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Vanitas

Agosto 06, 2021

La vanitas es un género artístico que resalta la vacuidad de la vida y la relevancia de la muerte como fin de los placeres mundanos. Se considera un subgénero del bodegón o naturaleza muerta, por lo general de alto valor simbólico y alegórico. Es un término latino (vanĭtas) que significa vanidad (de vanus, «vacío»), entendida no como soberbia u orgullo sino en el sentido de futilidad, insignificancia, fragilidad de la vida, brevedad de la existencia.[1]​

Este tipo de representaciones se encuentran prácticamente en toda la historia del arte: cráneos y esqueletos aparecen en los frescos pompeyanos y en la Edad Media eran frecuentes las llamadas danzas de la muerte. Sin embargo, su mayor auge se dio durante el Barroco, época en que pasó a considerarse un género independiente.[1]​ En dicho período cabe establecer su inicio en los Países Bajos en torno a 1620, desde donde se extendió por Francia y Flandes y, posteriormente, Alemania, Italia, España y otros países.[2]​

Su nombre y su concepción se relacionan con un pasaje del Eclesiastés (Ec 1, 2): Vanitas vanitatum et omnia vanitas («vanidad de vanidades, todo es vanidad»).[3]​ El mensaje que pretende transmitir es la futilidad de los placeres mundanos frente a la certeza de la muerte, animando a la adopción de un estoico punto de vista sobre la vida.

Definición

 
Vanitas con libros, manuscritos y una calavera (1663), de Edwaert Collier, Museo Nacional de Arte Occidental, Tokio

La vanitas se suele considerar un subgénero de la naturaleza muerta, aunque tiene también una estrecha relación con la alegoría. Tiene fuertes connotaciones simbólicas y filosóficas, a menudo relacionadas con la religión cristiana, ya sea católica o protestante. Este género pretendía transmitir tres mensajes fundamentales: un concepto de la vida como algo pasajero, transitorio, incluso extremadamente fugaz; la idea de que cualquier bien que pueda adquirir el ser humano, ya sea material o inmaterial, es vacuo, irrelevante, carente de sentido; y una finalidad de redención, de preparar el alma para la salvación y la vida eterna.[4]​

Se caracteriza principalmente por el carácter simbólico de los objetos representados, alusivos en general a la fragilidad y la brevedad de la vida, al tiempo que pasa, a la inevitabilidad de la muerte. Por lo general, se contraponen diversos objetos relativos a los dones de la naturaleza o de la actividad humana con otros alegóricos de la muerte y la vacuidad de la vida.[2]​ Entre ellos destaca el cráneo o el esqueleto humano, símbolo por excelencia de la muerte. Otros objetos aluden a cualidades humanas efímeras como el saber, la riqueza, el placer o la belleza, de las que se muestra su caducidad y su vana persecución. Otros símbolos que suelen encontrarse en las vanidades son fruta podrida, flores marchitadas, insectos, conchas, velas consumidas, relojes (mecánicos o de arena), burbujas, polvo, humo, vasos vacíos o volcados, pipas vacías o arquitectura en ruinas, todos ellos símbolos de la brevedad y la naturaleza efímera de la vida. También se encuentran alusiones alegóricas a conceptos como las ciencias, las letras y las artes, el conocimiento (libros, instrumentos científicos), la riqueza (dinero, joyas) y el poder (coronas, armas), o bien actividades humanas (instrumentos musicales, juegos de naipes o dados), así como en ocasiones un globo terráqueo como símbolo del poder terrenal. Los objetos que evocan la riqueza o el placer figuran en contraposición a los que representan la muerte y denotan la insignificancia que tienen en relación al tránsito de la vida.[1]​ En ocasiones pueden aparecer espinas de trigo o coronas de laurel como símbolo de resurrección.[5]​ En otras ocasiones se añaden frases —generalmente latinas— como memento mori («recuerda que morirás»), tempus fugit («el tiempo huye»), ubi sunt («¿dónde están?») o sic transit gloria mundi («así pasa la gloria del mundo»).[2]​

 
Naturaleza muerta con libros y un reloj de arena (c. 1630-1640), artista español anónimo, Gemäldegalerie de Berlín

Los bodegones de animales muertos pueden ser también considerados una forma de vanitas, por cuanto la contemplación de unos restos de carne evocan el final de la vida. Esta línea de obras tiene una larga tradición que va desde El buey desollado de Rembrandt hasta versiones modernas del mismo tema realizadas por Chaïm Soutine, Marc Chagall y Francis Bacon.[6]​

El historiador Jan Białostocki diferenció tres grupos de símbolos en las vanitas: los de la existencia terrena, los de la mortalidad de la vida humana y los de la resurrección a la vida eterna. Los dos primeros se refieren a la actividad humana, dividida a su vez, según Hadrianus Junius, en tres conceptos: vita contemplativa (libros, objetos relacionados con las artes y las ciencias), vita practica (joyas, armas, coronas, cetros) y vita voluptuaria (copas, vasijas, instrumentos musicales, naipes y dados).[7]​

Un tema derivado de la vanitas es la futilidad del conocimiento, ejemplificado generalmente por libros, contrapuestos a los símbolos habituales de la vanidad: un exponente es Naturaleza muerta con libros y un reloj de arena (c. 1630-1640, Gemäldegalerie de Berlín), obra de un artista barroco español anónimo, en que aparecen tres libros sobre una mesa y un reloj de arena invertido en el que justo empieza a caer la arena, simbolizando el paso del conocimiento escrito de una generación a otra, aunque el conocimiento individual sea limitado.[8]​

 
Vanitas con putto (c. 1600), de Bartholomäus Spranger, castillo de Wawel, Cracovia, ejemplo de Nascendo morimur

Existen también varios subgéneros de la vanitas, como el Nascendo morimur («así como nacemos, morimos»), en el que generalmente se representa a un bebé o un niño pequeño junto a una calavera o algún otro recordatorio de la muerte, en el sentido de que la muerte es tan natural como el nacer;[9]​ o el homo bulla («hombre burbuja»), en el que suele aparecer un niño haciendo pompas de jabón, como símbolo de la fragilidad de la vida, un tema procedente de la frase latina Homo bulla est («el ser humano es como una pompa de jabón»).[10]​

 
Colgante Memento mori, siglo XVIII

Aunque se desarrolló sobre todo en la pintura, existen también algunos ejemplos de vanitas en el grabado, la escultura e incluso en la arquitectura, como en la capilla Magdalenenklause, en los jardines del palacio de Nymphenburg en Múnich.[11]​ También se dio incluso en la orfebrería y joyería: entre los siglos xvi y xviii fueron corrientes un tipo de colgantes llamados Memento mori, unos estuches con forma de ataúd que al abrirlos aparecía un esqueleto, realizados generalmente en oro, plata o marfil. También se produjeron estatuillas con forma de esqueleto o bien anillos, que además de imágenes de esqueletos o cráneos solían llevar algún mensaje de tipo religioso.[12]​

Conviene recordar que, como subgénero del bodegón, la vanitas por antonomasia basa su composición en la exposición en una imagen de diversos objetos inertes, con la presencia o no de la figura humana, en todo caso secundaria. Sin embargo, en ocasiones puede entremezclarse con otros géneros artísticos en composiciones que combinen diversos géneros, como puede ocurrir con la pintura religiosa (como, por ejemplo, Tentaciones de san Jerónimo de Francisco de Zurbarán), la pintura de género (La tasadora de perlas de Johannes Vermeer) o el retrato (Niña haciendo pompas de jabón (Luisa María Ana de Borbón) de Pierre Mignard).[13]​

Cabe reseñar por último la relación entre la vanitas y el género artístico-literario de la emblemática, especialmente en el Barroco. Este tipo de obras aportaron buena parte del repertorio iconográfico a las vanitas, ya que cada objeto adquiría un significado simbólico que podía ser reconocido por todo aquel iniciado en la materia. El emblema barroco aglutinaba imagen, poesía y retórica, con un alto contenido simbólico y alegórico. Por lo general, se componían de un dibujo (pictura), un lema (inscriptio) y un epigrama (subscriptio), normalmente en latín.[14]​ El inicio de la vanitas en los Países Bajos estuvo fuertemente relacionado con libros de emblemas como Sinnepoppen de Roemer Visscher (Ámsterdam, 1614), Emblemata of zinne-werck de Johan de Brune (Ámsterdam, 1624), Emblemata de Zacharias Heyns (Rótterdam, 1625) y Sinne- en minnebeelden de Jacob Cats (Ámsterdam, 1627).[15]​ Por lo general, este tipo de emblemas tenían un objetivo moralizante, como combatir las adicciones al juego, la bebida o el tabaco, o incluso el coleccionismo de conchas marinas y el cultivo de los tulipanes —cuya euforia especulativa dio lugar a la llamada Crisis de los tulipanes—. Muchos de estos motivos pasaron a la vanitas.[16]​

Historia

Antecedentes

Los principales antecedentes de la vanitas se encuentran en las diversas representaciones relativas a la muerte, generalmente ejemplificadas con esqueletos o cráneos, de las cuales existen múltiples manifestaciones desde la prehistoria. Sin embargo, en relación con el género estudiado, conviene atender más que las simples representaciones alusivas a la muerte las que añaden un componente filosófico o moral, las que señalan a la brevedad de la vida y la inevitabilidad de la muerte. Estas manifestaciones aparecieron sobre todo en el arte romano, relacionadas con el memento mori, la frase que los siervos repetían a los generales romanos en sus triunfos para recordarles que las glorias eran efímeras. Imágenes de ese tipo se encuentran en los frescos pompeyanos del siglo I a. C. que se conservan en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, generalmente con esqueletos en diferentes actitudes, a veces sujetando vasos o jarras u otro tipo de utensilios relacionados con los banquetes romanos.[12]​

Uno de estos mosaicos conservados en Nápoles, titulado Memento mori (Pompeya I, 5, 2) representa la Rueda de la Fortuna, que puede hacer que los ricos, simbolizados por la tela morada a la izquierda, sean pobres, mientras los pobres, simbolizados por la piel de cabra a la derecha, sean ricos, todo ello vigilado por la muerte en forma de cráneo sobre la rueda y la vida colgando de un hilo: cuando se rompe, el alma, simbolizada por la mariposa, vuela.[17]​ Otro es el llamado Carpe diem («aprovecha el día») o Esqueleto copero, que muestra un esqueleto con copas en las manos. Otro mosaico famoso de la antigüedad es el titulado Gnōthi seautón (γνῶθι σεαυτόν, «conócete a ti mismo» en griego), conservado en el Museo delle Terme di Diocleziano (Roma), en que se ve un esqueleto recostado sobre su guadaña. Cabe reseñar también un mosaico del siglo III a. C. conservado en el Museo Arqueológico de Hatay en Antioquía, que muestra un esqueleto con una jarra de vino y una hogaza de pan y la inscripción «sed alegres, vivid vuestra vida».[12]​

Otras muestras de este tipo de representaciones fueron las larva convivialis, figurillas en forma de esqueleto, ya sea exentas o realizadas en relieve en jarras y otros objetos. Cabe destacar en este terreno las copas talladas de Boscoreale.[12]​

Durante el románico se emplearon imágenes de memento mori en los muros de las iglesias como mensajes moralizantes para la feligresía, como recordatorio de la fugacidad de la vida y la necesidad de la penitencia y la redención. En numerosas ocasiones se trataba de calaveras, con una iconografía heredera de las imágenes romanas, como en el caso de la calavera pintada por el Maestro de Sorpe para la nave central de la iglesia de Sant Pere de Sorpe (mediados del siglo XII, actualmente en el Museo Nacional de Arte de Cataluña) o la esculpida en uno de los canetes del ábside de la iglesia de San Martino de Villallana (siglo XIII).[6]​

 
Psalterio de Bona de Luxemburgo (c. 1349), de Jean y Bourgot Le Noir, The Cloisters, Nueva York

En la Edad Media hay que valorar el impacto de la peste negra en la sociedad de la época, que conllevó un sentimiento de familiaridad con la muerte y de consideración de la vida como algo frágil y efímero. Ello se tradujo en representaciones como las «danzas de la muerte», un tipo de escenas donde figuraban cortejos de esqueletos bailando y tocando música, que acompañaban a personas de los tres estamentos sociales (nobleza, clero y plebe), a los que guiaban a su trágico final. Estas imágenes se solían acompañar de versos que ilustraban el tema y en época medieval incluso se recreaban en vivo, de forma teatralizada, una tradición que aún perdura en diversos lugares, como en la procesión de Verges (provincia de Gerona) celebrada los jueves santos.[6]​

En relación con esta temática cabe citar una interesante obra del gótico italiano, El triunfo de la muerte o La leyenda de los tres vivos y los tres muertos (c. 1355, Camposanto de Pisa), atribuida tanto a Francesco Traini como a Buonamico Buffalmacco. En ella aparece un grupo de caballeros y damas a caballo que se encuentra en su camino con tres ataúdes abiertos; en un lateral, un ermitaño sostiene un rollo de papel con el mensaje «la muerte vence al orgullo y a la vanidad».[18]​

 
La Danza de la Muerte (1493), de Michael Wolgemut

En el siglo XV se fueron desarrollando un tipo de imágenes que apuntaban ya al género de la vanitas: uno de los primeros antecedentes fue el Tríptico Braque de Rogier van der Weyden (1450, Museo del Louvre, París), un retablo de contenido religioso que muestra en su parte frontal varios personajes del Nuevo Testamento, mientras que por su lado posterior, con los paneles cerrados, muestra un cráneo y una cruz. Otro exponente fue el Retrato de Hieronymus Tschekkenbülin del Maestro de Basilea (c. 1487), formado por dos paneles donde se representan el retratado y un esqueleto, enfrentados uno al otro.[6]​

En relación con esta temática, una de las representaciones más emblemáticas durante toda la historia del arte fue la calavera, presente ya en los frescos pompeyanos y que se encuentra en la Edad Media y el Renacimiento en obras como el mencionado Tríptico Braque de Rogier van der Weyden, el frontispicio del Retrato de Girolamo Casio de Giovanni Antonio Boltraffio (c. 1510), el Retrato de Jane-Loyse von Nettesheim de Bartholomäus Bruyn el Viejo (1524, Museo Kröller-Müller, Otterlo), las Vanidades de Jacopo Ligozzi (1604, colección Aberconway, Bodnant) y la Vanitas de Jacob de Gheyn (1603, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York).[2]​ Durante los siglos xv y xvi este tipo de representaciones solían realizarse a menudo en la parte posterior de los retablos, como en el Díptico de san Juan Bautista y santa Verónica de Hans Memling (c. 1475): en la puerta izquierda (Pinacoteca Antigua de Múnich) representó una calavera situada en un nicho, con la inscripción latina morieris («moriréis»), mientras que en la puerta derecha (National Gallery de Washington D.C.) pintó también dentro de un nicho un cáliz con una serpiente.[19]​ Otro ejemplo es la Naturaleza muerta con cráneo de Jan Gossaert (1517, Museo del Louvre, París), situado en la parte posterior del Díptico de Jean II Carondelet, que contiene una inscripción en latín que dice «aquel que piense siempre en la muerte puede despreciar siempre todas las cosas», una frase de san Jerónimo.[20]​

Otro de los orígenes iconográficos de la vanitas se encuentra en las representaciones medievales de san Jerónimo en su celda, en las que solían aparecer un libro y una vela como símbolos de la reflexión intelectual y un cráneo y un reloj de arena como alusiones a la inevitabilidad de la muerte. Una representación de ese tipo sería un San Jerónimo actualmente perdido de Jan Van Eyck —se conserva una copia en el Detroit Institute of Arts—, en el que se inspiraría un lienzo del mismo tema de Colantonio (Museo de Capodimonte, Nápoles) y que daría origen a varias réplicas, como las de Vittore Carpaccio y Antonello da Messina. De aquí pasó a representaciones similares de otros santos, como el San Eloy de Petrus Christus (Metropolitan Museum, Nueva York), o incluso temas profanos, como en Banqueros de Quentin Metsys (1510, Museo del Louvre, París), Calaveras, báculos y libros de Fra Vincenzo da Verona (1520-1523, Museo del Louvre, París) o El cambista y su mujer de Marinus van Reymerswaele (1539, Museo del Prado, Madrid).[2]​ Otros artistas que trataron el tema fueron: Antonio Allegri da Correggio (San Jerónimo, 1515-1518, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid), Alberto Durero (San Jerónimo, 1521, Museo Nacional de Arte Antiguo, Lisboa),[21]​ Joos van Cleve (San Jerónimo en su estudio, c. 1525, Musée des Beaux-Arts et d'Archéologie de Châlons-en-Champagne),[22]​ Jan Cornelisz. Vermeyen (San Jerónimo meditando, 1525, Museo del Louvre, París)[23]​ y Tiziano (San Jerónimo, 1560, Pinacoteca de Brera).[24]​

 
Díptico de san Juan Bautista y santa Verónica (c. 1475), de Hans Memling, Pinacoteca Antigua de Múnich y National Gallery de Washington D.C.

La calavera también se asocia corrientemente con las figuras de san Francisco de Asís y santa María Magdalena —suele ser un atributo habitual de los penitentes—, así como a la crucifixión de Cristo, que se produjo en el Gólgota, «el lugar del cráneo»,[20]​ donde según la tradición se hallaba la tumba de Adán.[25]​

Un primer artista que realizó obras cercanas a lo que sería una vanitas plena fue Vincenzo dalle Vacche, autor en 1520 de dos taraceas para la iglesia de San Benedetto Novello de Padua: Vanidad del poder terrenal de la Iglesia y los legos, donde presenta entre otros objetos una cruz pectoral, una corona, un reloj de arena y una calavera; y Vanidad de la ciencia, con un globo celeste, un sextante, un libro de matemáticas, una partitura y una viola con una cuerda rota.[26]​

En las primeras décadas del siglo XVI cabe destacar también las diversas imágenes de Hans Baldung Grien en las que mostraba jóvenes doncellas acosadas por el esqueleto de la Muerte, como en El caballero, la doncella y la Muerte (c. 1505, Museo del Louvre, París), La Muerte y la doncella (1517, Museo de Arte de Basilea), La Muerte y la doncella (1518-1520, Museo de Arte de Basilea) y Las Edades y la Muerte (1541-1544, Museo del Prado, Madrid).[6]​ En Las tres edades y la Muerte (1509-1510, Museo de Historia del Arte de Viena) compuso una alegoría de la vida formada por tres distintas edades (un niño, una joven desnuda y una anciana) enfrentadas al esqueleto de la Muerte, que sostiene un reloj de arena.[27]​

 
Imagen principal
 
Calavera en anamorfosis
Los embajadores (1533), de Hans Holbein el Joven, The National Gallery, Londres

Una obra excepcional cercana ya a la vanitas barroca es Los embajadores de Hans Holbein el Joven (1533, The National Gallery, Londres). Se trata de un doble retrato: Jean de Dinteville (izquierda), embajador de Francia en Inglaterra, y Georges de Selve (derecha), obispo de Lavaur que actuó de embajador ante el Sacro Imperio Romano Germánico, la república de Venecia y la Santa Sede. Ambos personajes se apoyan con el brazo sobre un aparador dispuesto a modo de bodegón, con múltiples objetos relacionados con el quadrivium, las cuatro ciencias matemáticas pertenecientes a las siete artes liberales: aritmética, geometría, música y astronomía. Pero lo más curioso es un objeto situado a los pies de los embajadores no perceptible a simple vista —de hecho, no fue descifrado hasta el siglo XX—: una calavera en anamorfosis, una imagen deformada que solo se puede percibir con una lente (o con el dorso de una cuchara) situada de forma perpendicular a la imagen.[26]​

Como símbolo de la muerte, la calavera era un objeto corriente en las celdas de los monjes católicos, especialmente durante la Contrarreforma, como objeto de meditación sobre el sentido de la vida y lo efímero de la existencia.[28]​ Así, era un objeto corriente en la representación de los santos, como se aprecia en la obra de El Greco: San Francisco en éxtasis (1577-1580, Museo Lázaro Galdiano, Madrid), La Magdalena penitente (1585-1590, Museo Cau Ferrat, Sitges), Santo Domingo en oración en su celda (c. 1590-1600, colección J. Nicholas Brown, Newport, Rhode Island), San Francisco arrodillado en meditación (1595-1600, M. H. de Young Memorial Museum, San Francisco), San Jerónimo penitente (1595-1600, National Gallery of Scotland, Edimburgo), San Francisco y fray León meditando sobre la muerte (1600-1606, veinticuatro versiones en museos de todo el mundo).[29]​

Una obra bastante sobrecogedora es In omnibus operibus de Juan de Juanes (primera mitad del siglo XVI, Museo de Bellas Artes de Valencia), en que aparece únicamente una calavera con una cartela con el mensaje In omnibus operibus tuis memorare novissima tua et in aeternum non peccabis («en tus acciones ten presente tu final, y así jamás cometerás pecado», Eclesiastés 7, 36). Esta obra denota la influencia flamenca, especialmente por el dibujo y el tratamiento de la luz.[30]​

 
Amorcillo durmiente con calavera (c. 1600), talla en marfil, probablemente neerlandesa, Museum Schnütgen, Colonia

Una pintura que se acerca a la vanitas barroca es la Vanidad del flamenco Jan Sanders van Hemessen (c. 1535-1540, Palais des Beaux-Arts de Lille), en el que aparece un ángel con alas de mariposa que sostiene un espejo en cuyo reflejo aparece un cráneo. Alrededor del espejo figura el mensaje Ecce rapinam rerum omnium («la muerte saquea todas las cosas») y en la cinta que rodea el brazo del ángel «mira el final de la fuerza, la belleza y la riqueza». La obra fue probablemente el panel izquierdo de un díptico, del que seguramente el derecho sería un retrato, cuyo personaje sería el reflejado en el espejo y al que el ángel advierte de lo efímero de la existencia.[31]​

