, de la vida en movimiento, de la figura humana en el espacio, en las tres dimensiones, creando espacios de efectos ilusionísticos, en trompe-l'œil. Surgió la reglamentación teatral basada en tres unidades (acción, espacio y tiempo), basándose en la Poética de Aristóteles, teoría introducida por Lodovico Castelvetro. En torno a 1520 surgió en el norte de Italia la Commedia dell'arte, con textos improvisados, en dialecto, predominando la mímica e introduciendo personajes arquetípicos como Arlequín, Colombina, Pulcinella (llamado en Francia Guignol), Pierrot, Pantalone, Pagliaccio, etc. Como principales dramaturgos destacaron Niccolò Machiavelli, Pietro Aretino, Bartolomé Torres Naharro, Lope de Rueda y Fernando de Rojas, con su gran obra La Celestina (1499). En Inglaterra descolló el teatro isabelino, con autores como Christopher Marlowe, Ben Jonson, Thomas Kyd y, especialmente, William Shakespeare, gran genio universal de las letras (Romeo y Julieta, 1597; Hamlet, 1603; Otelo, 1603; Macbeth, 1606).[81]​

Orfeo - Toccata
Toccata, de La favola d'Orfeo, una de las primeras óperas (1607), compuesta por Claudio Monteverdi.
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La música renacentista supuso la consagración de la polifonía, así como el afianzamiento de la música instrumental, que iría evolucionando hacia la orquesta moderna. Apareció el madrigal como género profano que aunaba texto y música, siendo la expresión paradigmática de la música renacentista. En 1498 Ottaviano Petrucci ideó un sistema de imprenta adaptado a la música, en pentagrama, con lo que se empezó a editar música. Como compositores renacentistas destacaron Orlandus Lassus, Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli, Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales, Claudio Monteverdi y Giovanni Pierluigi da Palestrina. A finales del siglo XVI nació la ópera, iniciativa de un círculo de eruditos (la Camerata Fiorentina) que, al descubrir que el teatro griego antiguo era cantado, tuvieron la idea de musicalizar textos dramáticos. La primera ópera fue Dafne (1594), de Jacopo Peri, a la que siguió Euridice (1600), del mismo autor; en 1602 Giulio Caccini escribió otra Euridice; y, en 1607, Claudio Monteverdi compuso La favola d'Orfeo, donde añadió una introducción musical que denominó sinfonía, y dividió las estructuras cantadas en arias.[82]​

La danza renacentista tuvo una gran revitalización, debida de nuevo al papel preponderante del ser humano sobre la religión, de tal manera que muchos autores consideran esta época el nacimiento de la danza moderna. Se desarrolló sobre todo en Francia —donde fue llamado ballet-comique—, en forma de historias bailadas, sobre textos mitológicos clásicos, siendo impulsado principalmente por la reina Catalina de Médicis. Se suele considerar que el primer ballet fue el Ballet comique de la Reine Louise (1581), de Balthazar de Beaujoyeulx. Las principales modalidades de la época eran la gallarda, la pavana y el tourdion. En esta época surgieron los primeros tratados sobre danza: Domenico da Piacenza escribió De arte saltandi et choreas ducendi, siendo considerado el primer coreógrafo de la historia; Thoinot Arbeau hizo una recopilación de danzas populares francesas (Orchesographie, 1588).[83]​

Manierismo

Artículo principal: Manierismo

Surgido igualmente en Italia a mediados del siglo XVI como evolución de las formas renacentistas, el manierismo[nota 10]​ abandonó la naturaleza como fuente de inspiración para buscar un tono más emotivo y expresivo, cobrando importancia la interpretación subjetiva que el artista hace de la obra de arte. La arquitectura adquirió un signo más efectista y de tenso equilibrio, destacando el polifacético artista Miguel Ángel, autor del ábside y la cúpula de San Pedro del Vaticano; Jacopo Vignola (Iglesia del Gesù); y Andrea Palladio, creador de un estilo propio (paladianismo), como vemos en la Basílica de Vicenza, la Villa Capra (llamada la Rotonda), San Giorgio Maggiore de Venecia, etc. En Francia surgió la notable Escuela de Fontainebleau. En España se produjo la arquitectura herreriana (por Juan de Herrera), estilo sobrio y sencillo, de formas simples y desnudas de decoración, de acuerdo a la doctrina contrarreformista que entonces imperaba; tuvo su máxima realización en el Monasterio de El Escorial.

La escultura es nuevamente reflejo del pesimismo que dominaba la sociedad italiana de la segunda mitad del siglo XVI, con un arte donde se deforma la realidad a capricho, predominando la expresión sentimental del artista, con figuras estilizadas, en posiciones violentas y actitudes dramáticas. Descuella nuevamente la obra de Miguel Ángel, con obras de tenso dinamismo donde resalta la expresión de la persona representada: Piedad (1501), David (1501-1504), Moisés (1513-1515), Sepulcro de los Médicis (1520-1534), etc. Otros importantes escultores fueron: Baccio Bandinelli, Benvenuto Cellini, Giambologna y Jacopo Sansovino; y, fuera de Italia, Jean Goujon y Germain Pilon en Francia, Adriaen de Vries en Flandes, Hubert Gerhard en Alemania, y Alonso Berruguete, Juan de Juni y Gaspar Becerra en España.

La pintura manierista tuvo un sello más caprichoso, extravagante, con gusto por la forma sinuosa y estilizada, deformando la realidad, con perspectivas distorsionadas y atmósferas efectistas. Destacó en primer lugar —como en las otras artes— Miguel Ángel (autor de la decoración de la Capilla Sixtina), seguido de Bronzino, Andrea del Sarto, Pontormo, Correggio, Parmigianino, Giorgione, Tiziano, Veronese, Tintoretto, Jacopo Bassano, Giuseppe Arcimboldo, etc. Cabe mencionar a Maarten van Heemskerck y Abraham Bloemaert en los Países Bajos, y Bartholomeus Spranger en Alemania. En España destacaron Juan Fernández de Navarrete, Alonso Sánchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz y, especialmente, El Greco, artista excepcional creador de un estilo personal y único, de fuerte sentido expresionista.[84]​

Barroco

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Las Meninas (1656), de Velázquez (Museo del Prado), fue un alegato de la figura del pintor como artista inspirado, frente a la condición de simple artesano que hasta entonces se tenía del oficio de pintor.

El barroco[nota 11]​ se desarrolló entre el siglo XVII y principios del XVIII. Fue una época de grandes disputas en el terreno político y religioso, surgiendo una división entre los países católicos contrarreformistas, donde se afianzó el estado absolutista, y los países protestantes, de signo más parlamentario. El arte se volvió más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con formas más dinámicas y efectistas, con gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto.

La arquitectura, bajo unas líneas clásicas, asumió unas formas más dinámicas, con una exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los volúmenes. Cobró relevancia la modulación del espacio, con preferencia por las curvas cóncavas y convexas, poniendo especial atención en los juegos ópticos (trompe-l'œil) y el punto de vista del espectador. Al igual que en la época anterior, el motor del nuevo estilo volvió a ser Italia: Gian Lorenzo Bernini fue uno de sus mejores exponentes, siendo el principal artífice de la Roma monumental que conocemos hoy día (columnata de la Plaza de San Pedro, baldaquino de San Pedro, San Andrés del Quirinal, Palacio Chigi-Odescalchi); Francesco Borromini es otro gran nombre de la época, autor de las iglesias de San Carlo alle Quattre Fontane y Sant'Ivo alla Sapienza; también destacaron Pietro da Cortona, Baldassare Longhena, Filippo Juvara y Guarino Guarini. En Francia, bajo el reinado de Luis XIV, se iniciaron una serie de construcciones de gran fastuosidad: fachada del Palacio del Louvre, de Louis Le Vau y Claude Perrault; Palacio de Versalles, de Le Vau y Jules Hardouin-Mansart. En Austria destacó Johann Bernhard Fischer von Erlach, autor de la Iglesia de San Carlos Borromeo en Viena. En Inglaterra cabe mencionar la Catedral de San Pablo de Londres, de Christopher Wren. En España, la arquitectura acusó en la primera mitad del siglo XVII la herencia herreriana, con Juan Gómez de Mora como figura destacada, mientras que en la segunda mitad de siglo se dio el estilo churrigueresco (por José Benito Churriguera), caracterizado por el exuberante decorativismo y el uso de columnas salomónicas (Retablo Mayor de San Esteban de Salamanca).

La escultura adquirió el mismo carácter dinámico, sinuoso, expresivo, ornamental, destacando el movimiento y la expresión, con una base naturalista pero deformada a capricho del artista. En Italia destacó nuevamente Bernini, autor de obras como Apolo y Dafne (1622-1625), Éxtasis de Santa Teresa (1644-1652), Muerte de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674), etc. En Francia destacaron François Girardon, Antoine Coysevox y Pierre Puget. En España perduró la imaginería religiosa de herencia gótica, destacando Gregorio Fernández, Juan Martínez Montañés, Alonso Cano, Pedro de Mena, Francisco Salzillo, etc.

La pintura se desarrolló en dos tendencias contrapuestas: el naturalismo, basado en la estricta realidad natural, con gusto por el claroscuro —el llamado tenebrismo—, donde cabe citar a Caravaggio, Orazio y Artemisia Gentileschi, Pieter van Laer, Adam Elsheimer, Georges de La Tour y los hermanos Le Nain; y el clasicismo, que es igualmente realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado, englobando a Annibale Carracci, Guido Reni, Domenichino, Guercino, Giovanni Lanfranco, Nicolas Poussin, Claude Lorrain, Hyacinthe Rigaud, etc. En el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII), de estilo decorativo y predominio de la pintura mural, destacaron Pietro da Cortona, Andrea Pozzo, Luca Giordano y Charles Le Brun. Aparte de estas corrientes, hubo infinidad de escuelas, estilos y autores de muy diverso signo, destacando dos escuelas regionales: la flamenca (Peter Paul Rubens, Anton Van Dyck, Jacob Jordaens, Frans Snyders), y la holandesa (Rembrandt, Jan Vermeer, Frans Hals). En España destacó la figura excepcional de Diego Velázquez (La fragua de Vulcano, 1630; La rendición de Breda, 1635; Venus del espejo, 1650; Las Meninas, 1656; Las hilanderas, 1657), así como José de Ribera, Francisco Ribalta, Alonso Cano, Francisco de Zurbarán, Juan de Valdés Leal y Bartolomé Esteban Murillo.

En el terreno de las artes industriales, destaca especialmente la ebanistería, que llegó a cotas de altísima calidad sobre todo en Francia, gracias a la obra de André-Charles Boulle, creador de una nueva técnica de aplicación de metales (cobre, estaño) sobre materiales orgánicos (carey, madreperla, marfil) o viceversa. Entre sus obras destacan las dos cómodas del Trianón, en Versalles, y el reloj de péndulo con el Carro de Apolo en Fontainebleau. También destacaron la tapicería, la orfebrería —especialmente las «piedras duras» en Florencia—, la cerámica y el vidrio —que cobró relevancia en Bohemia—.[85]​

 
Portada del Manuscrito Chacón, que transmitió la obra poética de Luis de Góngora.

La literatura barroca se caracterizó por el pesimismo, con una visión de la vida planteada como lucha, sueño o mentira, donde todo es fugaz y perecedero. Su estilo era suntuoso y recargado, con un lenguaje muy adjetivado y metafórico. En un primer momento se produjeron diversas corrientes: el eufuismo en Inglaterra (John Lyly, Robert Greene), el preciosismo en Francia (Vincent Voiture), el marinismo en Italia (Giambattista Marino), la primera (Martin Opitz, Angelus Silesius, Andreas Gryphius) y segunda escuela de Silesia (Daniel Casper von Lohenstein, Hans Jakob Christoph von Grimmelshausen) en Alemania. Más adelante surgió el clasicismo en Francia, con autores como François de la Rochefoucauld, Jacques-Bénigne Bossuet, Nicolas Boileau-Despréaux, Jean de La Fontaine, François de Malherbe, Cyrano de Bergerac y Madeleine de Scudéry. En Inglaterra destacó la obra poética de John Milton (El paraíso perdido, 1667). En España, donde el siglo XVII sería denominado el Siglo de Oro, se produjeron dos corrientes: el culteranismo, liderado por Luis de Góngora, donde destacaba la belleza formal, con un estilo suntuoso, metafórico, con proliferación de latinismos y juegos gramaticales; y el conceptismo, representado por Francisco de Quevedo y Baltasar Gracián, donde predominaba el ingenio, la agudeza, con un lenguaje conciso pero polisémico, con múltiples significados en pocas palabras.[86]​

En el teatro barroco se desarrolló sobre todo la tragedia, basada en la ineluctabilidad del destino, con un tono clásico, siguiendo las tres unidades de Castelvetro. La escenografía era más recargada, siguiendo el tono ornamental característico del Barroco. Destacan Pierre Corneille, Jean Racine y Molière, representantes del clasicismo francés. En España el teatro era básicamente popular («corral de comedias»), cómico, con una personal tipología, distinguiéndose: bululú, ñaque, gangarilla, cambaleo, garnacha, bojiganga, farándula y compañía. Destacaron Tirso de Molina, Guillén de Castro, Juan Ruiz de Alarcón y, principalmente, Lope de Vega (El perro del hortelano, 1615; Fuenteovejuna, 1618) y Pedro Calderón de la Barca (La vida es sueño, 1636; El alcalde de Zalamea, 1651).[87]​

La música barroca destacó por el contraste, los acordes violentos, los volúmenes móviles, la ornamentación exagerada, la estructura variada y contrastada. Se caracterizó especialmente por la utilización del bajo continuo, sección instrumental grave que sostenía ininterrumpidamente la parte melódica superior. En esta época la música alcanzó cotas de gran brillantez, desvinculándose plenamente de la voz y el texto, surgiendo las formas instrumentales puras (suite, sonata, tocata, concierto, sinfonía). Con la sonata nacieron los nombres de velocidad: allegro, adagio, presto, vivace, andante, etc. En la música religiosa nacen el oratorio y la cantata, mientras que la música coral triunfó especialmente en el mundo protestante. En España nacieron la zarzuela y la tonadilla como manifestaciones de la música popular. Entre las grandes figuras de la música barroca conviene recordar a Antonio Vivaldi, Tommaso Albinoni, Arcangelo Corelli, Marc-Antoine Charpentier, Johann Pachelbel, Heinrich Schütz, Johann Sebastian Bach, Georg Philipp Telemann, Georg Friedrich Haendel, etc.

En ópera destacó la escuela veneciana, primer lugar donde la música se desligó de la protección religiosa o aristocrática para ser representada en lugares públicos: en 1637 se fundó el Teatro di San Cassiano, primer centro operístico del mundo. Comenzó el gusto por las voces solistas, principalmente las agudas (tenor, soprano), apareciendo el fenómeno de los castrati. La ópera barroca destacó por la escenografía complicada, ornamentada, recargada, con cambios repentinos. Destacan Pier Francesco Cavalli, Antonio Cesti, Jean-Baptiste Lully, Henry Purcell, Georg Friedrich Haendel, etc. A finales del siglo XVII, la escuela napolitana introdujo un estilo más purista, más clasicista, simplificando los argumentos y haciendo óperas más cultas y sofisticadas. Alessandro Scarlatti introdujo el aria en tres partes (aria da capo).[88]​

En Francia, la danza barroca (ballet de cour) hizo evolucionar la música instrumental, de melodía única pero con una rítmica adaptada a la danza. Fue patrocinada especialmente por Luis XIV, que convirtió la danza en grandes espectáculos (Ballet de la Nuit, 1653, donde intervino el rey caracterizado de sol), creando en 1661 la Academia real de Danza. Como coreógrafo destacó Pierre Beauchamp, creador de la danse d'école, el primer sistema pedagógico de la danza. Las principales tipologías fueron: minuet, bourrée, polonaise, rigaudon, allemande, zarabande, passepied, gigue, gavotte, etc. En España también se dieron diversas modalidades de danza: seguidilla, zapateado, chacona, fandango, jota, etc.[89]​

Rococó

Artículo principal: Rococó

Desarrollado en el siglo XVIII[nota 12]​ —en convivencia a principios de siglo con el barroco, y a finales con el neoclasicismo—, supuso la pervivencia de las principales manifestaciones artísticas del barroco, con un sentido más enfatizado de la decoración y el gusto ornamental, que son llevados a un paroxismo de riqueza, sofisticación y elegancia. El progresivo auge social de la burguesía y los adelantos científicos, así como el ambiente cultural de la Ilustración, conllevaron el abandono de los temas religiosos a favor de nuevas temáticas y actitudes más mundanas, destacando el lujo y la ostentación como nuevos factores de prestigio social.

La arquitectura pasó de la grandilocuencia barroca a un gusto más delicado, de formas gráciles y con preponderancia de espacios pequeños, de ambientes de recogimiento pensados para el bienestar y el confort. Se puso de moda lo exótico, especialmente el gusto por el arte oriental. El rococó se desarrolló sobre todo en Francia y Alemania, representado principalmente por Ange-Jacques Gabriel (Petit Trianon de Versalles, Hotel Biron de París), François de Cuvilliés (Pabellón de Amalienburg del Palacio de Nymphenburg en Múnich), Johann Balthasar Neumann (Palacio Episcopal de Würzburg) y Dominikus Zimmermann (Iglesia de Wies). En jardinería, al «jardín italiano» sucedió el «jardín francés», de composición geométrica igual que el italiano, pero con una perspectiva más larga, composición más simple, mayores zonas de césped y un nuevo detalle ornamental: el parterre; destacan los jardines de Versalles (diseñados por André Le Nôtre) y Aranjuez.

La escultura tiene un aire grácil, refinado, con cierta pervivencia de las formas barrocas, especialmente por influencia de Bernini. En Italia cabe destacar la Fontana de Trevi, de Pietro Bracci y Filippo della Valle. En Francia destacó la obra de Edmé Bouchardon, Jean-Baptiste Pigalle y Étienne-Maurice Falconet. En Alemania tenemos la presencia de Georg Rafael Donner, Ignaz Günther y los hermanos Asam (Cosmas Damian y Egid Quirin). En España podemos reseñar a Juan Pascual de Mena y Luis Salvador Carmona.

La pintura se movió entre la exaltación religiosa o el paisajismo vedutista en Italia (Giambattista Tiepolo, Canaletto, Francesco Guardi), y las escenas cortesanas de Jean-Antoine Watteau, François Boucher, Jean-Baptiste-Siméon Chardin y Jean-Honoré Fragonard en Francia, pasando por el retratismo inglés de Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough. Figura aparte es el inclasificable pintor español Francisco de Goya, que evolucionó desde un sello más o menos rococó hasta un cierto prerromanticismo, pero con una obra personal y expresiva de fuerte tono intimista. Cultivó tanto la pintura como el grabado, siendo igualmente de destacar sus cartones para tapices. Entre sus obras destacan: los Caprichos (1799), La familia de Carlos IV (1800), El tres de mayo de 1808 en Madrid (1814), las Pinturas negras (1820), etc.

Las artes decorativas tuvieron especial relevancia, ya que, como se ha señalado, el rococó fue un arte de aire burgués dedicado a la ostentación y el lujo. Se desarrolló notablemente el interiorismo, con especial énfasis en el mobiliario, los espejos, las sedas, los tapices y los objetos de porcelana. Esta última tuvo una gran difusión, sobre todo la de Sajonia y la de Sèvres, con delicados motivos ornamentales, preferentemente de estilo oriental. En porcelana se fabricaron también pequeñas tallas escultóricas con motivos galantes, pastorales o de la Commedia dell'arte. En mobiliario se desarrolló el «estilo Chippendale» (por Thomas Chippendale), caracterizado por el eclecticismo, con mezcla de elementos góticos, rococó, palladianos y chinescos. En España adquirieron notoriedad los tapices de la Real Fábrica de Santa Bárbara, algunos de ellos diseñados por Goya. En esta época apareció la litografía, nueva modalidad de grabado sobre piedra caliza, inventada por Aloys Senefelder en 1778.[90]​

 
Portada de L'Encyclopédie (1751).

A nivel literario, el siglo XVIII fue el de la Ilustración, proyecto iniciado con L'Encyclopédie de Diderot y D'Alembert y que supuso la consagración del racionalismo a nivel filosófico, poniendo el acento en la idea de progreso del ser humano y su capacidad ilimitada, concepto que estableció el germen de la era moderna. Sus principales representantes fueron Montesquieu, Voltaire, Denis Diderot, Jean-Jacques Rousseau, el Abate Prévost, André Chénier, Giambattista Vico, Alexander Pope, Daniel Defoe, Jonathan Swift, etc. En España se denotó la influencia francesa en una literatura crítica y especulativa, ganando gran auge el género del ensayo; destacaron Benito Jerónimo Feijoo, Diego de Torres Villarroel, Ignacio Luzán y José Francisco de Isla. Es de remarcar la fundación en esta época de la Biblioteca Nacional y la Real Academia Española.[91]​

El teatro en el siglo XVIII siguió modelos anteriores, contando como principal innovación la reforma que efectuó Carlo Goldoni de la comedia, que abandonó la vulgaridad y se inspiró en costumbres y personajes de la vida real. También se desarrolló el drama, situado entre la tragedia y la comedia. La escenografía era más naturalista, con un mayor contacto entre público y actores. Los montajes solían ser más populares, atrayendo un mayor público, dejando el teatro de estar reservado a las clases altas. Al organizarse espectáculos más complejos, empezó a cobrar protagonismo la figura del director de escena. Como dramaturgos destacan Pietro Metastasio, Pierre de Marivaux, Pierre-Augustin de Beaumarchais y Voltaire. En España, Nicolás Fernández de Moratín se enmarca en la «comedia de salón» dieciochesca, con base en Molière.[92]​

Al rococó en música corresponde la llamada «música galante», que era más tranquila que la barroca, más ligera y sencilla, amable, decorativa, destacando el sentimentalismo. Desapareció el gusto por el contraste y se buscó la gradación sonora (crescendo, diminuendo). En la llamada Escuela de Mannheim se desarrolla la música sinfónica, con la primera gran orquesta moderna (40 instrumentos), iniciativa del elector Carlos Teodoro de Wittelsbach. Su principal representante, Johann Stamitz, es considerado el primer director de orquesta. De entre los músicos de la época destacan los hijos de Bach: Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel, Johann Christoph Friedrich y Johann Christian —este último introductor del piano en la música sinfónica, inventado en 1711 por Bartolomeo Cristofori—. En ópera, junto a la culta aparece la «ópera bufa», de aire cómico, destinada a un público más popular, con influencia de la Commedia dell'arte (Niccolò Piccinni, Baldassare Galuppi).[93]​

La danza siguió desarrollándose sobre todo en Francia, donde en 1713 se creó la Escuela de Ballet de la Ópera de París, la primera academia de danza. Raoul-Auger Feuillet creó en 1700 un sistema de notación de danza, para poder transcribir por escrito la diversa variedad de pasos de danza. En esta época la danza comenzó a independizarse de la poesía, la ópera y el teatro, consiguiendo autonomía propia como arte, y formulando un vocabulario propio. Se empezaron a escribir obras musicales sólo para ballet, destacando Jean-Philippe Rameau —creador de la opéra-ballet—, y comenzaron a surgir nombres de bailarines destacados, como Gaetano Vestris y Marie Camargo. A nivel popular, el baile de moda fue el vals, de compás ¾, mientras que en España surgió el flamenco.[94]​

Neoclasicismo

Artículo principal: Neoclasicismo

El auge de la burguesía tras la Revolución francesa favoreció el resurgimiento de las formas clásicas, más puras y austeras, en contraposición a los excesos ornamentales del barroco y rococó, identificados con la aristocracia. A este ambiente de valoración del legado clásico grecorromano influyó el hallazgo arqueológico de Pompeya y Herculano, junto a la difusión de un ideario de perfección de las formas clásicas efectuado por Johann Joachim Winckelmann, quien postuló que en la antigua Grecia se dio la belleza perfecta, generando un mito sobre la perfección de la belleza clásica que aún condiciona la percepción del arte hoy día.[nota 13]​

La arquitectura neoclásica era más racional, de signo funcional y un cierto aire utópico, como vemos en los postulados de Claude-Nicolas Ledoux y Étienne-Louis Boullée. Conviene distinguir dos tipos de arquitectura neoclásica: la de herencia barroca, pero despojada de excesiva decoración para distinguirse de la arquitectura rococó; y la propiamente neoclásica, de líneas austeras y racionales, sobria y funcional. A la primera pertenecen obras como el Panteón de París, de Jacques-Germain Soufflot, o la Ópera de Berlín, de Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff; también se enmarca en esta línea el neopalladianismo británico y estadounidense. En la nueva línea más racional puede mencionarse el proyecto urbanístico de las Tullerías, de Pierre-François-Léonard Fontaine (iniciador del llamado «estilo Imperio»); la Piazza del Popolo de Roma, de Giuseppe Valadier; el Walhalla de Ratisbona, de Leo von Klenze; y el Museo del Prado de Madrid, de Juan de Villanueva.

La escultura, de lógico referente grecorromano, tuvo como principales figuras a: Jean-Antoine Houdon, retratista de la sociedad prerrevolucionaria (Rousseau, Voltaire, Lafayette, Mirabeau); Antonio Canova, que trabajó para los papas y la corte de Napoleón (Paulina Borghese como Venus, 1805-1807); y Bertel Thorvaldsen, muy influido por la escultura griega, consagrado a la mitología y la historia antiguas (Jasón con el vellocino de oro, 1803). Otros nombres destacables serían John Flaxman, Johann Gottfried Schadow, Johan Tobias Sergel y Damià Campeny.

La pintura mantuvo un sello austero y equilibrado, influido por la escultura grecorromana o figuras como Rafael y Poussin. Destacó especialmente Jacques-Louis David, pintor «oficial» de la Revolución Francesa (Juramento de los Horacios,1784; La muerte de Marat, 1793; Napoleón cruzando los Alpes, 1800). Junto a él conviene recordar a: François Gérard, Antoine-Jean Gros, Pierre-Paul Prud'hon, Anne-Louis Girodet-Trioson, Jean Auguste Dominique Ingres, Joseph Wright of Derby, Johann Zoffany, Angelika Kauffmann, Anton Raphael Mengs, Joseph Anton Koch, Asmus Jacob Carstens, José de Madrazo, etc.[95]​

Las artes decorativas se desarrollaron en diversos estilos, algunos de los cuales perduraron a lo largo del siglo XIX: el estilo Directorio surgió en Francia en la época del Directorio (1795-1805), caracterizado por las líneas sencillas, clásicas, sobrias, sin adornos excesivos; el estilo Imperio se desarrolló en la Francia napoleónica y de la Restauración, de donde pasó al resto de Europa, sustituyendo la sobriedad por la ostentación y el lujo, con un estilo suntuoso, con preferencia de temas exóticos y orientales; en contraposición, el estilo Biedermeier alemán presentó un diseño más práctico y cómodo, de líneas sencillas y hogareñas. Estos estilos influyeron en el isabelino español y el victoriano inglés, de aire burgués, dedicados al lujo y la ostentación, aunque sin renunciar al confort y la funcionalidad.

A nivel literario, a finales del siglo XVIII se produjo una vuelta a premisas clasicistas, con la pretensión de establecer un tipo de literatura preceptiva, ordenadora, con una base ética e intelectual. Muchos de los autores de esta época estuvieron a caballo entre el neoclasicismo y el prerromanticismo, destacando: Friedrich Gottlieb Klopstock, Christoph Martin Wieland, Henry Fielding, Laurence Sterne, etc. En España, se denotó la influencia del clasicismo francés y los preceptos fijados por Boileau, destacando José Cadalso, Juan Meléndez Valdés y Gaspar Melchor de Jovellanos, así como los fabulistas Tomás de Iriarte y Félix María Samaniego.[96]​ El teatro neoclásico tuvo pocas variaciones respecto al desarrollado a lo largo del siglo XVIII, siendo su principal característica la inspiración en modelos clásicos grecorromanos, seña de identidad de esta corriente. Destacan: Vittorio Alfieri, Richard Brinsley Sheridan y Gotthold Ephraim Lessing y, en España, Leandro Fernández de Moratín y Vicente García de la Huerta.[97]​

K527
Obertura de Don Giovanni, una de las piezas más famosas de Wolfgang Amadeus Mozart (1787).
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La música clásica[nota 14]​ supuso entre el último tercio del siglo XVIII y principios del XIX la culminación de las formas instrumentales, consolidadas con la definitiva estructuración de la orquesta moderna. El clasicismo se manifestó en el equilibrio y la serenidad de la composición, la búsqueda de la belleza formal, de la perfección, en formas armoniosas e inspiradoras de altos valores. Nació el desarrollo, nueva forma de composición que consistía en desmontar el tema, cogiendo el ritmo o la melodía, pero cambiando la tonalidad a través de la modulación. Evolucionó la música de cámara al desaparecer el bajo continuo, en distintos formatos: dúo, trío, cuarteto, quinteto, etc. La música clásica está representada principalmente por: Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Christoph Willibald Gluck, Luigi Boccherini y Domenico Cimarosa. La ópera clásica era menos recargada que la barroca, con una música austera, sin ornamentos vocales, arias limitadas, recitativo con acompañamiento orquestal, argumentos más sólidos y personajes más verídicos. Destacan: Jean-Philippe Rameau, Christoph Willibald Gluck y, especialmente, Wolfgang Amadeus Mozart, autor de varias de las mejores óperas de la historia (Le Nozze di Figaro, 1786; Don Giovanni, 1787; La flauta mágica, 1791).[98]​

El ballet clásico también experimentó un gran desarrollo, sobre todo gracias al aporte teórico del coreógrafo Jean-Georges Noverre y su ballet d'action, que destacaba el sentimiento sobre la rigidez gestual del baile académico. Se buscó un mayor naturalismo y una mejor compenetración de música y drama, hecho perceptible en las obras del compositor Gluck, que eliminó muchos convencionalismos de la danza barroca. Otro coreógrafo relevante fue Salvatore Viganò, que dio mayor vitalidad al «cuerpo de ballet», el conjunto que acompaña a los bailarines protagonistas, que cobró independencia respecto a estos.[99]​

América

Artículo principal: Arte colonial hispanoamericano

Desde el descubrimiento de América por Cristóbal Colón en 1492 hasta la independencia de los diversos países americanos a lo largo del siglo XIX (los últimos Cuba y Puerto Rico en 1898) se dio el denominado arte colonial, que fue un fiel reflejo del arte efectuado en la metrópoli, desarrollándose los mismos estilos artísticos que en el continente europeo, principalmente el Renacimiento, el Barroco y el Rococó. Las principales muestras de arte colonial se produjeron en los dos centros geográficos de más relevancia en la era precolombina: México y Perú.