Otra obra de interés con la presencia de la calavera es el Retrato de familia de Adriaen Thomasz. Key (1583, Museo del Prado, Madrid), en la que aparece un padre rodeado de sus seis hijos, con la mano apoyada en una calavera situada sobre una mesita, junto a la que aparece también un reloj de arena, ambos símbolos de la fugacidad de la vida, en este caso probablemente por la pérdida de la madre, que no aparece en la imagen.[32]​

En el terreno del grabado hay que destacar la obra del alemán Alberto Durero, autor de una célebre estampa, San Jerónimo en su gabinete (1514), donde aparece el santo en su estudio, con una calavera en el alféizar de una ventana y un perro y un león dormidos a sus pies.[33]​ Otra obra suya fue El caballero, la Muerte y el Diablo (1513, Galería Nacional de Arte, Washington D.C.), donde un jinete con armadura montado a caballo se encuentra en su camino con la Muerte y el Diablo, en forma de figuras monstruosas; la Muerte lleva un reloj de arena, mientras que en la esquina inferior izquierda figura una calavera.[18]​ Formado en el taller de Durero, Barthel Beham fue un notable retratista, aunque fue en el grabado donde obtuvo un gran éxito, especialmente con escenas populares de pequeño tamaño. Realizó varias obras de memento mori, como Niño con tres calaveras (1529, Galería Nacional de Arte, Washington D. C.).[34]​ Otro exponente fue Heinrich Aldegrever, igualmente alemán, pintor, grabador y orfebre influido por la pintura flamenca y por Durero, autor de temas religiosos, mitológicos y retratos.[35]​ Hacia 1530 realizó Respice Finem («piensa en el final»), donde aparece una mujer desnuda con un reloj de arena en la mano y un sepulcro abierto a sus pies, con una calavera en el suelo.[36]​

Barroco

 
Autorretrato con naturaleza muerta (1651), de David Bailly, Stedelijk Museum De Lakenhal, Leiden

Países Bajos

El inicio de la vanitas plena se dio en el Barroco en los Países Bajos. En este país los bodegones, junto a los paisajes, gozaron de mucho éxito, así como las vanitas, ya que su carácter moralizante se adecuaba con la rígida religión calvinista profesada en la época, al tiempo que su detallismo y precisión visual concordaban con el interés científico mostrado por la sociedad neerlandesa de entonces.[37]​

Su desarrollo se produjo especialmente en la Escuela de Leiden, un bastión calvinista donde se fraguó una atmósfera intelectual y religiosa que favoreció la plasmación de escenas en que se rechazaban los placeres y riquezas mundanos, tal como defendía el teólogo reformista francés André Rivet, profesor en Leiden de 1620 a 1632.[2]​

 
Vanitas de David Bailly en el Album amicorum de Cornelis de Glarges (1624), Biblioteca Real Neerlandesa, La Haya

Uno de sus primeros exponentes fue David Bailly, retratista y bodegonista influido por Rembrandt y Frans Hals.[38]​ Su obra más emblemática en este género fue Autorretrato con naturaleza muerta (1651, Stedelijk Museum De Lakenhal, Leiden): en el lado izquierdo aparece retratado el artista cuando era joven, que sostiene un retrato de sí mismo en el momento de la realización del cuadro, más envejecido; a su lado, sobre una mesa, se apilan una serie de objetos entre los que encontramos muchos relacionados con este género, como la calavera, la vela, el vaso volcado, la pipa vacía, las flores marchitadas, una flauta, dinero, joyas, libros, un espejo, un reloj de arena, objetos de arte y, flotando en el aire, pompas de jabón. Además, en la esquina inferior derecha, un pergamino contiene los versos del Eclesiastés que dieron nombre al género: vanitas vanitatum et omnia vanitas.[39]​

Un dibujo a la pluma de David Bailly inscrito en el Album amicorum de Cornelis de Glarges (1624, Biblioteca Real Neerlandesa, La Haya) está considerado el incunable de la vanitas: presenta una calavera, un reloj de arena, una pipa humeante y un rollo de papel con la inscripción quis evadet («¿quién escapa?»).[2]​[40]​

En esta escuela destacaron especialmente los hermanos Harmen y Pieter Steenwijck, sobrinos y alumnos de Bailly, introductores de algunos de los rasgos característicos de la vanitas neerlandesa: tendencia a la monocromía, iluminación lateral, composición en diagonal, desorden aparente de los objetos representados.[41]​ Harmen desarrolló un estilo caracterizado por el predominio cromático del gris y el amarillo, en imágenes simples, de carácter íntimo, donde cobra un especial protagonismo la luz, que suele ser indirecta, con unos efectos de luz a través de pequeñas gotas granuladas en forma de perla.[42]​ Entre sus obras destaca Vanidades (1640-1645, The National Gallery, Londres), en la que todos los objetos representados tienen un significado simbólico: una concha vacía, que simboliza a la vez la riqueza y la mortalidad humana; una espada japonesa, símbolo del poder terreno que sin embargo no es capaz de vencer a la muerte; un reloj, símbolo de la fugacidad del tiempo y de lo limitado de la vida; una flauta y una chirimía, que representan lo efímero del placer sensual; una calavera, que simboliza la muerte, el memento mori; una lámpara apagada, nuevo símbolo de la caducidad de la vida, que se apaga como una vela; y varios libros, que simbolizan la vanidad del saber.[43]​ Por su parte, Pieter fue autor de varias vanitas —como las conservadas en los museos de Leiden, Belfort, Lund y el Prado—, similares a las de su hermano, en tonos amarillos y grises.[42]​ Cabe destacar la del Prado, Emblema de la Muerte (1635-1640), en que dispuso sobre una mesa los habituales símbolos de la vanitas iluminados por un rayo de luz en diagonal, siendo de remarcar la presencia de una bolsa de viaje como símbolo de la vida entendida como un viaje sin retorno, además de un laúd y una flauta dulce, esta última ensartada en la boca del cráneo que centra la escena.[44]​

 
Vanitas con calavera, libro y rosas (c. 1630), de Jan Davidsz. de Heem, Museo Nacional de Estocolmo

A esta escuela perteneció también Pieter Potter, que recibió la influencia de Bailly y de Rembrandt, como en su Vanitas del Rijksmuseum de Ámsterdam (1646).[45]​ Posteriormente, Jan Davidsz. de Heem llevó la vanitas de Leiden a Amberes (Flandes).[2]​ Discípulo de Bailly, de Heem tuvo una primera etapa de estilo monocromo y austero, pero tras su traslado a Amberes se contagió del estilo opulento del bodegón flamenco, con influencia de Frans Snyders y Jan Fyt. Entre sus obras se encuentran: Vanitas con libros, un globo, una calavera, un violín y un abanico (c. 1623, colección privada), Vanitas (1628, Musée des Beaux-Arts de Caen), Vanitas (1629, Galería Regional de Liberec) y Vanitas con calavera, libro y rosas (c. 1630, Museo Nacional de Estocolmo).[46]​

Alumna de Heem fue Maria van Oosterwijck, especializada en bodegones florales. Fue autora de Vanitas con una calavera, libros, flores en un jarrón y un globo celeste (1668, Museo de Historia del Arte de Viena) y Vanitas y naturaleza muerta con girasol (c. 1670-1680, colección privada).[47]​

 
Vanitas (1630), de Pieter Claesz, Mauritshuis, La Haya

Dos de los mejores pintores de bodegones neerlandeses, Pieter Claesz y Willem Heda, practicaron también la vanitas. El primero, activo en Haarlem, pintó bodegones de comidas y banquetes, así como algunas vanitas, en un estilo monocromo como el iniciado en Leiden, entre las que destaca la Vanitas del museo Mauritshuis de La Haya (1630).[48]​ El segundo, también natural de Haarlem, pintó retratos y cuadros religiosos, pero destacó especialmente en el bodegón, con una composición sobria y armonía de colores, entre los que predominan el amarillo y el plateado, en consonancia con la corriente monocromista. Entre sus obras de este género destaca una Vanitas del Museo Bredius de La Haya (1621).[46]​

En Haarlem trabajó también Vincent Laurensz. van der Vinne, discípulo de Frans Hals. Fue autor de algunas vanitas en las que solía autorretratarse, como Vanitas (c. 1660, Museo Frans Hals, Haarlem), en un papel que cuelga de la mesa, o Vanitas (Museo Pushkin, Moscú), en la que aparece reflejado en una bola de cristal. En Vanitas con corona real (c. 1650, Museo del Louvre, París) alude al fin de la monarquía.[49]​

Procedente del manierismo, el pintor y grabador Hendrick Goltzius mostró al final de su carrera la influencia de Rubens.[50]​ Problemas de vista y una mano paralizada le impidieron desde 1600 realizar grabados, por lo que se dedicó a efectuar una serie de dibujos que simulaban grabados. Entre ellos está Joven sosteniendo una calavera y un tulipán (1614, The Morgan Library & Museum, Nueva York), un dibujo a pluma y tinta marrón sobre papel, en el que un joven con sombrero de plumas sostiene una calavera y un tulipán, mientras al fondo aparece un reloj de arena y la inscripción QVIS EVADET / NEMO («¿Quién escapa? Nadie»).[51]​

Igual origen manierista tuvo Abraham Bloemaert, pintor y aguafortista que practicó casi todos los géneros de la pintura. Fue autor de Vanitas con libros, una calavera, un crucifijo y un reloj de arena, San Jerónimo en el fondo (c. 1620, colección privada).[52]​

Entre los grandes nombres de la pintura neerlandesa que trataron el tema se encuentra Frans Hals, un eminente retratista activo en Haarlem. Formado en la escuela manierista de su ciudad, pronto se desmarcó del estilo italianizante de ese círculo y se dedicó a la búsqueda de un mayor realismo, de una visión objetiva de la sociedad de su tiempo, con un estilo libre, de matizados valores y un intenso tratamiento de la luz.[53]​ Fue autor de Joven sosteniendo una calavera (1626, The National Gallery, Londres), donde un joven con capa y gorro con pluma sostiene un cráneo en su mano izquierda, como símbolo de la brevedad de la existencia.[54]​

Uno de los pintores más influyentes de su época, Rembrandt, trató el tema en El buey desollado (dos versiones: 1643, Museo y Galería de Arte de Glasgow; y 1655, Museo del Louvre, París). Artista original de fuerte sello personal, desarrolló un estilo cercano al tenebrismo, pero más difuminado, sin los marcados contrastes entre luz y sombra propios de los caravaggistas, sino una penumbra más sutil y difusa. Cultivó todo tipo de géneros, desde el religioso y mitológico hasta el paisaje, el retrato y el bodegón.[55]​ En esta obra mostró los restos de un buey desollado colgado de una barra cerca del techo, con un crudo realismo que, más allá del componente físico, evoca con crudeza el fin de la existencia. La ejecución se basa en pinceladas gruesas y violentas, gestuales, antecediendo a estilos modernos como el expresionismo.[56]​

Otro de los grandes referentes del Barroco neerlandés fue Johannes Vermeer, especializado en paisajes y escenas de género, a los que otorgó un gran sentido poético, algo melancólico, donde destaca especialmente el uso de la luz y los colores claros, con una técnica casi puntillista.[57]​ En una de sus obras, etiquetable en principio como escena de género, se perciben elementos propios de la vanitas: La tasadora de perlas (1664, Galería Nacional de Arte, Washington D.C.), donde una joven —probablemente Catharina Vermeer, esposa del pintor— sostiene una balanza, mientras que sobre la mesa se ven perlas y monedas. Situada justo en el centro del cuadro y destino del rayo de luz que entra diagonalmente por la ventana, la balanza, vacía, permanece en posición horizontal, como posible mensaje a «pesar nuestras decisiones», tal como aconsejaba Ignacio de Loyola en sus Ejercicios espirituales. Frente a la mujer, en la pared, un espejo simboliza la templanza, actitud necesaria frente a la riqueza esparcida en la mesa.[58]​ En la pared del fondo hay un cuadro del Juicio Final, que se contrapone al hecho de que la mujer se encuentra encinta, en una clara alusión al ciclo de la vida (nacimiento-muerte).[59]​

Otra obra que mezcló el género de la vanitas con la pintura costumbrista fue La última gota (El alegre caballero) de Judith Leyster (1639, Museo de Arte de Filadelfia), en la que se ve a dos borrachos a los que se aparece la muerte en forma de esqueleto con un cráneo y una vela encendida en una mano y un reloj de arena en la otra, como recordatorio de que la vida se les acaba.[60]​ Su marido, Jan Miense Molenaer, fue discípulo de Frans Hals y recibió también la influencia de Rembrandt. Realizó preferentemente escenas de género. En su Alegoría de la vanidad (1633, Toledo Museum of Art, Toledo, Ohio), retrató a una joven dama mirándose al espejo mientras la peina un peluquero, apoyando un pie sobre una calavera en el suelo; a su lado, un niño hace pompas de jabón.[61]​ Realizó también un Autorretrato (c. 1640, Pinacoteca Antigua de Múnich) en que apoya su mano derecha sobre una calavera situada en una mesa.[62]​

El género fue tratado también por los pintores de la Escuela caravaggista de Utrecht, un grupo de artistas influidos por el tenebrismo de Caravaggio, entre los que destacaron Hendrik Terbrugghen, Dirck van Baburen y Gerard van Honthorst, activos entre 1615 y 1635, aproximadamente. Como en el caravaggismo, la obra de estos artistas destaca por la profusa utilización del claroscuro, del fuerte contraste entre luces y sombras, así como una visión realista de los temas artísticos, principalmente religiosos, retratos y escenas de género. Trataron también la vanitas, como el San Jerónimo (1621, Museo de Arte de Cleveland) o la Melancolía (1627, Galería de Arte de Ontario, Toronto) de Hendrick ter Brugghen, el San Jerónimo (1625-1630, Centraal Museum, Utrecht) de Gerard van Honthorst o el San Francisco (1618, Museo de Historia del Arte de Viena) de Dirck van Baburen.[63]​

 
Niño soplando pompas de jabón: Homo Bulla, de Jan Lievens, Musée des Beaux-Arts et d'Archéologie de Besançon

En un estilo de influencia rembrandtiana, Willem de Poorter, activo en Haarlem, realizó cuadros históricos y mitológicos, así como naturalezas muertas, de las que destacan sus vanitas especializadas en armas de guerra, corazas y banderas, con uso del claroscuro y una delicada tonalidad. Fue autor de dos Alegoría de la vanidad (1635-1640, National Gallery, Londres; y 1645-1650, colección privada, Múnich).[64]​

Otro discípulo de Rembrandt fue Jan Lievens. Tras unos años en Inglaterra y Amberes se instaló en Ámsterdam. Desarrolló un estilo influido en sus inicios por Rembrandt, y más tarde por Rubens y Van Dyck. Fue autor preferentemente de cuadros religiosos, retratos y paisajes.[65]​ Entre sus obras se encuentra una Vanitas (1627, Museum de Fundatie, Zwolle), en la que sobre una mesa aparece una calavera junto a un reloj de arena, libros, un candelabro con una vela apagada y un violín. Otra obra suya fue Niño soplando pompas de jabón: Homo Bulla (Musée des Beaux-Arts et d'Archéologie de Besançon), en la que aparece un niño haciendo pompas de jabón con un cráneo y varios huesos a sus pies, y un reloj de arena en un costado.[66]​

 
Naturaleza muerta con calavera (c. 1650), de Gerard Dou, Muzeum Narodowe, Gdańsk

Igual influencia rembrandtiana mostró Gerard Dou, discípulo de Rembrandt en su taller de Leiden. Se dedicó sobre todo a la pintura de género, con un estilo minucioso y perfeccionista, que gozó de gran popularidad. En su etapa madura se alejó de su maestro, con un colorido más vistoso y una factura más clara y lisa, con preferencia por composiciones enmarcadas en hornacinas, en falsa perspectiva, y gusto por los claroscuros formados por luces de velas. Realizó algunas vanitas, como Bodegón con un niño soplando pompas de jabón (1645, Museo Nacional de Arte Occidental, Tokio), Naturaleza muerta con calavera (c. 1650, Muzeum Narodowe, Gdańsk) o su propio Autorretrato (1658, Galería Uffizi, Florencia).[67]​

Fue discípulo suyo Godfried Schalcken, que trabajó además de en su país natal en Inglaterra y Alemania. Excelente retratista, en muchas de sus obras empleó una luz artificial de velas o bujías, de influencia rembrandtiana.[68]​ Fue autor de Alegoría de la vanidad: niña con una concha, una burbuja y una antorcha (c. 1680-1685, colección privada).[69]​

Discípulo de Frans Hals, Pieter Gerritsz. van Roestraeten fue autor de escenas de género y de bodegones especializados en piezas de orfebrería y porcelanas: Vanitas (Frans Hals Museum, Haarlem), Vanitas (Royal Collection).[70]​

 
Vanitas con calavera coronada (1689), de Edwaert Collier, colección privada

Un prolífico autor de vanitas fue Edwaert Collier, activo en Leiden, con una obra influida por Pieter Claesz y Vincent Laurensz. van der Vinne. Fue autor, entre otras, de Vanitas con libros, manuscritos y una calavera (1663, Museo Nacional de Arte Occidental, Tokio), Vanitas (1675, Museo de Bellas Artes de Budapest), Vanitas (1675, Mauritshuis, La Haya), Autorretrato con vanitas (1684, Museo de Arte de Honolulu) y Vanitas con calavera coronada (1689, colección privada).[71]​

Jacques de Claeuw, yerno de Jan van Goyen y cuñado de Jan Steen, realizó bodegones coloristas en los que solía disponer objetos preciosos y extraños, descritos de forma minuciosa, con una cierta influencia de David Bailly. Entre sus obras destacan: Vanitas con calavera, bola de cristal y estandarte (1642, Rijksdienst voor het Cultureel Erfgoed, Rijswijk), Vanitas (1650, Rijksmuseum, Ámsterdam) y Vanitas (1677, Cummer Museum of Art and Gardens, Jacksonville).[48]​

 
Vanitas (1650), de Jacques de Claeuw, Rijksmuseum, Ámsterdam

De una familia de artistas, Ambrosius Bosschaert II se especializó en bodegones de flores. Fue autor de Vanitas con calavera, globo, jarrón con flores, rosa, libros y vajilla sobre una alfombra azul (c. 1640-1645, colección privada).[72]​

Willem Bartsius fue paisajista y retratista. Elaboró una Alegoría de la Vanidad (c. 1640, Museo de Arte e Historia de Ginebra) en forma de joven elegantemente vestida, sentada con una calavera en el regazo; en una mesita a su lado se encuentran una taza, libros, joyas y un nautilo, mientras que a sus pies hay varios objetos apilados, entre los que se encuentran un globo terráqueo, un laúd, un violín, una flauta y varios libros.[73]​

Juriaen van Streeck, activo en Ámsterdam, realizó preferentemente naturalezas muertas en las que denotó la influencia de Willem Kalf. Mostró predilección por objetos metálicos, porcelana y orfebrería, así como moluscos y conchas. Destaca su Vanitas del Museo Pushkin de Moscú.[74]​

 
Vanitas (c. 1640-1660), de Aelbert Jansz. van der Schoor, Rijksmuseum, Ámsterdam

Simon Luttichuys recibió la influencia de Jan Davidsz. de Heem, con un estilo suntuoso, como se denota en Vanitas del busto (colección privada, La Haya).[75]​

Aelbert Jansz. van der Schoor fue autor de Vanitas (c. 1640-1660, Rijksmuseum, Ámsterdam), un sobrecogedor conjunto de seis calaveras junto a varios huesos más, además de rosas, un reloj de arena y una vela encendida; sobre un estante al fondo hay varios documentos con sellos y libros.[76]​

Cabe mencionar también a Adriaen Coorte, pintor del que se desconocen sus datos biográficos, tan solo que estuvo activo en Middelburg de 1683 a 1707, centrado en el género de la naturaleza muerta. Fue autor de Vanitas en un nicho (1688, Zeeuws Museum, Middelburg) y Vanitas con calavera y reloj de arena (1686, colección privada).[77]​

En un estilo pomposo cercano ya al rococó dieciochesco se encuentra la obra de Matthias Withoos, autor de varias vanitas inmersas en paisajes donde situaba esqueletos y cráneos tanto humanos como animales junto a otros objetos, así como en ocasiones pirámides conmemorativas: Vanitas (Museo Pushkin, Moscú), Símbolos de vanitas en un paisaje (1658, Museum Flehite, Amersfoort), Vanitas en un paisaje (c. 1660, Galería Nacional de Dinamarca, Copenhague), Mors omnia vincit (1660-1670, Musée Jeanne-d'Aboville, La Fère).[2]​

A caballo entre los siglos xvii y xviii, Herman Henstenburgh es conocido por sus bodegones de frutas y flores, con especialidad en insectos y pájaros. Fue autor también de varias obras del género: Vanitas con calavera sobre una lámina de mármol (1698, Westfries Museum, Hoorn), Vanitas (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York).[78]​

En el arte del grabado hay que mencionar a Hendrik Hondius II, miembro de una familia de grabadores, que realizó grabados inspirados en obras de Bruegel, especialmente retratos y paisajes.[79]​ Fue autor de Finis coronat opus («el fin corona la obra»), un grabado en cobre de 1626, en que aparece una mesa con libros sobre los que se encuentra una calavera coronada de laurel, así como diversos objetos más, como un candelabro, un reloj de arena, un jarrón con flores, una paleta con pinceles e instrumentos científicos.[80]​

Flandes

 
Vanitas con cráneo, reloj de arena, vela, libro, carta y un crucifijo en un zócalo de piedra, de Alexander Coosemans, Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas

En Flandes, como se ha visto, artistas neerlandesde como Jan Davidsz. de Heem llevaron la vanitas a esa región, por lo que inicialmente tuvo una acusada influencia neerlandesa, aunque con el tiempo adoptó también los rasgos de la escuela flamenca, marcada en esos años por la figura de Rubens. Discípulos de Heem fueron Alexander Coosemans, Carstian Luyckx y Joris van Son. El primero fue autor de alegorías religiosas y de todo tipo de bodegones, desde flores y caza hasta vanitas, como en Vanitas con bouquet (Museo de Bellas Artes de Gante) o Vanitas con cráneo, reloj de arena, vela, libro, carta y un crucifijo en un zócalo de piedra (Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas).[81]​

Carstian Luyckx, activo en Amberes en los años 1640-1670, fue un prolífico autor de vanitas. Entre sus obras destacan: Memento mori con instrumentos musicales, libros, partituras, esqueleto, cráneo y armadura (c. 1670), Alegoría de Carlos I de Inglaterra y Enriqueta de Francia en Vanitas (c. 1670, Museo de Arte de Birmingham), Vanitas con globo celeste (c. 1660-1670, Castillo Real de Varsovia), Vanitas con calavera, libro de música, violín y conchas (Musée des Beaux-Arts, Marsella).[82]​

 
Alegoría de la vida humana (c. 1658-1660), de Joris van Son, Walters Art Museum, Baltimore

Joris van Son mostró la influencia de Daniel Seghers, además de la de Heem. Se especializó en guirnaldas de flores, pero también hizo alguna vanitas, como Vanitas con una calavera, una pistola, un laúd con cuerdas rotas, una flauta, conchas, duraznos, higos, pan y una urna en una repisa parcialmente cubierta (1651, colección privada). En Alegoría de la vida humana (c. 1658-1660, Walters Art Museum, Baltimore) mostró una calavera, un reloj de arena y una vela encendida rodeados de una guirnalda de flores y frutas, además de una mazorca de maíz, mariposas y un escarabajo.[83]​ Fue autor también de Tres Putti con símbolos de vanitas dentro de un cartucho decorado (1643-1667, colección privada), en que aparecen tres amorcillos, uno con una calavera y otro haciendo pompas de jabón, en un medallón rodeado de una guirnalda de flores y frutas.[84]​

Un buen exponente del género fue Pieter Boel, autor de Vanitas (1663, Palais des Beaux-Arts de Lille), donde el artista consignó en el lienzo un gran número de objetos alusivos a la vanidad, apilados desordenadamente, como en un trastero, y situados en el interior de una iglesia en ruinas. Así, y en consonancia con la típica opulencia barroca, estos objetos —relacionados tanto con el poder terrenal como con el espiritual, y entre los que destacan una corona, una mitra, un báculo y un globo terráqueo— son un ejemplo de ostentación, de riqueza estéril y vacía. Como única referencia al memento mori se encuentra una calavera situada en la parte superior de la pirámide visual que forman los objetos, así como un sarcófago situado en segundo plano, que contiene la inscripción VANITATI S(ACRIFICIUM) («sacrificio de la vanidad»).[85]​

 
Naturaleza muerta con bouquet y calavera (1642), de Adriaen van Utrecht, colección privada

Otro gran intérprete del género fue Adriaen van Utrecht, especialista en bodegones y cuadros de caza. Viajó por Francia, Italia y Alemania absorbiendo diversas influencias, que reflejó en sus cuadros. Junto a Frans Snyders se le considera el inventor del Pronkstilleven («bodegón suntuoso»). Fue autor, entre otras, de Naturaleza muerta con bouquet y calavera (1642, colección privada) y Vanitas o alegoría de la fugacidad de la felicidad (1640-1645, Pinacoteca Antigua de Múnich).[86]​

Con el anterior colaboró en ocasiones Nicolaes van Verendael, especialista en bodegones de flores, autor también de las flores de una vanitas de Jan Davidsz de Heem. Entre sus obras cabe citar Vanitas (c. 1680, Musée des Beaux-Arts de Caen) y Vanitas con un ramo de flores, una vela, implementos para fumar y una calavera (Galería de la Academia de Venecia).[87]​

 
Vanitas (1664), de Cornelis Norbertus Gysbrechts, Ferens Art Gallery, Kingston upon Hull

Cornelis Norbertus Gysbrechts realizó bodegones de falsa perspectiva en los que aglutinaba objetos de la más diversa procedencia.[88]​ Cabe destacar su Vanitas (1664, Ferens Art Gallery, Kingston upon Hull), un interesante ejercicio de trampantojo en el que dispuso una vanitas tradicional en un lienzo situado en la pared, con la esquina superior derecha doblada y con una paleta y pinceles en la parte inferior, cuyos pigmentos gotean al estar colocada la paleta en posición vertical; en la esquina superior derecha hay un medallón con un autorretrato suyo.[89]​ Una composición similar se encuentra en otra Vanitas (1668) conservada en la Galería Nacional de Dinamarca.[90]​ Siguió sus pasos su hijo Franciscus Gysbrechts, autor de Vanidad con cráneo (Museo de Bellas Artes de Rennes), Vanitas con una calavera, un globo terráqueo, una trompeta e instrumentos para fumar (c. 1660-1675, Museo Real de Bellas Artes de Amberes), Naturaleza muerta con calavera (c. 1675, Muzeum Narodowe, Gdańsk).[88]​

Jean-François de Le Motte fue junto a Gysbrechts uno de los mejores pintores de perspectivas ilusionistas, generalmente en composiciones centradas en tabiques en los que colocaba objetos como libros, cartas, yesos, grabados, pinceles y paletas, como en Vanidad y trompe-l'œil (Museo de Bellas Artes de Dijon).[91]​

 
Naturaleza muerta con cráneo humano, globo, libros, corona, inglete, burbujas, concha de mejillón con pipa de burbuja, corona de acebo en el cráneo, reloj en la mesa, candelabro (con reflejo del retrato del artista) (c. 1650), de Hendrick Andriessen, Mount Holyoke College Art Museum, South Hadley (Massachusetts)

Hendrick Andriessen se especializó en vanitas, de las que se conocen unas diez en varios museos. Entre ellas cabe citar: Vanitas con una calavera, un 'Roemer' roto, una rosa, un reloj de arena, una concha de nautilus, un reloj de bolsillo y otros objetos, todo sobre una mesa cubierta (c. 1630-1640, colección privada), Naturaleza muerta con cráneo humano, globo, libros, corona, inglete, burbujas, concha de mejillón con pipa de burbuja, corona de acebo en el cráneo, reloj en la mesa, candelabro (con reflejo del retrato del artista) (c. 1650, Mount Holyoke College Art Museum, South Hadley, Massachusetts), Vanitas con una calavera y un niño moro sosteniendo un retrato del pintor (c. 1650, Herbert F. Johnson Museum of Art, Ithaca, Nueva York), Vanitas (c. 1650, Museo de Bellas Artes de Gante), Naturaleza muerta con máscara, calavera, globo y pompas de jabón (c. 1650-1655, Ashmolean Museum, Oxford) y Vanitas (Galería de Arte de Ontario, Toronto).[92]​

Roelant Savery se formó en Ámsterdam y pasó unos años en Praga al servicio del emperador Rodolfo II. Realizó paisajes, escenas de género, cuadros de animales y bodegones, especialmente de flores, con un estilo preciso de evocación poética.[93]​ Fue autor de Memento mori (c. 1600-1609, Museo Nacional de Estocolmo), donde diversos animales e insectos vivos se entremezclan con cráneos y huesos de animales muertos, como recordatorio del destino final de todo ser vivo.[94]​

Joannes de Cordua, activo en Viena y Praga, fue autor de pintura religiosa, escenas de género, retratos y bodegones. Cabe destacar su Vanitas con busto (1665, Museo de Bellas Artes de Pau), donde expuso sobre una mesa una calavera coronada de espigas, un busto, una pipa, una caracola, un dibujo y varios objetos más.[95]​

Catarina Ykens I, de una familia de pintores, es conocida por sus guirnaldas florales. Fue autora de Bodegón de un jarrón de flores, una calavera y un crucifijo (c. 1650, colección privada).[96]​ Su homónima, Catarina Ykens II, se especializó en naturalezas muertas y guirnaldas de flores y frutos. Fue autora de Vanitas con busto de una dama con una corona de flores en una repisa (1688, colección privada), en la que aparece un busto de mujer cuya cabeza es una calavera, tocada con un ramo de flores y un pájaro en su hombro.[97]​

En cuanto al grabado, cabe citar a Cornelis Galle el Viejo, autor de Bodegón con calavera, reloj de bolsillo y rosas (segundo cuarto del siglo XVII, Biblioteca de la Academia Polaca de Artes y Ciencias y de la Academia Polaca de Ciencias), donde aparece una calavera con un reloj de bolsillo, un jarrón con rosas y la inscripción MEMORARE NOVISSIMA, / ET IN AETERNVM NON PECCABIS («recuerda las últimas cosas, y nunca pecarás»).[98]​

Francia

 
Vanitas (1641), de Sebastian Stoskopff, Musée de l'Œuvre Notre-Dame, Estrasburgo

En Francia, el género fue introducido por la comunidad de pintores flamencos de Saint-Germain-des-Prés, entre los que destacan N.L. Peschier y Sébastien Bonnecroy, así como Sebastian Stoskopff, alsaciano de origen, pero miembro de este grupo. El primero realizó vanitas influidas por Vincent van der Vinne y Edwaert Collier, como Vanitas con violín, libro, calavera y pluma (1660, Rijksmuseum, Ámsterdam), Vanitas (1660, Museo de Bellas Artes de Montreal) y Calavera, bolsas de dinero y documentos (1661, Institut Néerlandais, París).[99]​ De Bonnecroy se tienen escasos datos. Fue autor de Vanitas (1641, Museo de Bellas Artes de Estrasburgo) y Vanitas: una calavera, un violín, una taza volcada, libros, cartas del tarot, un reloj de bolsillo, una pipa de arcilla, un cono y una bolsa de tabaco en un plato de peltre, en una mesa de madera cubierta con una alfombra (colección privada).[100]​ Stoskopff se formó con Daniel Soreau, un artista valón especializado en bodegones, que había sido discípulo de Georg Flegel. En 1621, a causa de la Guerra de los Treinta Años, se trasladó a París. Aunó influencias francesas, alemanas y flamencas, y se especializó en bodegones.[101]​ Fue autor de Vanitas (1641, Musée de l'Œuvre Notre-Dame, Estrasburgo), donde presenta una composición centrada en la calavera y rodeada de diversos elementos propios de las vanidades: un laúd, libros, un grabado, copas de orfebrería, una armadura y una espada, un globo terráqueo y un reloj de arena.[102]​

 
Vanitas: una calavera, un violín, una taza volcada, libros, cartas del tarot, un reloj de bolsillo, una pipa de arcilla, un cono y una bolsa de tabaco en un plato de peltre, en una mesa de madera cubierta con una alfombra, de Sébastien Bonnecroy, colección privada

En este país fue frecuente una variedad de vanitas centrada en los cinco sentidos: por lo general, se representaba la vista con espejos, el oído con instrumentos musicales, el tacto con dinero o juegos de mesa, el olfato con flores y el gusto con comida. Entre estos casos se encuentran El verano o los cinco sentidos de Sebastian Stoskopff (1633, Musée de l'Œuvre Notre-Dame, Estrasburgo), el Damero de Lubin Baugin (Museo del Louvre, París) o los Cinco sentidos de Jacques Linard (Museo del Louvre, París).[103]​

Otro artista de origen flamenco fue Philippe de Champaigne, nombrado a los veinticinco años pintor de cámara del rey Luis XIII. Desarrolló un estilo bastante ecléctico, en el que mezcló su formación flamenca con el clasicismo francés, además de cierto manierismo y un influjo del caravaggismo italiano. Realizó principalmente cuadros religiosos y retratos, así como paisajes.[104]​ Fue autor de una de las obras más paradigmáticas del género, Naturaleza muerta con calavera o Alegoría de la vida humana (1671, Museo de Tessé, Le Mans), sobrecogedora pese a su extrema sobriedad: sobre una placa de piedra caliza se ve una calavera de frente, flanqueada de un reloj de arena y un jarrón con un tulipán, con un fondo oscuro de estilo tenebrista.[105]​

 
Naturaleza muerta con calavera (1671), de Philippe de Champaigne, Museo de Tessé, Le Mans

Algunos de los mejores artistas franceses de la centuria también trataron el género, como Georges de La Tour, el mejor representante en su país del naturalismo de tradición caravaggista. En su obra se distinguen dos fases, una centrada en la representación de tipos populares y escenas jocosas, y otra donde predomina la temática religiosa, con un radical tenebrismo donde las figuras se vislumbran con tenues luces de velas o lámparas de bujía.[106]​ Entre estas últimas se encuentra Magdalena penitente (c. 1625-1650, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), en que se representa la santa por algunos de sus atributos iconográficos habituales, como el pelo largo y el vestido rojo, mientras que sostiene en su regazo un cráneo y dirige su mirada hacia un espejo, en el que se refleja una vela situada delante. El espejo es un habitual símbolo de la vanidad, como las joyas situadas junto a la vela, cuya llama simboliza de nuevo el paso del tiempo y el fin de la vida.[107]​

Otro gran exponente fue Nicolas Poussin, representante en este caso de la línea clasicista, el estilo adoptado como «arte oficial» por la monarquía y la aristocracia, que le dieron unas señas de identidad propias con la acuñación del término «clasicismo francés». Recibió la influencia de la pintura rafaelesca y de la escuela boloñesa, y creó un tipo de representación de escenas —de temática generalmente mitológica— donde evoca el esplendoroso pasado de la antigüedad grecorromana como un paraíso idealizado de perfección, una edad dorada de la humanidad.[108]​ Entre ellas se encuentra una cuya temática se acerca al género de la vanitas: La danza de la vida humana (c. 1638-1640, Colección Wallace, Londres), una escena alegórica donde cuatro figuras danzantes representan el Placer, el Trabajo, la Riqueza y la Pobreza, en una rueda de la fortuna por la cual cualquier persona puede fluctuar a lo largo de la vida; a su lado, la figura alada es el Padre Tiempo tocando una lira. Otros elementos son alusivos igualmente a la fugacidad de la vida: un amorcillo con un reloj de arena, un niño haciendo burbujas de jabón y unas guirnaldas de flores.[109]​

Simon Vouet vivió durante su juventud en Italia, para instalarse posteriormente en París, donde fue el artista preferido de Luis XIII. Su obra inicial denotó la influencia tanto del caravaggismo como del clasicismo boloñés, aunque posteriormente evolucionó a un estilo más colorista y decorativo.[110]​ Fue autor de La pareja mal emparejada (1621, Museo Nacional de Varsovia), en la que aparece un hombre mayor que intenta seducir a un chica joven, la cual señala con el dedo una calavera situada sobre una mesa.[111]​

Discípulo suyo fue Pierre Mignard, quien tras su formación inicial pasó una estancia de veinte años en Italia, donde recibió la influencia de la Escuela de Bolonia. Fue autor principalmente de obras religiosas y retratos, en los que aunaba realismo y cierto sentimentalismo.[112]​ Fue autor de Niña haciendo pompas de jabón (1674, Palacio de Versalles), retrato de Luisa María Ana de Borbón —llamada Mademoiselle de Tours—, hija de Luis XIV y de Madame de Montespan. Ejemplo de homo bulla, en su mano izquierda sostiene una concha con el agua jabonosa, mientras que con la derecha sostiene una pajita de la que pende una burbuja a punto de explotar. Sobre la mesita hay un reloj de bolsillo, símbolo del paso del tiempo. A los pies de la niña, un loro simboliza la pureza y la inocencia de la niñez.[113]​

 
Alegoría de la vanidad de las cosas terrenales (c. 1630), de Trophime Bigot, Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma

Trophime Bigot fue representante del naturalismo caravaggista, apodado Maître à la chandelle («maestro de la vela») por sus escenas de luz artificial, en las que mostró una gran pericia en la técnica del claroscuro.[114]​ Fue autor de Alegoría de la vanidad de las cosas terrenales (c. 1630, Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma), donde aparece una joven con turbante que señala una calavera con la mano derecha, mientras que con la otra sujeta un espejo en que se refleja una lámpara de aceite que tiene al lado, situada sobre un reloj de arena. Existen dudas sobre la atribución de esta obra a Bigot o a un maestro anónimo.[115]​

Jacques Linard fue autor de cuadros alegóricos —como los Cinco sentidos o los Cuatro elementos— y naturalezas muertas, pobladas de detalles anecdóticos de evocación poética, lo que lo aleja del naturalismo del bodegón flamenco y neerlandés.[116]​ Fue autor de la Vanitas del Museo del Prado (1640-1645), en que colocó un cráneo sobre un libro y un jarrón con un clavel al lado, una composición sencilla, pero evocadora.[117]​

Simon Renard de Saint-André fue pintor y grabador, un insigne retratista muy apreciado en su tiempo. Fue autor de varias vanidades, como las del Museo Garinet de Châlons-en-Champagne, el Museo de Bellas Artes de Marsella y el Museo de Bellas Artes de Estrasburgo. Destaca Vanitas (c. 1650, Museo de Bellas Artes de Lyon), donde una calavera coronada de laurel evoca la fama póstuma de un poeta, quizá Balthazar Cozon, cuyos versos manuscritos aparecen bajo el cráneo. Otros elementos de la imagen son medallas, partituras, flautas, una concha vacía, un vaso roto, una botella de vino y pompas de jabón.[118]​

Cabe mencionar también a la pintora Madeleine Boullogne, perteneciente a una familia de pintores caracterizados por aunar el clasicismo francés con el caravaggismo italiano. Se especializó en naturalezas muertas, especialmente obras en las que se amontonaban trofeos, armaduras e instrumentos musicales, de las que se conservan cuatro en el palacio de Versalles. En su Vanitas del Museo de Bellas Artes de Mulhouse dispuso encima de una mesa con un tapete rojo varios libros, dos calaveras, un espejo, un candelabro y un reloj de arena.[119]​

Alemania

 
Vanitas (1637), de Jacob Marrel, Kunsthalle, Karlsruhe

En Alemania, este género estuvo bastante vinculado al tema del «sentimiento de la muerte», intrínseco a la cultura de ese país.[120]​ Georg Flegel fue el introductor del bodegón como género autónomo en Alemania, siguiendo los pasos iniciados en los Países Bajos. Su especialidad fue la del «almuerzo», mesas servidas con alimentos de todo tipo, en ocasiones con flores u otras plantas e, incluso, insectos, con un estilo austero y minucioso. En los últimos años de su carrera (1635-1638) este tipo de representaciones evolucionaron hacia un tono más marronáceo e iluminado por la luz de una vela que se consume, evocando como en las vanitas el carácter efímero de las cosas terrenales.[121]​

Cabe destacar a Johann Georg Hainz, un pintor casi desconocido en lo que respecta a su biografía. Se le conoce activo en Leipzig y, posteriormente, Hamburgo, donde realizó especialmente bodegones de influencia neerlandesa, con un gusto preferente por los objetos preciosos, tratados con una extrema precisión, destinados a coleccionistas, como en Alacena de orfebrería y calavera (1666, Kunsthalle de Hamburgo).[122]​

 
Niño dormido con calavera, de Leonhard Kern, Museo Louvre-Lens

Johann Heinrich Schönfeld, de formación manierista, pasó una estancia de unos diez años en Italia, primero en Roma, donde recibió la influencia de Adam Elsheimer, y después en Nápoles, donde evidenció el influjo de Aniello Falcone y Salvator Rosa. Desarrolló un estilo poético e intimista, de sutil colorido y pequeño formato. En su obra diversificó paisajes idílicos y escenas religiosas y mitológicas de aire bucólico con el género de las vanidades, en obras donde objetos como velas que se apagan, pompas de jabón, animales muertos, sepulcros y sarcófagos, paisajes desolados o arquitecturas en ruinas expresan la precariedad de las cosas y lo efímero de la vida.[123]​ Entre sus obras destaca El Tiempo (Cronos) (c. 1645, Deutsche Barockgalerie im Schaezlerpalais, Augsburgo), en la que un Cronos alado en actitud melancólica se apoya en un zócalo con la inscripción Il Tempo, sobre el que se encuentran una vela y un reloj de arena; al lado, un amorcillo hace pompas de jabón.[124]​

Un artista a caballo entre Alemania y Países Bajos fue Jacob Marrel. Fue discípulo de Georg Flegel en Fráncfort de 1627 a 1632, año en que se trasladó a Utrecht, donde fue discípulo de Jan Davidsz. de Heem. Residió en esa ciudad hasta 1650, y de nuevo entre 1659 y 1669. Se especializó en bodegones de guirnaldas y jarrones de flores. Entre sus obras se encuentra una Vanitas (1637, Kunsthalle de Karlsruhe), donde sitúa un jarrón de flores, una calavera, un violín, un libro, un tintero, una pipa y diversos objetos más, así como un ratón y varios insectos, enmarcados en un nicho con figuras de angelotes en los flancos superiores, uno de ellos haciendo pompas de jabón.[125]​

Discípulo suyo fue Abraham Mignon, que se trasladó con su maestro a Utrecht y trabajó igualmente en el taller de Heem, cuyo estilo imitó inicialmente, aunque posteriormente evolucionó hacia un tipo de obras más finas y precisas, de gran virtuosismo. Elaboró principalmente cuadros de flores, acompañadas generalmente de gatos, pájaros o insectos.[112]​ Entre sus obras se encuentra Bodegón de flores con naranja, reloj de arena y calavera (c. 1670, colección privada), un exuberante jarrón de flores con insectos volando situado sobre una mesa en cuyo lado derecho se aprecia una calavera y un reloj de arena.[126]​

Otro discípulo de Marrel fue Johann Andreas Graff, pintor y grabador, autor con su esposa Maria Sibylla Merian de ilustraciones botánicas, así como vistas de ciudades y edificios. Fue autor de una Vanitas (c. 1680-1690, colección privada) en que aparece una calavera con un pergamino con la inscripción memento mori, junto a una estatuilla, una vasija, unas medallas y una paleta y pinceles de pintor.[127]​

Cabe mencionar en el campo de la escultura a Leonhard Kern, autor de Niño dormido con calavera (segunda mitad del siglo XVII, Museo Louvre-Lens), una obra de marfil que representa a un niño dormido, desnudo y tocado con una corona de laurel, que se apoya sobre una calavera situada encima de un reloj de arena, dos símbolos arquetípicos de la vanitas. Sujeta con una mano una antorcha invertida, otro símbolo de la vida que se apaga.[11]​