La arquitectura se basó en las mismas tipologías de edificios propios de la cultura europea, principalmente iglesias y catedrales, dado el rápido avance de la labor de evangelización de los pueblos nativos americanos, pero también edificios civiles como ayuntamientos, hospitales, universidades, palacios y villas particulares. Durante la primera mitad del siglo XVI fueron las órdenes religiosas las encargadas de la edificación de numerosas iglesias en México, preferentemente un tipo de iglesias fortificadas llamadas «capillas de indios». A mediados de siglo se empezaron a construir las primeras grandes catedrales, como las de México, Puebla, Guadalajara, Cuzco y Córdoba. La arquitectura barroca se caracterizó por una profusa decoración, que resultaría exacerbada en el llamado «ultrabarroco» (Fachada del Sagrario de la Catedral de México). En Perú, las construcciones desarrolladas en Lima y Cuzco desde 1650 muestran unas características originales que se adelantan incluso al barroco europeo, como en el uso de muros almohadillados y de columnas salomónicas (Iglesia de la Compañía, Cuzco). En el siglo XVIII, la arquitectura se orientó a un estilo más exuberante, otorgando un aspecto inconfundible al barroco limeño (Palacio del Marqués de Torre-Tagle.

Las primeras muestras de pintura colonial fueron las de escenas religiosas elaboradas por maestros anónimos, como las imágenes de la Virgen con el Niño. La producción artística hecha en Nueva España por indígenas en el siglo XVI es denominada arte indocristiano. La pintura barroca recibió la influencia del tenebrismo sevillano, principalmente de Zurbarán, como se puede apreciar en la obra de los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Arteaga, y del boliviano Melchor Pérez de Holguín. A finales del siglo XVI destacó la Escuela cuzqueña de pintura, representada principalmente por Luis de Riaño y Marcos Zapata. En el siglo XVIII la principal influencia sería la de Murillo, y en algún caso —como en Cristóbal de Villalpando— la de Valdés Leal. Destacan Gregorio Vázquez de Arce en Colombia y Juan Rodríguez Juárez y Miguel Cabrera en México.

En escultura las primeras muestras fueron nuevamente en el terreno religioso, en tallas exentas y retablos para iglesias, confeccionadas generalmente en madera recubierta con yeso y decorada con encarnación —aplique directo del color— o estofado —sobre un fondo de plata y oro—. A principios del siglo XVII nacieron las primeras escuelas locales, como la quiteña y la cuzqueña, destacando la labor patrocinadora de la orden jesuita. En el barroco destacó la obra escultórica desarrollada en Lima, como la sillería de la Catedral de Lima. En Brasil destacó la obra del Aleijadinho.[100]​

África

Artículo principal: Arte africano

En esta época continuó la diversidad de estilos y manifestaciones artísticas en el continente africano, debido a la multiplicidad étnica y religiosa, y a las diferentes organizaciones sociales, desde pueblos nómadas hasta estados centralizados como Benín, Dahomey, el Congo y Ashanti. Los principales materiales eran la madera, la piedra, el marfil, el metal, la arcilla, pieles, plumas, conchas, etc. En las montañas Drakensberg (Sudáfrica), los San (o bosquimanos) realizaron miles de pinturas rupestres entre los siglos XVIII y XIX, relacionadas con rituales chamánicos. En la región de Owerri (Nigeria) se construyeron una serie de edificios votivos llamados mbari, decorados con pinturas y esculturas. En Malí destacaron las construcciones en adobe, como la Gran Mezquita de Djenné, datada inicialmente del siglo XIII pero reconstruida varias veces. En Ashanti (actual Ghana) adquirieron notoriedad los tejidos llamados kente, de algodón o seda, decorados con motivos geométricos.

La escultura fue la principal actividad artística en el continente en general, caracterizada por su gran expresividad y fuerza emotiva, que llegó a influir en el arte de vanguardia europeo cuando el colonialismo favoreció la creación de museos etnológicos que llevaron las obras de arte africanas por toda Europa. En Benín se hacían figuras de latón desde el siglo XV hasta el XIX. En Ashanti se dio un estilo naturalista de pequeñas esculturas de metal (siglos XVII-XX). En la cultura yoruba (entre Nigeria, Benín y Togo) proliferaron los relieves en madera tallada, como en las puertas del palacio de Ikere, del escultor Olowe de Ise. Otras tipologías fueron: los fetiches o «figuras de poder» (nduda), relacionadas con ritos ultraterrenales, de figuras antropomórficas recubiertas de tela, cuero o plumas; los pfemba, dedicados a la maternidad, generalmente una mujer con un niño en brazos; y los mbulu-ngulu, relicarios protectores. También se forjaron figuras en hierro, como la del rey Glele de Dahomey, de tamaño natural, obra de Akate Akpele Kendo (1860). Por último, destacaron las máscaras, destinadas a ritos de distinta índole (funerarios, agrícolas, de fertilidad, etc.).[101]​

Asia

India
Artículo principal: Arte de la India

Durante este periodo se introdujo en la India el arte islámico. La invasión musulmana, que tuvo su culminación en el Imperio mogol, provocó una gran convulsión en la sociedad india y, por tanto, en su arte. A las formas tradicionales se añadieron elementos característicos del arte islámico, con nuevas tipologías como la mezquita. Este sincretismo artístico se manifestó en construcciones como las mezquitas de Lahore y Delhi y en las sepulturas de Agra, sobre todo en el famoso Taj Mahal (siglo XVII). También se desarrollaron la jardinería y la miniatura, ambas de influencia persa, y adquirieron gran relevancia las artes textiles y las joyas engarzadas (como el Trono de Aurangzeb).

El arte tradicional hindú tuvo su manifestación en el magnífico templo de Meenakshi (Madurai), así como en la escuela miniaturista de Rajput, donde vivía una comunidad jainista que creó un arte que tuvo gran difusión en Occidente, plasmado en un conjunto de templos y esculturas de mármol con incrustaciones de piedras de colores, decorados con gran preciosismo. A partir del siglo XII la escultura se realizó más en bronce que en piedra, destacando las representaciones del dios Śivá en actitud danzante; después serían característicos los retratos de guerreros y cortesanos, tradición que llegó hasta el siglo XVIII. La arquitectura de finales de este periodo evolucionó hacia formas cada vez más complejas, con gran riqueza decorativa, en la que se podría denominar una fase «barroca» del arte indio (aunque sin hacer paralelismos con el barroco europeo).[102]​

En literatura la principal particularidad de esta época fue el despunte de las lenguas vernáculas, surgiendo una literatura en hindi, bengalí, tamil, maratí, guyaratí, télugu, rayastaní, etc. En el género dramático destacó Anandarayamakhin, autor de Jiva-nandana (hacia 1700), drama alegórico que representa el alma humana como un rey encarcelado en su palacio (el cuerpo); y en el poema épico destaca el Ram-chari-manas de Tulsidas, reelaboración del Ramaiana con gran pureza lingüística y estilística. El teatro derivó en tiempos más recientes del antiguo dutangada —donde predominaba la danza y la mímica— en una nueva modalidad denominada kathakali, que igualmente ponía énfasis en la música y la gestualidad. En esta interpretación adquirió gran relevancia el lenguaje de las manos (mudras, con 24 posiciones básicas y otras combinadas), así como la expresión del rostro y los movimientos de los ojos (navarasya). También tenía importancia el maquillaje, donde los colores eran simbólicos, identificando al rol o personaje.[103]​

La música recibió igualmente la influencia musulmana, aunque subsistieron las antiguas formas tradicionales, basadas en los ragas. Sin embargo, la convivencia de ambas modalidades provocó una división en dos tradiciones musicales diferenciadas: la septentrional o indostánica, más influida por la música árabe; y la meridional o carnática, más conservadora de la antigua tradición. La primera era más elegante, decorativa, romántica, mientras que la segunda era más austera, intelectual. Dos de las danzas clásicas de la India que ejemplifican lo anterior son el kathak, en el norte, y el bharatanatyam, en el sur.[104]​

China
Artículo principal: Arte de China
 
El Palacio de la Suprema Armonía, en el centro de la Ciudad Prohibida de Pekín.
  • Dinastía Ming (1368-1644): supuso la restauración de una dinastía autóctona tras el periodo mongol, retornando a las antiguas tradiciones chinas. El tercer emperador de la dinastía, Yongle, trasladó la capital de Nankín a Pekín (1417), construyendo un Palacio Imperial (la Ciudad Prohibida), con tres grandes patios rodeados de una muralla de 24 kilómetros, y un amplio complejo de edificios donde destacan la Sala de la Suprema Armonía (con el trono imperial) y el Templo del Cielo. La pintura de esta época era tradicional, de signo naturalista y cierta opulencia, como en la obra de Lü Ji, Shen Zhou, Wen Zhengming, etc. También destacó la porcelana, muy ligera y de tonos brillantes, generalmente en blanco y azul, y comenzó la decoración de vasijas de bronce en esmalte cloisonné.
  • Dinastía Qing (1644-1911): dinastía de origen manchú, en el arte supuso la continuidad de las formas tradicionales. La pintura era bastante ecléctica, dedicada a temas florales (Yun Shouping), religiosos (Wu Li), paisajes (Gai Qi), etc. En arquitectura, se continuó la construcción —y, en algunos casos, restauración— del recinto imperial, con el mismo sello estilístico, al tiempo que se edificaban nuevos templos y villas aristocráticas, destacando la riqueza de los materiales (balaustradas de mármol, cerámica en los tejados, etc.). Continuó igualmente la tradición en las artes aplicadas, especialmente ebanistería, porcelana, tejidos de seda, lacas, esmalte, jade, etc. Cabe mencionar que las manufacturas chinas influyeron en la decoración del rococó europeo (las llamadas chinoiseries).[105]​

La literatura siguió siendo de corte tradicional, destacando en época Ming la producción teatral, con obras como El círculo de tiza de Li-Hsing-Tao, La guitarra de Kao Ming y El pabellón de T'ang-Hien-Tsu. En prosa destacó El mono, de Wu Cheng'en, de signo alegórico; y La ciruela del vaso de oro, de Wang Shih-chên, narración de tono erótico. En época Qing la poesía destacó por su virtuosismo, detectándose por vez primera el influjo occidental en la obra de Huang-Tuen-Hien. La narrativa era más humanista, como se puede percibir en P'u-Song-Ling y Ts'ao-Sine-K'in, autor de Hong-leu-mon, la más famosa novela de amor china; Los letrados, de Wu-Ching-Tzu, es una novela de tono satírico.[106]​

La música siguió las tradiciones anteriores, recopiladas en el Manual de música de Tsai Yü (1596). De esta época destacan las tonadas para cítara, con dos vertientes: tonadas breves (hsiao-ch'ü), de letra con acompañamiento musical; y tonadas largas (ta-ch'ü), puramente instrumentales. En la dinastía Ming destacó el compositor Wei Liang-fu, creador de un nuevo estilo dramático con óperas de 30 actos (k'un-ch'ü), con partes cantadas y partes declamadas. El instrumento principal era la flauta travesera (ti), junto a la guitarra (san-hsien), el laúd corto (p'i-p'a) y el tambor (pan-ku). Durante la dinastía Qing surgió un nuevo tipo de ópera (ching-hsi), más popular, con acompañamiento de violín de una cuerda (hu'chpin). En ese periodo comenzó la influencia occidental, al tiempo que la música china llegó a Occidente, como se observa en la obertura de Turandot, de Carl Maria von Weber (1809).[107]​

Japón
Artículo principal: Arte del Japón
  • Período Momoyama (1573-1615): el arte de esta época se alejó de la estética budista, remarcando los valores tradicionales japoneses, aunque durante este período se recibieron las primeras influencias de Occidente. Se construyeron grandes castillos y palacios: palacio de Fushimi, castillos de Himeji y Osaka. En pintura, la escuela de Tosa continuó la tradición épica japonesa (Mitsuyoshi, Mitsunori). La cerámica alcanzó un momento de gran apogeo: Seto continuó siendo uno de los primeros centros de producción, mientras que en Mino nacieron dos escuelas muy importantes: Shino y Oribe. En la producción de laca destaca el nombre de Honami Kōetsu.
  • Período Edo o Tokugawa (1615-1868): este período artístico se corresponde con el histórico de Tokugawa, en el que Japón se cerró a todo contacto exterior. Los edificios más importantes son el mausoleo de Toshogu en Nikkō y el palacio de Katsura en Kioto. También son características de esta época las casas de té (chashitsu). Se desarrolló notablemente la pintura, que adquirió gran vitalidad, destacando Tawaraya Sōtatsu y Ogata Kōrin, así como la escuela de Ukiyo-e, que destacó por la representación de tipos y escenas populares (Kitagawa Utamaro, Katsushika Hokusai, Utagawa Hiroshige). La cerámica tuvo uno de sus mayores centros de producción en Kioto, con influencia del arte chino y coreano; su principal artista es Nonomura Ninsei. En este período se produjeron las primeras porcelanas, con un primer centro productor en Arita; destacan las escuelas de Kakiemon, Nabeshima y Ko-Kutami.[108]​

La literatura evolucionó hacia un mayor realismo, generalmente de tono costumbrista y con una sutil vena humorística, como se aprecia en la obra de Saikaku Ihara, Jippensha Ikku y Ejima Kiseki. En poesía, la principal modalidad es el haiku, composición de 17 sílabas, generalmente de tono bucólico, centradas en la naturaleza y el paisaje, destacando Matsuo Bashō, Yosa Buson y Kobayashi Issa. Continuó el género de la waka, generalmente en chino, representada principalmente por Rai Sanyo. En el siglo XIX destacó el novelista Takizawa Bakin, autor de Satomi Kakkenden (Vidas de ocho perros).[109]​

En teatro surgió la modalidad del kabuki, que sintetizó las antiguas tradiciones tanto musicales e interpretativas como de mímica y danza, con temáticas desde las más mundanas hasta las más místicas. Así como el nō era de tono aristocrático, el kabuki sería la expresión del pueblo y la burguesía. La puesta en escena era de gran riqueza, con decorados donde destacaba la composición cromática, vestidos de lujo y maquillaje de tono simbólico, representando según el color diversos personajes o estados anímicos. La dicción era de tipo ritual, mezcla de canto y recitativo, en ondulaciones que expresaban la posición o el carácter del personaje.[110]​

La música fue en esta época principalmente de cámara, de tipo profano, desarrollada con diversos instrumentos entre los que destacan el shamisen (laúd de tres cuerdas), el shakuhachi (flauta de bambú) y el koto (cítara de 13 cuerdas). El koto, principalmente, tuvo un gran auge a partir del siglo XVII, siendo popularizado por el músico ciego Yatsushashi. Se tocaba solo, con diversas variaciones (dan) de 52 compases (hyoshi), o acompañado de voz (kumi).[111]​

Oceanía

Artículo principal: Arte de Oceanía
 
Casa de reunión melanesia.

El arte siguió siendo predominantemente indígena, aunque se dieron los primeros contactos con la civilización occidental. En sus viajes por el Pacífico (1768-1780) James Cook reunió una serie de obras de arte que incluían tejidos, esculturas, joyas, muebles, armas, herramientas, instrumentos musicales, etc. En Melanesia destacan las grandes casas de reunión o «casas de los espíritus», dedicadas a ceremonias relacionadas con el culto a los antepasados. Continuó la talla de figuras antropomórficas —principalmente deidades locales—, como la de Kukailimoku, dios de la guerra hawaiano (British Museum), o el dios A'a, de Rurutu (islas Australes). También siguió la tradición de las máscaras, especialmente en Nueva Guinea (mai), Nueva Irlanda (malanggan) y Nueva Caledonia (apuema). Los asmat, tribu de Irian Jaya (Nueva Guinea), construían unos postes conmemorativos (bisj) de entre 5 y 10 metros de altura, tallados con figuras antropomórficas, una encima de otra. En las islas Salomón se dan estatuas de madera (indalo) de figuras humanas o animales, con incrustaciones de conchas. En Australia continuó la tradición de las pinturas rupestres, así como las churingas, piezas de madera, piedra o concha, decoradas con motivos geométricos.[112]​

Arte contemporáneo

Artículo principal: Arte contemporáneo

Siglo XIX

Artículo principal: Historia del Arte del siglo XIX

Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos —impulso iniciado con la Revolución francesa—; y, en lo económico, por la Revolución Industrial y el afianzamiento del capitalismo, que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y se enfrentan. Surge el arte moderno como contraposición al arte académico, situándose el artista a la vanguardia de la evolución cultural de la humanidad.

Arquitectura

Artículo principal: Arquitectura del siglo XIX

La arquitectura decimonónica sufrió una gran evolución debido a los avances técnicos que comportó la Revolución Industrial, con la incorporación de nuevos materiales como el hierro, el acero y el hormigón, que permitieron la construcción de estructuras más sólidas y diáfanas. Cobró cada vez mayor importancia el urbanismo, la preocupación por el entorno habitable, que se tradujo en obras de saneamiento, infraestructuras, mayor atención a los medios de transporte y apertura de espacios verdes para buscar mejores ambientes y condiciones de vida para el ciudadano. Después de unos primeros planteamientos de signo utópico, como los de Robert Owen o Charles Fourier, se produjeron las grandes transformaciones urbanas del siglo XIX: París (plan Haussmann), Londres, Bruselas, Viena, Florencia, Madrid, Barcelona (plan Cerdà), etc. Otro gran motor de la arquitectura de la época fueron las exposiciones universales, festivales económico-sociales que pretendían incentivar y difundir el comercio, la industria, la cultura, los avances tecnológicos, etc. Estos eventos fueron un campo de pruebas para las nuevas tipologías arquitectónicas, como se puso de manifiesto en la Exposición de Londres de 1851, la de París de 1889 (con la famosa Torre Eiffel), etc. En jardinería, apareció el llamado «jardín inglés» —que introdujo el concepto de «arquitectura paisajística»—, el cual, frente al geometrismo del italiano y el francés, defendía una mayor naturalidad en su composición, interviniendo únicamente en una serie de detalles ornamentales, como templetes o pérgolas, o incluso la colocación de ruinas —naturales o artificiales—, en consonancia con los conceptos románticos de lo sublime y lo pintoresco (Regent's Park, de John Nash; Kew Gardens, de William Chambers).

Estilísticamente, la primera mitad de siglo vio un cierto eclecticismo de las formas, así como un revival de estilos anteriores reinterpretados según conceptos modernos: es el llamado historicismo, que produjo movimientos como el neorrománico, el neogótico, el neobarroco, etc. Entre sus principales artífices cabe recordar a: John Nash, Augustus Pugin, Viollet-le-Duc, etc. En Estados Unidos surgió una nueva tipología de edificio, el rascacielos, fomentado por la denominada Escuela de Chicago (William Le Baron Jenney, Louis Sullivan). A finales de siglo surgió el modernismo,[nota 15]​ que supuso una gran revolución en el terreno del diseño, con nombres como Victor Horta, Henry van de Velde, Hector Guimard, Charles Rennie Mackintosh, Otto Wagner, Adolf Loos, Joseph Maria Olbrich, Hendrik Petrus Berlage, Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner, Josep Puig i Cadafalch, etc.[113]​

Romanticismo

Artículo principal: Romanticismo

Movimiento de profunda renovación en todos los géneros artísticos, los románticos pusieron especial atención en el terreno de la espiritualidad, de la imaginación, la fantasía, el sentimiento, la evocación ensoñadora, el amor a la naturaleza, junto a un elemento más oscuro de irracionalidad, de atracción por el ocultismo, la locura, el sueño. Se valoró especialmente la cultura popular, lo exótico, el retorno a formas artísticas menospreciadas del pasado —especialmente las medievales—, y adquirió notoriedad el paisaje, que cobró protagonismo por sí solo. Cobraron también importancia las artes gráficas, principalmente la litografía y el grabado en madera.

En pintura, después de una fase prerromántica donde podríamos citar a William Blake y Johann Heinrich Füssli, destacaron Hubert Robert, Eugène Delacroix, Théodore Géricault, Francesco Hayez, John Constable, Joseph Mallord William Turner, Caspar David Friedrich, Karl Friedrich Schinkel, Philipp Otto Runge, etc. Una derivación del romanticismo fue el movimiento alemán de los Nazarenos, inspirados en el Quattrocento italiano y en el Renacimiento alemán, principalmente Durero (Friedrich Overbeck, Peter Cornelius, Franz Pforr). En España destacaron Genaro Pérez Villaamil, Valeriano Domínguez Bécquer, Leonardo Alenza y Eugenio Lucas.

En escultura prevalecen las formas neoclásicas, reinterpretadas según las nuevas temáticas románticas. Cabría citar en Francia a: François Rude, que evolucionó del neoclasicismo al romanticismo (La Marsellesa, 1832); Antoine-Louis Barye, especializado en figuras de animales; Jean-Baptiste Carpeaux, artista polivalente con gusto por lo espectacular; y David d'Angers, autor del relieve del frontón del Panteón de París (1830-1837). En Alemania destacaron: Christian Daniel Rauch, Rudolf Schadow y Johann Heinrich Dannecker.[114]​

 
Lord Byron, uno de los mejores poetas románticos.

La literatura del Romanticismo estableció la idea de un arte que surge espontáneamente del individuo, destacando la figura del «genio» —el arte es la expresión de las emociones del artista—. Exaltó la naturaleza, el individualismo, el sentimiento, la pasión, con un nuevo gusto por formas íntimas y subjetivas de expresión como lo sublime, y dando valor a nuevos aspectos como lo oscuro, lo tenebroso, lo irracional. En un prerromanticismo —plasmado en el movimiento alemán Sturm und Drang— destacaron Johann Christoph Friedrich von Schiller y Johann Wolfgang von Goethe, así como el poeta inglés William Blake. Posteriormente es de remarcar la obra de: Johann Christian Friedrich Hölderlin, Novalis, Heinrich Heine, August Wilhelm von Schlegel, Friedrich von Schlegel, Heinrich von Kleist, Johann Ludwig Tieck, E. T. A. Hoffmann, Walter Scott, William Wordsworth, Samuel Taylor Coleridge, John Keats, Lord Byron, Percy Shelley, Mary Wollstonecraft Shelley, Jane Austen, Alphonse de Lamartine, Madame de Staël, François-René de Chateaubriand, Alfred de Vigny, Victor Hugo, George Sand, Prosper Mérimée, Alexandre Dumas (padre), Ugo Foscolo, Giacomo Leopardi, Alessandro Manzoni, Aleksandr Pushkin, Nikolai Gogol, Adam Mickiewicz, Washington Irving, James Fenimore Cooper, Ralph Waldo Emerson, Nathaniel Hawthorne, Edgar Allan Poe, Gustavo Adolfo Bécquer, Ramón de Campoamor, José de Espronceda, Mariano José de Larra, Fernán Caballero, Rosalía de Castro, Bonaventura Carles Aribau, Andrés Bello, Domingo Faustino Sarmiento, José Hernández, Gertrudis Gómez de Avellaneda, etc.[115]​

El teatro romántico tuvo dos notables antecedentes nuevamente en el Sturm und Drang con Schiller (Don Carlos, 1787; Guillermo Tell, 1804) y Goethe (Fausto, 1808). Como en el resto de la literatura romántica, destaca por el sentimentalismo, el dramatismo, la predilección por temas oscuros y escabrosos, la exaltación de la naturaleza y del folclore popular. Surgió un nuevo género, el melodrama, y se popularizaron los espectáculos de variedades (vaudeville). Sus mejores exponentes fueron: Georg Büchner, Christian Dietrich Grabbe, Juliusz Słowacki, Alfred de Musset, Victor Hugo, Francisco Martínez de la Rosa, el Duque de Rivas, Antonio García Gutiérrez, José Echegaray, José Zorrilla (Don Juan Tenorio, 1844), etc.[116]​

La música romántica se caracteriza como en el resto de las artes por el predominio del sentimiento y la pasión, de la subjetividad y emotividad del artista, exaltando la música nacional y popular. Se amplía notablemente la orquesta, para poder satisfacer plenamente la expresividad del artista, los nuevos sentimientos que en él anidan (lo sublime, lo patético). El piano fue el instrumento de moda, pues su registro, la intensidad de la pulsación, son fiel reflejo de esa emotividad, ligada al nuevo culto a la personalidad que se desarrolla en el romanticismo. Nació la musicología como ciencia aplicada a la música, así como la crítica y la estética musicales, y aparecieron los primeros conservatorios. Sus principales representantes fueron: Ludwig van Beethoven, Carl Maria von Weber, Franz Schubert, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Franz Liszt, Frédéric Chopin, Niccolò Paganini, Johann Strauss, Johannes Brahms, Anton Bruckner, Hector Berlioz, Jules Massenet, etc.