En el terreno del grabado hay que mencionar al suizo Matthäus Merian, activo en Basilea y posteriormente en Fráncfort, especializado en planos y vistas de ciudades.[128]​ Fue autor de varias «danzas de la muerte» y alguna vanitas, como Memento mori (Finis coronat opus) (1649), inspirada en el grabado de Hondius de 1626: sobre un libro flanqueado por un candelabro y un jarrón de flores se sitúa un cráneo coronado de laurel con un reloj de arena encima que tiene dos alas, una de ángel y otra de demonio, como símbolo de los dos posibles destinos tras la muerte.[129]​

Italia

La pintura barroca italiana estuvo marcada por dos tendencias contrapuestas: el naturalismo, caracterizado por una representación realista de la naturaleza y la sociedad, que tuvo su máximo exponente en Caravaggio; y el clasicismo, que buscaba una representación idealizada de la naturaleza, surgido en torno a la denominada escuela boloñesa.[130]​

Caravaggio fue un artista original y de vida azarosa que, pese a su prematura muerte, dejó numerosas obras maestras en las que se sintetizan la descripción minuciosa de la realidad y el tratamiento casi vulgar de los personajes con una visión no exenta de reflexión intelectual. Fue introductor del tenebrismo, donde los personajes destacan sobre un fondo oscuro, con una iluminación artificial y dirigida, de efecto teatral, que hace resaltar los objetos y los gestos y actitudes de los personajes.[131]​ Su Cesto con frutas (c. 1596, Pinacoteca Ambrosiana, Milán), sin ser propiamente una vanitas en sentido estricto, se acerca al género por cuanto la representación de la fruta podrida hace evocar la caducidad de las cosas.[132]​ Fue autor también de un San Jerónimo escribiente (1605, Galería Borghese, Roma), en el que muestra una calavera encima de un libro, como era habitual en la iconografía de este santo.[133]​

 
Et in Arcadia ego (1618-1622), de Guercino, Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma

Uno de sus discípulos fue Cecco del Caravaggio, un artista posiblemente de origen francés o flamenco del que no se tienen prácticamente datos biográficos, ni siquiera su nombre exacto. Activo en el primer tercio del siglo XVII, realizó obras de una iluminación violenta y expresiva, con personajes de expresión inquieta. Fue autor de Magdalena penitente (c. 1610-1620, Städtische Kunstsammlungen, Augsburgo), en el que la santa contempla un crucifijo mientras apoya su brazo derecho sobre una calavera situada encima de un libro.[134]​

En el seno del clasicismo, de corte idealista y por tanto alejado del dramatismo de este tipo de escenas, se encuentran pocos ejemplos, pero cabe resaltar, sin embargo, una obra de Guercino, Et in Arcadia ego (1618-1622, Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma), una escena pastoril, pero con mensaje relativo al memento mori: frente a un paisaje boscoso, dos pastores contemplan una calavera, situada sobre un pedestal con la inscripción Et in Arcadia ego («yo también estoy en Arcadia»), en alusión a la Muerte, que también se halla en el paraíso. El cráneo está en fase de descomposición, roído por un ratón y varios insectos.[135]​

 
Humana fragilitas (1657), de Salvator Rosa, Fitzwilliam Museum, Cambridge

Un artista original fue Salvator Rosa, un pintor excéntrico, de fuerte temperamento, un romántico avant-la lettre, autor de cuadros en los que mostró un sentimentalismo melancólico y una gran fantasía creadora. Estuvo influido por el caravaggismo y el populismo de los bamboccianti, aunque hacia la mitad de su carrera se decantó hacia el clasicismo, para evolucionar más tarde a un estilo anticlásico que se podría considerar prerromántico.[136]​ Fue autor de Humana fragilitas (1657, Fitzwilliam Museum, Cambridge), una alegoría donde aparece una mujer que sostiene un niño en su regazo, el cual escribe sobre un pergamino que le tiende la Muerte —en forma de esqueleto alado— una frase de Adán de San Víctor: Conceptio culpa, Nasci pena, Labor vita, Necesse mori («la concepción es un pecado, el nacimiento es dolor, la vida es un trabajo, la muerte es una necesidad»). En la esquina inferior izquierda aparecen otros dos niños, uno que enciende una antorcha, símbolo de lo efímero, y otro que hace pompas de jabón, símbolo de la fragilidad humana. En la esquina inferior derecha figura una lechuza, considerada generalmente un ave de mal augurio y muerte.[137]​ Detrás de la mujer hay un busto de Término, el dios de los límites e hitos fronterizos.[138]​

 
La Melancolía (c. 1620), de Domenico Fetti, Museo del Louvre, París

Giuseppe Recco, miembro de una familia napolitana de bodegonistas, se formó con el lombardo Evaristo Baschenis, por lo que aglutinó el estilo de ambas escuelas, al que añadió cierta influencia de Caravaggio y de la pintura española. Se especializó en bodegones de peces, situados en escaparates o, en ocasiones, en paisajes o cuevas marinas, con un colorido de gran lirismo. Fue autor de Vanitas con una calavera descansando sobre un libro con otros objetos de peltre sobre una mesa cubierta de alfombras (colección privada).[139]​

Domenico Fetti fue un pintor de corta carrera —murió a los treinta y cuatro años—, que recibió la influencia de Caravaggio y de la pintura veneciana, con un estilo de rico cromatismo y pincelada ligera, de tono poético y algo romántico, con gusto por lo anecdótico.[140]​ Fue autor de La Melancolía (c. 1620, Museo del Louvre, París), donde una mujer contempla una calavera en actitud melancólica; a sus pies se encuentran diversos objetos alusivos a las artes (cepillo, paleta, pincel, modelo de torso) y las ciencias (astrolabio, libro, manual de geometría), como metáfora de que estos conocimientos no son sino más que problemas irresolubles que generan melancolía.[141]​

 
Alegoría de la vida humana (c. 1650), de Guido Cagnacci, Fondazione Cavallini Sgarbi, Ro

Pietro Negri fue un artista a caballo entre el tardomanierismo y el naturalismo tenebrista. Fue autor de Vanitas (1662, Museo del Prado, Madrid), llamada anteriormente Magdalena penitente, pero más tarde reinterpretada como una alegoría de la vanidad, ya que su vestido lujoso —pese a tener el torso desnudo—, sus joyas, la cinta que le cruza el pecho y su cabello arreglado no cuadraban bien con la iconografía habitual de la Magdalena. Se acompaña además de los elementos habituales que expresan la fugacidad de la vida: la calavera, la vela que se apaga y el reloj de arena.[142]​

De tendencia naturalista, Guido Cagnacci fue autor preferentemente de cuadros religiosos, aunque al final de su carrera trató también temas profanos y algunos desnudos. Entre sus obras se encuentra una Alegoría de la Vanitas y de la Penitencia (Museo de Picardía, Amiens) y una Alegoría de la vida humana (c. 1650, Fondazione Cavallini Sgarbi, Ro).[143]​

 
Alegoría de la vanidad (Pandora) (1626), de Nicolas Régnier, Galería Estatal de Stuttgart

Giovanna Garzoni se especializó en miniaturas y pinturas de pequeñas dimensiones, a menudo sobre pergamino, destinadas por lo general a clientes aristocráticos. Con un estilo aparentemente frágil, sus obras destacan, sin embargo, por su virtuosismo, con un grafismo nítido y un colorido de cierta transparencia y aire sugestivo. Por lo general, sus imágenes se centraban en uno o pocos objetos, mostrados en primer término y con fondos planos, generalmente de color claro.[144]​ Realizó varias obras del género: Calavera, libros y una medalla con el retrato de Francesco dei Medici, Calavera y reloj, Bodegón con frutas, calavera y botella y Bodegón con frutas, calavera y un tulipán.[145]​

De origen flamenco, Nicolas Régnier se estableció en Italia en 1615, primero en Roma y luego en Venecia, donde desarrolló su carrera, en un estilo inicialmente caravaggista, influido por la obra de Bartolomeo Manfredi, y más adelante marcado por la escuela veneciana, con obras decorativas y suntuosas, generalmente escenas históricas, mitológicas o alegorías.[146]​ Fue autor de Alegoría de la vanidad (Pandora) (1626, Galería Estatal de Stuttgart), en que aparece una joven elegantemente vestida junto a una mesita con una vasija, una máscara de teatro y diversas joyas, mientras con el pie pisa una calavera.[147]​

Giovanni Martinelli fue un pintor florentino cercano al naturalismo, pero con un espíritu poético y melancólico, de sencillez narrativa y estilo luminoso, algo arcaizante.[148]​ En La muerte llega a la mesa del banquete (Memento Mori) (1635, Museo de Arte de Nueva Orleans) representó la llegada de la Muerte en forma de esqueleto con un reloj de arena en la mano a un banquete, cuyos comensales la miran horrorizados.[149]​

Apodado il Genovesino, Luigi Miradori denota una formación entre Lombardía y Génova, con influencia de Adam Elsheimer y de la pintura española. Autor en su mayoría de obras religiosas, cabe destacar en el género estudiado su Cupido dormido (c. 1650, Museo civico Ala Ponzone, Cremona), en que aparece Cupido, el dios del deseo amoroso, dormido con la cabeza apoyada en una calavera, con un jarrón de flores a su lado.[150]​

Otro destacado bodegonista fue Pier Francesco Cittadini, formado con Guido Reni, representante de un tipo de bodegones opulentos de influencia flamenco-neerlandesa, poblados de objetos preciosos, vajillas y alfombras orientales. Fue autor de Vanitas con violín, libro de música, florero y calavera (1681, colección privada).[151]​

Cabe destacar por último, en el arte de la escultura, una obra de Gianlorenzo Bernini, arquitecto y escultor, uno de los principales artífices de la Roma papal de su tiempo, autor del baldaquino de San Pedro y de la columnata de la plaza de San Pedro. Entre sus obras se encuentra la tumba de Alejandro VII (1671, basílica de San Pedro del Vaticano), un conjunto escultórico en mármol y bronce presidido por una estatua del pontífice arrodillado en actitud de oración, bajo cuya figura aparece el esqueleto de la Muerte con un reloj de arena, flanqueado a la izquierda por la Caridad y la Prudencia y a la derecha por la Verdad y la Justicia. El sentido alegórico de estas figuras significa el triunfo del Tiempo sobre la Vida y de la Verdad sobre el Tiempo.[152]​

España

 
 
In ictu oculi (izquierda) y Finis Gloriae Mundi (derecha), de Juan de Valdés Leal, Iglesia y Hospital de la Caridad (Sevilla) (1670-1672)

En España, la vanitas llegó bajo la influencia neerlandesa y flamenca, aunque pronto adquirió características propias, ya que si bien en estos países el género tenía un carácter de una moralidad más laica, que evocaba la inmortalidad de una manera más positiva, incluso con cierto factor estético en la imagen, en la España contrarreformista el género adquirió un sentido fuertemente religioso, encaminado a la reflexión y la penitencia, con un componente más pesimista, aunque abierto igualmente al sentido de redención. Por otro lado, en este país la vanitas tuvo un fuerte sustrato procedente de la literatura, que durante esta época se prodigó en la reflexión sobre la muerte, en obras como: El arte de bien morir (h. 1500), de Rodrigo Fernández de Santaella; los Ejercicios espirituales (1522), de san Ignacio de Loyola; el Tratado de la vanidad del mundo (1552), de fray Diego de Estella; el Libro de la oración y meditación (1554), de fray Luis de Granada; o las Meditaciones espirituales (1605), de Luis de la Puente.[4]​

En la España del siglo XVII la vanitas era denominada «desengaño», un término que reflejaba el pesimismo y la decepción que imperaban en la sociedad de entonces, marcado por la filosofía estoica de signo senequista que predominaba entre los intelectuales de la época. El vocablo tuvo su origen en la literatura, ejemplificado por una frase de Sebastián de Covarrubias: «desengaño es la mesma verdad que nos desengaña». En una época de desilusión, la certeza más evidente es la muerte.[153]​

 
Alegoría de la vanidad (1660), de Juan de Valdés Leal, Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut

El género de la vanitas dio en España dos nombres excepcionales: Juan de Valdés Leal y Antonio de Pereda. Valdés se formó en Córdoba, donde recibió la influencia de Antonio del Castillo y de Francisco de Herrera el Viejo. Instalado después en Sevilla, trabajó para varias instituciones religiosas, en un estilo expresionista de corte dramático en que le interesaba más el dinamismo y la tensión que la armonía o el equilibrio, el realismo concreto más que la belleza ideal.[154]​

Realizó dos de las más emblemáticas representaciones de vanitas que existen para la iglesia del Hospital de la Caridad de Sevilla: In ictu oculi y Finis Gloriae Mundi (1670-1672). En relación con su destino, los llamados Jeroglíficos de las postrimerías simbolizan el poder de la caridad como instrumento de salvación frente a la perdición eterna. In ictu oculi («en un abrir y cerrar de ojos») presenta a la Muerte en forma de esqueleto portando un ataúd y una guadaña en el brazo izquierdo, mientras que con la mano derecha apaga la llama de una vela que simboliza la vida humana; a sus pies, un globo terráqueo, una tiara papal, una corona imperial, una armadura de caballero, diversos libros y varios objetos más representan la futilidad de las vanidades humanas frente a la certeza de la muerte. Finis Gloriae Mundi («fin de la gloria terrenal») muestra una cripta con varios cadáveres en diversos estadios de descomposición, entre los que destacan un obispo y un caballero de la Orden de Calatrava, mientras que en la parte superior la mano de Jesucristo sostiene una balanza: a un lado se muestran varios objetos que simbolizan los siete pecados capitales y al otro los símbolos de la fe cristiana (caridad, oración y penitencia).[155]​ Ambas obras se inspiraron en el Discurso de la verdad (1672), de Miguel Mañara, el mecenas del hospital sevillano, donde señalaba las obras de misericordia como único instrumento para la salvación del alma, y cómo las glorias terrenales desaparecen con la muerte.[156]​

Valdés fue autor también de Alegoría de la vanidad (1660, Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut): sobre una mesa repleta de los objetos típicos de la vanitas (libros, flores, monedas, joyas, coronas, cetros, una vela, una calavera y una esfera celeste), un amorcillo hace pompas de jabón, mientras que un ángel levanta una cortina y señala un cuadro del Juicio Final.[157]​

Por su parte, Pereda desarrolló un estilo heredero en cierta forma del tenebrismo de Ribera combinado con el intenso cromatismo de la escuela veneciana. Realizó obras religiosas y naturalezas muertas. En estas últimas mostró preferencia por objetos de cocina, frutos y flores, joyas y tejidos preciosos, con una luz cálida y mate.[158]​

Fue autor de dos obras maestras del género: Vanitas (1636, Museo de Historia del Arte de Viena) y El sueño del caballero (c. 1655, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid). En la primera, también conocida como Alegoría de la caducidad, un ángel muestra distintos objetos alegóricos apoyados en calaveras situadas en varias posturas: son los emblemas de la ciencia, de las armas, del boato, del juego y de la sensualidad, destinados a desaparecer por el tiempo marcado por los relojes, uno mecánico y otro de arena.[159]​ El ángel sostiene un camafeo con la efigie de Carlos I, y señala con el dedo el imperio del monarca español en un globo terráqueo. Una inscripción junto a la clepsidra señala en latín nil omne («todo es nada»).[160]​

El sueño del caballero es una obra atribuida tradicionalmente a Pereda, aunque según el historiador Alfonso Pérez Sánchez sería obra de Francisco Palacios; la institución que la alberga, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la sigue atribuyendo a Pereda.[161]​ Conocida también como Desengaño del Mundo, en esta escena un caballero duerme mientras un ángel a su lado sostiene una filacteria con el mensaje Aeterna pungit, cito volat et occidit («eternamente hiere, vuela veloz y mata»); sobre la mesa aparecen diversos objetos alusivos nuevamente a las vanidades de la vida en contraposición a la calavera de la muerte que se sitúa sobre ellos, además de la vela que se extingue como la vida y el reloj que marca el paso del tiempo,[159]​ así como una máscara de teatro que simboliza la hipocresía.[11]​ El caballero dormido es seguramente una alusión a La vida es sueño de Pedro Calderón de la Barca.[162]​

 
Vanitas (c. 1670), de Antonio de Pereda, Galería Uffizi, Florencia

Otra relevante obra del género realizada por este artista fue la Vanitas de la Galería Uffizi de Florencia (c. 1670), similar a la de Viena, donde un ángel señala con la mano una mesa con cinco calaveras y diversos objetos relacionados habitualmente con la simbología de la vanidad, flanqueado por un cuadro del Juicio Final y un globo terráqueo sobre el que figura un retrato de Carlos I.[163]​

Pereda fue autor también de Vanitas con libros (1665, colección privada, Madrid), donde aparece una calavera sobre un libro, que se refleja en un espejo, junto a un reloj, una lámpara, un joyero, un perfume, cartas, monedas y el retrato de una dama;[164]​ y una Vanitas conservada en el Museo de Zaragoza (c. 1660), en la que aparecen tres calaveras, un reloj de bolsillo y una llave. Sobre la calavera del primer plano incide una fuerte iluminación que imprime un mayor realismo y crudeza a la detallada descripción anatómica de la misma.[165]​

Entre los grandes nombres de la época hubo diversos artistas que trataron ocasionalmente el tema, como José de Ribera, Bartolomé Esteban Murillo y Francisco de Zurbarán. Ribera, de la escuela valenciana, trabajó durante muchos años en Italia, donde era conocido como Lo Spagnoletto. En su obra aunó el tenebrismo caravaggista con el cromatismo veneciano, en un estilo personal de fuerte realismo.[166]​ Fue autor de San Pablo ermitaño (1635-1640, Museo del Prado, Madrid), donde el santo aparece rezando frente a un libro con un cráneo encima, con un trozo de pan en primer término que lo identifica como ermitaño, frente a un fondo oscuro de estilo tenebrista;[167]​ y Magdalena penitente (1635-1640, Museo del Prado, Madrid), en que la santa aparece con la cabeza recostada en las manos apoyadas en una calavera, en actitud melancólica, con un bote de ungüentos en primer término, uno de sus atributos iconográficos habituales.[168]​

 
Retrato de Nicolás de Omazur (1672), de Bartolomé Esteban Murillo, Museo del Prado, Madrid
 
Retrato de Isabel del Malcampo (1674), de Bartolomé Esteban Murillo, copia en Pollok House, Glasgow

En Sevilla destacó la obra de Bartolomé Esteban Murillo, centrado en la representación sobre todo de Inmaculadas y Niños Jesús —aunque también realizó retratos, paisajes y escenas de género—, con un tono delicado y sentimentalista, de gran capacidad técnica y virtuosismo cromático.[169]​ Murillo se acercó a la vanitas en su Retrato de Nicolás de Omazur (1672, Museo del Prado, Madrid), un comerciante de sedas, amigo del artista y coleccionista de sus obras, que aparece sosteniendo una calavera entre las manos. Realizó también el retrato de su esposa, Isabel del Malcampo (1674, se conserva una copia en Pollok House, Glasgow), que aparece con una rosa en las manos, por lo que ambos retratos se relacionan, ya que ambos personajes se presentan con símbolos de lo perecedero de las cosas terrenales.[170]​ La presencia de la calavera se encuentra también en su Magdalena penitente, de la que se conserva una copia en el Museo del Prado.[171]​

Francisco de Zurbarán, extremeño de nacimiento, suele englobarse en la escuela andaluza. Centrado en la pintura religiosa, fue el pintor de la vida monástica, con un estilo realista, sin artificio, con gusto por composiciones sencillas y volúmenes simples, y empleo del tenebrismo.[172]​ En algunas de sus obras de santos y religiosos es habitual la presencia de la calavera, como en Fray Gonzalo de Illescas (1639, Real Monasterio de Santa María de Guadalupe), donde muestra al monje en su estudio frente a una mesa con una calavera, libros y un reloj de arena;[173]​ o Tentaciones de san Jerónimo (1639, monasterio de Guadalupe), donde en el centro de la escena dispuso una mesa con libros como símbolo del conocimiento y una calavera como recordatorio de la muerte.[174]​

 
Vanitas con ángel admonitorio (1639), de Francisco Velázquez Vaca, monasterio de San Quirce, Valladolid

Un buen ejemplo de vanitas del ámbito hispánico es la Vanitas con ángel admonitorio de Francisco Velázquez Vaca (1639, monasterio de San Quirce, Valladolid), no tanto por su calidad técnica pero sí por su riqueza iconográfica. En esta obra, un ángel admonitorio señala con las manos dos velas situadas en dos mesas contrapuestas: una con joyas, monedas, flores, dados, cartas de naipes y un globo terráqueo con una cartela donde pone Causa superbis vanitatis et falacie, además de un reloj de arena y una vela encendida con la inscripción «Breve es la vida del hombre»; y otra con cinco cráneos y diversos huesos, además de libros viejos, armas, plumas, tiaras, una corona de oro y otra de laurel, una vara de mando y una vela apagada con el mensaje «Estinguimur uno momento», mientras que al fondo aparece un ataúd con el cadáver de un religioso amortajado con la inscripción Optimun non nasci, proximo cito mori («mejor no nacer llegando tan rápida la muerte»). También hay varias cartelas con distintos mensajes, como «A todo el género humano esperamos como estamos, que con esto pasará cuanto en el mundo corre y correrá. Dios os guarde» y «Letras y armas, corona y ermosura, que destrozado ves de aquesta suerte, todo lo acaba el soplo de la muerte». Al fondo, en la pared, hay un reloj de pesas con la frase Diminui vitam quelibet hora tuam. Son los objetos asociados a los placeres y la riqueza frente al destino inexorable de la muerte, simbolizados por la vela encendida y la apagada que señala el ángel. Cabe señalar también el distinto tratamiento lumínico, la luminosidad del lado derecho, donde se sitúa el ángel y la mesa de la vida, frente a la oscuridad de la mesa dedicada a la muerte. Del mismo autor, año y destinación es el cuadro Vanitas (Morirás bella Isabela), alusivo a Isabel de Portugal, en el que también contrapone dos mesas, una con un cráneo con corona y otra con una bola de cristal, e igualmente dos velas, una encendida y otra pagada, y dos manos de ángel señalando.[4]​

Ignacio Raeth fue un pintor flamenco afincado en Madrid, miembro de la Orden Jesuita. Discípulo de Daniel Seghers, aportó la visión flamenca del género de la vanitas al arte barroco español. Fue autor de Alegoría de las Artes y las Ciencias (1649, Museo del Prado, Madrid), donde representó las artes simbolizadas por una paleta con pinceles para la pintura, un busto clásico para la escultura, una partitura para la música y un tintero y varios libros para la literatura, así como las ciencias, representadas por un globo terráqueo. Pese a ser en apariencia una alegoría, la presencia de un cráneo coronado de laurel convierte la obra en una vanitas, un recordatorio de que incluso el conocimiento es fútil ante la muerte.[175]​

También de probable origen flamenco fue Ignacio de Ries, activo en Sevilla. Fue autor de El Árbol de la Vida (1653, Catedral de Segovia), en la que aparecen Cristo con un martillo presto a tañir una campana y la Muerte en forma de esqueleto con una guadaña junto a un árbol a medio talar. Junto al esqueleto se encuentra el Diablo, que intena tumbar el árbol hacia su lado con una cuerda. En la copa del árbol se escenifica una fiesta, como alegoría de los pecados capitales. En los costados de la parte superior del árbol aparecen unos versos: en el ángulo superior izquierdo «MIRA QUE TE AS DE MORIR/ MIRA QUE NO SABES QUANDO» y en el derecho «MIRA QUE TE MIRA DIOS/ MIRA QUE TE ESTA MIRANDO». El simbolismo es claro: el árbol es la vida humana, tras cuyo fin se puede decantar hacia el cielo o el infierno. Cristo intenta dar la alarma con la campana a los personajes del banquete superior, que están inmersos en el vicio.[176]​

 
Bodegón de vanitas (c. 1650-1663), de Andrés Deleito, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid

Andrés Deleito fue un pintor activo en Madrid y Segovia, del que se tienen pocos datos. Fue autor de cuadros religiosos y bodegones, que fueron elogiados por Antonio Palomino, con un estilo impreciso, fogoso, más interesado en los efectos de luz que en la precisión táctil de los objetos.[177]​ Realizó, entre otros, un Bodegón de vanitas (c. 1650-1663, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid), en el que se disponen sobre una mesa dos calaveras —una de ellas entre dos libros—, una guitarra, un violín, un reloj mecánico, joyas, monedas, naipes y el retrato de una dama, con una ventana abierta a un paisaje al fondo.[178]​

Una obra interesante fruto de la colaboración de dos pintores es la Guirnalda de flores con motivo de vanitas de Francisco Camilo y Juan de Arellano (c. 1650, Museo de Bellas Artes de Valencia). La obra se compone de dos elementos: un medallón central y una guirnalda de flores que lo envuelve. La guirnalda, realizada por Arellano, incluye flores como lirios, rosas, claveles, margaritas, tulipanes, hortensias, jazmines, narcisos, jacintos, anémonas, dalias, crisantemos, azucenas, espigas y azafranes, así como pájaros, mariposas, libélulas, abejas, orugas y caracoles. Por su parte, el medallón, obra de Camilo, presenta a cuatro angelotes en un escenario natural, uno de ellos haciendo pompas de jabón, junto al que se sitúa una calavera, mientras que sobre un pedestal se ven un reloj de arena y una vela apagada. Uno de los angelotes de segundo plano sostiene un molinillo de viento, otro símbolo de la fugacidad de la existencia. El otro señala con la mano una cartela en la pared del pedestal, donde se ve una piel de carnero, en referencia al vellocino de oro, como representación de la riqueza terrenal.[179]​

 
 
Vana Est Pulchritudo, vanidad con espejo y reloj de arena (izquierda) y Haec Sola Virtus, vanidad con cráneo y mapamundi (derecha), del Maestro de las Vanitas Escritas, colección privada (c. 1650)

Pedro de Camprobín se formó inicialmente en Toledo con los discípulos de El Greco, para pasar después a Sevilla, donde fue discípulo de Zurbarán. Se especializó en naturalezas muertas, sobre todo de flores, con una composición simétrica de estilo sobrio.[180]​ Fue autor de El caballero y la muerte (Hospital de la Caridad, Sevilla), donde un caballero se quita el sombrero ante la llegada de una dama cubierta por un velo, bajo el que se distingue un esqueleto: la dama es la Muerte que visita al caballero, quien no la espera. En una mesa se disponen algunos objetos típicos del género, como libros, naipes, monedas, un laúd, una espada y una pistola.[181]​

Juan Francisco Carrión fue un bodegonista activo en Madrid, del que se conocen dos obras del género: Vanitas con libros (1672, Indiana University Art Museum, Bloomington), donde presenta una mesa y una estantería repletas de libros, objetos de escritorio, un reloj de arena y una calavera con una cartela con versos escritos; y Vanitas con calavera, libro, clepsidra, filacteria y candelero (colección privada), donde se disponen sobre una mesa una calavera y una mandíbula junto a un libro, flanqueados de una vela y un reloj de arena, y con una filacteria por encima con la inscripción hic est liber generationis Adam («he aquí la lista de los descendientes de Adán», Génesis 1, 5), en el sentido de que todo ser humano (descendiente de Adán) tiene su final en la muerte.[182]​

Tomás Yepes fue un bodegonista valenciano, especializado en flores. Entre sus obras se encuentra una Vanitas (colección Naseiro, Madrid) en la que dispuso una calavera y un fémur con un libro, un reloj de arena, un ramo de flores y un crucifijo, sobre un plinto con la inscripción Et sicut in Adam omnes moriuntur ita et in Christo omnes vivificabuntur («y como todos mueren en Adán, así también todos revivirán en Cristo», Corintios I 15, 22).[183]​

Cabe mencionar a un maestro anónimo español conocido como Maestro de las Vanitas Escritas, autor de varias vanitas entre las que destaca la pareja Vana Est Pulchritudo, vanidad con espejo y reloj de arena y Haec Sola Virtus, vanidad con cráneo y mapamundi (c. 1650, colección privada). En la primera se muestra sobre una mesa un abigarrado amontonamiento de objetos, como libros, un estuche, unos binóculos, un reloj de arena, un jarrón con flores y un candelabro con una vela apagada que se refleja en su espejo, mientras que en una hoja de papel arrugada está inscrito VANA EST / PVLCHRITVDO («la belleza es vana»). La segunda, de composición similar, presenta igualmente sobre una mesa varios libros, una calavera, un esctuche, un jarrón de flores, un reloj de arena y un globo terráqueo, y un papel con la inscripción HAEC SOLA VIRTVS («esta es la única virtud»).[184]​ El Museo Nacional de Arte de Cataluña conserva otra Vanitas del mismo autor, de composición similar, también con la inscripción HAEC SOLA VIRTVS.[185]​

En último lugar es de remarcar un tapiz conservado en el Museo de Bellas Artes de La Coruña titulado Speculum Humanae Vitae («espejo de la vida humana»), de principios del siglo XVII. En el centro aparece una Rueda de la Fortuna —representada en este caso como Rueda de las Vanidades—, bajo la cual se ve un sepulcro abierto. La rueda está dentro de un monumento sepulcral, en cuyos laterales está representada una Danza de la Muerte. En los radios de la rueda se sitúan las jerarquías eclesiásticas y las dignidades seglares, mientras que en torno a la rueda aparecen escenas cristianas (Adán y Eva, el cielo y el infierno) y mitológicas (las tres Parcas). El tema central está inspirado en el grabado Alegoría de la muerte, de Andrea Andreani.[186]​

Siglo XVIII

 
Vanitas con calavera, globo, vela apagada, flores y frutas (1744), de Philipp Sauerland, colección privada

Tras el Barroco, una época de fuerte moralidad marcada por la Reforma y la Contrarreforma, en el siglo XVIII el género de la vanitas sufrió un claro descenso en la preferencia de artistas y clientes. En esta centuria son pocos los ejemplos, ya que el cambio del gusto con el estilo rococó, más mundano y optimista, relegó este tipo de representaciones, igual que ocurrió en la segunda mitad del siglo con el Neoclasicismo, un estilo sobrio y austero surgido como contraposición a los excesos ornamentales del Barroco y rococó.[120]​

Una buena prueba del declive del género en este siglo son los Países Bajos, el país con mayor producción de este tipo de obras en la centuria anterior. Cabe mencionar a Jacob de Wit, formado en Amberes, donde recibió la influencia de Rubens. Establecido en Ámsterdam, realizó preferentemente obras religiosas, así como históricas y mitológicas, con un estilo decorativo plenamente rococó, de inspiración italiana, de colores vivos y ligeros.[187]​ Fue autor de Dos putti soplando burbujas en un paisaje, con símbolos de vanitas (1748, colección privada), donde aparecen dos putti haciendo pompas de jabón, con un globo terráqueo, un busto, un libro, una corona, una paleta de pintor y un laúd.[188]​

 
Tu fui, ego eris, de Johann Georg Dieffenbrunner, Geigenbaumuseum Mittenwald

En Alemania efectuaron obras del género diversos autores: Johann Georg Dieffenbrunner fue sobre todo pintor de retablos en diversas iglesias de Baviera. Fue autor de Tu fui, ego eris (Geigenbaumuseum Mittenwald), una imagen de una calavera con la inscripción que indica el título, que quiere decir «como eres, yo era; como yo soy, tú también serás».[189]​

Philipp Sauerland estuvo activo en Polonia, donde pintó bodegones y retratos. Fue autor de Vanitas (1709, Muzeum Narodowe, Gdańsk) y Vanitas con calavera, globo, vela apagada, flores y frutas (1744, colección privada).[190]​

Johann Elias Ridinger, pintor y grabador, fue autor de Memento mori (c. 1760, Museo de las Artes Decorativas de París), un grabado a media tinta con una composición típica de vanitas: una calavera sobre un libro, flanqueada a cada lado de un jarrón de flores y una vela apagada, con un reloj de arena y unas cortinas detrás.[191]​

 
Autorretrato (1776), de Johann Zoffany, Galería Uffizi, Florencia

Johann Zoffany fue un pintor alemán afincado en Inglaterra, donde gozó del favor de Jorge III. Fue sobre todo retratista y autor de conversation pieces, así como escenas de género, especialmente de inspiración teatral.[192]​ Realizó un Autorretrato (1776, Galería Uffizi, Florencia) en el que se retrató con un reloj de arena en la mano izquierda y una calavera en la derecha, mientras que en una mesa al fondo se ven una estatuilla, una paleta de pintor y un libro con la inscripción ars longa, vita brevis («el arte es largo, pero la vida es breve»), una frase de Hipócrates.[193]​

En el ámbito por entonces del Imperio austrohúngaro cabe citar a dos pintores checos: Johann Adalbert Angermayer y Johann Caspar Hirschely. El primero se dedicó al bodegón de tradición flamenca, con preferencia por imágenes de flores, animales e insectos, así como alguna vanitas, como la del Bayerische Staatsgemäldesammlungen de Múnich (1731), donde se ve una calavera en un nicho con un libro, una lámpara, un plato de porcelana y pompas de jabón.[194]​ Hirschely se dedicó también preferentemente a bodegones de flores y alimentos. Fue autor de Vanitas en un paisaje (1727, Galería Regional de Arte, Liberec), donde sobre una lápida situada en un paisaje campestre se ve una calavera, un jarrón de flores, una vela apagada y una cartela con la inscripción non remaneris.[195]​

En Suecia, Andreas von Behn fue un insigne miniaturista, autor de retratos, escenas bíblicas y alegorías en aceite sobre cobre, así como miniaturas en esmalte.[196]​ Fue autor de Alegoría de la vanidad de la vida (1700, Museo Nacional de Estocolmo), una joven que señala con una mano una calavera situada en una mesa junto a diversos objetos preciosos, mientras que con un pie pisa un busto de estilo clásico, que se encuentra en el suelo junto a un globo terráqueo y diversos libros.[197]​

En Italia cabe destacar una obra de Giovanni Battista Tiepolo, uno de los grandes pintores de la centuria en su país: Edad y muerte (c. 1715, Galería de la Academia de Venecia), una pequeña obra al óleo sobre cobre, de forma ovalada, donde aparece una muchacha joven sosteniendo en sus brazos a una mujer mayor, mientras que de un sepulcro en la tierra surge un esqueleto mostrando en su mano un reloj de arena.[198]​

Por último, en España cabe citar a Bernardo Lorente Germán, seguidor de Murillo activo en Sevilla, que trató diversos géneros, con gusto por los trampantojos. Fue autor de Vanitas con calavera, libros, florero, candelero y objetos del arte de la pintura (colección particular, Francia), donde se disponen sobre una mesa una calavera colocada encima de un libro, un jarrón de flores, una vela apagada, una paleta y pinceles de pintor y un pequeño lienzo de un paisaje.[199]​

Siglo XIX

 
Calavera y reloj de arena (1814), de Christian Albrecht Jensen, Galería Nacional de Dinamarca, Copenhague

Como en la centuria anterior, en el siglo XIX los diversos estilos que se fueron sucediendo no fueron susceptibles al género de la vanitas: continuó el Neoclasicismo iniciado el siglo anterior, al que siguieron el Romanticismo, el realismo y el impresionismo, cuyas temáticas estaban alejadas del componente moralizante de la vanitas, excepto en contados casos. Tan solo hacia finales del siglo algunos movimientos como el postimpresionismo y el simbolismo se ocuparon algo más del género. Los escasos ejemplos presentan ya una evolución del tema por parte del artista, que reinterpreta el género de forma más personal: así, por ejemplo, conviene consignar los estudios anatómicos que Théodore Géricault efectuó para su cuadro La balsa de la Medusa (1819, Museo del Louvre, París), en muchos de los cuales dispuso varias partes del cuerpo como si fuesen una naturaleza muerta, aunque indudablemente con un componente más crudo y realista que las obras barrocas, que no dejaban de tener un cierto componente estético.[20]​

Géricault fue autor también de un Retrato de un artista en su estudio (c. 1820, Museo del Louvre, París), en que aparece un artista sentado en actitud meditativa, frente a una pared donde hay colgada una paleta de pintor y, sobre una repisa, una calavera. Frente a las tradicionales vanitas compuestas de objetos, esta obra inauguró una nueva forma de concebir la angustia existencial, en la que permanece el símbolo de la calavera pero que se centra más en el retrato psicológico de la figura humana, en su preocupación por el paso del tiempo, por la fugacidad de la vida.[6]​

 
Cabeza de cordero y costillares (c. 1806-1812), de Francisco de Goya, Museo del Louvre, París

Otro romántico francés, Eugène Delacroix, ejemplificó la preocupación por la transitoriedad de la vida con una ilustración del Hamlet de William Shakespeare, Hamlet y Horacio en el cementerio (1839, Museo del Louvre, París), en la que un sepulturero le ofrece al príncipe el cráneo de Yorick, el bufón de la corte.[200]​

Francisco de Goya, uno de los grandes genios de la historia de la pintura, que inició su andadura en el rococó hasta desembocar en un estilo personal de corte expresionista, realizó algunos bodegones de animales muertos que por su crudeza y realismo, por su patente representación de la muerte, se acercan a la vanitas y prefiguran una nueva forma de entender el género, que influiría poderosamente en las vanguardias de finales del siglo xix y principios del xx. Un claro exponente es su Cabeza de cordero y costillares (c. 1806-1812, Museo del Louvre, París), donde los ojos abiertos de la cabeza del cordero parecen contemplar al espectador y recordarle lo efímero de la vida.[6]​

De principios de siglo cabe citar también al danés Christian Albrecht Jensen, un eminente retratista que trabajó un tiempo en Inglaterra y Rusia, antes de establecerse en Copenhague.[201]​ Fue autor de Calavera y reloj de arena (1814, Galería Nacional de Dinamarca, Copenhague), una composición sencilla donde aparecen los dos objetos del título sobre una mesa, con un fondo oscuro.[202]​

 
Vanitas (1849), de Dionisio Fierros, Museo de Zaragoza

El español Dionisio Fierros fue autor de cuadros de historia y de escenas costumbristas, de corte romántico.[203]​ Entre sus obras se encuentra una Vanitas (1849, Museo de Zaragoza) de sencilla composición, formada únicamente por un cráneo sobre un tapete.[204]​

En los Países Bajos, Maria Margaretha van Os fue una pintora de bodegones, sobre todo florales, miembro de una familia de pintores. Elaboró una Vanitas con bouquet floral, calavera, reloj de bolsillo y vela apagada (1862, colección privada), con un colorido suave donde predominan los tonos pastel.[205]​

El alemán Wilhelm Trübner evolucionó del realismo al impresionismo, estilos en los que ejecutó paisajes, retratos, cuadros de historia, escenas de género y naturalezas muertas.[206]​ Entre estas últimas se halla una Calavera en un libro (1869, Kunstmuseum im Ehrenhof, Düsseldorf), donde se muestra, tal como indica el título, una calavera colocada encima de un libro; como detalle especial, sobre la calavera se sitúa un halo de santo.[207]​

William Michael Harnett fue un pintor estadounidense de origen irlandés, autor de naturalezas muertas con cierta influencia del bodegón neerlandés del siglo XVII, con un estilo austero y meticuloso, de técnica lisa y sutil colorido.[208]​ Realizó un Memento mori (1879, Museo de Arte de Cleveland) en el que dispuso sobre una mesa una calavera con varios libros, una vela apagada y un reloj de arena, como en las más arquetípicas representaciones de la vanitas, aunque incluye como detalle especial una tarjeta con una cita del Hamlet de Shakespeare, del pasaje en que Hamlet descubre el cráneo de Yorick.[209]​

 
Naturaleza muerta con calavera, candelabro y libro (1866), de Paul Cézanne, colección privada, Zúrich

Un artista francés considerado precursor del impresionismo, Édouard Manet, se dedicó entre otros géneros al bodegón, con preferencia por los floreros. En 1864 realizó varios bodegones de animales muertos —especialmente pescados—, en la línea de ese tipo de vanitas que tiene como principal referente los cuerpos de animales en diverso estado de descomposición y que son, por tanto, una reflexión sobre la muerte. Entre los más conocidos se encuentran: Bodegón con pescado, ostras y recipiente de cobre (1864, Instituto de Arte de Chicago) y Bodegón con salmonete y anguila (1864, Museo de Orsay, París). En ambos casos cabe destacar la presencia de un cuchillo, otro recordatorio de la muerte.[6]​

 
Taller de Paul Cézanne. Obsérvense los tres cráneos en la mesita que le servían de modelo para sus composiciones de vanitas

En el postimpresionismo hubo dos artistas que trataron el tema, dos grandes genios que contribuyeron a la gestación de la pintura moderna: Paul Cézanne y Vincent van Gogh. Cézanne abrió una nueva vía de descripción de la realidad en términos geométricos (cubo, cilindro y pirámide), en un proceso de síntesis analítica que más tarde influiría en el cubismo. Se dedicó especialmente a grandes series temáticas, como las de paisajes, bañistas, jugadores de cartas o bodegones.[210]​ Trató el género de la vanitas esporádicamente, como en Naturaleza muerta con calavera, candelabro y libro (1866, colección privada, Zúrich), donde recogió varios de los símbolos habituales del género: la calavera, la vela, el libro y las flores marchitas.[118]​ Pero fue sobre todo tras la muerte de su madre en 1897 que se dedicó a la realización de este tipo de obras, inmersas en una luminosidad espectral, con un aspecto entre mórbido y sensual:[211]​ Naturaleza muerta con calavera (1895-1900, Barnes Foundation, Filadelfia), Hombre joven con calavera (1896-1898, Barnes Foundation, Filadelfia), Pirámide de cráneos (1898-1900, colección privada), Naturaleza muerta con calavera (1900, Casa Blanca, Washington D.C.), Tres calaveras sobre un tapiz de Oriente (1904, Kunstmuseum, Solothurn). En una carta a Ambroise Vollard de 1905 declaró que «una calavera es algo maravilloso para pintar».[211]​

 
Calavera con cigarrillo encendido (1886), de Vincent van Gogh, Museo Van Gogh, Ámsterdam

Van Gogh fue un pintor original, de fuerte temperamento, con tendencia a la depresión, lo que le llevó al suicidio. Desarrolló un estilo de tendencia expresionista, de fuerte dramatismo y prospección interior, con pinceladas sinuosas y densas, de intenso colorido y estridente luminosidad, con obras en las que deforma la realidad, a la que otorgó un aire onírico.[212]​ Entre 1886 y 1887 realizó tres cuadros sobre calaveras: Calavera con cigarrillo encendido (1886, Museo Van Gogh, Ámsterdam),[213]​ Calavera (1887, Museo Van Gogh, Ámsterdam) y Calavera (1887, Museo Van Gogh, Ámsterdam).[214]​ En la primera, como su título indica, aparece la parte superior de un esqueleto sobre fondo negro, con la calavera fumando un cigarrillo. Realizado en Amberes mientras estudiaba en la academia de esa ciudad, suele tomarse como una broma de estudiante.[215]​ En las otras dos obras solo aparece un cráneo, uno de frente y otro de perfil, sobre un fondo vacío donde predomina el color dorado.[216]​