En esta época se desarrolló notablemente la ópera, sobre todo en Italia, donde recibió el nombre de bel canto. Destacó por el brillo de sus voces, la coloratura, la ornamentación, ganando importancia el papel de la soprano —desde 1840 se puso de moda el do de pecho—. La ópera romántica tuvo dos vertientes: la cómica —o bufa— y la dramática, sobre los grandes dramas literarios románticos. Destacan: Luigi Cherubini, Gaetano Donizetti, Vincenzo Bellini, Gioacchino Antonio Rossini, Charles Gounod, Georges Bizet y, especialmente, Giuseppe Verdi (Rigoletto, 1851; Il trovatore, 1853; La Traviata, 1853; Aida, 1870). En Alemania, Richard Wagner dio a la ópera cotas de gran brillantez, con la pretensión de hacer una «obra de arte total» (gesamtkunstwerk) que aunase música, poesía, filosofía, escenografía, etc. (Tannhäuser, 1845; Lohengrin, 1850; Tristán e Isolda, 1865; Parsifal, 1882).[117]

Noviembre 04, 2021
historia, arte, para, historiografía, historia, arte, véase, estudio, historia, arte, historia, arte, relato, evolución, arte, través, tiempo, entendido, como, cualquier, actividad, producto, realizado, humano, finalidad, estética, comunicativa, través, cual, . Para la historiografia de la historia del arte vease Estudio de la historia del arte La historia del arte es el relato de la evolucion del arte a traves del tiempo Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con finalidad estetica o comunicativa a traves de la cual se expresan ideas emociones o en general una vision del mundo empleando diversos recursos como los plasticos linguisticos sonoros o mixtos La creacion de Adan 1508 1512 de Miguel Angel en la Capilla Sixtina Vaticano Cuarteto para flauta 1777 de Wolfgang Amadeus Mozart considerado como uno de los mejores compositores de musica clasica de toda la historia Las mil y una noches ألف ليلة وليلة Alf layla wa layla titulo clasico de la literatura arabe El acorazado Potemkin 1925 de Sergei Eisenstein una de las obras maestras de la historia del cine La historiografia del arte como disciplina academica y entorno institucional museos mercado del arte departamentos universitarios producciones editoriales se suele restringir a las denominadas artes visuales o plasticas esencialmente a pintura escultura y arquitectura mientras que otras artes son mas especificamente objeto de estudio de otras disciplinas claramente delimitadas como la historia de la literatura o la historia de la musica siendo todas ellas objeto de atencion por la denominada historia de la cultura o historia cultural junto con las historias sectoriales enfocadas a otras manifestaciones del pensamiento como la historia de la ciencia la historia de la filosofia o la historia de las religiones Algunos campos de conocimiento estrechamente relacionados con la historia del arte son la estetica y la teoria del arte A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa manera desde la distincion medieval entre artes liberales y artes vulgares o mecanicas pasando por la moderna distincion entre bellas artes y artes menores o aplicadas hasta la multiplicidad contemporanea que entiende como arte casi cualquier manifestacion de la creatividad del ser humano La sucesiva ampliacion del listado de las artes principales llego en el siglo XX hasta el numero de nueve la arquitectura la danza la escultura la musica la pintura la poesia entendida de forma amplia como literatura con intencion estetica que incluye los distintos generos del teatro y la narrativa la cinematografia la fotografia y la historieta o comic Al solapamiento conceptual de terminos entre artes plasticas y artes visuales se anadieron los de diseno y artes graficas Ademas de antiquisimas formas de expresion artistica como la moda y la gastronomia actualmente se suelen considerar artes nuevos vehiculos expresivos como la publicidad la animacion la television y los videojuegos La historiografia del arte es una ciencia multidisciplinar procurando un examen objetivo del arte a traves de la historia clasificando culturas estableciendo periodizaciones y observando sus caracteristicas distintivas e influencias El estudio de la Historia del Arte se desarrollo inicialmente en el Renacimiento con su objeto limitado a la produccion artistica de la civilizacion occidental No obstante con el tiempo se ha impuesto una vision mas amplia de la historia artistica intentando una descripcion global del arte de todas las civilizaciones y el analisis de sus producciones artisticas en terminos de sus propios valores culturales relativismo cultural y no solo de los de la historia del arte occidental El arte goza hoy dia de una amplia red de estudio difusion y conservacion de todo el legado artistico producido por la humanidad a lo largo de su historia Durante el siglo XX han proliferado las instituciones fundaciones museos y galerias de ambito publico y privado dedicados al analisis y catalogacion de las obras de arte asi como su exposicion a un publico mayoritario El auge de los medios de comunicacion ha sido fundamental para el mejor estudio y divulgacion del arte Eventos y exposiciones internacionales como las bienales de Venecia y Sao Paulo o la Documenta de Kassel han ayudado al fomento de nuevos estilos y tendencias Premios como el Turner de la Tate Gallery el Premio de la Fundacion Wolf de las Artes la Medalla Picasso de la UNESCO el Premio Velazquez de Artes Plasticas el Premio Pritzker de arquitectura el Premio Nobel de literatura la Medalla Mozart de la Unesco de musica clasica el Pulitzer de fotografia y los oscar de cine tambien fomentan la obra de los mejores creadores a nivel internacional Instituciones como la UNESCO con el establecimiento de un Patrimonio de la Humanidad ayudan igualmente a la conservacion de los principales monumentos del planeta 1 Indice 1 Prehistoria 1 1 Paleolitico 1 2 Neolitico 1 3 Edad de los Metales 2 Arte antiguo 2 1 Mesopotamia 2 2 Egipto 2 3 America 2 4 Africa 2 5 Asia 2 5 1 India 2 5 2 China 2 5 3 Japon 2 6 Oceania 2 7 Otras manifestaciones 3 Arte clasico 3 1 Grecia 3 2 Roma 4 Arte medieval 4 1 Arte paleocristiano 4 2 Arte germanico 4 3 Arte prerromanico 4 4 Arte bizantino 4 5 Arte islamico 4 6 Arte romanico 4 7 Arte gotico 4 8 America 4 9 Africa 4 10 Asia 4 11 Oceania 5 Arte de la Edad Moderna 5 1 Renacimiento 5 2 Manierismo 5 3 Barroco 5 4 Rococo 5 5 Neoclasicismo 5 6 America 5 7 Africa 5 8 Asia 5 9 Oceania 6 Arte contemporaneo 6 1 Siglo XIX 6 1 1 Arquitectura 6 1 2 Romanticismo 6 1 3 Realismo 6 1 4 Impresionismo 6 1 5 Simbolismo 6 1 6 Modernismo 6 1 7 Fotografia 6 2 Siglo XX 6 2 1 Arquitectura 6 2 2 Vanguardismo 6 2 3 Ultimas tendencias 6 2 4 Globalizacion del arte 6 2 5 Artes decorativas 6 2 6 Literatura contemporanea 6 2 7 Teatro contemporaneo 6 2 8 Musica contemporanea 6 2 9 Danza contemporanea 6 2 10 Fotografia del siglo XX 6 2 11 Cine 6 2 12 Historieta 6 2 13 Arte efimero 7 Vease tambien 8 Notas 9 Referencias 10 Bibliografia 11 Enlaces externosPrehistoria Editar Venus de Willendorf Museo de Historia Natural de Viena Articulo principal Arte prehistorico El arte prehistorico es el desarrollado por el ser humano primitivo desde la Edad de Piedra Paleolitico superior Mesolitico y Neolitico hasta la Edad de los Metales periodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artisticas por parte del Homo sapiens Durante el Paleolitico 25 000 8000 a C los seres humanos se mantenian principalmente gracias a la caza y a la recoleccion y habitaban en cuevas en algunas de las cuales desarrollaron la llamada pintura rupestre Tras un periodo de transicion Mesolitico 8000 6000 a C en el Neolitico 6000 3000 a C el ser humano se volvio sedentario y se dedico a la agricultura con sociedades cada vez mas complejas donde fue cobrando importancia la religion y comenzo la produccion de piezas de artesania Por ultimo en la llamada Edad de los Metales 3000 1000 a C surgieron las primeras civilizaciones protohistoricas Paleolitico Editar Articulo principal Arte paleolitico Las primeras manifestaciones artisticas proceden del Homo neanderthalensis de hace unos 65 000 anos tal como se constata por los restos hallados en las cuevas de Maltravieso Caceres Ardales Malaga y La Pasiega Cantabria 2 Aun asi la mayor parte de los primeros hallazgos artisticos son del paleolitico superior y pertenecen ya al Homo sapiens alrededor del 25 000 a C teniendo su apogeo en el periodo magdaleniense 15 000 8000 a C Los primeros vestigios de objetos creados por el hombre aparecen en el sur de Africa el Mediterraneo occidental Europa central y oriental Mar Adriatico Siberia Lago Baikal la India y Australia Estos primeros vestigios son generalmente utensilios de piedra trabajada silex obsidiana o bien de hueso o madera Para la pintura utilizaban rojo de oxido de hierro negro de oxido de manganeso y ocre de arcilla Su principal medio expresivo era la pintura rupestre desarrollada principalmente en la region franco cantabrica son pinturas de caracter magico religioso en cuevas de sentido naturalista con representacion de animales destacando las cuevas de Altamira Tito Bustillo Trois Freres Chauvet y Lascaux En escultura destacan las llamadas venus representaciones femeninas que seguramente servian de culto a la fecundidad destacando la Venus de Willendorf Otras obras representativas de esta epoca son el denominado Hombre de Brno el Mamut de Vogelherd y la Dama de Brassempouy 3 En la prehistoria surgieron las primeras formas rudimentarias de musica y danza diversos fenomenos naturales y la modulacion de la propia voz humana hicieron ver al hombre primitivo que existian sonidos que resultaban armonicos y melodiosos y que afectaban a las emociones al estado animico de las personas Al tiempo la danza el movimiento ritmico supuso una forma de comunicacion corporal que servia para expresar sentimientos o para ritualizar acontecimientos importantes nacimientos defunciones bodas En principio musica y danza tenian un componente ritual celebrados en ceremonias de fecundidad caza o guerra o de diversa indole religiosa Pronto el ser humano aprendio a valerse de objetos rudimentarios huesos canas troncos conchas para producir sonidos mientras que la propia respiracion y los latidos del corazon sirvieron para otorgar una primera cadencia a la danza 4 Neolitico Editar Articulo principal Arte neolitico Pintura rupestre de la Roca de los Moros en El Cogul Este periodo iniciado alrededor del 8000 a C en el Proximo Oriente supuso una profunda transformacion para el antiguo ser humano que se volvio sedentario y se dedico a la agricultura y la ganaderia surgiendo nuevas formas de convivencia social y desarrollandose la religion En la pintura levantina datada entre el Mesolitico y el Neolitico se dio la figura humana muy esquematizada con notables ejemplos en El Cogul Valltorta Alpera y Minateda Tambien se dio este tipo de pintura en el norte de Africa Atlas Sahara y en la zona del actual Zimbabue La pintura neolitica solia ser esquematica reducida a trazos basicos el hombre en forma de cruz la mujer en forma triangular Son de destacar igualmente las pinturas rupestres del rio Pinturas en Argentina especialmente la Cueva de las manos En arte mobiliar se produjo la llamada ceramica cardial decorada con impresiones de conchas cardium y aparecio el arte textil Se manufacturaron nuevos materiales como el ambar el cristal de roca el cuarzo el jaspe etc En esta epoca aparecieron los primeros vestigios de poblados con una planimetria urbanistica destacando los restos hallados en Tell as Sultan Jerico Jarmo Irak y Catalhoyuk Anatolia 5 Edad de los Metales Editar Complejo megalitico de Stonehenge en Inglaterra La ultima fase prehistorica es la llamada Edad de los Metales pues la utilizacion de elementos como el cobre el bronce y el hierro supuso una gran transformacion material para estas antiguas sociedades En el llamado calcolitico surgio el megalitismo monumentos funerarios en piedra destacando el dolmen y el menhir o el cromlech ingles como en el magnifico conjunto de Stonehenge En Espana se formo la cultura de Los Millares caracterizada por la ceramica campaniforme y las representaciones humanas de figuras esquematicas de grandes ojos En Malta destaco el conjunto de templos de Mudajdra Tarxien y Ggantija En las islas Baleares se desarrollo una notable cultura megalitica con diversas tipologias de monumentos la naveta tumba en forma de piramide truncada con camara funeraria alargada la taula dos grandes piedras colocadas una vertical y otra encima horizontal y el talayot torre con una camara cubierta de falsa cupula 6 En la Edad del Hierro destacaron las culturas de Hallstatt Austria y La Tene Suiza La primera se dio entre los siglos VIII a C y V a C caracterizada por las necropolis con tumbas de tumulo con camara mortuoria de madera en forma de casa a menudo acompanada de un carro de cuatro ruedas La ceramica era policroma con decoraciones geometricas y aplicaciones de adornos metalicos La Tene se desarrollo entre los siglos V a C y I a C ligada a la cultura celta Destaco por sus objetos en hierro espadas lanzas escudos fibulas con diversas fases de evolucion La Tene I II y III que al final de esta era recibio las influencias griega etrusca y del arte de las estepas 7 Dama de Brassempouy Museo de Arqueologia nacional Saint Germain en Laye Menhir de Champ Dolent en la zona de Bretana Francia Talayot circular de la isla de Mallorca Espana Carro solar de Trundholm Dinamarca Arte antiguo Editar Tablilla sobre el diluvio del Poema de Gilgamesh c siglo VII a C Museo Britanico Articulo principal Arte antiguo Se denomina asi a las creaciones artisticas de la primera etapa de la historia iniciadas con la invencion de la escritura destacando las grandes civilizaciones del Proximo Oriente Egipto y Mesopotamia Tambien englobaria las primeras manifestaciones artisticas de la mayoria de pueblos y civilizaciones de todos los continentes En esta epoca aparecieron las primeras grandes ciudades principalmente en cuatro zonas delimitadas por grandes rios el Nilo el Tigris y el Eufrates el Indo y el rio Amarillo Uno de los grandes avances en esta epoca fue la invencion de la escritura generada en primer lugar por la necesidad de llevar registros de indole economica y comercial El primer codigo escrito fue la escritura cuneiforme surgida en Mesopotamia alrededor del 3500 a C practicada en tablillas de arcilla Estaba basada en elementos pictograficos e ideograficos mientras que mas adelante los sumerios desarrollaron un anexo silabico para su escritura reflejando la fonologia y la sintaxis del idioma sumerio hablado En Egipto se desarrollo la escritura jeroglifica con una primera muestra en la Paleta de Narmer 3100 a C La lengua hebrea fue una de las primeras que utilizo como metodo de escritura el alfabeto abyad alrededor del 1800 a C que relaciona un unico simbolo a cada fonema de aqui derivan los alfabetos griego y latino 8 Mesopotamia Editar Articulo principal Arte de Mesopotamia Estatua sedente del principe Gudea patesi de Lagash 2120 a C Museo del Louvre Paris El arte mesopotamico se desarrollo en la zona comprendida entre los rios Tigris y Eufrates actuales Siria e Irak donde desde el IV milenio a C se sucedieron diversas culturas como los sumerios acadios amorritas asirios caldeos etc La arquitectura se caracteriza por el empleo del ladrillo con un sistema adintelado y la introduccion de elementos constructivos como el arco y la boveda Destacan los zigurats grandes templos de forma escalonada piramidal de los que practicamente no nos han llegado vestigios excepto algunos basamentos La tumba solia ser de corredor con camara cubierta de falsa cupula como algunos ejemplos hallados en Ur Tambien destacaron los palacios conjuntos amurallados con un sistema de terrazas a modo de zigurat otorgando gran importancia a las zonas ajardinadas los jardines colgantes de Babilonia son una de las siete maravillas del mundo antiguo La escultura se desarrollo en talla exenta o relieve en escenas religiosas o de caza y militares con la presencia de figuras humanas y animales reales o mitologicos En epoca sumeria se dieron pequenas estatuas de formas angulosas con piedra de color o pasta en los ojos en figuras sin cabello con las manos en el pecho En el periodo acadio son figuras con cabello y larga barba destacando la estela de Naram Sin De la etapa amorrita o neosumeria destacan las representaciones del rey Gudea de Lagash con manto y turbante y las manos nuevamente sobre el pecho En el dominio babilonico cabe mencionar la famosa estela de Hammurabi De la escultura asiria destacan las figuras antropomorficas de toros o genios alados que flanqueaban las puertas de los palacios asi como los relieves con escenas de guerra o caza como el Obelisco negro de Salmanasar III 9 Con la aparicion de la escritura surgio la literatura como medio de expresion de la creatividad del ser humano En la literatura sumeria destaca el Poema de Gilgamesh del siglo XVII a C Se escribieron una treintena de mitos sobre las divinidades sumerias y acadias mas importantes entre los que destacan el descenso de Inanna a los infiernos y los generados en torno a los dioses Enki y Tammuz Otra muestra de relevancia es el poema Lugal ud melambi Nirpal Los trabajos de Ninurta cuyo contenido es de tipo didactico y moral En epoca acadia destaca el Atrahasis sobre el mito del diluvio En la literatura babilonica es de remarcar el poema Enuma Elish sobre la creacion del mundo 10 La musica se desarrollo en esta region entre el IV y el III milenio a C en rituales de los templos sumerios donde se cantaban himnos o salmos ersemma a los dioses El canto liturgico estaba compuesto de responsorios canto alternado entre sacerdotes y coro y antifonas canto alternado entre dos coros Tenian varios instrumentos como el tigi flauta el balag tambor la lilis precursor del timbal el algar lira el zagsal arpa y la adapa pandero 11 Egipto Editar Articulo principal Arte del Antiguo Egipto Las piramides de Gizeh En Egipto surgio una de las primeras grandes civilizaciones con obras de arte elaboradas y complejas que suponen ya una especializacion profesional por parte del artista artesano Su arte era intensamente religioso y simbolico con un poder politico fuertemente centralizado y jerarquizado otorgando una gran relevancia al concepto religioso de inmortalidad principalmente del faraon nota 1 para el que se construyen obras de gran monumentalidad Iniciado alrededor del 3000 a C el arte egipcio perduro hasta la conquista de Alejandro Magno si bien su influencia persistio en el arte copto y bizantino La arquitectura se caracteriza por su monumentalidad con el empleo de la piedra en grandes bloques con sistema constructivo adintelado y solidas columnas Destacan los monumentos funerarios con tres tipologias principales la mastaba tumba de forma rectangular la piramide que puede ser escalonada Saqqarah o de lados lisos Gizeh y los hipogeos tumbas excavadas en el suelo o en paredes de precipicios Valle de los Reyes La otra gran edificacion es el templo conjuntos monumentales precedidos de una avenida de esfinges y dos obeliscos un acceso con dos pilonos o muros trapeciales un patio hipetro una sala hipostila y el santuario Destacan los templos de Karnak Luxor Filae y Edfu Otro tipo de templo es el speos en forma de hipogeo como en Abu Simbel y Deir el Bahari La escultura y la pintura muestran las representaciones de forma figurativa generalmente con gran rigidez y esquematizacion En la escultura egipcia comenzo a representarse a faraones y dioses ya en las primeras dinastias alcanzandose durante la IV Dinastia el dominio absoluto de la tecnica en elegantes representaciones de porte majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros como el granito o la diorita Predominaba la ley de la frontalidad y el hieratismo con formas tendentes a la geometrizacion dado su caracter simbolico como manifestaciones de la vida ultraterrena Tambien destacan los ushebti pequenas figurillas de tierra cocida o madera de mayor realismo que la escultura funeraria representando escenas cotidianas La pintura se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos Las imagenes se representaban con criterio jerarquico por ejemplo el faraon tiene un tamano mas grande que los subditos o los enemigos que estan a su lado Predominaba el canon de perfil que consistia en representar la cabeza y las extremidades de perfil pero los hombros y los ojos de frente En Egipto se desarrollaron notablemente las artes aplicadas especialmente la ebanisteria y la orfebreria con magnificos ejemplos como los muebles de cedro con taraceas de ebano y marfil de las tumbas de Yuya y Tuyu Museo Egipcio de El Cairo o las piezas halladas en la tumba de Tutankamon de gran calidad artistica 12 La literatura egipcia fue la primera en desarrollar un formato literario tal y como lo conocemos hoy en dia el libro 13 Una de sus mejores manifestaciones es la Historia de Sinuhe un servidor de Sesostris I cuyo relato data de mediados del siglo XX a C Posteriormente destaca el Libro de los muertos escrito en el Papiro de Ani datado hacia el siglo XIII a C La musica egipcia era principalmente de signo religioso con un gran protagonismo del canto vocal desarrollando un ciclo anual de festividades cada una de las cuales tenia su musica correspondiente hecho que paso a la liturgia judia y cristiana Entre sus instrumentos figuraban el sistro el ser pandero el ben arpa la seba flauta el sneb trompeta y el met clarinete Al parecer tenian tambien un tipo de organo hidraulico y en la tumba de Tutankamon se encontraron dos trompetas de plata 14 Speos de Ramses II en Abu Simbel El escriba sentado Imperio Antiguo Museo del Louvre Pintura mural de la camara funeraria de Amenemhet Imperio Nuevo dinastia XVIII s XV a C Mascara funeraria de Tutankamon Museo Egipcio de El Cairo America Editar Articulo principal Arte precolombino Ciudad de Monte Alban Oaxaca Mexico En una evolucion paralela a la de los pueblos neoliticos europeos los antiguos cazadores recolectores se iniciaron en la agricultura en torno al VII milenio a C especialmente el maiz surgiendo las primeras sociedades en las tierras altas de Mexico donde se observa el predominio de una casta sacerdotal con grandes conocimientos en matematicas y astronomia Los primeros hallazgos artisticos son de alrededor del 1300 a C en Xochipala estado de Guerrero donde se hallaron unas estatuillas de arcilla de gran vivacidad La primera gran civilizacion mesoamericana fue la olmeca localizada en un espacio que actualmente corresponde a las provincias de Veracruz y Tabasco donde destacan las esculturas de piedra de gran naturalismo Luchador hallado en Santa Maria Uxpanapan o las colosales cabezas monoliticas de hasta 3 5 metros de altura Los zapotecas establecidos en Oaxaca construyeron el magnifico conjunto de la Ciudad de los Templos en el Monte Alban En America del Norte destacaron las culturas Hohokam Mogollon y Anasazi En Peru esta documentada la construccion de grandes templos antes incluso de la invencion de la ceramica en el III milenio a C Sechin Alto Kuntur Wasi Destaca Chavin de Huantar 900 a C complejo religioso construido en diversas fases con una estructura en forma de U con una plaza embaldosada con losas en relieve con figuras de jaguares y animales mitologicos templo edificado sobre tres pisos de galerias y un monolito central de granito blanco de 4 5 metros de altura En esta region surgio una notable industria textil quiza la primera del mundo hilada con telar con hilos de casi 200 colores distintos destacando especialmente los mantos de lana de Paracas Otras culturas remarcables de la region fueron la moche y la nazca con sus enigmaticos geoglifos de Nazca En la zona del Amazonas destaco la cultura barrancoide con una ceramica de disenos incisos asi como la cultura San Agustin en Colombia 15 Africa Editar Articulo principal Arte africano Escultura nok El arte africano ha tenido siempre un marcado caracter magico religioso destinado mas a ritos y ceremonias de las diversas creencias animistas y politeistas africanas que no a fines esteticos aunque tambien hay producciones de signo ornamental La mayoria de sus obras son de madera piedra o marfil en mascaras y figuras exentas de caracter mas o menos antropomorfico con un tipico canon de gran cabeza tronco recto y miembros cortos Tambien se producian ceramica joyeria y tejidos asi como objetos de metalurgia el hierro era conocido desde el siglo VI a C La primera produccion de cierta relevancia fue la cultura Nok en el I milenio a C situada en el norte de la actual Nigeria Destacan las esculturas de terracota con figuras humanas a veces solo la cabeza o de animales elefantes monos serpientes de gran sentido naturalista mostrando expresiones faciales de signo individualizado con diversos peinados a veces con collares y brazaletes En Sudan se desarrollaron las culturas kerma y meroe caracterizadas por sus monumentales construcciones en barro sus armas y su ceramica En Etiopia destaco la ciudad de Aksum centro de un reino que alcanzo su apogeo en el siglo IV Con una notable cultura desarrollaron una escritura en lengua ge ez y crearon un sistema monetario son de destacar sus estelas en forma de pilares monoliticos de caracter funerario de hasta 20 metros de altura 16 Asia Editar India Editar Articulo principal Arte de la India Mohenjo Daro El arte indio tiene un caracter principalmente religioso sirviendo como vehiculo de transmision de las distintas religiones que han jalonado la India hinduismo budismo islamismo cristianismo etc Tambien hay que destacar como rasgo distintivo del arte indio su afan de integracion con la naturaleza como adaptacion al orden universal teniendo en cuenta que la mayor parte de elementos naturales montanas rios arboles tienen para los indios un caracter sagrado Cultura del Indo la primera gran civilizacion india se desarrollo entre el siglo XXVI a C y el siglo XIII a C conocida hoy dia por las excavaciones realizadas en 1920 por sir John Marshall en Mohenjo Daro antigua ciudad que en sucesivos emplazamientos muestra una planificada urbanizacion con edificios publicos construidos en ladrillos de barro cocido De igual importancia son las excavaciones realizadas en Harappa con restos de ceramica escultura y utiles de metal oro plata cobre y laton 17 Periodo vedico siglos XIII VI a C y premauria siglos VI III a C en esta etapa se introdujeron los pueblos arios apareciendo las religiones tradicionales indias En el siglo VI a C aparecieron el budismo y el jainismo estableciendose estrechos lazos con el arte persa La expedicion a la India de Alejandro Magno 326 325 a C abrio contacto con el arte helenistico griego plasmado en las formas grecobudistas Arte maurya siglos III II a C la dinastia Maurya de religion budista ocupo todo el curso medio del Indo y la parte central de la peninsula del Deccan La arquitectura de piedra sustituye al ladrillo como en el Palacio de Asoka en Pataliputra El monumento caracteristico de este periodo es la stupa tumulo funerario de caracter conmemorativo generalmente recubierto de relieves con escenas de la vida de Buda como la Stupa de Sanchi Arte de Gandhara siglos II a C I d C el arte de Gandhara es de tradicion grecobudista con influencia helenistica y sasanida destacando por la representacion directa de la imagen de Buda Evoluciono la tipologia de la stupa que es con cupula sobre un alto tambor cilindrico colocado sobre una base cuadrada como el de Kanisha en Peshawar Arte de Mathura y Amaravati siglos I IV en la ciudad de Mathura situada en la cuenca superior del Ganges se desarrollo una importante escuela artistica que se difundiria por el resto de la India e influenciaria al arte gupta El estilo Mathura mezclaba elementos tradicionales indios con motivos grecorromanos sin embargo nos han llegado pocas representaciones de este periodo debido a la destruccion producida por la invasion islamica El arte de Amaravati tambien tiene influencia grecorromana como lo demuestra los restos hallados en Virapatnam Pondicherry Al igual que los estilos anteriores sus obras principales son monasterios y stupas destacando la gran stupa de Amaravati de 50 metros de altura 18 La Guerra de Kurukshetra en una ilustracion del Mahabharata La literatura india comenzo alrededor del 2500 a C escrita en sanscrito Su primera manifestacion fue la literatura vedica de veda verdad con escritos centrados en la religion y la guerra con un tono poetico y evocador de un mundo magico Se divide en tres grupos los Samjitas o colecciones que incluyen el propio Rigveda himnos liturgicos de tema mitologico con un lenguaje poetico y de exaltacion de la naturaleza los Brahmaṇa tambien de caracter liturgico pero de signo mas esoterico incluyendo los Upaṇiṣad escritos sobre doctrinas secretas que suponen la primera obra de tipo filosofico en la India y los Sutra series de aforismos sobre religion gramatica filosofia y otros aspectos del brahmanismo En un periodo posvedico hacia el siglo III a C surgen los grandes poemas epicos indios el Majabharata es la tercera obra literaria mas extensa del mundo con doscientos mil versos recopilados en dieciocho libros donde destaca el Bhagavad gita sobre leyendas y epopeyas de la mitologia hindu pero con un fuerte trasfondo filosofico y moral y el Ramaiana obra de Valmiki nueva sintesis de poesia y epopeya con elementos teologicos y filosoficos 19 El teatro indio tiene su origen en el Naṭya sastra libro sagrado de Brahma comunicado a los hombres por el rishi Bharata Muni donde se habla de canto danza y mimica Generalmente la tematica es de signo mitologico sobre las historias de los dioses y heroes indios La representacion es basicamente actoral sin decorados destacando unicamente el vestuario y el maquillaje Habia diversas modalidades Sakuntala de siete actos Mricchakaṭika de diez actos Como dramaturgos destacaron Kalidasa y Sudraka 20 La musica india tiene un fuerte sello eclectico debido a la multiplicidad etnica de los diversos pueblos que fueron llegando al subcontinente indico los vedas tenian melodias unicamente de dos notas los dravidas tenian musicas y danzas mas elaboradas relacionadas con cultos a la fertilidad los protomediterraneos introdujeron nuevos instrumentos como el magudhi la famosa flauta de los encantadores de serpientes los arios introdujeron los himnos religiosos en los Vedas El Ṛig veda himnos vedas deja constancia de tres tipos de entonaciones udatta aguda anudatta grave y svarita media El Sama Veda cantos vedas paso de cinco a siete notas usando generalmente un tetracordio en las melodias vocales que aun perdura en zonas del Himalaya 21 China Editar Articulo principal Arte de China Ejercito de terracota de Xian 210 a C situado en el interior del Mausoleo de Qin Shi Huang El arte chino ha tenido una evolucion mas uniforme que el occidental con un trasfondo cultural y estetico comun a las sucesivas etapas artisticas marcadas por sus dinastias reinantes Como la mayoria del arte oriental tiene una importante carga religiosa principalmente taoismo confucianismo y budismo y de comunion con la naturaleza Al contrario que en Occidente los chinos valoraban por igual la caligrafia la ceramica la seda o la porcelana que la arquitectura la pintura o la escultura a la vez que el arte esta plenamente integrado en su filosofia y cultura Dinastia Shang 1600 1046 a C destaco por sus objetos y esculturas en bronce especialmente vasijas decoradas en relieve y mascaras y estatuas antropomorficas como las halladas en la zona de Chengdu en el alto Yangtse de alrededor del 1200 a C Se han encontrado restos arqueologicos de varias ciudades en la zona de Henan amuralladas y con una reticula rectangular como en Zhengzhou y Anyang En estos asentamientos se han hallado igualmente tumbas con ricos ajuares de armas joyas y diversos utensilios en bronce jade marfil y otros materiales Dinastia Zhou 1045 256 a C evolucionando desde el arte Shang los Zhou crearon un estilo decorativo y ornamentado de figuras estilizadas y dinamicas continuando el trabajo en cobre Una invasion nomada en 771 a C fragmento el imperio en pequenos reinos periodo en el que sin embargo florecieron la agricultura y la metalurgia apareciendo diversos estilos artisticos locales en el llamado Periodo de los Reinos Combatientes Aparecieron el taoismo y el confucianismo que influenciarian enormemente al arte Destaco el trabajo en jade decorado en relieve y aparecio la laca Dinastia Qin 221 206 a C unificada China bajo el reinado de Qin Shi Huang se construyo la Gran Muralla para evitar invasiones exteriores con 2400 kilometros de longitud y una media de 9 metros de altura con torres de guardia de 12 metros de altura Destaca el gran hallazgo arqueologico del Ejercito de terracota de Xian 210 a C situado en el interior del Mausoleo de Qin Shi Huang Esta compuesto por cientos de estatuas de terracota de guerreros a medida natural incluidos varios caballos y carros con gran naturalismo y precision en la fisonomia y los detalles Dinastia Han 206 a C 220 d C epoca de paz y prosperidad se introdujo el budismo que tuvo una implantacion lenta pero progresiva Destaco por sus capillas funerarias con estatuas aladas de leones tigres y caballos La pintura se centro en temas de la corte imperial nobles y funcionarios con un sentido confucianista de la solemnidad y la virtud moral Tambien son de remarcar los relieves en santuarios y camaras de ofrendas generalmente dedicados a motivos confucianistas en un estilo lineal de gran simplicidad Periodo de las Seis dinastias 220 618 se difundio mas ampliamente el budismo construyendose grandes santuarios con estatuas colosales de Buda Yungang Longmen Junto a esta nueva religion y gracias a la ruta de la seda se recibieron diversas influencias procedentes del oeste asiatico En pintura se formularon los seis principios enunciados por Xie He a principios del siglo VI y comenzo la caligrafia artistica con la figura legendaria de Wang Xianzhi 22 Version del Tao te king hallada en Mawangdui La literatura china se inicio con obras de caracter religioso y filosofico apareciendo entre los siglos X y V a C los llamados Cinco Clasicos el Li Ki compendio de rituales y costumbres que fue posteriormente ampliado llegando a los cien tomos el I Ching manual de adivinacion basado en el significado de ocho trigramas atribuido al mitico emperador Fu Xi el Shu king cronica escrita en un lenguaje formal y ceremonioso que sera tipico de la produccion literaria china el Shi King El clasico de la poesia recopilacion de poemas y el Ch uen tsieu primera cronica fechada 722 481 a C En torno al siglo V a C surgieron las principales obras del pensamiento chino grandes compendios de la filosofia y la moral el Lun Yǔ Analectas de Confucio y el Tao te king Libro del Tao de Lao Tse Tambien tuvo mucha repercusion El arte de la guerra de Sun Tzu En epoca Han aparecio un nuevo genero el fu poesia de caracter didactico asociada a una composicion musical mientras que en prosa destaco el She ki Memorias historicas de Sse Ma ts ien 23 La musica china es pentatonica de cinco notas al contrario que el sistema heptatonico occidental de siete notas Del periodo predinastico hay constancia de varios instrumentos como el ch ing piedra sonora el hsuan flauta el ku tambor y el chun campana De epoca Shang es el Shih Ching Libro de los Cantos que recoge creaciones musicales desde el 1600 hasta el 600 a C Durante la dinastia Zhou se sentaron las bases de la musica tradicional china recopiladas en el Lu Shih Ch un Ch iu Anales del Sr Lu de Lu Buwei 239 a C sobre un tono base huang chung procedente de una cana de bambu derivaron tonos mas agudos cortando el tubo un tercio menor que el anterior obteniendo las cinco notas king shang chiao chih yu Los principales instrumentos eran el pien ch ing carillones de piedra de jade el pien chung campanillas el sheng organo de tubos de bambu el p ai hsiao flauta panica o siringa y el ch in citara 24 Japon Editar Articulo principal Arte de Japon Pagina de un Nihonshoki Anales de Japon del periodo Heian El arte japones ha estado marcado por su insularidad aunque a intervalos ha ido recibiendo la influencia de las civilizaciones continentales sobre todo de China y Corea Gran parte del arte producido en Japon ha sido de tipo religioso a la religion sintoista la mas tipicamente japonesa formada alrededor del siglo I se anadio el budismo en torno al siglo V forjando un sincretismo religioso que aun hoy perdura Periodo Jōmon 5000 200 a C durante el Mesolitico y el Neolitico se fabricaron instrumentos de hueso y piedras pulimentadas ceramica y figuras antropomorfas Japon se mantuvo aislado del continente por lo que toda su produccion fue autoctona aunque de poca relevancia Cabe senalar que la ceramica Jōmon es la mas antigua producida por el ser humano hecha a mano y decorada con incisiones o impresiones de cuerda 25 Periodo Yayoi 200 a C 200 d C desde el siglo I a C empezo a introducirse la civilizacion del continente a causa de las relaciones con China y Corea En esa epoca se difundio un tipo de sepulturas de gran tamano con camara y tumulo ornamentado con cilindros de terracota con figuras humanas y de animales La ceramica se producia con torno Periodo Kofun 200 600 destacan las grandes sepulturas de los emperadores Ōjin 200 310 y Nintoku 310 399 donde aparecieron diversas joyas armas ceramica y unas figuras de terracota llamadas haniwa En este periodo encontramos las primeras muestras de pintura japonesa tumbas de Kyushu siglos siglo V d C VI enterramiento real de Otsuka En cuanto a arquitectura religiosa cabe destacar el templo de Isa 26 La literatura japonesa tiene una fuerte influencia china debido sobre todo a la adopcion de la escritura china El testimonio mas antiguo conservado es el Kojiki Relatos de cosas antiguas especie de historia universal de corte mitico y teogonico Otro testimonio de relevancia es el Nihonshoki Anales de Japon La poesia esta representada por el Man yōshu Coleccion de diez mil hojas antologia de poemas de diverso signo con gran variedad tematica y estilistica redactado por varios autores entre los que destacan Ōtomo no Yakamochi y Yamanoue no Okura 27 La musica japonesa tuvo sus primeras manifestaciones en las honkyoku piezas originales que se remontan al siglo XIX a C asi como el min yō canciones folcloricas japonesas Los ritos sintoistas tenian coros que recitaban un trino lento acompanado de flauta de bambu yamate bue y citara de seis cuerdas yamato goto La principal modalidad de musica y danza sintoista es la kagura sobre el mito de Amaterasu diosa del sol Se ejecuta con los instrumentos mencionados y otros como el hichiriki oboe y tambores como el o kakko y el o daiko 28 Oceania Editar Articulo principal Arte de Oceania Pintura rupestre de los aborigenes australianos El arte oceanico esta marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan el oceano Pacifico destacando las islas de Australia y Nueva Zelanda y tres principales areas de islas y archipielagos Polinesia Melanesia y Micronesia La primera cultura desarrollada en la zona fue la lapita 1500 500 a C originada en Nueva Caledonia y extendida por Nueva Guinea y Polinesia occidental islas Salomon Vanuatu Fiyi Tonga y Samoa principalmente Se caracteriza por su ceramica decorada con motivos dentados hechos con peines o puas asi como objetos de obsidiana y conchas Entre el 500 a C y el 500 d C continuo la colonizacion hacia Micronesia Melanesia y Polinesia oriental islas Sociedad Marquesas isla de Pascua Hawai aunque en estas primeras fases no se han hallado numerosos vestigios excepto algunos utensilios y abalorios principalmente de conchas En Australia destacan las pinturas rupestres que son bastante esquematicas llegando a la simplificacion geometrica 29 Otras manifestaciones Editar Puerta del Leon en Bogazkoy Arte hitita el pueblo hitita habito en la peninsula de Anatolia Armenia y Siria entre el III y el II milenio a C Recibio influencia mesopotamica y a su vez influencio al arte persa minoico y etrusco Su arquitectura era monumental con palacios precedidos de avenidas con esculturas de esfinges como en Bogazkoy donde aparecieron tambien diversos relieves con escenas de guerra y caza Tambien destacaron las esculturas de Karkemish y Tell Halaf Siria Arte fenicio pueblo de tradicion marinera dedicados principalmente al comercio navegaron por todo el Mediterraneo y el norte de Africa fundando la ciudad de Cartago en la actual Tunicia Transmitieron la influencia del arte oriental por todo el Mediterraneo Destacan sus esculturas de influencia asiria y egipcia con cierta rigidez arcaica y falta de naturalidad El arte fenicio se dio tambien en distintas zonas del Mediterraneo especialmente Chipre Cerdena e Ibiza Arte escita tambien llamado arte de las estepas es el correspondiente a los pueblos nomadas que habitaban las llanuras euroasiaticas principalmente entre el II y el I milenio a C Su arte era preponderantemente mobiliar facil de transportar al ser un pueblo nomada Ligado a la metalurgia destacan los objetos en bronce hierro y metales preciosos armas escudos fibulas cinturones joyas asi como obras en madera hueso cuero telas y alfombras En sus obras destacan los motivos animalisticos posiblemente de origen totemico El arte escita influencio al de los pueblos germanicos vikingos y paleocristianos Arte iberico se desarrollo en la peninsula iberica coetaneamente a la cultura de La Tene principalmente en Andalucia y la zona de levante y en menor medida en la Meseta Central y el sur de Francia La arquitectura se basaba en los muros de tapial con sistema adintelado realizando arcos y bovedas falsas por aproximacion de hiladas Las ciudades se solian construir en acropolis como en Azaila Ullastret y Olerdola Se desarrollo notablemente la escultura destacando la tipologia de las damas como las de Elche Baza y el Cerro de los Santos Tambien fue tipica la representacion de animales caballos toros leones algunos de caracter antropoide como la Bicha de Balazote Arte persa en Persia se desarrollo una importante cultura bajo el reinado de dos importantes dinastias la aquemenida 560 331 a C y la sasanida 226 640 d C La arquitectura persa aglutino las formas mesopotamicas con las egipcias empleando por primera vez la piedra en grandes palacios como los de Susa Persepolis y Pasargada donde surgio por vez primera el uso de la ventana a diferencia de la iluminacion cenital utilizada hasta entonces y donde destacan las grandes salas o apadanas con columnas de gran altura y capiteles de volutas En epoca sasanida surgieron palacios Ctesifonte Firuzabad con sistemas abovedados con cupulas sobre trompas y un portico o iwan con gran arco abierto a un patio que influira al arte islamico En la escultura persa destacan los relieves en piedra o ceramica esmaltada con escenas de guerreros combates con monstruos o animales como toros y leones 30 Arte nabateo pueblo de origen semitico que habitaron en la zona sirio palestina entre los siglos VI y II a C destaca especialmente la ciudad de Petra situada entre desfiladeros de montana donde se han hallado diversos templos palacios y tumbas excavados en la roca de estilo helenistico Entre ellos destaca el Jazneh Firaun el tesoro del faraon con una monumental fachada con pronaos hexastilo y fronton y la parte superior con un tholos redondo y dos ediculos laterales con semifrontones Arte hebreo los hebreos se instalaron en Palestina en el siglo XIII a C Recibieron la influencia del arte egipcio fenicio y mesopotamico asi como del helenistico mas adelante De acuerdo a su religion se rechazaban las imagenes por lo que la mayoria de su arte es ornamental En arquitectura hay testimonios de la gran magnificencia del Templo de Jerusalen que lamentablemente no ha llegado hasta nuestros dias Aparte de eso destacan las sinagogas generalmente de planta basilical y fachada tripartita como en los templos sirios En la literatura hebrea destaca la Biblia el Tanaj o Antiguo Testamento tambien llamado Tora ley importante documento no solo religioso sino tambien literario redactado entre los siglos X a C y II d C en diversos estilos y generos historico legendario mitologico poetico profetico sapiencial y epistolar Posteriormente se redactaron la Mishna el Talmud y la Cabala 31 Puerta de todas las Naciones Persepolis Dama de Elche Museo Arqueologico Nacional de Espana Madrid Tumba de Jazneh Firaun el tesoro del faraon en Petra Pagina del Tanaj nombre hebreo del Antiguo Testamento Arte clasico Editar Fachada del Partenon en la Acropolis de Atenas Articulo principal Arte y cultura clasica Se denomina arte clasico nota 2 al arte desarrollado en las antiguas Grecia y Roma cuyos adelantos tanto cientificos como materiales y de orden estetico aportaron a la historia del arte un estilo basado en la naturaleza y en el ser humano donde preponderaba la armonia y el equilibrio la racionalidad de las formas y los volumenes y un sentido de imitacion mimesis de la naturaleza que sentaron las bases del arte occidental de tal forma que la recurrencia a las formas clasicas ha sido constante a lo largo de la historia en la civilizacion occidental Grecia Editar Articulo principal Arte de la Antigua Grecia En Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artisticas que han marcado la evolucion del arte occidental Tras unos inicios donde destacaron las culturas minoica y micenica el arte griego se desarrollo en tres periodos arcaico clasico y helenistico Caracterizado por el naturalismo y el uso de la razon en medidas y proporciones y con un sentido estetico inspirado en la naturaleza el arte griego fue el punto de partida del arte desarrollado en el continente europeo En arquitectura destacaron los templos donde se sucedieron tres ordenes constructivos dorico jonico y corintio Eran construcciones en piedra sobre un basamento krepis con o sin portico o con portico delante y detras es decir anfiprostilo con o sin columnas que pueden ser frontales laterales o pueden rodear todo el edificio en cuyo caso se denomina periptero y coronados generalmente en forma de fronton situado por encima del entablamento cuyo friso muestra habitualmente relieves escultoricos Destaca especialmente el conjunto de la Acropolis con el templo dorico del Partenon y los jonicos del Erecteion y la Nike Aptera Otras obras de relevancia fueron el Teatro de Epidauro y la Linterna de Lisicrates y se desarrollo el urbanismo de la mano de Hipodamo de Mileto En escultura predomino la representacion del cuerpo humano basado en la armonia de las proporciones En epoca arcaica se dieron formas rigidas y esquematicas de gran expresividad destacando por un tipo de sonrisa cercano a la mueca llamada sonrisa eginetica por tener su mayor representacion en las figuras del Templo de Afaia en Egina Tambien son tipicos de esta epoca las estatuas de atletas desnudos kouros y de muchachas vestidas kore En el siglo V a C el llamado siglo de Pericles se instauro el clasicismo llevando a la perfeccion el canon en las proporciones del cuerpo humano con mayor naturalismo y un estudio animico en la expresion de la figura representada Destaco especialmente la obra de Miron Fidias y Policleto En una segunda fase clasicista se rompio la serenidad naturalista en aras de enfatizar la expresion que resulta mas tragica y angustiosa como percibimos en la obra de Escopas Praxiteles y Lisipo Por ultimo en el periodo helenistico la proporcion y la armonia dan paso al recargamiento y la sinuosidad al dinamismo violento de la forma y la expresion patetica del sentimiento como en el Laocoonte y el Toro Farnesio si bien persisten las formas clasicas en obras como la Venus de Milo y la Victoria de Samotracia La pintura se desarrollo sobre todo en la ceramica en escenas cotidianas o de tematica historica o mitologica Se suele establecer dos epocas en funcion de la tecnica utilizada en la confeccion de ceramica pintada figuras negras sobre fondo rojo hasta el siglo VI a C y figuras rojas sobre fondo negro desde el siglo VI a C Aunque no han llegado numerosas muestras hasta la actualidad se tiene constancia por fuentes historicas del nombre de varios famosos pintores griegos como Zeuxis Apeles Parrasio Eufranor Polignoto etc 32 Comienzo de la Odisea de Homero La literatura griega alcanzo cotas de gran calidad poniendo las bases de la literatura occidental Se configuraron los generos literarios epica lirica y dramatica siendo la base argumental de sus obras la religion y la mitologia Desde unos inicios de tradicion oral la epopeya surgio la literatura escrita con el desarrollo del alfabeto griego alrededor del siglo VIII a C Los mitos griegos eran una fusion de elementos indogermanicos y mediterraneos con un particular sentido estetico que daria origen a la poesia En origen el mythos griego era una historia explicada de tradicion oral considerandose fidedigna al contrario que hoy en que mito es sinonimo de leyenda de ficcion con la epica y la poesia el mito paso a la literatura principalmente con la figura de Homero y sus dos grandes obras la Iliada y la Odisea La poesia destaco por una lirica coral que expresaba sentimientos colectivos como se percibe en la obra de Hesiodo Pindaro Safo y Anacreonte Tambien se desarrollo la prosa sobre todo en el genero historico destacando Herodoto Tucidides y Jenofonte la oratoria representada por Demostenes Platon y Aristoteles y la fabula practicada por Esopo 33 En Grecia nacio el teatro entendido como arte dramatico donde junto a un texto donde predomina el dialogo base de la representacion escenica intervienen tambien los actores la escenografia las luces y efectos de sonido el vestuario el maquillaje etc mientras que es esencial la presencia de un publico que contempla el espectaculo El teatro griego evoluciono de antiguos rituales religiosos komos el ritual paso a mito y a traves de la mimesis se anadio la palabra surgiendo la tragedia A la vez el publico paso de participar en el rito a ser un observador de la tragedia la cual tenia un componente educativo de transmision de valores a la vez que de purgacion de los sentimientos catarsis Mas adelante surgio la comedia con un primer componente de satira y critica politica y social derivando mas tarde a temas costumbristas y personajes arquetipicos Aparecio entonces tambien la mimica y la farsa Los principales dramaturgos griegos fueron Esquilo Sofocles y Euripides en tragedia mientras que en comedia destacaron Aristofanes y Menandro 34 La musica griega nos es desconocida a nivel auditivo tan solo tenemos idea de como podia ser por documentos escritos Los griegos escribian musica con las letras del alfabeto pero no se sabe cuanto duraba cada nota por lo que se desconoce el ritmo Una de las primeras modalidades fue el ditirambo relacionado con el culto a Dioniso El teatro y las narraciones epicas eran cantados aunque al perderse las anotaciones musicales han quedado como documentos escritos En Grecia fue la primera vez en la historia que se estudio la musica de forma cientifica Pitagoras la relaciono con las matematicas y se escribieron tratados teoricos sobre musica siendo el primero el de Aristoxeno en el siglo IV a C Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron la lira la citara el aulos la siringa varios tipos de tambores como por ejemplo el tympanon el crotalo el cimbalo el sistro etc 35 Grecia fue el primer lugar donde la danza fue considerada un arte teniendo una musa dedicada a ella Terpsicore Los primeros vestigios provienen nuevamente de los cultos a Dioniso mientras que fue en las tragedias principalmente las de Esquilo donde se desarrollo como tecnica en los movimientos ritmicos del coro 36 Estatua de marmol de kouros hacia 590 580 a C Metropolitan Museum of Art Nueva York Copia romana del Discobolo de Miron 455 a C Museo Nacional Romano Roma La Venus de Milo 130 100 a C Museo del Louvre Paris Laocoonte y sus hijos de Agesandro Atenodoro y Polidoro de Rodas hacia 50 d C Museo Pio Clementino Vaticano Roma Editar Articulo principal Arte de la Antigua Roma El Coliseo de Roma Con un claro precedente en el arte etrusco el arte romano recibio una gran influencia del arte griego Gracias a la expansion del Imperio romano el arte clasico grecorromano llego a casi todos los rincones de Europa norte de Africa y Proximo Oriente sentando la base evolutiva del futuro arte desarrollado en estas zonas La arquitectura destaco por su caracter practico y utilitario grandes ingenieros y constructores los romanos destacaron en arquitectura civil con la construccion de carreteras puentes acueductos y obras urbanisticas asi como templos palacios teatros anfiteatros circos termas arcos de triunfo etc Al sistema arquitrabado griego anadieron el uso del arco y la boveda con el empleo de silleria ladrillo y mamposteria Utilizaron los ordenes griegos al que anadieron el orden toscano de fuste liso y capitel con collarino y equino rematado en un abaco cuadrado Entre sus principales obras se pueden recordar el Coliseo el Panteon de Agripa el Teatro de Merida la Maison Carree de Nimes las Termas de Caracalla el Acueducto de Segovia el Arco de Constantino la Torre de Hercules etc La escultura inspirada en la griega se centro igualmente en la figura humana aunque con mas realismo no les importaba mostrar defectos que eran ignorados por la idealizada escultura griega Un genero muy difundido fue el retrato con gran detallismo y fidelidad en los rasgos perceptible en el uso del trepano para producir claroscuro y en el hecho de grabar las pupilas Mas idealizados son los retratos de los emperadores realizados en tres versiones togata como patricio thoracata como militar y apoteosica como divinidad Destaco especialmente el relieve en temas historicos o religiosos como vemos en el Ara Pacis de Augusto en el Arco de Tito y en la Columna Trajana La pintura es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya donde se perciben cuatro estilos el de incrustacion que imita el revestimiento en marmol el arquitectonico llamado asi por simular arquitecturas el ornamental con arquitecturas fantasticas guirnaldas y amorcillos y el fantastico mezcla de los dos anteriores con paisajes imaginarios variadas formas arquitectonicas y escenas mitologicas Tambien destaco el mosaico en opus sectile de formas geometricas u opus tesellatum con pequenas piezas que forman escenas figurativas como El sacrificio de Ifigenia en Ampurias o La batalla de Isos en Napoles 37 La literatura romana recibio como en el resto de las artes la influencia griega de la que adoptaron tecnica y generos la principal innovacion latina fue el concepto de estilo que los romanos aplicaron a sus obras Si bien su produccion no fue de gran calidad en el aspecto estetico literario la obra de los autores latinos ha ejercido una gran influencia en la literatura occidental por su ascendiente sobre la literatura cristiana y medieval y debido a que el latin fue el origen de las lenguas vernaculas habladas posteriormente en muchos lugares de Europa Cultivaron los mismos generos que los griegos destacando en poesia Lucrecio Virgilio Horacio y Ovidio en prosa Petronio y Apuleyo en oratoria Ciceron y Seneca en historiografia Salustio Tacito y Tito Livio 38 El teatro romano recibio la influencia del griego aunque originalmente derivo de antiguos espectaculos etruscos que mezclaban el arte escenico con la musica y la danza tenemos asi los ludiones actores que bailaban al ritmo de las tibiae una especie de aulos mas tarde al anadirse la musica vocal surgieron los histriones que significa bailarines en etrusco que mezclaban canto y mimo las saturae origen de la satira Al parecer fue Livio Andronico de origen griego quien en el siglo III a C introdujo en estos espectaculos la narracion de una historia El ocio romano se dividia entre ludi circenses circo y ludi scaenici teatro predominando en este ultimo el mimo la danza y el canto pantomima Como autores destacaron Plauto y Terencio 39 La musica romana nos es desconocida igual que la griega Tan solo Ciceron habla un poco de ella en sus escritos Al parecer la epoca de mayor esplendor fue el reinado de Neron que favorecio notablemente la musica el mismo tocaba la lira La musica romana paso a la iglesia cristiana primitiva Arco de Constantino Augusto de Prima Porta Museos Vaticanos Fresco hallado en Pompeya Mosaico de la Batalla de Isos Casa del Fauno Pompeya Arte medieval Editar Mosaico del Buen pastor Mausoleo de Gala Placidia Ravena primera mitad del siglo V Articulo principal Arte medieval La caida del Imperio romano de Occidente marco el inicio en Europa de la Edad Media etapa de cierta decadencia politica y social pues la fragmentacion del imperio en pequenos estados y la dominacion social de la nueva aristocracia militar supuso la feudalizacion de todos los territorios anteriormente administrados por la burocracia imperial El arte clasico sera reinterpretado por las nuevas culturas dominantes de origen germanico mientras que la nueva religion el cristianismo impregnara la mayor parte de la produccion artistica medieval Arte paleocristiano Editar Articulo principal Arte paleocristiano Se denomina arte paleocristiano al efectuado por los primeros seguidores de esta nueva religion primero de forma oculta mientras aun eran perseguidos por el poder imperial para pasar posteriormente tras la conversion al cristianismo del emperador romano Constantino a ser el estilo oficial del Imperio Las formas clasicas fueron reinterpretadas para servir como vehiculo de expresion de la nueva religion oficial y se produjo una atomizacion de estilos por zonas geograficas En arquitectura las primeras manifestaciones se produjeron en el ambito de los cementerios o catacumbas que servian a la vez de lugares de reunion para los perseguidos devotos cristianos Con la legalizacion de su religion destaco como tipologia la basilica adaptacion del edificio romano de mismo nombre que sin embargo paso de una funcion civil a una religiosa Generalmente constaba de tres partes un atrio de acceso el cuerpo de la basilica dividido en tres naves y el presbiterio donde se situa el altar Destacan las basilicas de San Pedro del Vaticano San Juan de Letran San Lorenzo y San Clemente en Roma y San Apolinar en Ravena Las artes figurativas inician el camino del arte medieval eminentemente religioso dando preponderancia al simbolismo de las escenas representadas por encima del realismo de la narracion o de su caracter estetico En escultura destacaron los sarcofagos que evolucionaron desde la simple decoracion ornamental con molduras concavas strygiles hasta la narracion de escenas en friso La pintura se dio sobre todo en las catacumbas con escenas religiosas y alegoricas y surgio la miniatura iluminacion de manuscritos con dos principales escuelas la helenistica alejandrina y la siria Cobro especial relevancia el mosaico que tuvo un gran desarrollo llegando a influir al arte bizantino los mejores ejemplos se hallan en Santa Maria la Mayor de Roma y San Apolinar y San Vital de Ravena 40 La literatura cristiana fue desarrollada en latin y griego generalmente con proposito didactico y propagandistico de la nueva fe Eran obras practicas sin voluntad estilistica con una finalidad moralizante En un primer momento destaco la elaboracion del Nuevo Testamento redactado en griego con tres partes principales los cuatro evangelios Mateo Marcos Lucas Juan el corpus epistolar cartas de San Pablo y otros apostoles y el Apocalipsis de San Juan A continuacion surgieron una serie de escritos apologeticos de los llamados Padres de la Iglesia Atenagoras Origenes Clemente de Alejandria Eusebio de Cesarea etc Al convertirse el cristianismo en la religion oficial del Imperio surgio una tendencia mas literaria mas elaborada y retorica destacando san Basilio el Grande san Juan Crisostomo y san Gregorio Nacianceno Entre los exegetas latinos destacaron Tertuliano Lactancio Prudencio San Jeronimo traductor de la Biblia al latin la llamada Vulgata y especialmente San Agustin 41 Gaudeamus omnes source source track track Canto gregoriano Problemas al reproducir este archivo La musica cristiana primitiva era heredera de la romana asi como de la liturgia judia La misa era cantada de tipo coral En el siglo IV san Ambrosio introdujo el canto ambrosiano ondulacion vocal sin ritmo ni saltos entre notas Mas adelante el papa Gregorio I Magno creo el canto gregoriano siglo VII con una linea melodica continua en forma de misal missalis romanum Existen