Entre el último tercio del siglo XIX y la primera década del siglo XX se desarrolló el simbolismo, un estilo de corte fantástico y onírico que surgió como reacción al naturalismo de la corriente realista e impresionista, frente a cuya objetividad y descripción detallada de la realidad opusieron la subjetividad y la plasmación de lo oculto y lo irracional, con cierta tendencia a lo macabro y lo perverso, por lo que fueron recurrentes las referencias a la enfermedad y la muerte, a lo efímero de la existencia.[217]​ La cuna del simbolismo pictórico se produjo en Francia y Bélgica. En este último país tuvo como precursor a Antoine Wiertz, un artista de formación romántica y factura academicista, que fue autor de La bella Rosine (1847, Museo Wiertz, Bruselas), donde una joven desnuda contempla un esqueleto en cuya calavera se aprecia una inscripción con el título de la obra, con lo que resulta que la «bella» no era la joven, sino el esqueleto.[218]​ La misma nacionalidad tuvieron Félicien Rops, Xavier Mellery y James Ensor. El primero fue un pintor y artista gráfico de gran imaginación, con predilección por una temática centrada en la perversidad y el erotismo.[219]​ Se inspiró en el mundo de lo fantástico y lo sobrenatural, con inclinación hacia lo satánico y las referencias a la muerte, como en La muerte en el baile (1865-1875, Museo Kröller-Müller, Otterlo).[220]​

 
Joven con calavera (1893), de Magnus Enckell, Ateneumin Taidemuseo, Helsinki

Mellery tuvo una formación clasicista que complementó en Italia. Su estilo era severo e intimista, en ocasiones cercano al expresionismo, con temáticas que evocan el misterio y la poesía. Fue autor de Inmortalidad (c. 1890, Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas), en que un hombre adulto (la Inmortalidad) contempla un esqueleto con guadaña y un reloj de arena (la Muerte), mientras que un niño a su lado le da la espalda y se tapa los oídos (la infancia, la inocencia).[221]​

 
Pintor esqueletizado en su taller (1895-1896), de James Ensor, Museo Real de Bellas Artes de Amberes

Ensor fue un artista de marcada personalidad, vinculado con posterioridad al expresionismo, con una visión caricaturizada y grotesca de la sociedad de su tiempo, en la que recreaba imágenes fantásticas pobladas por esqueletos, máscaras, marionetas, juguetes y objetos de diversa índole, en escenas enigmáticas e irreverentes, de carácter absurdo y burlesco.[222]​ Un ejemplo es La muerte que persigue al rebaño humano (1896, colección privada), en que un esqueleto con guadaña acecha a una multitud desde un balcón.[6]​ EL mismo artista se autorretrató en su taller con un cráneo por cabeza, Pintor esqueletizado en su taller (1895-1896, Museo Real de Bellas Artes de Amberes), en que aparece con una paleta y un pincel en la mano pintando un cuadro sobre un caballete coronado por otro cráneo, en un taller con cuadros expuestos y otros dos cráneos en las esquinas.[223]​

En Suiza destacó la obra de Arnold Böcklin, heredero directo del Romanticismo alemán. Sus temas exaltan la soledad, la tristeza, la melancolía, la muerte como liberación.[224]​ Fue autor de Autorretrato con la muerte tocando el violín (1872, Antigua Galería Nacional de Berlín), en que aparece el pintor con una paleta y unos pinceles mientras, a su espalda, un esqueleto toca el violín —al que solo le queda una cuerda—, como recordatorio de la presencia siempre inevitable de la muerte detrás de cualquier actividad humana.[225]​

En los países escandinavos conviene mencionar a Hugo Simberg y Magnus Enckell. El primero desarrolló una obra centrada en la muerte, poblada de animales extraños y espíritus malignos. En algunos de sus cuadros representó a la muerte realizando tareas cotidianas como cuidar un jardín: El jardín de la muerte (1896, Ateneumin Taidemuseo, Helsinki).[226]​ Enckell recibió durante una estancia en París la influencia de Édouard Manet, Eugène Carrière y Pierre Puvis de Chavannes. Posteriormente viajó por Italia, Alemania y Suiza, donde recibió el influjo de Böcklin.[227]​ Fue autor de Joven con calavera (1893, Ateneumin Taidemuseo, Helsinki), en carboncillo y acuarela, donde un niño arrodillado contempla una calavera entre sus manos, como preguntándose «¿quién soy yo?».[228]​

Cabe citar en último lugar a Lovis Corinth, un pintor que evolucionó del impresionismo al expresionismo, autor de un Autorretrato con esqueleto (1896, Lenbachhaus, Múnich). En este caso, el esqueleto no es una representación de la muerte, ya que era uno de los objetos que figuraban en su taller de pintor, pero el hecho de retratarse junto a él denota la preocupación del artista por el paso del tiempo.[6]​

Siglo XX

 
Vida y Muerte (1908-1911), de Gustav Klimt, Museo Leopold, Viena

En el siglo XX surgieron los movimientos de vanguardia, con una rápida sucesión de estilos en que cada vez fue cobrando mayor protagonismo la individualidad del artista. Pese a la decadencia del género, se dieron todavía ciertos ejemplos incluso en la obra de grandes artistas como Pablo Picasso o Georges Braque, siempre reinterpretados en clave moderna y personal.[20]​ Las vanguardias históricas tuvieron su fin en la Segunda Guerra Mundial, tras la cual el arte evolucionó hacia diversos estilos antimatéricos que destacaban el origen intelectual del arte sobre su realización material, como el arte de acción y el arte conceptual. En reacción a ello, otros artistas retornaron a las formas clásicas del arte, aceptando su componente material y estético, con lo que surgió el arte posmoderno.[229]​

En la primera década del siglo todavía estaban vigentes movimientos como el modernismo o el simbolismo. Uno de los artistas más relevantes en la transición de siglo fue el austríaco Gustav Klimt. Tuvo una formación académica, para desembocar en un estilo personal que sintetizaba impresionismo, modernismo y simbolismo.[230]​ En su obra recreó un mundo de fantasía de fuerte componente erótico, con una composición clasicista de estilo ornamental, donde se entrelazan el sexo y la muerte.[231]​ En consonancia con el tema aquí tratado cabe citar su obra Vida y Muerte (1908-1911, Museo Leopold, Viena), donde contrapuso la figura de la muerte, en forma de una calavera con un vestido oscuro y un garrote rojo en las manos, frente a un grupo más colorido de personas desnudas, tanto jóvenes como ancianos y niños, que representan la vida.[232]​

Corrie Pabst fue una pintora, acuarelista y aguafuertista neerlandesa, autora de retratos, bodegones y paisajes. Fue autora de Vanitas con una calavera, un reloj de arena y un libro (1908, colección privada), una obra que reúne varios de los elementos más clásicos de la vanitas sobre un tapete en una mesa, con un fondo azulado.[233]​

 
Vanitas con una calavera, un reloj de arena y un libro (1908), de Corrie Pabst, colección privada

El italiano Luigi Russolo tuvo también una formación simbolista, para decantarse poco después por el futurismo. Fue autor de Autorretrato con cráneos (1910, Galleria Civica d'Arte Moderna, Milán), donde aparece rodeado de siete cráneos en diversas posturas.[234]​

El alemán Otto Dix se inició en el realismo tradicional, con influencia de Durero, Lucas Cranach y Ferdinand Hodler, antes de enmarcarse en la Nueva Objetividad en los años 1920.[235]​ Entre sus primeras obras se encuentra Florecer y marchitarse (1911), en la que colocó una calavera sobre una peana y un jarrón de flores, frente a una ventana.[236]​

Una de las primeras vanguardias del siglo fue el cubismo (1907-1914), un movimiento que se basó en la deformación de la realidad mediante la destrucción de la perspectiva espacial de origen renacentista, organizando el espacio sobre la base de una trama geométrica, con visión simultánea de los objetos, una gama de colores fríos y apagados, y una nueva concepción de la obra de arte, con la introducción del collage.[237]​ Su principal referente fue Pablo Picasso, quien tras una formación académica y un primer contacto con el arte moderno durante su estancia en Barcelona, donde se integró en el círculo modernista, entre 1901 y 1907 se decantó por un estilo cercano al simbolismo, que se tradujo en los denominados períodos azul (1901-1904) y rosa (1904-1907).[238]​ En 1907 realizó Las señoritas de Avignon, que inauguró su período cubista. Ese mismo año, marcado seguramente por la muerte de Cézanne, realizó Naturaleza muerta con calavera (Museo del Hermitage, San Petersburgo), donde aparece una calavera en un estudio de artista, mientras en un espejo se refleja un cuadro de desnudo pintado en rosa y azul, relacionando el placer sexual con la muerte, seguramente en alusión a las enfermedades venéreas. Otro hecho luctuoso, la muerte de su padre en 1913, le llevó a pintar Guitarra, calavera y periódico (1914, Musée d'art moderne Lille Métropole, Villeneuve-d'Ascq), donde dispuso sobre una mesa dos guitarras, un periódico de Le Journal y una calavera.[239]​

 
Autorretrato con cráneos (1910), de Luigi Russolo, Galleria Civica d'Arte Moderna, Milán

Picasso realizó una serie de vanitas entre 1939 y los primeros años 1940, fechas en que concurrieron la muerte de su madre y varios conflictos bélicos, como el fin de la Guerra Civil Española y el inicio de la Segunda Guerra Mundial.[20]​ En varias de ellas aparecían cabezas de toro, quizá como epílogo al Guernica, cuyo toro fiero y vigoroso transmutaba aquí en un cráneo vacío e inerte.[240]​ En Cráneo de toro, fruta y jarrón (1939, Museo de Arte de Cleveland), el artista malagueño contrapuso el cráneo, de connotaciones tétricas, con un jarrón y unas frutas de intenso colorido, en alusión a las atrocidades de la guerra que serían superadas en tiempos de paz.[20]​ En Tres cabezas de cordero (1939, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid) se inspiró seguramente en la Cabeza de cordero y costillares de Goya, en este caso con tres cabezas en distintas posiciones sobre una mesa, una cruda imagen que denota el vacío existencial que se siente ante la presencia de la muerte.[6]​ Otra defunción, la del escultor Julio González, le inspiró Cráneo de buey ante una ventana (1942, Nordrhein-Westfalen Kunstsammlung, Düsseldorf), donde mostró un cráneo de buey frente a una ventana cruciforme, de tonos verdes y violáceos.[241]​ Al año siguiente elaboró Calavera, erizos y lámpara sobre una mesa (Museo Picasso de París).[242]​ Otro exponente fue Naturaleza muerta con calavera y puerros (1945, Museo de Bellas Artes de San Francisco), donde figuran sobre una mesa una jarra, una calavera y un manojo de puerros.[239]​ Al año siguiente pintó Naturaleza muerta con cráneo, libro y lámpara de queroseno (Museo Picasso de París).[243]​ En el mismo sentido, realizó una escultura formada por un sillín y un manillar de bicicleta formando una figura semejante al cráneo de un toro (Cabeza de toro, 1942, cuero y metal, Museo Picasso de París).[244]​

El otro gran exponente del cubismo fue Georges Braque, amigo de Picasso, cuya evolución compartió en paralelo, hasta el punto de que hubo un momento que las obras de ambos eran casi indistinguibles.[245]​ Tras la Primera Guerra Mundial, en la que fue gravemente herido, introdujo en sus temáticas la naturaleza muerta, en una fórmula cubista de recomposición de planos y ritmos plásticos, en espacios cerrados, casi táctiles.[246]​ Entre los años 1930 y 1940 realizó varias vanitas, como Balaustre y cráneo (1938, colección privada),[247]​ Calavera, collar y crucifijo (1939, colección privada)[248]​ y Naturaleza muerta con calavera (1943).[249]​

Cabe citar en último lugar dentro del cubismo al checo Bohumil Kubišta, influido en sus inicios por Van Gogh y Cézanne, pasó en breves períodos por el fauvismo y el expresionismo hasta llegar al cubismo, que combinó con el dinamismo futurista. Fue autor de Naturaleza muerta con calavera (1912, Museo Nacional de Praga), que revela su drama existencial y que le acerca a un cierto «cubismo expresionista».[250]​

 
Naturaleza muerta con calavera (1912), de Bohumil Kubišta

El género experimentó un cierto crecimiento tras la Primera Guerra Mundial, ya que los horrores de la guerra provocaron un clima de crisis existencial y de decepción en los valores tradicionales de la modernidad basados en el positivismo, en el progreso de la ciencia y la técnica. Frente a ello, los artistas cuestionaron el sentido de la vida y el arte, y les condujo a nuevas experimentaciones y nuevos medios de expresión, o bien a la recuperación de antiguas tipologías como la vanitas, así como un mayor simbolismo en las temáticas de las obras de arte.[251]​

Georges Rouault pasó del simbolismo al fauvismo y expresionismo. Desarrolló un imaginario parecido al de James Ensor, poblado por esqueletos y máscaras. En su obra es frecuente la presencia de personajes de aspecto grotesco, generalmente jueces, payasos y prostitutas.[252]​ Un exponente es su Miserere elaborado entre 1917 y 1927, inspirado en las danzas de la muerte medievales.[6]​

Felix Esterl fue un pintor austríaco vinculado al realismo expresionista, autor de retratos, paisajes y bodegones, entre los que se encuentran algunas vanitas, como Bodegón con claveles y calavera (1924, Galerie Slama, Klagenfurt), Bodegón con calavera y peonías (1928, colección privada) y Bodegón con calavera y lucio (1928, Galería Belvedere, Viena).[253]​

 
Bodegón con claveles y calavera (1924), de Felix Esterl, Galerie Slama, Klagenfurt

Estadounidense de origen armenio, Arshile Gorky recibió la influencia inicial de Picasso, con un estilo de contornos duros y lineales, con imágenes ambiguas que aluden con frecuencia a formas orgánicas. Fue autor de Naturaleza muerta con calavera (1927, colección privada), donde se aprecia una calavera y dos huesos sobre un tapete en una silla. Más adelante evolucionó a un surrealismo de corte abstracto y al expresionismo abstracto.[254]​

Dos artistas vinculados a la llamada Escuela de París, un grupo heterodoxo de artistas de procedencia diversa instalados en la capital francesa que se movieron entre el expresionismo, el cubismo y el surrealismo, coincidieron en hacer una reinterpretación del famoso buey desollado de Rembrandt. Chaïm Soutine, ruso de familia judía, desarrolló un estilo violento y apasionado, de temática angustiosa y desolada. Entre 1925 y 1929 realizó diversos bodegones de animales muertos, unas imágenes crudas y descarnadas ejecutadas con violentas pinceladas. Algunos ejemplos son: Aves muertas sobre un mantel blanco (1924), Faisán (1926-1927) y El buey desollado (dos versiones, 1925 y 1926).[6]​ Marc Chagall, igualmente de origen ruso, realizó obras de carácter onírico, cercanas a un cierto surrealismo, con una gama de color exaltada, en temas populares y religiosos, con desproporción y falta de interés por la jerarquización en la narración de los hechos. Realizó su versión de El buey desollado en 1947.[56]​

 
Naturaleza muerta con vela volcada (1930), de Max Beckmann, Staatliche Kunsthalle, Karlsruhe

En Alemania surgió en la posguerra el grupo Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad), un movimiento de reacción frente al expresionismo que retornó a la figuración realista y a la plasmación objetiva de la realidad circundante, con un marcado componente social y reivindicativo.[255]​ Alguno de sus componentes trató el género de la vanitas, como George Grosz y Max Beckmann. El primero evolucionó del expresionismo al dadaísmo y la Nueva Objetividad, con una temática social, sarcástica, dura y descarnada, de dibujo preciso y composición cercana al cubofuturismo.[256]​ Fue autor de Entierro de Oskar Panizza (1917-1918, Galería Estatal de Stuttgart), una densa composición donde una multitud de gente transita por una calle entre altos edificios, mientras en el centro un esqueleto bebe alcohol de una botella, con una gama cromática donde predomina el rojo sangre.[257]​ Beckmann, de formación académica e inicios cercanos al impresionismo, evolucionó tras la guerra a un estilo dramático y violento, con influencia de antiguos maestros como Matthias Grünewald, El Bosco y Pieter Brueghel el Viejo, al tiempo que tomó del cubismo su concepto de espacio, que se volvió en su obra un espacio agobiante, casi claustrofóbico, donde las figuras tienen un aspecto de solidez escultórica, con contornos muy delimitados.[258]​ Fue autor de Naturaleza muerta con vela volcada (1930, Staatliche Kunsthalle, Karlsruhe), en la que dispuso sobre una mesa tres velas, dos de pie encendidas y una volcada y apagada, frente a un gran espejo horizontal.[251]​

Entre los años 1920 y 1940 se desarrolló el surrealismo, un movimiento que puso un especial énfasis en la imaginación, la fantasía y el mundo de los sueños, con una fuerte influencia del psicoanálisis, con una tendencia figurativa y otra abstracta.[259]​ Uno de sus máximos exponentes fue Salvador Dalí, que evolucionó desde una fase de formación en que probó diversos estilos (impresionismo, puntillismo, futurismo, cubismo, fauvismo) hasta un surrealismo figurativo fuertemente influido por la psicología freudiana.[260]​ En varias de sus obras aparece la calavera como habitual referencia del memento mori: Bailarina-calavera (1939, colección Merz, Pal), Rostro de la guerra (1940-1941, Museo Boijmans Van Beuningen, Róterdam), La tentación de san Antonio (1946, Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas), El cráneo de Zurbarán (1956, The Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C.).[261]​ En el terreno de la fotografía, Dalí diseñó una calavera compuesta por siete cuerpos femeninos desnudos con la que se retrató vestido con esmoquin y sombrero de copa, titulada In Voluptas Mors (1951, fotografía de Philippe Halsman). La obra recoge el género tradicional de la vanitas combinado con la voluptuosidad del desnudo, fundiendo los conceptos de sexo y muerte.[262]​

 
Naturaleza muerta con calavera (1927), de Arshile Gorky, colección privada

Dentro igualmente del surrealismo figurativo, el belga Paul Delvaux desarrolló una temática de paisajes urbanos semidesiertos, generalmente nocturnos, poblados por mujeres desnudas y hombres vestidos de traje o levita, con la presencia frecuente de esqueletos que evocan la muerte. Son obras de ambientes oníricos y poéticos, de fuerte simbolismo, así como de un erotismo latente.[263]​ En sus cuadros, los esqueletos suplen a los vivos, aparecen andando, bailando, bebiendo, charlando entre ellos, pese a su evidente mortalidad tienen vida propia. Algunos exponentes son: La venus dormida (1944, Tate Gallery, Londres), Los esqueletos (1944, colección Ghêne), Conversación (1944, colección Demaerel), Esperando la liberación (esqueletos en un despacho) (1944, Museo de Israel, Jerusalén), Esqueleto con concha (1944, colección privada), Ecce Homo (1949, colección Vanthournot), El entierro (1951, Musée des Beaux-Arts, Mons) y Crucifixión (1951-1952, Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas).[264]​

El español José Gutiérrez Solana, vinculado al expresionismo, aunó el arte tradicional con el contemporáneo, con un estilo áspero y dramático, centrado en temas sórdidos y lúgubres inspirados en la España profunda (personajes populares, procesiones, corridas de toros). Entre sus obras se encuentran La baraja de la muerte (1927, colección Mapfre), El espejo de la muerte (1929, colección privada), La procesión de la muerte (1930, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid) y El osario (1931, colección Mapfre).[265]​

En la misma línea se encuentra Carlos González Ragel, conocido como Skeletoff, quien pobló sus obras de esqueletos en diversas actitudes (bailando, toreando, haciendo deporte), en una suerte de danza macabra mezclada en ocasiones con tópicos españoles. Creador de la «esqueletomanía», afirmaba que «mis esqueletos son estáticos, dinámicos y rumberos». Algunas de sus obras son: El Fandanguillo de Almería, Consulta del dentista y Paso del Estrecho, donde aparece Francisco Franco esqueletizado con el brazo en alto haciendo el saludo fascista.[266]​

Otro español que cultivó el género fue Luis Fernández López, que pasó por el purismo, el neoplasticismo y el surrealismo antes de encontrar un estilo personal, hermético y analítico. Marcado por la Guerra Civil Española, elaboró una serie de obras de calaveras humanas, cabezas de toros u otros animales, como Cabeza de cordero y jamón (1940), inspirada en la obra del mismo tema de Goya.[6]​

El italiano Renato Guttuso practicó un realismo influido por Picasso, Van Gogh y los realistas franceses del siglo XIX.[267]​ Entre sus obras se encuentran: Cráneo de carnero (1939, Archivo Guttuso, Roma), una impactante imagen de un cráneo con las cuencas vacías que, sin embargo, parece mirar al espectador, inspirada seguramente en la de Goya del mismo tema;[6]​ y Naturaleza muerta con lámpara (1940, colección privada), en la que dispuso sobre una mesa varios objetos entre los que destaca un cráneo de animal, mientras en la parte superior cuelga una lámpara del techo, con un fondo de color rojo.[268]​

La estadounidense Georgia O'Keeffe fue exponente del precisionismo, un estilo que aglutinaba la composición cubista con la estética futurista. Se dedicó especialmente a la pintura de flores, rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo México.[269]​ Fue autora de Cabeza con olla rota (1942), donde aparece una calavera entre los restos de una olla rota, semejando un polluelo que sale de su cascarón.[270]​

Tras la Segunda Guerra Mundial, las vanguardias históricas dieron paso a una nueva serie de movimientos que iban desde el arte figurativo hasta el abstracto, desde el arte más tradicional hasta el arte de acción o conceptual. Uno de los primeros, en la inmediata posguerra, fue el informalismo (1945-1960), un conjunto de tendencias basadas en la expresividad del artista y en la renuncia a cualquier aspecto racional del arte (estructura, composición, aplicación preconcebida del color). Era un estilo eminentemente abstracto, donde cobró relevancia el soporte material de la obra, que asumió el protagonismo por encima de cualquier temática o composición.[271]​ En esta tendencia se sitúa Antoni Tàpies, quien creó un estilo propio en el que se combinaban la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. En su obra, Tàpies reflejó una gran preocupación por los problemas del ser humano: la enfermedad, la muerte, la soledad, el dolor o el sexo. En Cráneo blanco (1981) evocó las vanitas del Barroco español, el recordatorio de la caducidad de la vida.[272]​

Como reacción a la abstracción informalista surgió la llamada Nueva figuración (1945-1960), un movimiento que recuperó el arte figurativo, con cierta influencia expresionista y con total libertad de composición. Aunque se basaban en la figuración no quiere decir que esta fuese realista, sino que podía ser deformada o esquematizada a gusto del artista.[273]​ Entre sus figuras destaca Francis Bacon, un artista de un realismo personal y subjetivo influido por Grünewald, Rembrandt, Velázquez, Van Gogh y Picasso, con un estilo austero de espacios claustrofóbicos y personajes angustiados, aislados, de formas torsionadas.[274]​ En Figura con carne (1954, Instituto de Arte de Chicago) realizó una composición basada en dos cuadros de maestros barrocos: El buey desollado de Rembrandt y el Retrato de Inocencio X de Velázquez. En su peculiar estilo de deformación subjetiva de la realidad plasmó en una habitación la figura sedente del pontífice flanqueado a los lados por dos piezas de buey abierto en canal, una obra que expresa el tormento y la angustia existencial que sentía el artista.[56]​

En la misma línea, el español Eduardo Arroyo desarrolló un estilo figurativo con cierto componente onírico, enigmático, en que experimentó con diversas soluciones plásticas (mosaicos, collages) y materiales (caucho, cerámica).[275]​ Interesado por el género de la vanitas, realizó numerosas obras de esta temática en diversos formatos: pintura, grabado, escultura y collage. En 1991, el Museo del Prado le invitó a participar en una serie de grabados de doce artistas contemporáneos, para lo cual eligió versionar la Vanitas de Jacques Linard que alberga el museo madrileño.[276]​[277]​

Otro movimiento figurativo fue el pop art (1955-1970), un estilo con un marcado componente de inspiración popular que tomó imágenes del mundo de la publicidad, la fotografía, el cómic y los medios de comunicación de masas.[278]​ Uno de sus principales exponentes fue Andy Warhol. Solía trabajar mediante serigrafía, en series que iban desde los retratos de personajes famosos como Elvis Presley, Marilyn Monroe o Mao Tse-tung hasta todo tipo de objetos, como su serie de latas de sopa Campbell, elaborados con un colorismo chillón y estridente y una técnica pura, impersonal.[279]​ Pese a la apariencia frívola y desenfadada de sus cuadros, uno de los temas recurrentes en su obra fue la muerte. Así, entre sus famosas series de cuadros repetidos en distintas combinaciones de colores figura su serie de Calaveras (1976), en las que aparece una calavera que proyecta la sombra de un niño, con distintos fondos cromáticos, en los que predomina el verde, el amarillo, el rosa, el azul y el morado.[280]​ Fue también autor de una serie de Autorretrato con calavera (1978), en la que aparece su busto con una calavera en el hombro o encima de la cabeza, realizadas a partir de diversas fotografías y con fondos en rojo, naranja, gris o amarillo.[281]​

En los años 1960 surgió el hiperrealismo, un estilo caracterizado por su visión superlativa y exagerada de la realidad, que era plasmada con gran exactitud en todos sus detalles, con un aspecto casi fotográfico.[282]​ Entre sus filas se encuentra Audrey Flack, una representante del fotorrealismo, una vertiente del hiperrealismo consistente en la elaboración de lienzos tomando fotografías como modelo. Fue autora de una serie de obras inspiradas en el género de la vanitas, caracterizadas por su realismo e intenso colorido, con alusiones simbólicas tomadas del bagaje histórico de este género. Entre ellas se encuentra Marilyn (Vanitas) (1977, University of Arizona Museum of Art, Tucson), en la que aparece un libro abierto con una fotografía de Marilyn Monroe, junto a una serie de objetos como una rosa, frutas, una vela, un calendario, un espejo, un reloj de arena, un reloj de bolsillo, un vaso, una fotografía, perlas, botes de pintura, cosméticos y un paño arrugado. Los relojes y el calendario aluden al paso del tiempo, así como la descolorida fotografía, que se percibe anterior en el tiempo a la escena representada.[283]​

Desde 1975 se desarrolló el arte posmoderno, el arte propio de la posmodernidad, por oposición al denominado arte moderno. Estos artistas asumían el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias pretendían eliminar la distancia entre el arte y la vida, universalizar el arte; el artista posmoderno, en cambio, era autorreferencial, el arte habla del arte, no pretendían hacer una labor social.[284]​ Algunos artistas como Jean-Michel Basquiat y Keith Haring se inspiraron en el arte de culturas primitivas, concretamente en ritos mágicos ligados a la muerte, que reflejaron en sus obras.[285]​ Entre las obras de Basquiat se encuentra Calavera roja (1982, colección privada), una calavera esbozada en rasgos primitivos con un fondo abstracto de los diversos signos y colores que caracterizaban su estilo, influido por el grafiti urbano.[286]​ Haring también realizó diversas obras de calaveras, como su Calavera ardiente de 1987, una escultura de esmalte sobre aluminio, con unos rasgos que evocan el arte primitivo.[287]​

En Alemania se dio el neoexpresionismo, un movimiento igualmente preocupado por el fenómeno de la muerte, especialmente por la plaga del sida, con autores como Gerhard Richter, Markus Lüpertz, Georg Baselitz o A.R. Penck.[285]​ Richter realizó en 1983 una serie de obras de calaveras, solas o con una vela, con un fondo neutro.[288]​ Lüpertz elaboró en 1992 una serie de grabados de vanitas con calaveras como protagonistas, acompañadas a menudo de flores.[289]​

Miquel Barceló, influido por el action painting, el arte conceptual y el art brut, se inspiró igualmente en el barroco español y la pintura de Goya.[290]​ Desde 1986 se interesó por las naturalezas muertas, incluido el género de la vanitas, tanto en pintura como escultura: en la primera cabe mencionar Cráneo (1986, colección privada), un cráneo de animal sobre fondo oscuro, en tonos terrosos, como es habitual en muchas de sus obras; en bulto redondo, Cráneo grande (1998, Galerie Bruno Bischofberger, Zúrich), una jarra de bronce deformada para que asemeje un cráneo de animal; y Pinocho muerto (1998), un cráneo humano de bronce con nariz larga como la del personaje Pinocho.[291]​

La fotógrafa estadounidense Cindy Sherman reflexionó con sus obras sobre los roles sociales de la mujer o del artista, con imágenes estereotipadas que parodian la cultura que representan. Desde los años 1980 recreó un mundo en descomposición, con imágenes de un cromatismo ácido.[292]​ En Untitled No. 272 (1992) retrató una calavera engalanada de flores y joyas, una barroca composición que reflexiona sobre la belleza, la vida y la muerte.[293]​

Siglo XXI

 
Memento mori, de Matthias Laurenz Gräff (2017)

Entre los últimos exponentes cabe citar a Jan Fabre, un artista multidisciplinar en el que era habitual la referencia al cuerpo humano y sus fluidos, así como la utilización de insectos y animales muertos, en esculturas o instalaciones artísticas. Realizó numerosas obras con calaveras, cubiertas por escarabajos, con animales muertos en las mandíbulas (en cadáver o esqueleto) o en diversas composiciones, empleando materiales como el cristal y el hueso. Entre ellas se encuentra su serie de calaveras de cristal de Murano de color azul que sostienen en su boca esqueletos de animales como ardillas, topos, pájaros carpinteros, guacamayos y ratones.[294]​

La serbia Marina Abramović se dedicó principalmente a la performance, que registraba en fotos y vídeos, con acciones de carácter simbólico que exploraban las capacidades del cuerpo y la mente.[295]​ Entre ellas se encuentra Desnudo con esqueleto (2002-2005), en que aparece la artista desnuda con un esqueleto encima, mostrando la intensa relación entre la vida y la muerte.[296]​

El francés Philippe Pasqua mostró en su obra interés por los temas marginales, como la transexualidad, el síndrome de Down y la ceguera, cuestionando los valores morales de nuestro tiempo. Entre sus preferencias se encuentra la vanitas, que trató en pintura y escultura, como sus cráneos tatuados o cubiertos de mariposas, insectos que evocan la fragilidad y que al levantar sus alas del cráneo evocan la vida que se escapa.[297]​[298]​

El austríaco Matthias Laurenz Gräff aunó en su obra un cierto expresionismo con influencia del pop art, con expresión en múltiples géneros: obras históricas, políticas, religiosas, paisajes urbanos o rurales, desnudos, retratos y bodegones, incluidas vanitas como El hombre muerto no cuenta cuentos, La última vela, ¡Recuerda que eres mortal!, Memento mori, Laureles de fugacidad o Vanitas (la muerte de un ángel).[299]​

El británico Damien Hirst escandalizó con varias de sus obras, como las de animales conservados en formaldehído. Su obra Por el amor de Dios (2007), un cráneo de platino cubierto de 8601 diamantes, se vendió por cincuenta millones de libras, el precio más alto pagado por la obra de un artista vivo.[300]​[301]​

Por último, cabe citar al español Mario Monforte, quien trató la vanitas en su obra Memento Mori, con una serie de fotografías en perspectiva que creaban una ilusión frontal para asimilarse a la vanitas clásica. Dentro de dicha serie, destacó la obra Skull with Butterflies, una fotografía de un cráneo rodeado de mariposas. El statement de Memento Mori trataba sobre la fugacidad del tiempo de la sociedad moderna, atrapada entre el consumismo y las redes sociales.[302]​