tres estilos de canto gregoriano que se clasifican dependiendo de la cantidad de tonos diferentes que se cantan por silaba cuando hay un tono por silaba se llama estilo silabico de 2 a 5 tonos por silaba se llama neumatico y de 6 a mas tonos por silaba se llama melismatico 42 Arte germanico Editar Iglesia visigoda de San Juan en Banos de Cerrato Palencia La invasion del Imperio romano por los pueblos germanicos supuso la fragmentacion del territorio en diversos reinos donde los pueblos invasores pasaron a ser la clase dirigente si bien subsistio la cultura romana entre las clases humildes Esta convivencia cultural genero la aparicion de las lenguas vernaculas y la creacion de nuevas entidades politicas y culturales que se iran afianzando a lo largo de la Edad Media hasta formar las diversas nacionalidades existentes en la actualidad en el mundo occidental Las primeras manifestaciones arquitectonicas de estos pueblos fueron de escasa relevancia debido a la pobreza de los materiales usados y a la falta de un programa constructivo de envergadura Se solian aprovechar instalaciones y materiales romanos generalizandose el uso del arco de medio punto y la boveda Destacan las construcciones ostrogodas en Italia como el Mausoleo de Teodorico en Ravena En escultura destaco el relieve como los de Poitiers en Francia o de Cividale en Italia La pintura se desarrollo en la miniatura como vemos en los sacramentarios de Luxeuil y Gelasiano Vaticano Entre los pueblos germanicos conviene destacar el visigodo asentado en la peninsula iberica que desarrollo un estilo propio de gran relevancia La arquitectura destaco por el empleo de la silleria el arco de herradura y la boveda bien de canon o de aristas Desarrollaron tres tipos de iglesias la basilical de tres naves San Juan de Banos la de una nave con camaras laterales San Pedro de la Mata y la de cruz griega Santa Comba de Bande En escultura es de destacar la incorporacion de la escultura figurativa a las iglesias sobre todo en frisos y capiteles como en Quintanilla de las Vinas y San Pedro de la Nave Destaco tambien la orfebreria sobre todo en coronas y cruces como los hallados en los tesoros de Guarrazar y Torredonjimeno 43 Arte prerromanico Editar Articulo principal Arte prerromanico Interior de la Capilla Palatina en Aquisgran Se denomina asi a los multiples estilos desarrollados en Europa desde la coronacion de Carlomagno ano 800 hasta alrededor del ano 1000 donde la aparicion del romanico supondra la divulgacion de un mismo estilo unitario a lo largo de todo el continente europeo Esta acepcion es simplemente una forma de englobar una serie de estilos independientes y con pocos o ningun factor comun con el unico aglutinante de ser predecesores de la internacionalizacion del romanico Arte carolingio la coronacion de Carlomagno supuso en cierta forma la restauracion del Imperio Romano lo que conllevo un renacer cultural y un primer retorno a la cultura clasica como fuente de inspiracion aunque matizada por la religion cristiana La arquitectura carolingia se baso en el uso del pilar en vez de la columna con arcos de medio punto y cubiertas de madera o bovedas de canon Ejemplos de ello son la Capilla Palatina de Aquisgran y monasterios benedictinos como Sankt Gallen Fulda y Corvey La escultura se produjo sobre todo en marfil y bronce como la Estatua ecuestre de Carlomagno Louvre La pintura se circunscribio a la miniatura con varias escuelas como la palatina la de Tours la de Reims y la de Saint Denis Arte otoniano se denomina asi por coincidir con los reinados de Oton I Oton II y Oton III Arquitectonicamente son herederos del arte carolingio el modelo de Aquisgran se percibe en el coro de la abadia de Essen y en Ottmarsheim mientras que el modelo basilical benedictino se halla presente en San Ciriaco de Genrode San Miguel de Hildesheim y la catedral de Espira En artes plasticas se percibe la influencia bizantina debido al matrimonio de Oton II con Teofano de Constantinopla en escultura destacan las obras en bronce como las puertas de San Miguel de Hildesheim en pintura cabe citar los frescos de San Jorge de Oberzell Arte celta en las islas britanicas recientemente evangelizadas tuvo una epoca de esplendor el arte celta En arquitectura se conservan pocos restos ya que generalmente se construia en madera cabe destacar las iglesias de Deerhurst y Bradford on Avon En escultura destacan las grandes cruces irlandesas decoradas en relieve como las de Moone Kells y Monasterboice La miniatura tuvo influencia carolingia destacando la escuela de Winchester a la que pertenecio el Pontifical de San Aethelwold British Museum Arte vikingo la arquitectura era en madera destacando las iglesias de forma piramidal de tejados apuntados y salientes de gran verticalidad al estilo de las salas de reunion vikingas como la iglesia noruega de Borgund Destacan asimismo los trabajos de orfebreria especialmente las fibulas con largas agujas y las espadas con boton terminal y anillos en la empunadura Arte asturiano con la invasion islamica de la peninsula iberica los cristianos se vieron reducidos a la region de Asturias que vio florecer notablemente el arte sobre todo en arquitectura donde se distinguen tres etapas en funcion del reinado de Ramiro I prerramirense ramirense y posramirense Se caracteriza por el empleo de muros de sillarejo arcos de medio punto a veces peraltados bovedas de canon con arcos fajones y contrafuertes exteriores La tipologia principal es la basilical de tres naves con amplio crucero y tres capillas rectangulares a la cabecera En el primer periodo destaca la iglesia de San Julian de los Prados en el ramirense Santa Maria del Naranco San Miguel de Lillo y Santa Cristina de Lena y en el posramirense San Salvador de Valdedios Arte mozarabe se denomina mozarabes a los cristianos que vivian bajo la dominacion islamica y que al pasar de nuevo a territorio reconquistado por los cristianos practicaban un tipo de arte de gran influencia islamica Se desarrollo sobre todo en el siglo X principalmente al norte del Duero en el alto Ebro sur de Galicia Cantabria y Pirineos La arquitectura destaca por el uso del arco de herradura califal mas cerrado que el visigotico asi como el uso de dos tipos de boveda de nervios de tipo califal formada por arcos que se cruzan y la de gallones tambien son caracteristicos los aleros muy sobresalientes Son iglesias generalmente de pequeno tamano con gran variedad en la tipologia de su planta destacando Santa Maria de Melque Toledo San Cebrian de Mazote Valladolid San Baudelio de Berlanga Soria San Millan de la Cogolla La Rioja y San Miguel de Escalada Leon Cabe destacar en miniatura los beatos ilustraciones del Comentario al Apocalipsis del Beato de Liebana 44 La literatura medieval es heredera de la tradicion clasica grecorromana aunque con un claro componente teocentrico y de exaltacion de la religion cristiana Enmarcada en el terreno eclesiastico que es el encargado de la conservacion del antiguo legado cultural la produccion literaria es enteramente en latin generalmente sobre temas morales y de retorica como se percibe en la obra de Sidonio Apolinar Boecio Casiodoro san Isidoro san Gregorio Magno Venancio Fortunato etc Tambien destaco la escuela irlandesa san Columbano san Beda el Venerable y la carolingia Alcuino de York Teodulfo de Orleans Rabano Mauro 45 En esta epoca la musica va experimentando sucesivos avances la musica carolingia fue la primera en incorporar instrumentos musicales ademas del canto de tipo gregoriano surgen las primeras piezas musicales sin texto en incisos a los cantos liturgicos tropos a medio texto y secuencias al final en el siglo VIII comenzo un tipo de escritura musical diferenciada del alfabeto con una serie de grafismos neumas actualmente no identificados 46 Iglesia otoniana de San Miguel de Hildesheim Cruz de Brompton Irlanda Iglesia vikinga de Borgund Santa Maria del Naranco principal exponente del arte asturiano Arte bizantino Editar Articulo principal Arte bizantino Iglesia de Santa Sofia Estambul Pese a la caida del Imperio Romano de Occidente en Oriente perduro conocido como Imperio bizantino nota 3 hasta la conquista de Constantinopla en 1453 por los turcos otomanos Heredero del arte helenistico el arte bizantino recogio las principales tradiciones artisticas orientales de las que fue puerta de entrada en Europa donde el arte bizantino influyo en el arte prerromanico y romanico Se distinguen en el arte bizantino tres edades de oro una primera en el siglo VI coincidiendo con el reinado de Justiniano una segunda desde el siglo IX hasta la toma de Constantinopla por los cruzados el 1204 y una tercera en el siglo XIV con la dinastia Paleologo En arquitectura se empleo la piedra y el ladrillo con recubrimientos exteriores de placas de piedra con relieves e interiores de mosaico Abundo el uso de la columna con capiteles cubicos decorados con relieves a dos planos o bien en forma de avispero Se utilizo el arco de medio punto y la boveda con cupula sobre pechinas La tipologia mas utilizada fue la de planta centralizada quiza por la importancia otorgada a la cupula con un atrio de entrada nartex presbiterio y coro al fondo con dos camaras o sacristias laterales y el altar bajo un baldaquino Las primeras manifestaciones de epoca de Justiniano son las mas monumentales iglesia de los Santos Sergio y Baco de Santa Irene y de Santa Sofia nota 4 en Constantinopla en la segunda edad dorada destacan la catedral de Santa Sofia de Kiev y San Marcos de Venecia y en la tercera cabe mencionar los conjuntos de Mistra Salonica y monte Athos Las artes figurativas tuvieron en epoca de Justiniano influencia paleocristiana a la vez que recogieron diversas tradiciones anteriores especialmente la helenistica y la siria neoatica destacando los conjuntos musivarios de San Demetrio de Salonica y San Vital de Ravena En la segunda edad dorada se establecieron la estetica y la iconografia bizantinas sobre todo en torno a los iconos con una fuerte carga simbolica de las imagenes con figuras estilizadas y perspectivas jerarquicas el tamano de la figura depende de su importancia religiosa La escultura solia ser en relieve sobre piedra o marfil destacando las imagenes de consagracion imperial Cristo con las manos sobre las cabezas de los emperadores En la tercera edad dorada la pintura sustituyo al mosaico sobre todo los iconos de pintura sobre tabla destacando las escuelas de Chipre Salonica Creta Venecia y Moscu donde descuella Andrei Rubliov 47 Arte islamico Editar Articulo principal Arte islamico Gran Mezquita de Cordoba Con la Hegira de Mahoma en 622 surgio una nueva religion el islamismo que tuvo una rapida difusion desde el Proximo Oriente por el norte de Africa llegando a Europa con la conquista de la peninsula iberica y con la zona de los Balcanes tras la caida del Imperio bizantino Con el tiempo la nueva religion aglutino a una gran diversidad de pueblos y culturas siendo su arte el reflejo de esta disparidad teniendo numerosas manifestaciones y variantes estilisticas segun la region donde se produjese La mayor parte de las manifestaciones del arte islamico son obras de arquitectura en las que se incluyen magnificas ornamentaciones esculturales o de otro tipo En cuanto a pintura y escultura la prohibicion religiosa de representar imagenes figurativas conllevo que se desarrollase sobre todo como ornamentacion en motivos abstractos o geometricos las escasas muestras de obras figurativas se dieron habitualmente en ambitos privados como los palaciegos La arquitectura destaco por el uso del arco apuntado que en al Andalus fue de herradura por herencia del arte visigodo usado a veces en superposiciones y entrecruzamientos surgiendo mas adelante el arco lobulado generalmente de tres o cinco lobulos Se utilizaban diversos tipos de boveda como la de gallones y la de cruceria Se otorgo gran relevancia a la decoracion ornamental generalmente de yeseria alabastro marmol mosaico o pintura que era de signo abstracto con motivos epigraficos vegetales o de laceria La principal tipologia es la mezquita compuesta habitualmente por un amplio patio sahn la torre o alminar y la sala de oracion haram en cuyo fondo quibla se situa una hornacina llamada mihrab precedida en ocasiones de un espacio con arquerias macsura Destacan las mezquitas de Damasco la de la Roca y al Aqsa de Jerusalen la de Samarra la de Ibn Tulun en Egipto la de Isfahan la de Tamerlan en Samarcanda la Mezquita Azul de Estambul etc En al Andalus el arte islamico tuvo su momento de esplendor en el emirato de Cordoba la arquitectura cordobesa era heredera de las formas hispanorromanas y visigodas como demuestra el uso del arco de herradura que es enmarcado en alfiz y al que se anade una caracteristica alternancia de sus dovelas en color rojo y blanco Su principal monumento es la Mezquita de Cordoba compuesta de once naves perpendiculares a la quibla con una serie de arcadas superpuestas de medio punto en la parte superior y de herradura en la inferior con la tradicional alternancia blanco rojo Tambien cabe destacar la Mezquita de Bab al Mardum en Toledo y el Palacio de Medina Azahara Otras importantes manifestaciones del arte islamico en la peninsula fueron las producidas en Sevilla durante la dominacion almohade destacando la Giralda y la Torre del Oro y el arte nazari en Granada que tiene su principal expresion en la Alhambra 48 El Coran fue la primera obra importante y la mas influyente de la literatura arabe La literatura arabe arranco con una obra de gran trascendencia el Coran libro sagrado del islam escrito por Mahoma y fijado en su texto definitivo por el califa Uthman Ibn Affan en 650 Consta de 114 capitulos sura en versiculos rimados con dos principales grupos de predicaciones las escritas por Mahoma en La Meca breves y de tono poetico de una religiosidad mas fervorosa y las escritas en Medina mas largas y discursivas exponiendo los principales preceptos de la nueva religion El Coran fue la base gramatical y estilistica de la literatura arabe que se desarrollo sobre todo en la poesia Abu Nuwas al Mutanabbi Ibn Quzman y la prosa ya sea filosofica al Kindi Avicena Avempace Ibn Tufail Averroes historica Ibn Jaldun narrativa Ibn al Muqaffa al Jahiz o fantastica al Hamadani al Hariri Cabe destacar la recopilacion de cuentos titulada Las mil y una noches obra anonima redactada entre los siglos IX y XV en diversos estilos y que es un impresionante ejercicio de ingenio y fantasia 49 La musica arabe tiene su origen en antiguos cantos huda efectuados por los beduinos en sus viajes en caravana con seis pies metricos rajaz derivados segun la leyenda de los pasos del camello El canto tenia una especial relevancia con dos partes estribillo tarji y antifona jawab La musica sacra no se desarrollo tanto como la cristiana en origen la llamada a la oracion adhdan era cantada el Coran tiene una prosa rimada cuya asonancia se presta a la modulacion La musica profana fue prohibida por los califas ortodoxos pero potenciada posteriormente por los Omeyas predominando el canto solista con laud Ibn Misjaḥ fue el primer teorico musical arabe y es considerado el padre de la musica clasica arabe Creo un sistema melodico ornado zawa id similar a la fioritura occidental A partir del siglo X cobro importancia la musica instrumental con una modalidad principal la nauba especie de suite vocal y comenzo el estudio teorico de la musica al musiqi destacando diversos eruditos como Avicena al Kindi y al Farabi Entre los instrumentos arabes destacan el laud ud la lira mi zaf el arpa jank la flauta gussaba el oboe mizmar el pifano shahin el tambor tabl la pandereta duff y los palillos gadib 50 Arte romanico Editar Articulo principal Arte romanico Pantocrator del abside de San Clemente de Tahull MNAC El arte romanico representa el primer estilo de caracter internacional de la cultura europea occidental con una identidad plenamente consolidada tras el paso del latin a las lenguas vernaculas De caracter eminentemente religioso casi todo el arte romanico estaba dirigido a la exaltacion y divulgacion del cristianismo Surgido a mediados del siglo XI se desarrollo fundamentalmente durante el siglo XII a finales del cual empezo a coexistir con el incipiente gotico En el romanico culminaron los diversos estilos producidos por el prerromanico a la vez que se denota la influencia oriental del arte bizantino La arquitectura destaco por el uso de muros de silleria arcos de medio punto y bovedas de canon apoyadas en pilares por arcos fajones correspondientes con los contrafuertes exteriores tambien son frecuentes las cupulas sobre trompas o pechinas Las iglesias son de una o tres naves con crucero y en ocasiones girola Se inicio la construccion de grandes catedrales que seguira durante el gotico Como principales muestras tenemos el Monasterio de Cluny San Lazaro de Autun Santa Fe de Conques San Saturnino de Toulouse San Front de Perigueux y San Esteban de Caen en Francia las catedrales de Durham York y Canterbury en Inglaterra San Ambrosio de Milan San Abundio de Como San Zenon de Verona y las catedrales de Parma Modena Pisa y Lucca en Italia las catedrales de Spira Maguncia y Worms en Alemania las catedrales de Braga y Coimbra en Portugal y Sant Pere de Roda San Isidoro de Leon San Martin de Fromista San Juan de Duero Soria Santo Domingo de Silos y las catedrales de Jaca Solsona y Santiago de Compostela en Espana 51 La escultura se desarrollo principalmente en el marco arquitectonico de caracter religioso con figuras esquematizadas sin realismo de signo simbolico con un marcado caracter didactico debido al analfabetismo de la epoca Los principales ciclos escultoricos se producen en los timpanos de los portales de acceso a las iglesias y catedrales como en Santa Magdalena de Vezelay San Lazaro de Autun Santa Fe de Conques y el Portico Real de Chartres En Italia destaco la figura de Benedetto Antelami que trabajo en la Catedral de Parma como en su magnifico Descendimiento 1178 En Espana destacaron en primer lugar los talleres catalanes de Ripoll y la zona pirenaica los talleres de marfil de Leon Crucifijo de Fernando I los talleres del Camino de Santiago la Fachada de las Platerias de la Catedral de Santiago y el claustro de Silos en el siglo XII se produjeron diversas escuelas regionales la catalana portal del monasterio de Santa Maria de Ripoll la aragonesa monasterio de San Pedro el Viejo de Huesca la navarra portada de Sanguesa y la castellana monasterio de Santa Maria la Real de Najera 52 La pintura se desarrollo sobre todo en formato mural y en tabla asi como en la miniatura Su tematica era de signo eminentemente religioso en un estilo de corte esquematico al igual que la escultura con una intencionalidad simbolica alejada de la descripcion naturalista Tuvo una fuerte influencia bizantina difundida sobre todo por la orden benedictina a traves de la abadia de Montecassino como centro irradiante La pintura mural se vinculo estrechamente con la arquitectura hasta el punto de que casi todos los muros de las iglesias se decoraban con pinturas con un programa iconografico donde destacaba la figura del Pantocrator localizada por lo general en el abside asi como el Tetramorfos la Virgen y los apostoles el Juicio Final y otras escenas del Antiguo y Nuevo Testamento Algunos de los mejores exponentes se encuentran en la Abadia de Sant Angelo in Formis Capua la iglesia de San Clemente de Tahull y el panteon real de San Isidoro de Leon En la pintura sobre tabla generalmente destinada a servir de frontal de altar se empleo principalmente el temple En la miniatura cabe destacar las escuelas inglesa e italiana 53 Tuvieron gran relevancia en esta epoca las artes aplicadas nota 5 especialmente la orfebreria en oro y piedras preciosas Arca de las reliquias de los Reyes Magos catedral de Colonia Caliz de dona Urraca San Isidoro de Leon el esmalte desarrollado notablemente por el taller de Limoges y las labores textiles Tapiz de Bayeux Tapiz de la Creacion de la catedral de Gerona 54 En esta epoca la literatura siguio preferentemente en manos eclesiasticas conservando la tradicion latina aunque poco a poco fueron surgiendo obras en lengua vernacula y comenzo la produccion literaria de ambito profano principalmente con el genero trovadoresco Las principales innovaciones se produjeron en Francia donde los circulos artisticos cortesanos fueron ganando peso y desplazando al poder eclesiastico destaca la gran epopeya del Cantar de Roldan de finales del siglo XI La poesia trovadoresca se desarrollo especialmente en lengua provenzal exaltando el amor cortesano fin amors representada por Guillermo de Poitiers Jaufre Rudel Bernart de Ventadorn Marcabru Arnaut Daniel Bertran de Born etc Otro genero relevante fue la novela de caballeria roman courtois en frances representada principalmente por Chretien de Troyes y sus novelas del ciclo arturico En Espana los primeros textos escritos en lengua romance fueron las glosas del monasterio de San Millan de la Cogolla a las que siguieron las jarchas mozarabes posteriormente surgieron los cantares de gesta como el Cantar de Mio Cid 1140 55 Notacion musical con los versos del Himno a San Juan Bautista que dieron nombre a las siete notas musicales innovacion realizada por Guido de Arezzo nota 6 El teatro medieval era de calle ludico festivo con tres principales tipologias liturgico temas religiosos dentro de la Iglesia religioso en forma de misterios y pasiones y profano temas no religiosos Estaba subvencionado por la Iglesia y mas adelante por gremios y cofradias Los actores eran en principio sacerdotes pasando mas tarde a actores profesionales Las obras fueron en primer lugar en latin pasando a continuacion a lenguas vernaculas El primer texto que se conserva es el Regularis Concordia de san AEthelwold que explica la representacion de la obra Quem quaeritis dialogo extraido del Evangelio entre varios clerigos y un angel 56 Durante el romanico surgio la musica tal como es practicada actualmente gracias a la creacion del pentagrama y a la nomenclatura de las notas musicales elaborada por Guido de Arezzo Las principales obras musicales se circunscriben al canto gregoriano aunque empezo a desarrollarse la polifonia y la musica profana en torno a trovadores y juglares Los juglares eran trotamundos mitad poetas y mitad saltimbanquis mezclando en sus actuaciones la declamacion y el malabarismo la musica y la satira la lirica y las gestas epicas Los trovadores eran de clase social mas elevada el mismo rey Ricardo Corazon de Leon fue trovador y componian y cantaban sus propias obras Entre las formas trovadorescas destacan el rondeau alternancia de coplas y estribillo el virelai en que el estribillo no interrumpe el desarrollo de las estrofas y la ballade estribillo alternante cada tres estrofas En Alemania los trovadores recibieron el nombre de minnesanger 57 La danza medieval tuvo escasa relevancia debido a la marginacion a la que la sometio la Iglesia que la consideraba un rito pagano A nivel eclesiastico el unico vestigio eran las danzas de la muerte que tenian una finalidad moralizadora En las cortes aristocraticas se dieron las danzas bajas llamadas asi porque arrastraban los pies de las que se tiene poca constancia Fueron mas importantes las danzas populares de tipo folclorico como el pasacalle y la farandula siendo famosas las danzas moriscas que llegaron hasta Inglaterra Morris dances 58 Catedral de Pisa Detalle del Portico Real de Chartres Codice de Santa Hildegarda 1165 Abadia de Santa Hildegarda Eibingen Alemania Tapiz de la Creacion Catedral de Gerona Arte gotico Editar Articulo principal Arte gotico Catedral de Nuestra Senora de Paris El arte gotico nota 7 se desarrollo entre los siglos XII y XVI epoca de gran desarrollo economico y cultural El fin de la epoca feudal supuso el afianzamiento de los estados centralizados con mayor predominio de las ciudades sobre el campo al tiempo que un sector cada vez mayor de la sociedad tenia acceso a la cultura que dejo de ser patrimonio exclusivo de la Iglesia El auge de las universidades comporto un aumento de los estudios cientificos filosoficos y literarios sentando las bases de la cultura moderna La arquitectura sufrio una profunda transformacion con formas mas ligeras mas dinamicas con un mejor analisis estructural que permitio hacer edificios mas estilizados con mas aberturas y por tanto mejor iluminacion Aparecieron nuevas tipologias como el arco apuntado y la boveda de cruceria y la utilizacion de contrafuertes y arbotantes para sostener la estructura del edificio permitiendo interiores mas amplios y decorados con vitrales y rosetones Es la epoca de las grandes catedrales entre las que cabe destacar Laon Chartres Amiens Reims Bourges y Notre Dame de Paris en Francia Canterbury Salisbury y Gloucester en Inglaterra Siena Orvieto Florencia Bolonia y Milan en Italia Colonia Estrasburgo Ulm y Magdeburgo en Alemania San Esteban de Viena en Austria Barcelona Gerona Palma de Mallorca Sevilla Toledo Burgos Leon Zamora y Siguenza en Espana y los monasterios de Batalha y Alcobaca en Portugal En Espana cabe destacar tambien el desarrollo del arte mudejar fuertemente influido por las formas islamicas y que se caracteriza por el empleo del ladrillo el yeso y la madera de pequena escuadria Cristo de la Vega Toledo San Lorenzo de Sahagun Las Huelgas Burgos Santa Clara de Tordesillas Convento de Guadalupe Caceres Alcazar de Sevilla etc La escultura continuo enmarcada en la obra arquitectonica aunque comenzo a desarrollarse la escultura exenta con formas mas realistas inspiradas en la naturaleza Los artistas buscaban la belleza ideal en formas sencillas y diafanas con cierta melancolia y nobleza en los sentimientos y con escenas de caracter narrativo En Francia destacan el Portico Real y las portadas del crucero de la Catedral de Chartres asi como los conjuntos de Amiens y Reims En Italia destaca el taller de Nicola y Giovanni Pisano en Pisa mientras en Alemania descuella la obra de Veit Stoss y Tilman Riemenschneider En Espana destaca el Portico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela las portadas de la Colegiata de Toro y de las catedrales de Tuy y Ciudad Rodrigo los conjuntos de Burgos Leon y Toledo asi como la obra de Pere Johan y Gil de Siloe La pintura dejo de ser mural para pasar a retablos situados en los altares de las iglesias y empezo a desarrollarse la pintura en lienzo al temple o al oleo Se sucedieron cuatro estilos pictoricos Gotico lineal o franco gotico se desarrollo desde el siglo XIII hasta principios del XIV caracterizado por el dibujo lineal el fuerte cromatismo un naturalismo de lineas sencillas y el idealismo de los temas representados Este estilo se desarrollo sobre todo en vidrieras y miniaturas Gotico italico o trecentista surgido en el siglo XIII en Italia se caracteriza por la aproximacion realizada a la representacion de la profundidad que cristalizara en el Renacimiento con la perspectiva lineal los estudios sobre anatomia y el analisis de la luz para conseguir la matizacion tonal Destacan dos escuelas la florentina Cimabue Giotto Andrea Orcagna y la sienesa Duccio Simone Martini Ambrogio Lorenzetti Gotico internacional corresponde a finales del siglo XIV y primera mitad del XV suponiendo una fusion de los estilos anteriores Se caracteriza por la estilizacion de la figura y el predominio de la linea curva el detallismo tecnico y el naturalismo simbolico de la narracion Destacan los pintores Paul de Limbourg Stefan Lochner Conrad Soest Bernat Martorell y Lluis Borrassa Gotico flamenco surgio en Flandes a principios del siglo XV predominando a lo largo de ese siglo en la mayor parte de Europa excepto Italia donde ya descollaba el Renacimiento Su principal aportacion es la tecnica al oleo que da colores mas brillantes y permite su gradacion en diversas gamas cromaticas a la vez que permite mayor minuciosidad en los detalles Cabe destacar a Jan y Hubert van Eyck Robert Campin Rogier van der Weyden Hans Memling Gerard David Hugo van der Goes y el Bosco en el resto de Europa Jean Fouquet Conrad Witz Martin Schongauer Hans Holbein el Viejo Nuno Goncalves Lluis Dalmau Jaume Huguet Bartolome Bermejo Fernando Gallego etc Las artes aplicadas tambien tuvieron gran relevancia durante el gotico favorecidas por las nuevas clases urbanas de mercaderes y artesanos Destaco la ebanisteria la tapiceria siendo famosos los tapices de Arras la orfebreria especialmente las custodias y los relicarios donde sobresale el nombre de Enrique de Arfe las obras en esmalte en particular las procedentes de Limoges la ceramica donde destaca la de Faenza y Manises la vidrieria singularmente la veneciana y catalana etc 59 Dante Alighieri y el universo de La Divina Comedia representados por Domenico di Michelino en la Catedral de Florencia La literatura tardomedieval se movio entre las obras escritas todavia en latin generalmente de signo religioso y las escritas en lenguas vernaculas que iran ganando protagonismo y popularidad El centro creador paso de Francia a Italia donde las cortes de los pequenos estados que se repartian el territorio de la peninsula italica favorecieron las artes y las letras dando origen a lo que sera el Renacimiento Se practico sobre todo el genero del canzone escrito en endecasilabo del que surgira el soneto mientras que en Florencia surgio el llamado Dolce Stil Novo genero poetico de signo mas subjetivo que exalta el amor pero un amor mas puro mas simbolico que el trovadoresco Destacan especialmente tres nombres Francesco Petrarca Giovanni Boccaccio y Dante Alighieri autor de La Divina Comedia 1304 1320 una de las grandes obras de la literatura universal En Inglaterra destaco Geoffrey Chaucer con sus Cuentos de Canterbury 1386 1400 En Francia Francois Villon fue el primer gran poeta en lengua francesa En Espana en el siglo XIII surgio la poesia del mester de clerecia Gonzalo de Berceo asi como la lirica galaico portuguesa Alfonso X el Sabio y la catalana Ramon Llull en el siglo XIV destacaron el Arcipreste de Hita don Juan Manuel y Pedro Lopez de Ayala mientras que en el siglo XV es de remarcar las figuras de Jorge Manrique y el Marques de Santillana asi como del poeta catalan Ausias March 60 El teatro se desarrollo en tres principales tipologias misterios sobre la vida de Jesucristo con textos de gran valor literario y elementos juglarescos milagros sobre la vida de los santos con dialogos y partes danzadas y moralidades sobre personajes simbolicos alegoricos con mascaras tipificadas En esta epoca nacio el teatro profano con tres posibles origenes segun los historiadores la imitacion de textos latinos de Terencio y Plauto el arte polivalente de los juglares o los pequenos divertimentos escritos por autores de signo religioso para evadirse un poco de la rigidez eclesiastica 61 En musica durante el gotico se desarrollo la polifonia surgiendo por vez primera una musica profana separada de la musica religiosa realizada hasta entonces Le jeu de Robin et Marion de Adam de la Halle 1285 Surgio el contrapunto voces paralelas que se funden o se contraponen y se desarrollaron las tecnicas compositivas y la notacion De la primera formula compositiva por repeticion se paso a la imitacion en el siglo XIV y a la variacion en el XVI El primer compositor conocido es Leoninus organista de Notre Dame de Paris de mediados siglo XIII En el siglo XIV surgio el Ars Nova con Guillaume de Machaut y Francesco Landino mientras que en el XV destacan Josquin des Pres Guillaume Dufay Gilles Binchois Johannes Ockeghem Jacob Obrecht John Dunstable y Bartolome Ramos de Pareja En danza las principales modalidades fueron el carol el estampie el branle el saltarello y la tarantela 62 Palacio Ducal de Venecia Portico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela La adoracion de los Reyes Magos 1305 1306 de Giotto Capilla de los Scrovegni Padua El matrimonio Arnolfini 1434 de Jan van Eyck National Gallery de Londres America Editar Articulo principal Arte precolombino Machu Picchu El arte precolombino florecio con gran brillantez hasta el descubrimiento de America Los invasores destruyeron numerosas obras de arte precolombino mascaras codices ilustrados piezas de plumas y especialmente obras de oro y plata que fueron fundidas Aun asi la huella precolombina perduro en numerosas producciones artisticas posteriores En Mexico se desarrollaron varias culturas la primera fue la de Teotihuacan ciudad construida entre los siglos I y VII de sistema reticular con un trazado de base astrologica donde destacaba una gran avenida flanqueada de templos en forma de piramide escalonada decorados con esculturas en relieve y pinturas al fresco Los mayas ocupaban la peninsula del Yucatan y las actuales Belice y Guatemala siglos II IX desarrollando un arte de signo religioso donde destacaban igualmente los templos concebidos bajo mediciones astronomicas de forma piramidal Tikal Uxmal Templo de Kukulcan en Chichen Itza La escultura era en relieve generalmente de animales mitologicos serpientes pajaros y figuras humanas a menudo con jeroglificos Los toltecas siglos VII VIII en el estado de Hidalgo construyeron el Templo del Dios de la Estrella Matutina en Tula y nos han dejado una de las mejores muestras de escultura precolombina el Chac Mool En la meseta mexicana se desarrollo la cultura azteca siglos XIII XV que recogio diversas tradiciones anteriores en un arte sintetico consagrado a la expresion del poder En su capital Tenochtitlan construyeron una gran ciudad con grandes palacios y jardines y templos de forma piramidal dedicados al sacrificio humano En los Andes florecio el arte inca surgido igual que el azteca en el siglo XIII abarcando los actuales Ecuador Peru Bolivia Chile y parte de Argentina Los incas tenian una cultura muy desarrollada con adelantados procedimientos metalurgicos ceramicos y textiles Al igual que los romanos desarrollaron una notable arquitectura e ingenieria civil con ciudades planificadas y carreteras bien trazadas como el Camino Real de las Montanas de 6000 kilometros amurallado y con un ancho de 9 metros Su capital Cuzco estaba fortificada con murallas de sillares poligonales tecnica igualmente empleada en Machu Picchu Sus edificios eran rectangulares o circulares con puertas y ventanas de forma trapezoidal Ademas de su arquitectura destaco su ceramica y arte textil generalmente decorado con motivos geometricos En Bolivia destaco la ciudad de Tiahuanaco 63 La literatura precolombina era predominantemente oral por lo que nos han llegado pocos vestigios En Mexico se conservan varias expresiones en lengua nahuatl escritos de signo religioso cosmologico y adivinatorio Codice Borgia documentos administrativos y relatos historicos Codice Xolotl y composiciones poeticas como los himnos rituales recogidos por Bernardino de Sahagun en Cantares de los Dioses En lengua maya destacan los libros de Chilam Balam transcripcion de obras jeroglificas sobre tradiciones orales y el Popol Vuh libro sagrado de los indios quiche En Peru la literatura inca esta representada por una serie de obras de poesia religiosa asi como largos poemas narrativos de tematica historica o mitologica Al parecer fue la unica cultura precolombina donde se desarrollo algo parecido al teatro como se puede apreciar en el drama en lengua quechua Ollantay 64 Africa Editar Articulo principal Arte africano Iglesia de San Jorge del conjunto de iglesias talladas en la roca de Lalibela Etiopia El norte de Africa tuvo mas relacion con el arte europeo y asiatico introduciendose el cristianismo en el siglo IV especialmente en Etiopia Posteriormente el islamismo se expandio con fuerza por todos los paises del Magreb El Africa subsahariana en cambio estuvo mas aislada con pequenos reinos sumidos en frecuentes disputas Sus primeras manifestaciones artisticas en materiales perecederos no han llegado hasta nosotros Los primeros vestigios son tallas en madera como las de los pueblos tellem y dogon en el actual Mali Los objetos en bronce aparecen en Africa occidental y meridional alrededor del siglo X como algunas vasijas del pueblo Igbo Ukwu en Nigeria En Zimbabue florecio la cultura Monomotapa siglos XI XV cuya capital Gran Zimbabue fue una de las ciudades mas grandes de toda Africa En Ife igualmente en Nigeria de cultura yoruba surgio en los siglos XII XIII una notable escuela de figuras en terracota de gran naturalismo De esta epoca datan las iglesias talladas en la roca de Lalibela en Etiopia donde tambien destaca la pintura de temas cristianos Entre los siglos XII y XV se dio en Djenne Mali un estilo de figuras de terracota mas esquematico de figuras masculinas con una caracteristica barba puntiaguda Por ultimo entre los siglos XV y XVI se dio otra notable escuela escultorica en Benin destacando su magnifica coleccion de bronces 65 Asia Editar IndiaArticulo principal Arte de la India Templo de Khajurahō Arte gupta siglos IV VIII en el Imperio gupta se expandio el budismo con un arte caracterizado por el purismo formal la armonia de proporciones y la idealizacion de la figura humana Destacan los grandes santuarios rupestres o vihara Ajanta Ellora Elephanta y los templos al aire libre Bhitargaon Bodhagaya Deogarth Sirpur El arte gupta se extendio por casi todo el Deccan los Chalukya lo emplearon en los templos de Ahiōle y Badami 550 750 y los Pallava lo pusieron de manifiesto en su complejo arquitectonico escultorico de Mahabalipuram A estos estilos se les suele denominar posgupta Arte hindu siglos VIII XII durante este periodo perviven los estilos anteriores acentuando las formas brahmanicas El tipo de santuario mas difundido es el sikhara como el de Udaipur La arquitectura se divide en dos tipologias el edificio cubierto y la piramide vimana de Tanjore siglo XI y el edificio con tejado curvilineo templo de Gujarat Entre los siglos X XI se produjo el arte de Khajurahō maxima expresion del arte indoario por la elegancia formal y estetica de sus templos asi como de la escultura que los adorna En Orissa en la parte nororiental de la India se desarrollan nuevas tipologias que convirtieron los sikhara y los vimana en representaciones arquitectonicas de los dioses hindues como en Bhubaneshwar y Kōnarka 66 La literatura india de esta epoca se realizo en diversas modalidades el drama continuo con las epopeyas mitologicas con un fuerte sello de imaginacion destacando Bhavabhuti autor de Malatimadhava historia sobre el amor de dos jovenes que ha sido comparada con Romeo y Julieta el poema epico es heredero del Ramayana en un nuevo genero denominado mahakavya de temas historicos y mitologicos destacando el Rajatarangini de Kalhana hacia 1150 la poesia lirica esta representada por las Sataka de Bhartrihari conjunto de poesias sobre el concepto indio de la vida y la Gitagovinda de Jayadeva poemas de amor de tipo alegorico por ultimo la fabula se caracterizo por cuentos breves de aire popular de caracter didactico y aleccionador destacando los autores Narayana y Sivadasa Tambien cabe citar al famoso Kama sutra compilado en el siglo VI por Vatsyayana que es un conjunto de preceptos y consejos relativos al amor y el sexo 67 El teatro evoluciono sin grandes signos de ruptura desde epoca antigua en espectaculos donde junto a dramas de tipo mitologico sobre la cosmogonia hindu destacaban el canto la danza y la mimica En esta epoca destacaron dos modalidades principales el mahanataka gran espectaculo sobre las grandes epopeyas indias y el dutangada en que un actor recita el texto principal mientras otros lo escenifican con ayuda del mimo y la danza 68 La musica fue en esta epoca predominantemente vocal con acompanamiento de diversos instrumentos principalmente citaras y laudes Se escribieron varios tratados sobre musica el Brihad deshi de Matamga siglo VIII el Naradiya siksa de Narada siglo X y el Samgita Ratnakara de Sarngadeva siglo XIII Tenian siete notas svaras sa ri ga ma pa dha ni con 22 grados microtonales srutis La melodia se componia de varias estructuras de ciclos tonales ragas que incluyen diversos ornamentos gamakas A su vez cada raga esta relacionado con un tala o medida de tiempo para marcar el ritmo que puede ser lento vilambita medio madhya o rapido druta Por ultimo el kharaja pedal es un sonido mantenido que sostiene el centro tonal ejerciendo de guia durante la ejecucion de la obra 69 ChinaArticulo principal Arte de China Colores del otono en las montanas Qiao y Hua de Zhao Mengfu Dinastia Tang 618 907 este fue uno de los periodos mas florecientes del arte chino destacando por su escultura y sus celebres figuras de ceramica La figura mas representada siguio siendo Buda asi como los bodhisattvas misticos budistas destacando la estatua en madera policromada de Guan Yin o Bodhisattva de la Misericordia de 2 41 metros de altura En arquitectura la tipologia principal fue la pagoda Hua yen Hsiangchi En pintura aparecio el paisaje genero inicialmente de signo elitista destinado a reducidos circulos culturales Desafortunadamente los paisajes Tang no han llegado hasta nuestros dias y solo se conocen por copias como Templo budista en las colinas despues de la lluvia de Li Cheng siglo X Dinastia Song 960 1279 epoca de gran florecimiento de las artes se alcanzo un nivel de elevada cultura que seria recordado con gran admiracion en posteriores etapas Aparecio el grabado sobre madera impregnada de tinta sobre seda o papel En arquitectura continuo la construccion de pagodas como la pagoda hexagonal de Kuo Hsiang Su 960 o la pagoda de madera de Chang Tiu Fu En ceramica destacan dos tipologias la ceramica de esmalte blanco de Ting tcheu y la ceramica de esmalte rosa o azul de Kin tcheu En pintura continuo el paisaje con dos estilos el septentrional de dibujo preciso y colores nitidos con figuras de monjes o filosofos flores e insectos y el meridional de pinceladas rapidas colores ligeros y diluidos con especial representacion de paisajes nublados Dinastia Yuan 1280 1368 dinastia de origen mongol su primer emperador fue Kublai nieto de Gengis Khan China se abrio mas hacia Occidente como queda patente en el famoso viaje de Marco Polo En arquitectura destaca la Pagoda Blanca de Pekin Se desarrollaron especialmente las artes decorativas se manufacturaron alfombras se produjo ceramica con nuevas formas y colores y se elaboraron obras de metalisteria de gran riqueza En pintura proliferaron los temas religiosos especialmente los taoistas y budistas destacando las pinturas murales del templo de Yonglegong Shanxi y artistas como Huang Gongwang Wang Meng y Ni Zan 70 Representacion de un concierto de musica tradicional china en el Museo Provincial de Hubei Wuhan La literatura china de esta epoca estuvo marcada por la continuidad respecto a la produccion anterior La epoca Tang fue la edad dorada de la poesia china destacando Li Bai y Du Fu mientras que en prosa se tendio a un estilo mas simplificado representado por Han Yu y Liu Zongyuan Tambien aparecio un nuevo genero el pienhuen mezcla de verso y prosa de signo budista Durante la dinastia Song aparecio la imprenta de tipos moviles inventada por Bi Sheng que favorecio la difusion de la literatura La poesia estaba intimamente relacionada con la musica genero ts e como en Liu Yu Hui y Su She en prosa destaco el tratado historico Tse che T ong kien de Sse Ma kuang En epoca Yuan cobro relevancia el teatro destacando Kuan Han K ing y Po Yeu Fu mientras que en poesia descollo San K iu 71 En este periodo se produjo la edad de oro musical china destacaron los rituales confucianistas donde un coro cantaba el himno con instrumentos de viento y campanillas un organo soplado para el contrapunto y diversos juegos de citaras ch in de 5 cuerdas y se de 26 cuerdas para definir la duracion tsao man Era una musica predominantemente timbrica con una armonia sencilla y elemental Durante el reinado del emperador Hsuan tsung 713 756 hay constancia de que existia en la corte una orquesta de unos 1300 musicos Los poetas recitaban al ritmo de un laud corto p i p a musica de la que nos han llegado composiciones como La ultima batalla de Hsiang Yu y Nueve canciones para Yueh Durante la dinastia Song se popularizaron los espectaculos musico teatrales como Nan ch u Cantos del sur y Pei ch u Cantos del norte En epoca Yuan surgieron los dramas musicales u operas con dos escuelas septentrional y meridional que han llegado hasta nuestros dias 72 JaponArticulo principal Arte del Japon Templo de Hōryu ji en Nara Periodo Asuka 552 646 la llegada del budismo produjo en Japon un gran impacto a nivel artistico y estetico con fuerte influencia del arte chino Como edificio mas destacable de este periodo hay que mencionar el templo de Hōryu ji 607 representante del estilo Kudara Las primeras imagenes de Buda fueron importadas del continente pero luego se instalaron en Japon gran numero de artistas chinos y coreanos Kannon de Kudara siglo VI La pintura denota un gran sentido del dibujo con obras de gran originalidad como el relicario de Tamamushi Periodo Nara 646 794 en esta epoca tuvo su apogeo el arte budista continuando con gran intensidad la influencia china Se conservan pocos ejemplos de arquitectura Pagoda del Este de Yakushi ji templo de Tōdai ji templo de Kōfuku ji Shōsoin de Nara Obtuvo gran desarrollo en escultura la representacion de Buda Sho Kannon Buda de Tachibana Bodhisattva Gakko de Tōdai ji La pintura esta representada por la decoracion mural de Hōryu ji finales del siglo VII y por kakemonos y makimonos historias pintadas en un largo rollo de papel o seda con textos relatando las diversas escenas o sutras Periodo Heian 794 1185 la iconografia budista tuvo un nuevo desarrollo con la importacion de dos nuevas sectas del continente Tendai y Shingon La arquitectura sufrio un cambio en la planta de los monasterios que se erigian en lugares apartados pensados para la meditacion templos de Enryaku ji Kongōbu ji y santuario pagoda de Muro ji Durante el periodo Fujiwara 897 1185 el templo volvio a situarse en la ciudad siendo centro de reunion de las clases dirigentes Se construian segun el modelo de los grandes palacios con una decoracion muy desarrollada monasterio de Byōdō in tambien llamado del Fenix En pintura la aparicion de la escuela de Yamato e supuso la independencia de la pintura japonesa de la influencia china se caracterizo por su armonia y luminosidad con colores brillantes Periodo Kamakura 1185 1333 en esta epoca se introdujo en Japon la secta zen que influyo poderosamente en el arte figurativo En escultura destaco la Escuela de Nara con la figura mas remarcada de Unkei estatuas de los montes Muchaku y Seshin La arquitectura era mas sencilla mas funcional menos lujosa y recargada la influencia zen provoco el llamado estilo Kara yo Destacan el conjunto de cinco grandes templos de Sanjusangen dō 1266 La pintura se caracterizo por un mayor realismo y por su introspeccion psicologica desarrollandose principalmente el retratismo y el paisajismo Periodo Muromachi o Ashikaga 1333 1573 en este periodo florecio notablemente la pintura enmarcada dentro de la estetica zen Predomino la tecnica de la aguada perfecta transcripcion de la doctrina zen que pretendia reflejar en los paisajes lo que significan mas que lo que representan destacando Sesshu autor de retratos y paisajes Cabe mencionar tambien la Escuela Kanō que aplico la tecnica de la aguada a temas tradicionales La arquitectura se distinguio por su elegancia destacando las mansiones senoriales el Pabellon de Oro y el Pabellon de Plata en Kioto tambien hay que mencionar el monasterio de Zuiho ji Se desarrollo notablemente el arte de la jardineria en ceramica destaca la de Seto y cobraron importancia los objetos de laca y metal 73 Interpretacion de teatro nō en el Gran Santuario Kasuga Nara La literatura japonesa continuo con el influjo de la china sobre todo en poesia donde la mayor produccion fue en lengua china considerada mas culta tenemos asi el Kaifuso Tiernos recuerdos de poesia 751 antologia de varios poetas En epoca Heian hubo un renacer de las letras japonesas destacando la narrativa Genji Monogatari Relato de Genji de Murasaki Shikibu es un clasico de la literatura nipona describiendo el mundo de la nobleza en un lenguaje sencillo de tono a veces erotico La poesia de la epoca fue compilada en la antologia imperial Kokinshu donde se exaltaba preferentemente la naturaleza escrita en waka composicion de 31 silabas En el periodo Kamakura la literatura se vio afectada por las constantes guerras feudales reflejadas en una narrativa de tono pesimista y desolado Hojoki Narracion de mi cabana de Kamo no Chomei Del periodo Muromachi cabe destacar el Tsurezuregusa Ensayos en ocio de Yoshida Kenkō y el Sannin Hoshi Los tres sacerdotes anonimo 74 En teatro aparecio en el siglo XIV la modalidad denominada nō drama lirico musical en prosa o verso de tema historico o mitologico Su origen se situa en el antiguo baile kakura y en la liturgia sintoista aunque posteriormente fue asimilado por el budismo Esta caracterizado por una trama esquematica con tres personajes principales el protagonista waki un monje itinerante y un intermediario La narracion es recitada por un coro mientras los actores principales se desenvuelven de forma gestual en movimientos ritmicos Los decorados son austeros frente a la magnificencia de vestidos y mascaras Su principal exponente fue Chikamatsu Monzaemon 75 En musica la llegada del budismo comporto la influencia extranjera surgiendo dos corrientes la musica izquierda de origen indio y chino y la musica derecha de origen manchu y coreano Estas modalidades empleaban instrumentos como el biwa laud de cuello corto el taiko tambor japones el kakko tambor chino el shoko gong el so no koto citara el koma bue flauta el hichiriki oboe el oteki flauta travesera y el sho organo soplado Asimismo habia una gran variedad de tipos de musica tradicional dos de los estilos mas antiguos eran shōmyō hombre gordo que canta y gagaku musica graciosa ambos provenientes de los periodos Nara y Heian Adicionalmente el gagaku se divide en sōgaku musica instrumental y bugaku musica y danza 76 Sudeste asiatico Templo de Angkor Wat principal realizacion del arte jemer En el sudeste asiatico el arte estuvo a caballo entre la tradicion hinduista y budista introduciendose el islamismo en el siglo XV principalmente en Indonesia En las culturas autoctonas de la edad del bronce y del hierro de las que se conservan escasos restos se denota la influencia china siendo a partir del siglo VI que comenzara progresivamente la influencia india Arte jemer el reino jemer se situo en Camboya teniendo su apogeo entre los siglos VIII y XII Su principal manifestacion es el magnifico conjunto de Angkor Wat 1113 1150 ciudadela templo dedicado a Vishnu cuya planimetria representa el universo El templo central esta rodeado de cuatro santuarios mas pequenos coronados por agujas inspiradas en las sikhara indias construidos con piedra caliza con abrazaderas de hierro Destaca igualmente la decoracion esculpida en relieve Arte thai es el desarrollado en Siam Tailandia caracterizado por una arquitectura vertical de formas alargadas y puntiagudas con una torre relicario prang como el templo de Vat Sri Sampet siglo XVI Destacan las imagenes de Buda como la de Sukhothai siglo XIV en bronce y pan de oro Arte cham se dio en el reino de Champa Vietnam En los siglos VIII IX recibio la influencia hindu monasterio de Dong Dương En el siglo XII predomino la influencia jemer plasmada en una arquitectura armonica de sobria decoracion Arte birmano en Birmania es mas palpable la influencia china como en el uso de la boveda de cruceria Se utilizaba el ladrillo recubierto de estuco sobre el que se realizaba la decoracion Su periodo clasico fue la epoca de Pagan siglos X XIII donde destacan las stupas que pueden ser de forma cilindrica conica hemisferica en bulbo o en campana templo de Ananda siglo XII Arte indonesio se recibio una primera influencia india principalmente gupta constatable en las stupas con cupulas de campana El periodo mas floreciente se dio entre los siglos VII y X principalmente en Java donde la dinastia Sailendra adopto el budismo construyendo el templo de Borobudur la stupa mas grande del mundo con 120 metros de largo por cada lado y 35 metros de altura contando con 1500 bajorrelieves y 400 estatuas de Buda Entre los siglos X y XV predomino nuevamente el hinduismo con una arquitectura mas vertical con decoracion en relieve destacando los monumentos funerarios chandi como los de Shwentar y Kidal En el siglo XV se introdujo el islamismo destacando las estelas sepulcrales y las nuevas tipologias arquitectonicas como la mezquita de Sendang Duwur 77 Arte thai templo de Wat Phra Kaew Bangkok Arte cham templo de Po Klaung Garai Phan Rang Vietnam Arte birmano pagoda de Shwedagon Rangun Birmania Arte indonesio templo de Borobudur Indonesia Oceania Editar Articulo principal Arte de Oceania Moai en Rano Raraku isla de Pascua En este periodo continuo la expansion polinesia hacia la periferia oceanica Nueva Zelanda islas Kermadec islas Chatham Se produjo una gran diversificacion cultural y artistica solo en Melanesia por ejemplo habia mas de 1000 grupos etnicos diferentes La mayoria de manifestaciones artisticas eran de caracter ritual relacionadas con danzas y ceremonias de tipo animista o politeista En Micronesia se produjeron elaborados complejos arquitectonicos con esculturas de piedra y megalitos En Yap islas Carolinas aparecio un tipo de moneda de piedra compuesta por grandes discos con un agujero central En Guam y las islas Marianas destacan las casas sobre columnas de piedra latte En Hawai se construyeron grandes templos heiau con esculturas de madera de hasta tres metros que representaban a sus dioses En las islas Marquesas se dieron un tipo de construcciones de casas megaliticas sobre plataformas de piedra con grandes estatuas antropomorficas En Nueva Zelanda los maories desarrollaron un tipo de talla de madera con figuras de lideres politicos y religiosos asi como colgantes de nefrita tallada hei tiki Por ultimo cabe destacar la construccion en la isla de Pascua de las famosas cabezas monoliticas moai de las que se erigieron unas 600 entre el ano 900 y el 1600 Son figuras de 4 o 5 metros que se situaban sobre plataformas de piedra que servian de base a los templos ahu de culto a los ancestros 78 Arte de la Edad Moderna Editar El nacimiento de Venus 1485 de Sandro Botticelli Uffizi Florencia Articulo principal Arte de la Edad Moderna El arte de la Edad Moderna no confundir con arte moderno que se suele emplear como sinonimo de arte contemporaneo nota 8 se desarrollo entre los siglos XV y XVIII La Edad Moderna supuso cambios radicales a nivel politico economico social y cultural la consolidacion de los estados centralizados supuso la instauracion del absolutismo los nuevos descubrimientos geograficos especialmente el continente americano abrieron una epoca de expansion territorial y comercial suponiendo el inicio del colonialismo la invencion de la imprenta conllevo una mayor difusion de la cultura que se abrio a todo tipo de publico la religion perdio la preponderancia que tenia en la epoca medieval a lo que coadyuvo el surgimiento del protestantismo a la vez el humanismo surgio como nueva tendencia cultural dejando paso a una concepcion mas cientifica del hombre y del universo El origen de la historia del arte como tal data del siglo XVI considerandose las Vidas de Giorgio Vasari el texto inaugural del estudio del arte con caracter historiografico El metodo que siguio el erudito florentino era la biografia del artista Esta metodologia fue la que se impuso hasta el siglo XVIII cuando el historiador aleman Johann Joachim Winckelmann inicio un nuevo tipo de analisis del arte buscando en el desarrollo de las civilizaciones una evolucion estilistica nota 9 Renacimiento Editar Articulo principal Renacimiento Surgido en Italia en el siglo XV Quattrocento se expandio por el resto de Europa desde finales de ese siglo e inicios del XVI Los artistas se inspiraron en el arte clasico grecorromano por lo que se hablo de renacimiento artistico tras el oscurantismo medieval Estilo inspirado en la naturaleza surgieron nuevos modelos de representacion como el uso de la perspectiva Sin renunciar a la tematica religiosa cobro mayor relevancia la representacion del ser humano y su entorno apareciendo nuevas tematicas como la mitologica o la historica o nuevos generos como el paisaje el bodegon e incluso el desnudo La belleza dejo de ser simbolica como en la era medieval para tener un componente mas racional y mesurado basado en la armonia y la proporcion Iglesia de Santa Maria Novella en Florencia disenada por Leon Battista Alberti La arquitectura recupero los modelos clasicos reelaborados con un concepto mas naturalista y con bases cientificas se recupero el uso del arco de medio punto la boveda de canon la cupula de media naranja y los ordenes clasicos dorico jonico corintio y compuesto La estructura del edificio se baso en proporciones matematicas que buscaban la perfeccion de las formas a la vez que se potencio la luminosidad y la diafanidad de los espacios En el Quattrocento destaco la arquitectura desarrollada en Florencia Filippo Brunelleschi cupula de Santa Maria del Fiore Basilica de San Lorenzo Leon Battista Alberti San Andres de Mantua mientras que en el Cinquecento el centro artistico paso a ser Roma Bramante San Pietro in Montorio Basilica de San Pedro del Vaticano Antonio da Sangallo Palacio Farnesio En esta epoca cobro un progresivo auge la jardineria que empezo a ser concebida mediante un diseno estructurado surgio asi el llamado jardin italiano de composicion geometrica construido sobre terrazas con escalinatas Jardin del Belvedere Bramante Villa Madama Rafael Fuera de Italia el Renacimiento se desarrollo sobre todo en Francia con la obra de Philibert Delorme en Alemania no llego hasta mediados del siglo XVI con el castillo de Heidelberg y sobre todo a finales de siglo en Baviera en los Paises Bajos la influencia italiana se denoto especialmente en la decoracion sobre estructuras todavia de signo gotico en Inglaterra se produjo el estilo Tudor desarrollado sobre todo en la construccion de palacios civiles caracterizado por la utilizacion del arco Tudor en Rusia el Renacimiento italiano introducido por Aristotile Fioravanti fue adaptado al estilo bizantino tipicamente ruso como en el magnifico conjunto del Kremlin En Espana se desarrollaron varios estilos el plateresco caracterizado por el uso de paramentos almohadillados columnas abalaustradas y profusa decoracion de grutescos Alonso Covarrubias Diego de Siloe y el purismo mas preocupado por la estructura racional del edificio abandonando la decoracion exuberante del plateresco Rodrigo Gil de Hontanon Andres de Vandelvira La escultura busco igualmente la idealizada perfeccion del clasicismo aunque perduraron hasta el siglo XVI la elegancia curvilinea y la esbeltez de proporciones del gotico internacional Se utilizaban materiales nobles como el marmol y el bronce con un especial gusto por la forma monumental Junto a la tematica religiosa se desarrollo el retrato en busto o en figuras ecuestres al estilo de la antigua Roma Destacaron especialmente Lorenzo Ghiberti Jacopo della Quercia Luca della Robbia Andrea Verrocchio y especialmente Donatello David 1409 Judit y Holofernes 1455 1460 y fuera de Italia Michel Colombe en Francia Peter Vischer en Alemania y Felipe Bigarny Bartolome Ordonez y Damian Forment en Espana La pintura sufrio una notable evolucion desde las formas medievales con formas naturalistas y tematicas profanas o mitologicas junto a las religiosas Los estudios de perspectiva permitieron hacer obras de gran efecto realista basadas en proporciones matematicas con especial utilizacion de la seccion aurea tras el estudio publicado por Luca Pacioli De Divina Proportione 1509 Se utilizo el fresco y el temple mientras que se introdujo el oleo a mediados del siglo XV por influencia flamenca Uno de sus principales exponentes fue Leonardo Da Vinci genio polifacetico que introdujo el sfumato o perspectiva aerea con obras como La Virgen de las Rocas 1483 La Ultima Cena 1495 1497 La Gioconda 1503 etc Otro nombre de relevancia fue Rafael maestro del clasicismo sereno y equilibrado con una perfecta ejecucion pictorica como se demuestra en sus frescos de las Estancias del Vaticano Otros artistas destacados fueron Masaccio Fra Angelico Paolo Ucello Andrea del Castagno Perugino Piero della Francesca Benozzo Gozzoli Domenico Ghirlandaio Botticelli Andrea del Verrocchio Luca Signorelli Andrea Mantegna Giovanni Bellini Antonello da Messina etc En el resto de Europa Matthias Grunewald Alberto Durero Hans Holbein el Joven y Lucas Cranach el Viejo en Alemania Quentin Metsys y Pieter Brueghel en Holanda y Pedro Berruguete Alejo Fernandez Vicente Masip Juan de Juanes Pedro Machuca y Luis de Morales en Espana Las artes industriales tuvieron un gran auge debido al gusto por el lujo de las nuevas clases adineradas se desarrollo la ebanisteria sobre todo en Italia y Alemania destacando la tecnica de la intarsia embutidos de madera de varios tonos para producir efectos lineales o de ciertas imagenes La tapiceria destaco en Flandes con obras basadas en bocetos desarrollados por pintores como Bernard van Orley La ceramica se elaboro en Italia con barnices vidriados consiguiendo tonos brillantes de gran efecto El vidrio se desarrollo notablemente en Venecia Murano decorado a veces con hilos de oro o con filamentos de vidrios de colores La orfebreria fue cultivada por escultores como Lorenzo Ghiberti con piezas de gran virtuosismo y elevada calidad destacando especialmente los esmaltes y camafeos Con la invencion de la imprenta se desarrollaron las artes graficas apareciendo o perfeccionandose la mayoria de las tecnicas de grabado calcografia aguafuerte aguatinta grabado al buril grabado a media tinta o grabado a punta seca linograbado xilografia etc 79 Don Quijote 1605 de Miguel de Cervantes La literatura renacentista se desarrollo en torno al humanismo la nueva teoria que destacaba el papel primordial del ser humano sobre cualquier otra consideracion especialmente la religiosa En esta epoca el mundo de las letras recibio un gran impulso con la invencion de la imprenta por Gutenberg hecho que propicio el acceso a la literatura por un publico mas mayoritario Ello conllevo a una mayor preocupacion por la ortografia y la linguistica surgiendo los primeros sistemas de gramatica en lenguas vernaculas como la espanola de Elio Antonio de Nebrija y apareciendo las primeras academias de lenguas nacionales Entre los literatos de esta epoca destacan Angelo Poliziano Matteo Maria Boiardo Ludovico Ariosto Jacopo Sannazaro Pietro Bembo Baldassare Castiglione Torquato Tasso Tomas Moro Erasmo de Roterdam Francois Rabelais Pierre de Ronsard Michel de Montaigne Edmund Spenser Luis de Camoes etc En Espana comenzo una edad dorada de las letras que se prolongaria hasta el siglo XVII la poesia influida por la italiana del stil nuovo conto con las figuras de Garcilaso de la Vega fray Luis de Leon San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Jesus en prosa surgieron los libros de caballeria Amadis de Gaula 1508 y se inicio el genero de la picaresca con el Lazarillo de Tormes 1554 mientras que despunto la obra de Miguel de Cervantes el gran genio de las letras espanolas autor del inmortal Don Quijote 1605 80 El teatro renacentista tambien acuso el paso del teocentrismo al antropocentrismo con obras mas naturalistas de aspecto historico intentando reflejar las cosas tal como son Se buscaba la recuperacion de la realidad de la vida en movimiento de la figura humana en el espacio en las tres dimensiones creando espacios de efectos ilusionisticos en trompe l œil Surgio la reglamentacion teatral basada en tres unidades accion espacio y tiempo basandose en la Poetica de Aristoteles teoria introducida por Lodovico Castelvetro En torno a 1520 surgio en el norte de Italia la Commedia dell arte con textos improvisados en dialecto predominando la mimica e introduciendo personajes arquetipicos como Arlequin Colombina Pulcinella llamado en Francia Guignol Pierrot Pantalone Pagliaccio etc Como principales dramaturgos destacaron Niccolo Machiavelli Pietro Aretino Bartolome Torres Naharro Lope de Rueda y Fernando de Rojas con su gran obra La Celestina 1499 En Inglaterra descollo el teatro isabelino con autores como Christopher Marlowe Ben Jonson Thomas Kyd y especialmente William Shakespeare gran genio universal de las letras Romeo y Julieta 1597 Hamlet 1603 Otelo 1603 Macbeth 1606 81 Orfeo Toccata source source Toccata de La favola d Orfeo una de las primeras operas 1607 compuesta por Claudio Monteverdi Problemas al reproducir este archivo La musica renacentista supuso la consagracion de la polifonia asi como el afianzamiento de la musica instrumental que iria evolucionando hacia la orquesta moderna Aparecio el madrigal como genero profano que aunaba texto y musica siendo la expresion paradigmatica de la musica renacentista En 1498 Ottaviano Petrucci ideo un sistema de imprenta adaptado a la musica en pentagrama con lo que se empezo a editar musica Como compositores renacentistas destacaron Orlandus Lassus Carlo Gesualdo Giovanni Gabrieli Tomas Luis de Victoria Cristobal de Morales Claudio Monteverdi y Giovanni Pierluigi da Palestrina A finales del siglo XVI nacio la opera iniciativa de un circulo de eruditos la Camerata Fiorentina que al descubrir que el teatro griego antiguo era cantado tuvieron la idea de musicalizar textos dramaticos La primera opera fue Dafne 1594 de Jacopo Peri a la que siguio Euridice 1600 del mismo autor en 1602 Giulio Caccini escribio otra Euridice y en 1607 Claudio Monteverdi compuso La favola d Orfeo donde anadio una introduccion musical que denomino sinfonia y dividio las estructuras cantadas en arias 82 La danza renacentista tuvo una gran revitalizacion debida de nuevo al papel preponderante del ser humano sobre la religion de tal manera que muchos autores consideran esta epoca el nacimiento de la danza moderna Se desarrollo sobre todo en Francia donde fue llamado ballet comique en forma de historias bailadas sobre textos mitologicos clasicos siendo impulsado principalmente por la reina Catalina de Medicis Se suele considerar que el primer ballet fue el Ballet comique de la Reine Louise 1581 de Balthazar de Beaujoyeulx Las principales modalidades de la epoca eran la gallarda la pavana y el tourdion En esta epoca surgieron los primeros tratados sobre danza Domenico da Piacenza escribio De arte saltandi et choreas ducendi siendo considerado el primer coreografo de la historia Thoinot Arbeau hizo una recopilacion de danzas populares francesas Orchesographie 1588 83 Templete de San Pietro in Montorio de Bramante 1502 1510 David c 1440 de Donatello Museo Bargello Florencia La Gioconda 1503 1506 de Leonardo da Vinci Museo del Louvre Frontispicio de la edicion de Hamlet de 1605 de William Shakespeare Manierismo Editar Articulo principal Manierismo David 1501 1504 de Miguel Angel Galeria de la Academia Florencia Surgido igualmente en Italia a mediados del siglo XVI como evolucion de las formas renacentistas el manierismo nota 10 abandono la naturaleza como fuente de inspiracion para buscar un tono mas emotivo y expresivo cobrando importancia la interpretacion subjetiva que el artista hace de la obra de arte La arquitectura adquirio un signo mas efectista y de tenso equilibrio destacando el polifacetico artista Miguel Angel autor del abside y la cupula de San Pedro del Vaticano Jacopo Vignola Iglesia del Gesu y Andrea Palladio creador de un estilo propio paladianismo como vemos en la Basilica de Vicenza la Villa Capra llamada la Rotonda San Giorgio Maggiore de Venecia etc En Francia surgio la notable Escuela de Fontainebleau En Espana se produjo la arquitectura herreriana por Juan de Herrera estilo sobrio y sencillo de formas simples y desnudas de decoracion de acuerdo a la doctrina contrarreformista que entonces imperaba tuvo su maxima realizacion en el Monasterio de El Escorial La escultura es nuevamente reflejo del pesimismo que dominaba la sociedad italiana de la segunda mitad del siglo XVI con un arte donde se deforma la realidad a capricho predominando la expresion sentimental del artista con figuras estilizadas en posiciones violentas y actitudes dramaticas Descuella nuevamente la obra de Miguel Angel con obras de tenso dinamismo donde resalta la expresion de la persona representada Piedad 1501 David 1501 1504 Moises 1513 1515 Sepulcro de los Medicis 1520 1534 etc Otros importantes escultores fueron Baccio Bandinelli Benvenuto Cellini Giambologna y Jacopo Sansovino y fuera de Italia Jean Goujon y Germain Pilon en Francia Adriaen de Vries en Flandes Hubert Gerhard en Alemania y Alonso Berruguete Juan de Juni y Gaspar Becerra en Espana La pintura manierista tuvo un sello mas caprichoso extravagante con gusto por la forma sinuosa y estilizada deformando la realidad con perspectivas distorsionadas y atmosferas efectistas Destaco en primer lugar como en las otras artes Miguel Angel autor de la decoracion de la Capilla Sixtina seguido de Bronzino Andrea del Sarto Pontormo Correggio Parmigianino Giorgione Tiziano Veronese Tintoretto Jacopo Bassano Giuseppe Arcimboldo etc Cabe mencionar a Maarten van Heemskerck y Abraham Bloemaert en los Paises Bajos y Bartholomeus Spranger en Alemania En Espana destacaron Juan Fernandez de Navarrete Alonso Sanchez Coello Juan Pantoja de la Cruz y especialmente El Greco artista excepcional creador de un estilo personal y unico de fuerte sentido expresionista 84 Villa La Rotonda de Andrea Palladio Moises 1513 1515 de Miguel Angel iglesia de San Pietro in Vincoli Venus de Urbino 1538 de Tiziano Galeria Uffizi Florencia El entierro del Conde de Orgaz 1587 el Greco iglesia de Santo Tome Toledo Barroco Editar Articulo principal Barroco Las Meninas 1656 de Velazquez Museo del Prado fue un alegato de la figura del pintor como artista inspirado frente a la condicion de simple artesano que hasta entonces se tenia del oficio de pintor El barroco nota 11 se desarrollo entre el siglo XVII y principios del XVIII Fue una epoca de grandes disputas en el terreno politico y religioso surgiendo una division entre los paises catolicos contrarreformistas donde se afianzo el estado absolutista y los paises protestantes de signo mas parlamentario El arte se volvio mas refinado y ornamentado con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con formas mas dinamicas y efectistas con gusto por lo sorprendente y anecdotico por las ilusiones opticas y los golpes de efecto La arquitectura bajo unas lineas clasicas asumio unas formas mas dinamicas con una exuberante decoracion y un sentido escenografico de las formas y los volumenes Cobro relevancia la modulacion del espacio con preferencia por las curvas concavas y convexas poniendo especial atencion en los juegos opticos trompe l œil y el punto de vista del espectador Al igual que en la epoca anterior el motor del nuevo estilo volvio a ser Italia Gian Lorenzo Bernini fue uno de sus mejores exponentes siendo el principal artifice de la Roma monumental que conocemos hoy dia columnata de la Plaza de San Pedro baldaquino de San Pedro San Andres del Quirinal Palacio Chigi Odescalchi Francesco Borromini es otro gran nombre de la epoca autor de las iglesias de San Carlo alle Quattre Fontane y Sant Ivo alla Sapienza tambien destacaron Pietro da Cortona Baldassare Longhena Filippo Juvara y Guarino Guarini En Francia bajo el reinado de Luis XIV se iniciaron una serie de construcciones de gran fastuosidad fachada del Palacio del Louvre de Louis Le Vau y Claude Perrault Palacio de Versalles de Le Vau y Jules Hardouin Mansart En Austria destaco Johann Bernhard Fischer von Erlach autor de la Iglesia de San Carlos Borromeo en Viena En Inglaterra cabe mencionar la Catedral de San Pablo de Londres de Christopher Wren En Espana la arquitectura acuso en la primera mitad del siglo XVII la herencia herreriana con Juan Gomez de Mora como figura destacada mientras que en la segunda mitad de siglo se dio el estilo churrigueresco por Jose Benito Churriguera caracterizado por el exuberante decorativismo y el uso de columnas salomonicas Retablo Mayor de San Esteban de Salamanca La escultura adquirio el mismo caracter dinamico sinuoso expresivo ornamental destacando el movimiento y la expresion con una base naturalista pero deformada a capricho del artista En Italia destaco nuevamente Bernini autor de obras como Apolo y Dafne 1622 1625 Extasis de Santa Teresa 1644 1652 Muerte de la beata Ludovica Albertoni 1671 1674 etc En Francia destacaron Francois Girardon Antoine Coysevox y Pierre Puget En Espana perduro la imagineria religiosa de herencia gotica destacando Gregorio Fernandez Juan Martinez Montanes Alonso Cano Pedro de Mena Francisco Salzillo etc La pintura se desarrollo en dos tendencias contrapuestas el naturalismo basado en la estricta realidad natural con gusto por el claroscuro el llamado tenebrismo donde cabe citar a Caravaggio Orazio y Artemisia Gentileschi Pieter van Laer Adam Elsheimer Georges de La Tour y los hermanos Le Nain y el clasicismo que es igualmente realista pero con un concepto de la realidad mas intelectual e idealizado englobando a Annibale Carracci Guido Reni Domenichino Guercino Giovanni Lanfranco Nicolas Poussin Claude Lorrain Hyacinthe Rigaud etc En el llamado pleno barroco segunda mitad del siglo XVII de estilo decorativo y predominio de la pintura mural destacaron Pietro da Cortona Andrea Pozzo Luca Giordano y Charles Le Brun Aparte de estas corrientes hubo infinidad de escuelas estilos y autores de muy diverso signo destacando dos escuelas regionales la flamenca Peter Paul Rubens Anton Van Dyck Jacob Jordaens Frans Snyders y la holandesa Rembrandt Jan Vermeer Frans Hals En Espana destaco la figura excepcional de Diego Velazquez La fragua de Vulcano 1630 La rendicion de Breda 1635 Venus del espejo 1650 Las Meninas 1656 Las hilanderas 1657 asi como Jose de Ribera Francisco Ribalta Alonso Cano Francisco de Zurbaran Juan de Valdes Leal y Bartolome Esteban Murillo En el terreno de las artes industriales destaca especialmente la ebanisteria que llego a cotas de altisima calidad sobre todo en Francia gracias a la obra de Andre Charles Boulle creador de una nueva tecnica de aplicacion de metales cobre estano sobre materiales organicos carey madreperla marfil o viceversa Entre sus obras destacan las dos comodas del Trianon en Versalles y el reloj de pendulo con el Carro de Apolo en Fontainebleau Tambien destacaron la tapiceria la orfebreria especialmente las piedras duras en Florencia la ceramica y el vidrio que cobro relevancia en Bohemia 85 Portada del Manuscrito Chacon que transmitio la obra poetica de Luis de Gongora La literatura barroca se caracterizo por el pesimismo con una vision de la vida planteada como lucha sueno o mentira donde todo es fugaz y perecedero Su estilo era suntuoso y recargado con un lenguaje muy adjetivado y metaforico En un primer momento se produjeron diversas corrientes el eufuismo en Inglaterra John Lyly Robert Greene el preciosismo en Francia Vincent Voiture el marinismo en Italia Giambattista Marino la primera Martin Opitz Angelus Silesius Andreas Gryphius y segunda escuela de Silesia Daniel Casper von Lohenstein Hans Jakob Christoph von Grimmelshausen en Alemania Mas adelante surgio el clasicismo en Francia con autores como Francois de la Rochefoucauld Jacques Benigne Bossuet Nicolas Boileau Despreaux Jean de La Fontaine Francois de Malherbe Cyrano de Bergerac y Madeleine de Scudery En Inglaterra destaco la obra poetica de John Milton El paraiso perdido 1667 En Espana donde el siglo XVII seria denominado el Siglo de Oro se produjeron dos corrientes el culteranismo liderado por Luis de Gongora donde destacaba la belleza formal con un estilo suntuoso metaforico con proliferacion de latinismos y juegos gramaticales y el conceptismo representado por Francisco de Quevedo y Baltasar Gracian donde predominaba el ingenio la agudeza con un lenguaje conciso pero polisemico con multiples significados en pocas palabras 86 En el teatro barroco se desarrollo sobre todo la tragedia basada en la ineluctabilidad del destino con un tono clasico siguiendo las tres unidades de Castelvetro La escenografia era mas recargada siguiendo el tono ornamental caracteristico del Barroco Destacan Pierre Corneille Jean Racine y Moliere representantes del clasicismo frances En Espana el teatro era basicamente popular corral de comedias comico con una personal tipologia distinguiendose bululu naque gangarilla cambaleo garnacha bojiganga farandula y compania Destacaron Tirso de Molina Guillen de Castro Juan Ruiz de Alarcon y principalmente Lope de Vega El perro del hortelano 1615 Fuenteovejuna 1618 y Pedro Calderon de la Barca La vida es sueno 1636 El alcalde de Zalamea 1651 87 Tocata y fuga en re menor BWV 565 source source track de Johann Sebastian Bach Problemas al reproducir este archivo La musica barroca destaco por el contraste los acordes violentos los volumenes moviles la ornamentacion exagerada la estructura variada y contrastada Se caracterizo especialmente por la utilizacion del bajo continuo seccion instrumental grave que sostenia ininterrumpidamente la parte melodica superior En esta epoca la musica alcanzo cotas de gran brillantez desvinculandose plenamente de la voz y el texto surgiendo las formas instrumentales puras suite sonata tocata concierto sinfonia Con la sonata nacieron los nombres de velocidad allegro adagio presto vivace andante etc En la musica religiosa nacen el oratorio y la cantata mientras que la musica coral triunfo especialmente en el mundo protestante En Espana nacieron la zarzuela y la tonadilla como manifestaciones de la musica popular Entre las grandes figuras de la musica barroca conviene recordar a Antonio Vivaldi Tommaso Albinoni Arcangelo Corelli Marc Antoine Charpentier Johann Pachelbel Heinrich Schutz Johann Sebastian Bach Georg Philipp Telemann Georg Friedrich Haendel etc En opera destaco la escuela veneciana primer lugar donde la musica se desligo de la proteccion religiosa o aristocratica para ser representada en lugares publicos en 1637 se fundo el Teatro di San Cassiano primer centro operistico del mundo Comenzo el gusto por las voces solistas principalmente las agudas tenor soprano apareciendo el fenomeno de los castrati La opera barroca destaco por la escenografia complicada ornamentada recargada con cambios repentinos Destacan Pier Francesco Cavalli Antonio Cesti Jean Baptiste Lully Henry Purcell Georg Friedrich Haendel etc A finales del siglo XVII la escuela napolitana introdujo un estilo mas purista mas clasicista simplificando los argumentos y haciendo operas mas cultas y sofisticadas Alessandro Scarlatti introdujo el aria en tres partes aria da capo 88 En Francia la danza barroca ballet de cour hizo evolucionar la musica instrumental de melodia unica pero con una ritmica adaptada a la danza Fue patrocinada especialmente por Luis XIV que convirtio la danza en grandes espectaculos Ballet de la Nuit 1653 donde intervino el rey caracterizado de sol creando en 1661 la Academia real de Danza Como coreografo destaco Pierre Beauchamp creador de la danse d ecole el primer sistema pedagogico de la danza Las principales tipologias fueron minuet bourree polonaise rigaudon allemande zarabande passepied gigue gavotte etc En Espana tambien se dieron diversas modalidades de danza seguidilla zapateado chacona fandango jota etc 89 Baldaquino de San Pedro 1624 1633 de Gianlorenzo Bernini Extasis de Santa Teresa 1647 1651 de Gianlorenzo Bernini iglesia de Santa Maria de la Victoria Roma Puerto con el embarque de la Reina de Saba 1648 de Claude Lorrain National Gallery de Londres Las tres Gracias 1636 1639 de Peter Paul Rubens Museo del Prado Rococo Editar Articulo principal Rococo El columpio 1767 de Jean Honore Fragonard Coleccion Wallace Londres Desarrollado en el siglo XVIII nota 12 en convivencia a principios de siglo con el barroco y a finales con el neoclasicismo supuso la pervivencia de las principales manifestaciones artisticas del barroco con un sentido mas enfatizado de la decoracion y el gusto ornamental que son llevados a un paroxismo de riqueza sofisticacion y elegancia El progresivo auge social de la burguesia y los adelantos cientificos asi como el ambiente cultural de la Ilustracion conllevaron el abandono de los temas religiosos a favor de nuevas tematicas y actitudes mas mundanas destacando el lujo y la ostentacion como nuevos factores de prestigio social La arquitectura paso de la grandilocuencia barroca a un gusto mas delicado de formas graciles y con preponderancia de espacios pequenos de ambientes de recogimiento pensados para el bienestar y el confort Se puso de moda lo exotico especialmente el gusto por el arte oriental El rococo se desarrollo sobre todo en Francia y Alemania representado principalmente por Ange Jacques Gabriel Petit Trianon de Versalles Hotel Biron de Paris Francois de Cuvillies Pabellon de Amalienburg del Palacio de Nymphenburg en Munich Johann Balthasar Neumann Palacio Episcopal de Wurzburg y Dominikus Zimmermann Iglesia de Wies En jardineria al jardin italiano sucedio el jardin frances de composicion geometrica igual que el italiano pero con una perspectiva mas larga composicion mas simple mayores zonas de cesped y un nuevo detalle ornamental el parterre destacan los jardines de Versalles disenados por Andre Le Notre y Aranjuez La escultura tiene un aire gracil refinado con cierta pervivencia de las formas barrocas especialmente por influencia de Bernini En Italia cabe destacar la Fontana de Trevi de Pietro Bracci y Filippo della Valle En Francia destaco la obra de Edme Bouchardon Jean Baptiste Pigalle y Etienne Maurice Falconet En Alemania tenemos la presencia de Georg Rafael Donner Ignaz Gunther y los hermanos Asam Cosmas Damian y Egid Quirin En Espana podemos resenar a Juan Pascual de Mena y Luis Salvador Carmona La pintura se movio entre la exaltacion religiosa o el paisajismo vedutista en Italia Giambattista Tiepolo Canaletto Francesco Guardi y las escenas cortesanas de Jean Antoine Watteau Francois Boucher Jean Baptiste Simeon Chardin y Jean Honore Fragonard en Francia pasando por el retratismo ingles de Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough Figura aparte es el inclasificable pintor espanol Francisco de Goya que evoluciono desde un sello mas o menos rococo hasta un cierto prerromanticismo pero con una obra personal y expresiva de fuerte tono intimista Cultivo tanto la pintura como el grabado siendo igualmente de destacar sus cartones para tapices Entre sus obras destacan los Caprichos 1799 La familia de Carlos IV 1800 El tres de mayo de 1808 en Madrid 1814 las Pinturas negras 1820 etc Las artes decorativas tuvieron especial relevancia ya que como se ha senalado el rococo fue un arte de aire burgues dedicado a la ostentacion y el lujo Se desarrollo notablemente el interiorismo con especial enfasis en el mobiliario los espejos las sedas los tapices y los objetos de porcelana Esta ultima tuvo una gran difusion sobre todo la de Sajonia y la de Sevres con delicados motivos ornamentales preferentemente de estilo oriental En porcelana se fabricaron tambien pequenas tallas escultoricas con motivos galantes pastorales o de la Commedia dell arte En mobiliario se desarrollo el estilo Chippendale por Thomas Chippendale caracterizado por el eclecticismo con mezcla de elementos goticos rococo palladianos y chinescos En Espana adquirieron notoriedad los tapices de la Real Fabrica de Santa Barbara algunos de ellos disenados por Goya En esta epoca aparecio la litografia nueva modalidad de grabado sobre piedra caliza inventada por Aloys Senefelder en 1778 90 Portada de L Encyclopedie 1751 A nivel literario el siglo XVIII fue el de la Ilustracion proyecto iniciado con L Encyclopedie de Diderot y D Alembert y que supuso la consagracion del racionalismo a nivel filosofico poniendo el acento en la idea de progreso del ser humano y su capacidad ilimitada concepto que establecio el germen de la era moderna Sus principales representantes fueron Montesquieu Voltaire Denis Diderot Jean Jacques Rousseau el Abate Prevost Andre Chenier Giambattista Vico Alexander Pope Daniel Defoe Jonathan Swift etc En Espana se denoto la influencia francesa en una literatura critica y especulativa ganando gran auge el genero del ensayo destacaron Benito Jeronimo Feijoo Diego de Torres Villarroel Ignacio Luzan y Jose Francisco de Isla Es de remarcar la fundacion en esta epoca de la Biblioteca Nacional y la Real Academia Espanola 91 El teatro en el siglo XVIII siguio modelos anteriores contando como principal innovacion la reforma que efectuo Carlo Goldoni de la comedia que abandono la vulgaridad y se inspiro en costumbres y personajes de la vida real Tambien se desarrollo el drama situado entre la tragedia y la comedia La escenografia era mas naturalista con un mayor contacto entre publico y actores Los montajes solian ser mas populares atrayendo un mayor publico dejando el teatro de estar reservado a las clases altas Al organizarse espectaculos mas complejos empezo a cobrar protagonismo la figura del director de escena Como dramaturgos destacan Pietro Metastasio Pierre de Marivaux Pierre Augustin de Beaumarchais y Voltaire En Espana Nicolas Fernandez de Moratin se enmarca en la comedia de salon dieciochesca con base en Moliere 92 Al rococo en musica corresponde la llamada musica galante que era mas tranquila que la barroca mas ligera y sencilla amable decorativa destacando el sentimentalismo Desaparecio el gusto por el contraste y se busco la gradacion sonora crescendo diminuendo En la llamada Escuela de Mannheim se desarrolla la musica sinfonica con la primera gran orquesta moderna 40 instrumentos iniciativa del elector Carlos Teodoro de Wittelsbach Su principal representante Johann Stamitz es considerado el primer director de orquesta De entre los musicos de la epoca destacan los hijos de Bach Wilhelm Friedemann Carl Philipp Emanuel Johann Christoph Friedrich y Johann Christian este ultimo introductor del piano en la musica sinfonica inventado en 1711 por Bartolomeo Cristofori En opera junto a la culta aparece la opera bufa de aire comico destinada a un publico mas popular con influencia de la Commedia dell arte Niccolo Piccinni Baldassare Galuppi 93 La danza siguio desarrollandose sobre todo en Francia donde en 1713 se creo la Escuela de Ballet de la opera de Paris la primera academia de danza Raoul Auger Feuillet creo en 1700 un sistema de notacion de danza para poder transcribir por escrito la diversa variedad de pasos de danza En esta epoca la danza comenzo a independizarse de la poesia la opera y el teatro consiguiendo autonomia propia como arte y formulando un vocabulario propio Se empezaron a escribir obras musicales solo para ballet destacando Jean Philippe Rameau creador de la opera ballet y comenzaron a surgir nombres de bailarines destacados como Gaetano Vestris y Marie Camargo A nivel popular el baile de moda fue el vals de compas mientras que en Espana surgio el flamenco 94 Basilica de Ottobeuren Baviera Fontana de Trevi 1732 1762 de Pietro Bracci y Filippo della Valle Roma La familia de Carlos IV 1800 de Francisco de Goya Museo del Prado Madrid Interior rococo del palacio de Gatchina cerca de San Petersburgo en Rusia Neoclasicismo Editar Articulo principal Neoclasicismo Juramento de los Horacios 1784 de Jacques Louis David Museo del Louvre El auge de la burguesia tras la Revolucion francesa favorecio el resurgimiento de las formas clasicas mas puras y austeras en contraposicion a los excesos ornamentales del barroco y rococo identificados con la aristocracia A este ambiente de valoracion del legado clasico grecorromano influyo el hallazgo arqueologico de Pompeya y Herculano junto a la difusion de un ideario de perfeccion de las formas clasicas efectuado por Johann Joachim Winckelmann quien postulo que en la antigua Grecia se dio la belleza perfecta generando un mito sobre la perfeccion de la belleza clasica que aun condiciona la percepcion del arte hoy dia nota 13 La arquitectura neoclasica era mas racional de signo funcional y un cierto aire utopico como vemos en los postulados de Claude Nicolas Ledoux y Etienne Louis Boullee Conviene distinguir dos tipos de arquitectura neoclasica la de herencia barroca pero despojada de excesiva decoracion para distinguirse de la arquitectura rococo y la propiamente neoclasica de lineas austeras y racionales sobria y funcional A la primera pertenecen obras como el Panteon de Paris de Jacques Germain Soufflot o la opera de Berlin de Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff tambien se enmarca en esta linea el neopalladianismo britanico y estadounidense En la nueva linea mas racional puede mencionarse el proyecto urbanistico de las Tullerias de Pierre Francois Leonard Fontaine iniciador del llamado estilo Imperio la Piazza del Popolo de Roma de Giuseppe Valadier el Walhalla de Ratisbona de Leo von Klenze y el Museo del Prado de Madrid de Juan de Villanueva La escultura de logico referente grecorromano tuvo como principales figuras a Jean Antoine Houdon retratista de la sociedad prerrevolucionaria Rousseau Voltaire Lafayette Mirabeau Antonio Canova que trabajo para los papas y la corte de Napoleon Paulina Borghese como Venus 1805 1807 y Bertel Thorvaldsen muy influido por la escultura griega consagrado a la mitologia y la historia antiguas Jason con el vellocino de oro 1803 Otros nombres destacables serian John Flaxman Johann Gottfried Schadow Johan Tobias Sergel y Damia Campeny La pintura mantuvo un sello austero y equilibrado influido por la escultura grecorromana o figuras como Rafael y Poussin Destaco especialmente Jacques Louis David pintor oficial de la Revolucion Francesa Juramento de los Horacios 1784 La muerte de Marat 1793 Napoleon cruzando los Alpes 1800 Junto a el conviene recordar a Francois Gerard Antoine Jean Gros Pierre Paul Prud hon Anne Louis Girodet Trioson Jean Auguste Dominique Ingres Joseph Wright of Derby Johann Zoffany Angelika Kauffmann Anton Raphael Mengs Joseph Anton Koch Asmus Jacob Carstens Jose de Madrazo etc 95 Las artes decorativas se desarrollaron en diversos estilos algunos de los cuales perduraron a lo largo del siglo XIX el estilo Directorio surgio en Francia en la epoca del Directorio 1795 1805 caracterizado por las lineas sencillas clasicas sobrias sin adornos excesivos el estilo Imperio se desarrollo en la Francia napoleonica y de la Restauracion de donde paso al resto de Europa sustituyendo la sobriedad por la ostentacion y el lujo con un estilo suntuoso con preferencia de temas exoticos y orientales en contraposicion el estilo Biedermeier aleman presento un diseno mas practico y comodo de lineas sencillas y hogarenas Estos estilos influyeron en el isabelino espanol y el victoriano ingles de aire burgues dedicados al lujo y la ostentacion aunque sin renunciar al confort y la funcionalidad A nivel literario a finales del siglo XVIII se produjo una vuelta a premisas clasicistas con la pretension de establecer un tipo de literatura preceptiva ordenadora con una base etica e intelectual Muchos de los autores de esta epoca estuvieron a caballo entre el neoclasicismo y el prerromanticismo destacando Friedrich Gottlieb Klopstock Christoph Martin Wieland Henry Fielding Laurence Sterne etc En Espana se denoto la influencia del clasicismo frances y los preceptos fijados por Boileau destacando Jose Cadalso Juan Melendez Valdes y Gaspar Melchor de Jovellanos asi como los fabulistas Tomas de Iriarte y Felix Maria Samaniego 96 El teatro neoclasico tuvo pocas variaciones respecto al desarrollado a lo largo del siglo XVIII siendo su principal caracteristica la inspiracion en modelos clasicos grecorromanos sena de identidad de esta corriente Destacan Vittorio Alfieri Richard Brinsley Sheridan y Gotthold Ephraim Lessing y en Espana Leandro Fernandez de Moratin y Vicente Garcia de la Huerta 97 K527 source source Obertura de Don Giovanni una de las piezas mas famosas de Wolfgang Amadeus Mozart 1787 Problemas al reproducir este archivo La musica clasica nota 14 supuso entre el ultimo tercio del siglo XVIII y principios del XIX la culminacion de las formas instrumentales consolidadas con la definitiva estructuracion de la orquesta moderna El clasicismo se manifesto en el equilibrio y la serenidad de la composicion la busqueda de la belleza formal de la perfeccion en formas armoniosas e inspiradoras de altos valores Nacio el desarrollo nueva forma de composicion que consistia en desmontar el tema cogiendo el ritmo o la melodia pero cambiando la tonalidad a traves de la modulacion Evoluciono la musica de camara al desaparecer el bajo continuo en distintos formatos duo trio cuarteto quinteto etc La musica clasica esta representada principalmente por Franz Joseph Haydn Wolfgang Amadeus Mozart Christoph Willibald Gluck Luigi Boccherini y Domenico Cimarosa La opera clasica era menos recargada que la barroca con una musica austera sin ornamentos vocales arias limitadas recitativo con acompanamiento orquestal argumentos mas solidos y personajes mas veridicos Destacan Jean Philippe Rameau Christoph Willibald Gluck y especialmente Wolfgang Amadeus Mozart autor de varias de las mejores operas de la historia Le Nozze di Figaro 1786 Don Giovanni 1787 La flauta magica 1791 98 El ballet clasico tambien experimento un gran desarrollo sobre todo gracias al aporte teorico del coreografo Jean Georges Noverre y su ballet d action que destacaba el sentimiento sobre la rigidez gestual del baile academico Se busco un mayor naturalismo y una mejor compenetracion de musica y drama hecho perceptible en las obras del compositor Gluck que elimino muchos convencionalismos de la danza barroca Otro coreografo relevante fue Salvatore Vigano que dio mayor vitalidad al cuerpo de ballet el conjunto que acompana a los bailarines protagonistas que cobro independencia respecto a estos 99 Panteon de Paris 1757 1791 de Jacques Germain Soufflot Perseo con la cabeza de Medusa 1800 de Antonio Canova Museos Vaticanos La muerte de Viriato 1806 1807 de Jose de Madrazo Museo del Prado Wolfgang Amadeus Mozart America Editar Articulo principal Arte colonial hispanoamericano Catedral Metropolitana de la Ciudad de Mexico Desde el descubrimiento de America por Cristobal Colon en 1492 hasta la independencia de los diversos paises americanos a lo largo del siglo XIX los ultimos Cuba y Puerto Rico en 1898 se dio el denominado arte colonial que fue un fiel reflejo del arte efectuado en la metropoli desarrollandose los mismos estilos artisticos que en el continente europeo principalmente el Renacimiento el Barroco y el Rococo Las principales muestras de arte colonial se produjeron en los dos centros geograficos de mas relevancia en la era precolombina Mexico y Peru La arquitectura se baso en las mismas tipologias de edificios propios de la cultura europea principalmente iglesias y catedrales dado el rapido avance de la labor de evangelizacion de los pueblos nativos americanos pero tambien edificios civiles como ayuntamientos hospitales universidades palacios y villas particulares Durante la primera mitad del siglo XVI fueron las ordenes religiosas las encargadas de la edificacion de numerosas iglesias en Mexico preferentemente un tipo de iglesias fortificadas llamadas capillas de indios A mediados de siglo se empezaron a construir las primeras grandes catedrales como las de Mexico Puebla Guadalajara Cuzco y Cordoba La arquitectura barroca se caracterizo por una profusa decoracion que resultaria exacerbada en el llamado ultrabarroco Fachada del Sagrario de la Catedral de Mexico En Peru las construcciones desarrolladas en Lima y Cuzco desde 1650 muestran unas caracteristicas originales que se adelantan incluso al barroco europeo como en el uso de muros almohadillados y de columnas salomonicas Iglesia de la Compania Cuzco En el siglo XVIII la arquitectura se oriento a un estilo mas exuberante otorgando un aspecto inconfundible al barroco limeno Palacio del Marques de Torre Tagle Las primeras muestras de pintura colonial fueron las de escenas religiosas elaboradas por maestros anonimos como las imagenes de la Virgen con el Nino La produccion artistica hecha en Nueva Espana por indigenas en el siglo XVI es denominada arte indocristiano La pintura barroca recibio la influencia del tenebrismo sevillano principalmente de Zurbaran como se puede apreciar en la obra de los mexicanos Jose Juarez y Sebastian Lopez de Arteaga y del boliviano Melchor Perez de Holguin A finales del siglo XVI destaco la Escuela cuzquena de pintura representada principalmente por Luis de Riano y Marcos Zapata En el siglo XVIII la principal influencia seria la de Murillo y en algun caso como en Cristobal de Villalpando la de Valdes Leal Destacan Gregorio Vazquez de Arce en Colombia y Juan Rodriguez Juarez y Miguel Cabrera en Mexico En escultura las primeras muestras fueron nuevamente en el terreno religioso en tallas exentas y retablos para iglesias confeccionadas generalmente en madera recubierta con yeso y decorada con encarnacion aplique directo del color o estofado sobre un fondo de plata y oro A principios del siglo XVII nacieron las primeras escuelas locales como la quitena y la cuzquena destacando la labor patrocinadora de la orden jesuita En el barroco destaco la obra escultorica desarrollada en Lima como la silleria de la Catedral de Lima En Brasil destaco la obra del Aleijadinho 100 Africa Editar Articulo principal Arte africano Gran Mezquita de Djenne Mali En esta epoca continuo la diversidad de estilos y manifestaciones artisticas en el continente africano debido a la multiplicidad etnica y religiosa y a las diferentes organizaciones sociales desde pueblos nomadas hasta estados centralizados como Benin Dahomey el Congo y Ashanti Los principales materiales eran la madera la piedra el marfil el metal la arcilla pieles plumas conchas etc En las montanas Drakensberg Sudafrica los San o bosquimanos realizaron miles de pinturas rupestres entre los siglos XVIII y XIX relacionadas con rituales chamanicos En la region de Owerri Nigeria se construyeron una serie de edificios votivos llamados mbari decorados con pinturas y esculturas En Mali destacaron las construcciones en adobe como la Gran Mezquita de Djenne datada inicialmente del siglo XIII pero reconstruida varias veces En Ashanti actual Ghana adquirieron notoriedad los tejidos llamados kente de algodon o seda decorados con motivos geometricos La escultura fue la principal actividad artistica en el continente en general caracterizada por su gran expresividad y fuerza emotiva que llego a influir en el arte de vanguardia europeo cuando el colonialismo favorecio la creacion de museos etnologicos que llevaron las obras de arte africanas por toda Europa En Benin se hacian figuras de laton desde el siglo XV hasta el XIX En Ashanti se dio un estilo naturalista de pequenas esculturas de metal siglos XVII XX En la cultura yoruba entre Nigeria Benin y Togo proliferaron los relieves en madera tallada como en las puertas del palacio de Ikere del escultor Olowe de Ise Otras tipologias fueron los fetiches o figuras de poder nduda relacionadas con ritos ultraterrenales de figuras antropomorficas recubiertas de tela cuero o plumas los pfemba dedicados a la maternidad generalmente una mujer con un nino en brazos y los mbulu ngulu relicarios protectores Tambien se forjaron figuras en hierro como la del rey Glele de Dahomey de tamano natural obra de Akate Akpele Kendo 1860 Por ultimo destacaron las mascaras destinadas a ritos de distinta indole funerarios agricolas de fertilidad etc 101 Asia Editar IndiaArticulo principal Arte de la India Taj Mahal Durante este periodo se introdujo en la India el arte islamico La invasion musulmana que tuvo su culminacion en el Imperio mogol provoco una gran convulsion en la sociedad india y por tanto en su arte A las formas tradicionales se anadieron elementos caracteristicos del arte islamico con nuevas tipologias como la mezquita Este sincretismo artistico se manifesto en construcciones como las mezquitas de Lahore y Delhi y en las sepulturas de Agra sobre todo en el famoso Taj Mahal siglo XVII Tambien se desarrollaron la jardineria y la miniatura ambas de influencia persa y adquirieron gran relevancia las artes textiles y las joyas engarzadas como el Trono de Aurangzeb El arte tradicional hindu tuvo su manifestacion en el magnifico templo de Meenakshi Madurai asi como en la escuela miniaturista de Rajput donde vivia una comunidad jainista que creo un arte que tuvo gran difusion en Occidente plasmado en un conjunto de templos y esculturas de marmol con incrustaciones de piedras de colores decorados con gran preciosismo A partir del siglo XII la escultura se realizo mas en bronce que en piedra destacando las representaciones del dios Siva en actitud danzante despues serian caracteristicos los retratos de guerreros y cortesanos tradicion que llego hasta el siglo XVIII La arquitectura de finales de este periodo evoluciono hacia formas cada vez mas complejas con gran riqueza decorativa en la que se podria denominar una fase barroca del arte indio aunque sin hacer paralelismos con el barroco europeo 102 En literatura la principal particularidad de esta epoca fue el despunte de las lenguas vernaculas surgiendo una literatura en hindi bengali tamil marati guyarati telugu rayastani etc En el genero dramatico destaco Anandarayamakhin autor de Jiva nandana hacia 1700 drama alegorico que representa el alma humana como un rey encarcelado en su palacio el cuerpo y en el poema epico destaca el Ram chari manas de Tulsidas reelaboracion del Ramaiana con gran pureza linguistica y estilistica El teatro derivo en tiempos mas recientes del antiguo dutangada donde predominaba la danza y la mimica en una nueva modalidad denominada kathakali que igualmente ponia enfasis en la musica y la gestualidad En esta interpretacion adquirio gran relevancia el lenguaje de las manos mudras con 24 posiciones basicas y otras combinadas asi como la expresion del rostro y los movimientos de los ojos navarasya Tambien tenia importancia el maquillaje donde los colores eran simbolicos identificando al rol o personaje 103 La musica recibio igualmente la influencia musulmana aunque subsistieron las antiguas formas tradicionales basadas en los ragas Sin embargo la convivencia de ambas modalidades provoco una division en dos tradiciones musicales diferenciadas la septentrional o indostanica mas influida por la musica arabe y la meridional o carnatica mas conservadora de la antigua tradicion La primera era mas elegante decorativa romantica mientras que la segunda era mas austera intelectual Dos de las danzas clasicas de la India que ejemplifican lo anterior son el kathak en el norte y el bharatanatyam en el sur 104 ChinaArticulo principal Arte de China El Palacio de la Suprema Armonia en el centro de la Ciudad Prohibida de Pekin Dinastia Ming 1368 1644 supuso la restauracion de una dinastia autoctona tras el periodo mongol retornando a las antiguas tradiciones chinas El tercer emperador de la dinastia Yongle traslado la capital de Nankin a Pekin 1417 construyendo un Palacio Imperial la Ciudad Prohibida con tres grandes patios rodeados de una muralla de 24 kilometros y un amplio complejo de edificios donde destacan la Sala de la Suprema Armonia con el trono imperial y el Templo del Cielo La pintura de esta epoca era tradicional de signo naturalista y cierta opulencia como en la obra de Lu Ji Shen Zhou Wen Zhengming etc Tambien destaco la porcelana muy ligera y de tonos brillantes generalmente en blanco y azul y comenzo la decoracion de vasijas de bronce en esmalte cloisonne Dinastia Qing 1644 1911 dinastia de origen manchu en el arte supuso la continuidad de las formas tradicionales La pintura era bastante eclectica dedicada a temas florales Yun Shouping religiosos Wu Li paisajes Gai Qi etc En arquitectura se continuo la construccion y en algunos casos restauracion del recinto imperial con el mismo sello estilistico al tiempo que se edificaban nuevos templos y villas aristocraticas destacando la riqueza de los materiales balaustradas de marmol ceramica en los tejados etc Continuo igualmente la tradicion en las artes aplicadas especialmente ebanisteria porcelana tejidos de seda lacas esmalte jade etc Cabe mencionar que las manufacturas chinas influyeron en la decoracion del rococo europeo las llamadas chinoiseries 105 La literatura siguio siendo de corte tradicional destacando en epoca Ming la produccion teatral con obras como El circulo de tiza de Li Hsing Tao La guitarra de Kao Ming y El pabellon de T ang Hien Tsu En prosa destaco El mono de Wu Cheng en de signo alegorico y La ciruela del vaso de oro de Wang Shih chen narracion de tono erotico En epoca Qing la poesia destaco por su virtuosismo detectandose por vez primera el influjo occidental en la obra de Huang Tuen Hien La narrativa era mas humanista como se puede percibir en P u Song Ling y Ts ao Sine K in autor de Hong leu mon la mas famosa novela de amor china Los letrados de Wu Ching Tzu es una novela de tono satirico 106 La musica siguio las tradiciones anteriores recopiladas en el Manual de musica de Tsai Yu 1596 De esta epoca destacan las tonadas para citara con dos vertientes tonadas breves hsiao ch u de letra con acompanamiento musical y tonadas largas ta ch u puramente instrumentales En la dinastia Ming destaco el compositor Wei Liang fu creador de un nuevo estilo dramatico con operas de 30 actos k un ch u con partes cantadas y partes declamadas El instrumento principal era la flauta travesera ti junto a la guitarra san hsien el laud corto p i p a y el tambor pan ku Durante la dinastia Qing surgio un nuevo tipo de opera ching hsi mas popular con acompanamiento de violin de una cuerda hu chpin En ese periodo comenzo la influencia occidental al tiempo que la musica china llego a Occidente como se observa en la obertura de Turandot de Carl Maria von Weber 1809 107 JaponArticulo principal Arte del Japon El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina 1857 de Utagawa Hiroshige Brooklyn Museum of Art Nueva York Periodo Momoyama 1573 1615 el arte de esta epoca se alejo de la estetica budista remarcando los valores tradicionales japoneses aunque durante este periodo se recibieron las primeras influencias de Occidente Se construyeron grandes castillos y palacios palacio de Fushimi castillos de Himeji y Osaka En pintura la escuela de Tosa continuo la tradicion epica japonesa Mitsuyoshi Mitsunori La ceramica alcanzo un momento de gran apogeo Seto continuo siendo uno de los primeros centros de produccion mientras que en Mino nacieron dos escuelas muy importantes Shino y Oribe En la produccion de laca destaca el nombre de Honami Kōetsu Periodo Edo o Tokugawa 1615 1868 este periodo artistico se corresponde con el historico de Tokugawa en el que Japon se cerro a todo contacto exterior Los edificios mas importantes son el mausoleo de Toshogu en Nikkō y el palacio de Katsura en Kioto Tambien son caracteristicas de esta epoca las casas de te chashitsu Se desarrollo notablemente la pintura que adquirio gran vitalidad destacando Tawaraya Sōtatsu y Ogata Kōrin asi como la escuela de Ukiyo e que destaco por la representacion de tipos y escenas populares Kitagawa Utamaro Katsushika Hokusai Utagawa Hiroshige La ceramica tuvo uno de sus mayores centros de produccion en Kioto con influencia del arte chino y coreano su principal artista es Nonomura Ninsei En este periodo se produjeron las primeras porcelanas con un primer centro productor en Arita destacan las escuelas de Kakiemon Nabeshima y Ko Kutami 108 La literatura evoluciono hacia un mayor realismo generalmente de tono costumbrista y con una sutil vena humoristica como se aprecia en la obra de Saikaku Ihara Jippensha Ikku y Ejima Kiseki En poesia la principal modalidad es el haiku composicion de 17 silabas generalmente de tono bucolico centradas en la naturaleza y el paisaje destacando Matsuo Bashō Yosa Buson y Kobayashi Issa Continuo el genero de la waka generalmente en chino representada principalmente por Rai Sanyo En el siglo XIX destaco el novelista Takizawa Bakin autor de Satomi Kakkenden Vidas de ocho perros 109 En teatro surgio la modalidad del kabuki que sintetizo las antiguas tradiciones tanto musicales e interpretativas como de mimica y danza con tematicas desde las mas mundanas hasta las mas misticas Asi como el nō era de tono aristocratico el kabuki seria la expresion del pueblo y la burguesia La puesta en escena era de gran riqueza con decorados donde destacaba la composicion cromatica vestidos de lujo y maquillaje de tono simbolico representando segun el color diversos personajes o estados animicos La diccion era de tipo ritual mezcla de canto y recitativo en ondulaciones que expresaban la posicion o el caracter del personaje 110 La musica fue en esta epoca principalmente de camara de tipo profano desarrollada con diversos instrumentos entre los que destacan el shamisen laud de tres cuerdas el shakuhachi flauta de bambu y el koto citara de 13 cuerdas El koto principalmente tuvo un gran auge a partir del siglo XVII siendo popularizado por el musico ciego Yatsushashi Se tocaba solo con diversas variaciones dan de 52 compases hyoshi o acompanado de voz kumi 111 Oceania Editar Articulo principal Arte de Oceania Casa de reunion melanesia El arte siguio siendo predominantemente indigena aunque se dieron los primeros contactos con la civilizacion occidental En sus viajes por el Pacifico 1768 1780 James Cook reunio una serie de obras de arte que incluian tejidos esculturas joyas muebles armas herramientas instrumentos musicales etc En Melanesia destacan las grandes casas de reunion o casas de los espiritus dedicadas a ceremonias relacionadas con el culto a los antepasados Continuo la talla de figuras antropomorficas principalmente deidades locales como la de Kukailimoku dios de la guerra hawaiano British Museum o el dios A a de Rurutu islas Australes Tambien siguio la tradicion de las mascaras especialmente en Nueva Guinea mai Nueva Irlanda malanggan y Nueva Caledonia apuema Los asmat tribu de Irian Jaya Nueva Guinea construian unos postes conmemorativos bisj de entre 5 y 10 metros de altura tallados con figuras antropomorficas una encima de otra En las islas Salomon se dan estatuas de madera indalo de figuras humanas o animales con incrustaciones de conchas En Australia continuo la tradicion de las pinturas rupestres asi como las churingas piezas de madera piedra o concha decoradas con motivos geometricos 112 Arte contemporaneo Editar Viajero frente al mar de niebla 1818 de Caspar David Friedrich Kunsthalle de Hamburgo Articulo principal Arte contemporaneo Siglo XIX Editar Articulo principal Historia del Arte del siglo XIX Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporanea marcada en el terreno politico por el fin del absolutismo y la instauracion de gobiernos democraticos impulso iniciado con la Revolucion francesa y en lo economico por la Revolucion Industrial y el afianzamiento del capitalismo que tendra respuesta en el marxismo y la lucha de clases En el terreno del arte comienza una dinamica evolutiva de estilos que se suceden cronologicamente cada vez con mayor celeridad que culminara en el siglo XX con una atomizacion de estilos y corrientes que conviven y se contraponen se influyen y se enfrentan Surge el arte moderno como contraposicion al arte academico situandose el artista a la vanguardia de la evolucion cultural de la humanidad Arquitectura Editar Articulo principal Arquitectura del siglo XIX Torre Eiffel disenada por Alexandre Gustave Eiffel para la Exposicion Universal de Paris 1889 La arquitectura decimononica sufrio una gran evolucion debido a los avances tecnicos que comporto la Revolucion Industrial con la incorporacion de nuevos materiales como el hierro el acero y el hormigon que permitieron la construccion de estructuras mas solidas y diafanas Cobro cada vez mayor importancia el urbanismo la preocupacion por el entorno habitable que se tradujo en obras de saneamiento infraestructuras mayor atencion a los medios de transporte y apertura de espacios verdes para buscar mejores ambientes y condiciones de vida para el ciudadano Despues de unos primeros planteamientos de signo utopico como los de Robert Owen o Charles Fourier se produjeron las grandes transformaciones urbanas del siglo XIX Paris plan Haussmann Londres Bruselas Viena Florencia Madrid Barcelona plan Cerda etc Otro gran motor de la arquitectura de la epoca fueron las exposiciones universales festivales economico sociales que pretendian incentivar y difundir el comercio la industria la cultura los avances tecnologicos etc Estos eventos fueron un campo de pruebas para las nuevas tipologias arquitectonicas como se puso de manifiesto en la Exposicion de Londres de 1851 la de Paris de 1889 con la famosa Torre Eiffel etc En jardineria aparecio el llamado jardin ingles que introdujo el concepto de arquitectura paisajistica el cual frente al geometrismo del italiano y el frances defendia una mayor naturalidad en su composicion interviniendo unicamente en una serie de detalles ornamentales como templetes o pergolas o incluso la colocacion de ruinas naturales o artificiales en consonancia con los conceptos romanticos de lo sublime y lo pintoresco Regent s Park de John Nash Kew Gardens de William Chambers Estilisticamente la primera mitad de siglo vio un cierto eclecticismo de las formas asi como un revival de estilos anteriores reinterpretados segun conceptos modernos es el llamado historicismo que produjo movimientos como el neorromanico el neogotico el neobarroco etc Entre sus principales artifices cabe recordar a John Nash Augustus Pugin Viollet le Duc etc En Estados Unidos surgio una nueva tipologia de edificio el rascacielos fomentado por la denominada Escuela de Chicago William Le Baron Jenney Louis Sullivan A finales de siglo surgio el modernismo nota 15 que supuso una gran revolucion en el terreno del diseno con nombres como Victor Horta Henry van de Velde Hector Guimard Charles Rennie Mackintosh Otto Wagner Adolf Loos Joseph Maria Olbrich Hendrik Petrus Berlage Antoni Gaudi Lluis Domenech i Montaner Josep Puig i Cadafalch etc 113 Pabellon Real de Brighton 1815 1822 de John Nash The Crystal Palace de Joseph Paxton Exposicion de Londres de 1851 Home Insurance Building 1884 de William Le Baron Jenney Chicago Illinois Templo Expiatorio de la Sagrada Familia comenzado en 1882 de Antoni Gaudi Barcelona Romanticismo Editar Articulo principal Romanticismo La Libertad guiando al pueblo 1830 de Eugene Delacroix Museo del Louvre Paris Movimiento de profunda renovacion en todos los generos artisticos los romanticos pusieron especial atencion en el terreno de la espiritualidad de la imaginacion la fantasia el sentimiento la evocacion ensonadora el amor a la naturaleza junto a un elemento mas oscuro de irracionalidad de atraccion por el ocultismo la locura el sueno Se valoro especialmente la cultura popular lo exotico el retorno a formas artisticas menospreciadas del pasado especialmente las medievales y adquirio notoriedad el paisaje que cobro protagonismo por si solo Cobraron tambien importancia las artes graficas principalmente la litografia y el grabado en madera En pintura despues de una fase prerromantica donde podriamos citar a William Blake y Johann Heinrich Fussli destacaron Hubert Robert Eugene Delacroix Theodore Gericault Francesco Hayez John Constable Joseph Mallord William Turner Caspar David Friedrich Karl Friedrich Schinkel Philipp Otto Runge etc Una derivacion del romanticismo fue el movimiento aleman de los Nazarenos inspirados en el Quattrocento italiano y en el Renacimiento aleman principalmente Durero Friedrich Overbeck Peter Cornelius Franz Pforr En Espana destacaron Genaro Perez Villaamil Valeriano Dominguez Becquer Leonardo Alenza y Eugenio Lucas En escultura prevalecen las formas neoclasicas reinterpretadas segun las nuevas tematicas romanticas Cabria citar en Francia a Francois Rude que evoluciono del neoclasicismo al romanticismo La Marsellesa 1832 Antoine Louis Barye especializado en figuras de animales Jean Baptiste Carpeaux artista polivalente con gusto por lo espectacular y David d Angers autor del relieve del fronton del Panteon de Paris 1830 1837 En Alemania destacaron Christian Daniel Rauch Rudolf Schadow y Johann Heinrich Dannecker 114 Lord Byron uno de los mejores poetas romanticos La literatura del Romanticismo establecio la idea de un arte que surge espontaneamente del individuo destacando la figura del genio el arte es la expresion de las emociones del artista Exalto la naturaleza el individualismo el sentimiento la pasion con un nuevo gusto por formas intimas y subjetivas de expresion como lo sublime y dando valor a nuevos aspectos como lo oscuro lo tenebroso lo irracional En un prerromanticismo plasmado en el movimiento aleman Sturm und Drang destacaron Johann Christoph Friedrich von Schiller y Johann Wolfgang von Goethe asi como el poeta ingles William Blake Posteriormente es de remarcar la obra de Johann Christian Friedrich Holderlin Novalis Heinrich Heine August Wilhelm von Schlegel Friedrich von Schlegel Heinrich von Kleist Johann Ludwig Tieck E T A Hoffmann Walter Scott William Wordsworth Samuel Taylor Coleridge John Keats Lord Byron Percy Shelley Mary Wollstonecraft Shelley Jane Austen Alphonse de Lamartine Madame de Stael Francois Rene de Chateaubriand Alfred de Vigny Victor Hugo George Sand Prosper Merimee Alexandre Dumas padre Ugo Foscolo Giacomo Leopardi Alessandro Manzoni Aleksandr Pushkin Nikolai Gogol Adam Mickiewicz Washington Irving James Fenimore Cooper Ralph Waldo Emerson Nathaniel Hawthorne Edgar Allan Poe Gustavo Adolfo Becquer Ramon de Campoamor Jose de Espronceda Mariano Jose de Larra Fernan Caballero Rosalia de Castro Bonaventura Carles Aribau Andres Bello Domingo Faustino Sarmiento Jose Hernandez Gertrudis Gomez de Avellaneda etc 115 El teatro romantico tuvo dos notables antecedentes nuevamente en el Sturm und Drang con Schiller Don Carlos 1787 Guillermo Tell 1804 y Goethe Fausto 1808 Como en el resto de la literatura romantica destaca por el sentimentalismo el dramatismo la predileccion por temas oscuros y escabrosos la exaltacion de la naturaleza y del folclore popular Surgio un nuevo genero el melodrama y se popularizaron los espectaculos de variedades vaudeville Sus mejores exponentes fueron Georg Buchner Christian Dietrich Grabbe Juliusz Slowacki Alfred de Musset Victor Hugo Francisco Martinez de la Rosa el Duque de Rivas Antonio Garcia Gutierrez Jose Echegaray Jose Zorrilla Don Juan Tenorio 1844 etc 116 Oda a la alegria source source track track track track track track track track track track track De la Novena Sinfonia de Beethoven Problemas al reproducir este archivo La musica romantica se caracteriza como en el resto de las artes por el predominio del sentimiento y la pasion de la subjetividad y emotividad del artista exaltando la musica nacional y popular Se amplia notablemente la orquesta para poder satisfacer plenamente la expresividad del artista los nuevos sentimientos que en el anidan lo sublime lo patetico El piano fue el instrumento de moda pues su registro la intensidad de la pulsacion son fiel reflejo de esa emotividad ligada al nuevo culto a la personalidad que se desarrolla en el romanticismo Nacio la musicologia como ciencia aplicada a la musica asi como la critica y la estetica musicales y aparecieron los primeros conservatorios Sus principales representantes fueron Ludwig van Beethoven Carl Maria von Weber Franz Schubert Felix Mendelssohn Bartholdy Robert Schumann Franz Liszt Frederic Chopin Niccolo Paganini Johann Strauss Johannes Brahms Anton Bruckner Hector Berlioz Jules Massenet etc En esta epoca se desarrollo notablemente la opera sobre todo en Italia donde recibio el nombre de bel canto Destaco por el brillo de sus voces la coloratura la ornamentacion ganando importancia el papel de la soprano desde 1840 se puso de moda el do de pecho La opera romantica tuvo dos vertientes la comica o bufa y la dramatica sobre los grandes dramas literarios romanticos Destacan Luigi Cherubini Gaetano Donizetti Vincenzo Bellini Gioacchino Antonio Rossini Charles Gounod Georges Bizet y especialmente Giuseppe Verdi Rigoletto 1851 Il trovatore 1853 La Traviata 1853 Aida 1870 En Alemania Richard Wagner dio a la opera cotas de gran brillantez con la pretension de hacer una obra de arte total gesamtkunstwerk que aunase musica poesia filosofia escenografia etc Tannhauser 1845 Lohengrin 1850 Tristan e Isolda 1865 Parsifal 1882 117 s, wikipedia, wiki, leyendo, leer, libro, biblioteca,

español

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