Véase también

Referencias

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Agosto 06, 2021
vanitas, vanitas, género, artístico, resalta, vacuidad, vida, relevancia, muerte, como, placeres, mundanos, considera, subgénero, bodegón, naturaleza, muerta, general, alto, valor, simbólico, alegórico, término, latino, vanĭtas, significa, vanidad, vanus, vací. La vanitas es un genero artistico que resalta la vacuidad de la vida y la relevancia de la muerte como fin de los placeres mundanos Se considera un subgenero del bodegon o naturaleza muerta por lo general de alto valor simbolico y alegorico Es un termino latino vanĭtas que significa vanidad de vanus vacio entendida no como soberbia u orgullo sino en el sentido de futilidad insignificancia fragilidad de la vida brevedad de la existencia 1 Alegoria de la vanidad 1632 1636 de Antonio de Pereda Museo de Historia del Arte de Viena Este tipo de representaciones se encuentran practicamente en toda la historia del arte craneos y esqueletos aparecen en los frescos pompeyanos y en la Edad Media eran frecuentes las llamadas danzas de la muerte Sin embargo su mayor auge se dio durante el Barroco epoca en que paso a considerarse un genero independiente 1 En dicho periodo cabe establecer su inicio en los Paises Bajos en torno a 1620 desde donde se extendio por Francia y Flandes y posteriormente Alemania Italia Espana y otros paises 2 Su nombre y su concepcion se relacionan con un pasaje del Eclesiastes Ec 1 2 Vanitas vanitatum et omnia vanitas vanidad de vanidades todo es vanidad 3 El mensaje que pretende transmitir es la futilidad de los placeres mundanos frente a la certeza de la muerte animando a la adopcion de un estoico punto de vista sobre la vida Indice 1 Definicion 2 Historia 2 1 Antecedentes 2 2 Barroco 2 2 1 Paises Bajos 2 2 2 Flandes 2 2 3 Francia 2 2 4 Alemania 2 2 5 Italia 2 2 6 Espana 2 3 Siglo XVIII 2 4 Siglo XIX 2 5 Siglo XX 2 6 Siglo XXI 3 Vease tambien 4 Referencias 5 Bibliografia 6 Enlaces externosDefinicion Editar Vanitas con libros manuscritos y una calavera 1663 de Edwaert Collier Museo Nacional de Arte Occidental Tokio La vanitas se suele considerar un subgenero de la naturaleza muerta aunque tiene tambien una estrecha relacion con la alegoria Tiene fuertes connotaciones simbolicas y filosoficas a menudo relacionadas con la religion cristiana ya sea catolica o protestante Este genero pretendia transmitir tres mensajes fundamentales un concepto de la vida como algo pasajero transitorio incluso extremadamente fugaz la idea de que cualquier bien que pueda adquirir el ser humano ya sea material o inmaterial es vacuo irrelevante carente de sentido y una finalidad de redencion de preparar el alma para la salvacion y la vida eterna 4 Se caracteriza principalmente por el caracter simbolico de los objetos representados alusivos en general a la fragilidad y la brevedad de la vida al tiempo que pasa a la inevitabilidad de la muerte Por lo general se contraponen diversos objetos relativos a los dones de la naturaleza o de la actividad humana con otros alegoricos de la muerte y la vacuidad de la vida 2 Entre ellos destaca el craneo o el esqueleto humano simbolo por excelencia de la muerte Otros objetos aluden a cualidades humanas efimeras como el saber la riqueza el placer o la belleza de las que se muestra su caducidad y su vana persecucion Otros simbolos que suelen encontrarse en las vanidades son fruta podrida flores marchitadas insectos conchas velas consumidas relojes mecanicos o de arena burbujas polvo humo vasos vacios o volcados pipas vacias o arquitectura en ruinas todos ellos simbolos de la brevedad y la naturaleza efimera de la vida Tambien se encuentran alusiones alegoricas a conceptos como las ciencias las letras y las artes el conocimiento libros instrumentos cientificos la riqueza dinero joyas y el poder coronas armas o bien actividades humanas instrumentos musicales juegos de naipes o dados asi como en ocasiones un globo terraqueo como simbolo del poder terrenal Los objetos que evocan la riqueza o el placer figuran en contraposicion a los que representan la muerte y denotan la insignificancia que tienen en relacion al transito de la vida 1 En ocasiones pueden aparecer espinas de trigo o coronas de laurel como simbolo de resurreccion 5 En otras ocasiones se anaden frases generalmente latinas como memento mori recuerda que moriras tempus fugit el tiempo huye ubi sunt donde estan o sic transit gloria mundi asi pasa la gloria del mundo 2 Naturaleza muerta con libros y un reloj de arena c 1630 1640 artista espanol anonimo Gemaldegalerie de Berlin Los bodegones de animales muertos pueden ser tambien considerados una forma de vanitas por cuanto la contemplacion de unos restos de carne evocan el final de la vida Esta linea de obras tiene una larga tradicion que va desde El buey desollado de Rembrandt hasta versiones modernas del mismo tema realizadas por Chaim Soutine Marc Chagall y Francis Bacon 6 El historiador Jan Bialostocki diferencio tres grupos de simbolos en las vanitas los de la existencia terrena los de la mortalidad de la vida humana y los de la resurreccion a la vida eterna Los dos primeros se refieren a la actividad humana dividida a su vez segun Hadrianus Junius en tres conceptos vita contemplativa libros objetos relacionados con las artes y las ciencias vita practica joyas armas coronas cetros y vita voluptuaria copas vasijas instrumentos musicales naipes y dados 7 Un tema derivado de la vanitas es la futilidad del conocimiento ejemplificado generalmente por libros contrapuestos a los simbolos habituales de la vanidad un exponente es Naturaleza muerta con libros y un reloj de arena c 1630 1640 Gemaldegalerie de Berlin obra de un artista barroco espanol anonimo en que aparecen tres libros sobre una mesa y un reloj de arena invertido en el que justo empieza a caer la arena simbolizando el paso del conocimiento escrito de una generacion a otra aunque el conocimiento individual sea limitado 8 Vanitas con putto c 1600 de Bartholomaus Spranger castillo de Wawel Cracovia ejemplo de Nascendo morimur Existen tambien varios subgeneros de la vanitas como el Nascendo morimur asi como nacemos morimos en el que generalmente se representa a un bebe o un nino pequeno junto a una calavera o algun otro recordatorio de la muerte en el sentido de que la muerte es tan natural como el nacer 9 o el homo bulla hombre burbuja en el que suele aparecer un nino haciendo pompas de jabon como simbolo de la fragilidad de la vida un tema procedente de la frase latina Homo bulla est el ser humano es como una pompa de jabon 10 Colgante Memento mori siglo XVIII Aunque se desarrollo sobre todo en la pintura existen tambien algunos ejemplos de vanitas en el grabado la escultura e incluso en la arquitectura como en la capilla Magdalenenklause en los jardines del palacio de Nymphenburg en Munich 11 Tambien se dio incluso en la orfebreria y joyeria entre los siglos xvi y xviii fueron corrientes un tipo de colgantes llamados Memento mori unos estuches con forma de ataud que al abrirlos aparecia un esqueleto realizados generalmente en oro plata o marfil Tambien se produjeron estatuillas con forma de esqueleto o bien anillos que ademas de imagenes de esqueletos o craneos solian llevar algun mensaje de tipo religioso 12 Conviene recordar que como subgenero del bodegon la vanitas por antonomasia basa su composicion en la exposicion en una imagen de diversos objetos inertes con la presencia o no de la figura humana en todo caso secundaria Sin embargo en ocasiones puede entremezclarse con otros generos artisticos en composiciones que combinen diversos generos como puede ocurrir con la pintura religiosa como por ejemplo Tentaciones de san Jeronimo de Francisco de Zurbaran la pintura de genero La tasadora de perlas de Johannes Vermeer o el retrato Nina haciendo pompas de jabon Luisa Maria Ana de Borbon de Pierre Mignard 13 Cabe resenar por ultimo la relacion entre la vanitas y el genero artistico literario de la emblematica especialmente en el Barroco Este tipo de obras aportaron buena parte del repertorio iconografico a las vanitas ya que cada objeto adquiria un significado simbolico que podia ser reconocido por todo aquel iniciado en la materia El emblema barroco aglutinaba imagen poesia y retorica con un alto contenido simbolico y alegorico Por lo general se componian de un dibujo pictura un lema inscriptio y un epigrama subscriptio normalmente en latin 14 El inicio de la vanitas en los Paises Bajos estuvo fuertemente relacionado con libros de emblemas como Sinnepoppen de Roemer Visscher Amsterdam 1614 Emblemata of zinne werck de Johan de Brune Amsterdam 1624 Emblemata de Zacharias Heyns Rotterdam 1625 y Sinne en minnebeelden de Jacob Cats Amsterdam 1627 15 Por lo general este tipo de emblemas tenian un objetivo moralizante como combatir las adicciones al juego la bebida o el tabaco o incluso el coleccionismo de conchas marinas y el cultivo de los tulipanes cuya euforia especulativa dio lugar a la llamada Crisis de los tulipanes Muchos de estos motivos pasaron a la vanitas 16 Historia Editar Memento mori mosaico pompeyano siglo I a C Museo Arqueologico Nacional de Napoles Antecedentes Editar Los principales antecedentes de la vanitas se encuentran en las diversas representaciones relativas a la muerte generalmente ejemplificadas con esqueletos o craneos de las cuales existen multiples manifestaciones desde la prehistoria Sin embargo en relacion con el genero estudiado conviene atender mas que las simples representaciones alusivas a la muerte las que anaden un componente filosofico o moral las que senalan a la brevedad de la vida y la inevitabilidad de la muerte Estas manifestaciones aparecieron sobre todo en el arte romano relacionadas con el memento mori la frase que los siervos repetian a los generales romanos en sus triunfos para recordarles que las glorias eran efimeras Imagenes de ese tipo se encuentran en los frescos pompeyanos del siglo I a C que se conservan en el Museo Arqueologico Nacional de Napoles generalmente con esqueletos en diferentes actitudes a veces sujetando vasos o jarras u otro tipo de utensilios relacionados con los banquetes romanos 12 Uno de estos mosaicos conservados en Napoles titulado Memento mori Pompeya I 5 2 representa la Rueda de la Fortuna que puede hacer que los ricos simbolizados por la tela morada a la izquierda sean pobres mientras los pobres simbolizados por la piel de cabra a la derecha sean ricos todo ello vigilado por la muerte en forma de craneo sobre la rueda y la vida colgando de un hilo cuando se rompe el alma simbolizada por la mariposa vuela 17 Otro es el llamado Carpe diem aprovecha el dia o Esqueleto copero que muestra un esqueleto con copas en las manos Otro mosaico famoso de la antiguedad es el titulado Gnōthi seauton gnῶ8i seayton conocete a ti mismo en griego conservado en el Museo delle Terme di Diocleziano Roma en que se ve un esqueleto recostado sobre su guadana Cabe resenar tambien un mosaico del siglo III a C conservado en el Museo Arqueologico de Hatay en Antioquia que muestra un esqueleto con una jarra de vino y una hogaza de pan y la inscripcion sed alegres vivid vuestra vida 12 Otras muestras de este tipo de representaciones fueron las larva convivialis figurillas en forma de esqueleto ya sea exentas o realizadas en relieve en jarras y otros objetos Cabe destacar en este terreno las copas talladas de Boscoreale 12 Gnōthi seauton mosaico romano Museo delle Terme di Diocleziano Roma Carpe diem mosaico pompeyano siglo I a C Museo Arqueologico Nacional de Napoles Copa con larva convivialis c siglo I a C siglo I d C Museos Estatales de Berlin Memento mori romano c 200 500 d C Durante el romanico se emplearon imagenes de memento mori en los muros de las iglesias como mensajes moralizantes para la feligresia como recordatorio de la fugacidad de la vida y la necesidad de la penitencia y la redencion En numerosas ocasiones se trataba de calaveras con una iconografia heredera de las imagenes romanas como en el caso de la calavera pintada por el Maestro de Sorpe para la nave central de la iglesia de Sant Pere de Sorpe mediados del siglo XII actualmente en el Museo Nacional de Arte de Cataluna o la esculpida en uno de los canetes del abside de la iglesia de San Martino de Villallana siglo XIII 6 Psalterio de Bona de Luxemburgo c 1349 de Jean y Bourgot Le Noir The Cloisters Nueva York En la Edad Media hay que valorar el impacto de la peste negra en la sociedad de la epoca que conllevo un sentimiento de familiaridad con la muerte y de consideracion de la vida como algo fragil y efimero Ello se tradujo en representaciones como las danzas de la muerte un tipo de escenas donde figuraban cortejos de esqueletos bailando y tocando musica que acompanaban a personas de los tres estamentos sociales nobleza clero y plebe a los que guiaban a su tragico final Estas imagenes se solian acompanar de versos que ilustraban el tema y en epoca medieval incluso se recreaban en vivo de forma teatralizada una tradicion que aun perdura en diversos lugares como en la procesion de Verges provincia de Gerona celebrada los jueves santos 6 En relacion con esta tematica cabe citar una interesante obra del gotico italiano El triunfo de la muerte o La leyenda de los tres vivos y los tres muertos c 1355 Camposanto de Pisa atribuida tanto a Francesco Traini como a Buonamico Buffalmacco En ella aparece un grupo de caballeros y damas a caballo que se encuentra en su camino con tres ataudes abiertos en un lateral un ermitano sostiene un rollo de papel con el mensaje la muerte vence al orgullo y a la vanidad 18 La Danza de la Muerte 1493 de Michael Wolgemut En el siglo XV se fueron desarrollando un tipo de imagenes que apuntaban ya al genero de la vanitas uno de los primeros antecedentes fue el Triptico Braque de Rogier van der Weyden 1450 Museo del Louvre Paris un retablo de contenido religioso que muestra en su parte frontal varios personajes del Nuevo Testamento mientras que por su lado posterior con los paneles cerrados muestra un craneo y una cruz Otro exponente fue el Retrato de Hieronymus Tschekkenbulin del Maestro de Basilea c 1487 formado por dos paneles donde se representan el retratado y un esqueleto enfrentados uno al otro 6 En relacion con esta tematica una de las representaciones mas emblematicas durante toda la historia del arte fue la calavera presente ya en los frescos pompeyanos y que se encuentra en la Edad Media y el Renacimiento en obras como el mencionado Triptico Braque de Rogier van der Weyden el frontispicio del Retrato de Girolamo Casio de Giovanni Antonio Boltraffio c 1510 el Retrato de Jane Loyse von Nettesheim de Bartholomaus Bruyn el Viejo 1524 Museo Kroller Muller Otterlo las Vanidades de Jacopo Ligozzi 1604 coleccion Aberconway Bodnant y la Vanitas de Jacob de Gheyn 1603 Museo Metropolitano de Arte Nueva York 2 Durante los siglos xv y xvi este tipo de representaciones solian realizarse a menudo en la parte posterior de los retablos como en el Diptico de san Juan Bautista y santa Veronica de Hans Memling c 1475 en la puerta izquierda Pinacoteca Antigua de Munich represento una calavera situada en un nicho con la inscripcion latina morieris morireis mientras que en la puerta derecha National Gallery de Washington D C pinto tambien dentro de un nicho un caliz con una serpiente 19 Otro ejemplo es la Naturaleza muerta con craneo de Jan Gossaert 1517 Museo del Louvre Paris situado en la parte posterior del Diptico de Jean II Carondelet que contiene una inscripcion en latin que dice aquel que piense siempre en la muerte puede despreciar siempre todas las cosas una frase de san Jeronimo 20 Triptico Braque 1450 de Rogier van der Weyden Museo del Louvre Paris Otro de los origenes iconograficos de la vanitas se encuentra en las representaciones medievales de san Jeronimo en su celda en las que solian aparecer un libro y una vela como simbolos de la reflexion intelectual y un craneo y un reloj de arena como alusiones a la inevitabilidad de la muerte Una representacion de ese tipo seria un San Jeronimo actualmente perdido de Jan Van Eyck se conserva una copia en el Detroit Institute of Arts en el que se inspiraria un lienzo del mismo tema de Colantonio Museo de Capodimonte Napoles y que daria origen a varias replicas como las de Vittore Carpaccio y Antonello da Messina De aqui paso a representaciones similares de otros santos como el San Eloy de Petrus Christus Metropolitan Museum Nueva York o incluso temas profanos como en Banqueros de Quentin Metsys 1510 Museo del Louvre Paris Calaveras baculos y libros de Fra Vincenzo da Verona 1520 1523 Museo del Louvre Paris o El cambista y su mujer de Marinus van Reymerswaele 1539 Museo del Prado Madrid 2 Otros artistas que trataron el tema fueron Antonio Allegri da Correggio San Jeronimo 1515 1518 Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Madrid Alberto Durero San Jeronimo 1521 Museo Nacional de Arte Antiguo Lisboa 21 Joos van Cleve San Jeronimo en su estudio c 1525 Musee des Beaux Arts et d Archeologie de Chalons en Champagne 22 Jan Cornelisz Vermeyen San Jeronimo meditando 1525 Museo del Louvre Paris 23 y Tiziano San Jeronimo 1560 Pinacoteca de Brera 24 Diptico de san Juan Bautista y santa Veronica c 1475 de Hans Memling Pinacoteca Antigua de Munich y National Gallery de Washington D C La calavera tambien se asocia corrientemente con las figuras de san Francisco de Asis y santa Maria Magdalena suele ser un atributo habitual de los penitentes asi como a la crucifixion de Cristo que se produjo en el Golgota el lugar del craneo 20 donde segun la tradicion se hallaba la tumba de Adan 25 Un primer artista que realizo obras cercanas a lo que seria una vanitas plena fue Vincenzo dalle Vacche autor en 1520 de dos taraceas para la iglesia de San Benedetto Novello de Padua Vanidad del poder terrenal de la Iglesia y los legos donde presenta entre otros objetos una cruz pectoral una corona un reloj de arena y una calavera y Vanidad de la ciencia con un globo celeste un sextante un libro de matematicas una partitura y una viola con una cuerda rota 26 En las primeras decadas del siglo XVI cabe destacar tambien las diversas imagenes de Hans Baldung Grien en las que mostraba jovenes doncellas acosadas por el esqueleto de la Muerte como en El caballero la doncella y la Muerte c 1505 Museo del Louvre Paris La Muerte y la doncella 1517 Museo de Arte de Basilea La Muerte y la doncella 1518 1520 Museo de Arte de Basilea y Las Edades y la Muerte 1541 1544 Museo del Prado Madrid 6 En Las tres edades y la Muerte 1509 1510 Museo de Historia del Arte de Viena compuso una alegoria de la vida formada por tres distintas edades un nino una joven desnuda y una anciana enfrentadas al esqueleto de la Muerte que sostiene un reloj de arena 27 Imagen principal Calavera en anamorfosisLos embajadores 1533 de Hans Holbein el Joven The National Gallery Londres Una obra excepcional cercana ya a la vanitas barroca es Los embajadores de Hans Holbein el Joven 1533 The National Gallery Londres Se trata de un doble retrato Jean de Dinteville izquierda embajador de Francia en Inglaterra y Georges de Selve derecha obispo de Lavaur que actuo de embajador ante el Sacro Imperio Romano Germanico la republica de Venecia y la Santa Sede Ambos personajes se apoyan con el brazo sobre un aparador dispuesto a modo de bodegon con multiples objetos relacionados con el quadrivium las cuatro ciencias matematicas pertenecientes a las siete artes liberales aritmetica geometria musica y astronomia Pero lo mas curioso es un objeto situado a los pies de los embajadores no perceptible a simple vista de hecho no fue descifrado hasta el siglo XX una calavera en anamorfosis una imagen deformada que solo se puede percibir con una lente o con el dorso de una cuchara situada de forma perpendicular a la imagen 26 Como simbolo de la muerte la calavera era un objeto corriente en las celdas de los monjes catolicos especialmente durante la Contrarreforma como objeto de meditacion sobre el sentido de la vida y lo efimero de la existencia 28 Asi era un objeto corriente en la representacion de los santos como se aprecia en la obra de El Greco San Francisco en extasis 1577 1580 Museo Lazaro Galdiano Madrid La Magdalena penitente 1585 1590 Museo Cau Ferrat Sitges Santo Domingo en oracion en su celda c 1590 1600 coleccion J Nicholas Brown Newport Rhode Island San Francisco arrodillado en meditacion 1595 1600 M H de Young Memorial Museum San Francisco San Jeronimo penitente 1595 1600 National Gallery of Scotland Edimburgo San Francisco y fray Leon meditando sobre la muerte 1600 1606 veinticuatro versiones en museos de todo el mundo 29 Vanitas c 1535 1540 de Jan Sanders van Hemessen Palais des Beaux Arts de Lille Una obra bastante sobrecogedora es In omnibus operibus de Juan de Juanes primera mitad del siglo XVI Museo de Bellas Artes de Valencia en que aparece unicamente una calavera con una cartela con el mensaje In omnibus operibus tuis memorare novissima tua et in aeternum non peccabis en tus acciones ten presente tu final y asi jamas cometeras pecado Eclesiastes 7 36 Esta obra denota la influencia flamenca especialmente por el dibujo y el tratamiento de la luz 30 Amorcillo durmiente con calavera c 1600 talla en marfil probablemente neerlandesa Museum Schnutgen Colonia Una pintura que se acerca a la vanitas barroca es la Vanidad del flamenco Jan Sanders van Hemessen c 1535 1540 Palais des Beaux Arts de Lille en el que aparece un angel con alas de mariposa que sostiene un espejo en cuyo reflejo aparece un craneo Alrededor del espejo figura el mensaje Ecce rapinam rerum omnium la muerte saquea todas las cosas y en la cinta que rodea el brazo del angel mira el final de la fuerza la belleza y la riqueza La obra fue probablemente el panel izquierdo de un diptico del que seguramente el derecho seria un retrato cuyo personaje seria el reflejado en el espejo y al que el angel advierte de lo efimero de la existencia 31 Otra obra de interes con la presencia de la calavera es el Retrato de familia de Adriaen Thomasz Key 1583 Museo del Prado Madrid en la que aparece un padre rodeado de sus seis hijos con la mano apoyada en una calavera situada sobre una mesita junto a la que aparece tambien un reloj de arena ambos simbolos de la fugacidad de la vida en este caso probablemente por la perdida de la madre que no aparece en la imagen 32 En el terreno del grabado hay que destacar la obra del aleman Alberto Durero autor de una celebre estampa San Jeronimo en su gabinete 1514 donde aparece el santo en su estudio con una calavera en el alfeizar de una ventana y un perro y un leon dormidos a sus pies 33 Otra obra suya fue El caballero la Muerte y el Diablo 1513 Galeria Nacional de Arte Washington D C donde un jinete con armadura montado a caballo se encuentra en su camino con la Muerte y el Diablo en forma de figuras monstruosas la Muerte lleva un reloj de arena mientras que en la esquina inferior izquierda figura una calavera 18 Formado en el taller de Durero Barthel Beham fue un notable retratista aunque fue en el grabado donde obtuvo un gran exito especialmente con escenas populares de pequeno tamano Realizo varias obras de memento mori como Nino con tres calaveras 1529 Galeria Nacional de Arte Washington D C 34 Otro exponente fue Heinrich Aldegrever igualmente aleman pintor grabador y orfebre influido por la pintura flamenca y por Durero autor de temas religiosos mitologicos y retratos 35 Hacia 1530 realizo Respice Finem piensa en el final donde aparece una mujer desnuda con un reloj de arena en la mano y un sepulcro abierto a sus pies con una calavera en el suelo 36 In omnibus operibus primera mitad del siglo XVI de Juan de Juanes Museo de Bellas Artes de Valencia Naturaleza muerta con craneo 1517 de Jan Gossaert Museo del Louvre Paris San Jeronimo 1521 de Alberto Durero Museo Nacional de Arte Antiguo Lisboa Reverso del Retrato de Jane Loyse von Nettesheim 1524 de Bartholomaus Bruyn Museo Kroller Muller Otterlo San Jeronimo en su estudio c 1525 de Joos van Cleve Musee des Beaux Arts et d Archeologie de Chalons en Champagne Nino con tres calaveras 1529 de Barthel Beham Galeria Nacional de Arte Washington D C Respice Finem c 1530 de Heinrich Aldegrever British Museum Londres Retrato de familia 1583 de Adriaen Thomasz Key Museo del Prado MadridBarroco Editar Autorretrato con naturaleza muerta 1651 de David Bailly Stedelijk Museum De Lakenhal Leiden Paises Bajos Editar El inicio de la vanitas plena se dio en el Barroco en los Paises Bajos En este pais los bodegones junto a los paisajes gozaron de mucho exito asi como las vanitas ya que su caracter moralizante se adecuaba con la rigida religion calvinista profesada en la epoca al tiempo que su detallismo y precision visual concordaban con el interes cientifico mostrado por la sociedad neerlandesa de entonces 37 Su desarrollo se produjo especialmente en la Escuela de Leiden un bastion calvinista donde se fraguo una atmosfera intelectual y religiosa que favorecio la plasmacion de escenas en que se rechazaban los placeres y riquezas mundanos tal como defendia el teologo reformista frances Andre Rivet profesor en Leiden de 1620 a 1632 2 Vanitas de David Bailly en el Album amicorum de Cornelis de Glarges 1624 Biblioteca Real Neerlandesa La Haya Uno de sus primeros exponentes fue David Bailly retratista y bodegonista influido por Rembrandt y Frans Hals 38 Su obra mas emblematica en este genero fue Autorretrato con naturaleza muerta 1651 Stedelijk Museum De Lakenhal Leiden en el lado izquierdo aparece retratado el artista cuando era joven que sostiene un retrato de si mismo en el momento de la realizacion del cuadro mas envejecido a su lado sobre una mesa se apilan una serie de objetos entre los que encontramos muchos relacionados con este genero como la calavera la vela el vaso volcado la pipa vacia las flores marchitadas una flauta dinero joyas libros un espejo un reloj de arena objetos de arte y flotando en el aire pompas de jabon Ademas en la esquina inferior derecha un pergamino contiene los versos del Eclesiastes que dieron nombre al genero vanitas vanitatum et omnia vanitas 39 Un dibujo a la pluma de David Bailly inscrito en el Album amicorum de Cornelis de Glarges 1624 Biblioteca Real Neerlandesa La Haya esta considerado el incunable de la vanitas presenta una calavera un reloj de arena una pipa humeante y un rollo de papel con la inscripcion quis evadet quien escapa 2 40 Vanidades 1640 1645 de Harmen Steenwijck The National Gallery Londres En esta escuela destacaron especialmente los hermanos Harmen y Pieter Steenwijck sobrinos y alumnos de Bailly introductores de algunos de los rasgos caracteristicos de la vanitas neerlandesa tendencia a la monocromia iluminacion lateral composicion en diagonal desorden aparente de los objetos representados 41 Harmen desarrollo un estilo caracterizado por el predominio cromatico del gris y el amarillo en imagenes simples de caracter intimo donde cobra un especial protagonismo la luz que suele ser indirecta con unos efectos de luz a traves de pequenas gotas granuladas en forma de perla 42 Entre sus obras destaca Vanidades 1640 1645 The National Gallery Londres en la que todos los objetos representados tienen un significado simbolico una concha vacia que simboliza a la vez la riqueza y la mortalidad humana una espada japonesa simbolo del poder terreno que sin embargo no es capaz de vencer a la muerte un reloj simbolo de la fugacidad del tiempo y de lo limitado de la vida una flauta y una chirimia que representan lo efimero del placer sensual una calavera que simboliza la muerte el memento mori una lampara apagada nuevo simbolo de la caducidad de la vida que se apaga como una vela y varios libros que simbolizan la vanidad del saber 43 Por su parte Pieter fue autor de varias vanitas como las conservadas en los museos de Leiden Belfort Lund y el Prado similares a las de su hermano en tonos amarillos y grises 42 Cabe destacar la del Prado Emblema de la Muerte 1635 1640 en que dispuso sobre una mesa los habituales simbolos de la vanitas iluminados por un rayo de luz en diagonal siendo de remarcar la presencia de una bolsa de viaje como simbolo de la vida entendida como un viaje sin retorno ademas de un laud y una flauta dulce esta ultima ensartada en la boca del craneo que centra la escena 44 Vanitas con calavera libro y rosas c 1630 de Jan Davidsz de Heem Museo Nacional de Estocolmo A esta escuela pertenecio tambien Pieter Potter que recibio la influencia de Bailly y de Rembrandt como en su Vanitas del Rijksmuseum de Amsterdam 1646 45 Posteriormente Jan Davidsz de Heem llevo la vanitas de Leiden a Amberes Flandes 2 Discipulo de Bailly de Heem tuvo una primera etapa de estilo monocromo y austero pero tras su traslado a Amberes se contagio del estilo opulento del bodegon flamenco con influencia de Frans Snyders y Jan Fyt Entre sus obras se encuentran Vanitas con libros un globo una calavera un violin y un abanico c 1623 coleccion privada Vanitas 1628 Musee des Beaux Arts de Caen Vanitas 1629 Galeria Regional de Liberec y Vanitas con calavera libro y rosas c 1630 Museo Nacional de Estocolmo 46 Alumna de Heem fue Maria van Oosterwijck especializada en bodegones florales Fue autora de Vanitas con una calavera libros flores en un jarron y un globo celeste 1668 Museo de Historia del Arte de Viena y Vanitas y naturaleza muerta con girasol c 1670 1680 coleccion privada 47 Vanitas 1630 de Pieter Claesz Mauritshuis La Haya Dos de los mejores pintores de bodegones neerlandeses Pieter Claesz y Willem Heda practicaron tambien la vanitas El primero activo en Haarlem pinto bodegones de comidas y banquetes asi como algunas vanitas en un estilo monocromo como el iniciado en Leiden entre las que destaca la Vanitas del museo Mauritshuis de La Haya 1630 48 El segundo tambien natural de Haarlem pinto retratos y cuadros religiosos pero destaco especialmente en el bodegon con una composicion sobria y armonia de colores entre los que predominan el amarillo y el plateado en consonancia con la corriente monocromista Entre sus obras de este genero destaca una Vanitas del Museo Bredius de La Haya 1621 46 En Haarlem trabajo tambien Vincent Laurensz van der Vinne discipulo de Frans Hals Fue autor de algunas vanitas en las que solia autorretratarse como Vanitas c 1660 Museo Frans Hals Haarlem en un papel que cuelga de la mesa o Vanitas Museo Pushkin Moscu en la que aparece reflejado en una bola de cristal En Vanitas con corona real c 1650 Museo del Louvre Paris alude al fin de la monarquia 49 Joven sosteniendo una calavera 1626 de Frans Hals The National Gallery Londres Procedente del manierismo el pintor y grabador Hendrick Goltzius mostro al final de su carrera la influencia de Rubens 50 Problemas de vista y una mano paralizada le impidieron desde 1600 realizar grabados por lo que se dedico a efectuar una serie de dibujos que simulaban grabados Entre ellos esta Joven sosteniendo una calavera y un tulipan 1614 The Morgan Library amp Museum Nueva York un dibujo a pluma y tinta marron sobre papel en el que un joven con sombrero de plumas sostiene una calavera y un tulipan mientras al fondo aparece un reloj de arena y la inscripcion QVIS EVADET NEMO Quien escapa Nadie 51 Igual origen manierista tuvo Abraham Bloemaert pintor y aguafortista que practico casi todos los generos de la pintura Fue autor de Vanitas con libros una calavera un crucifijo y un reloj de arena San Jeronimo en el fondo c 1620 coleccion privada 52 Entre los grandes nombres de la pintura neerlandesa que trataron el tema se encuentra Frans Hals un eminente retratista activo en Haarlem Formado en la escuela manierista de su ciudad pronto se desmarco del estilo italianizante de ese circulo y se dedico a la busqueda de un mayor realismo de una vision objetiva de la sociedad de su tiempo con un estilo libre de matizados valores y un intenso tratamiento de la luz 53 Fue autor de Joven sosteniendo una calavera 1626 The National Gallery Londres donde un joven con capa y gorro con pluma sostiene un craneo en su mano izquierda como simbolo de la brevedad de la existencia 54 El buey desollado 1655 de Rembrandt Museo del Louvre Paris Uno de los pintores mas influyentes de su epoca Rembrandt trato el tema en El buey desollado dos versiones 1643 Museo y Galeria de Arte de Glasgow y 1655 Museo del Louvre Paris Artista original de fuerte sello personal desarrollo un estilo cercano al tenebrismo pero mas difuminado sin los marcados contrastes entre luz y sombra propios de los caravaggistas sino una penumbra mas sutil y difusa Cultivo todo tipo de generos desde el religioso y mitologico hasta el paisaje el retrato y el bodegon 55 En esta obra mostro los restos de un buey desollado colgado de una barra cerca del techo con un crudo realismo que mas alla del componente fisico evoca con crudeza el fin de la existencia La ejecucion se basa en pinceladas gruesas y violentas gestuales antecediendo a estilos modernos como el expresionismo 56 La tasadora de perlas 1664 de Johannes Vermeer Galeria Nacional de Arte Washington D C Otro de los grandes referentes del Barroco neerlandes fue Johannes Vermeer especializado en paisajes y escenas de genero a los que otorgo un gran sentido poetico algo melancolico donde destaca especialmente el uso de la luz y los colores claros con una tecnica casi puntillista 57 En una de sus obras etiquetable en principio como escena de genero se perciben elementos propios de la vanitas La tasadora de perlas 1664 Galeria Nacional de Arte Washington D C donde una joven probablemente Catharina Vermeer esposa del pintor sostiene una balanza mientras que sobre la mesa se ven perlas y monedas Situada justo en el centro del cuadro y destino del rayo de luz que entra diagonalmente por la ventana la balanza vacia permanece en posicion horizontal como posible mensaje a pesar nuestras decisiones tal como aconsejaba Ignacio de Loyola en sus Ejercicios espirituales Frente a la mujer en la pared un espejo simboliza la templanza actitud necesaria frente a la riqueza esparcida en la mesa 58 En la pared del fondo hay un cuadro del Juicio Final que se contrapone al hecho de que la mujer se encuentra encinta en una clara alusion al ciclo de la vida nacimiento muerte 59 Otra obra que mezclo el genero de la vanitas con la pintura costumbrista fue La ultima gota El alegre caballero de Judith Leyster 1639 Museo de Arte de Filadelfia en la que se ve a dos borrachos a los que se aparece la muerte en forma de esqueleto con un craneo y una vela encendida en una mano y un reloj de arena en la otra como recordatorio de que la vida se les acaba 60 Su marido Jan Miense Molenaer fue discipulo de Frans Hals y recibio tambien la influencia de Rembrandt Realizo preferentemente escenas de genero En su Alegoria de la vanidad 1633 Toledo Museum of Art Toledo Ohio retrato a una joven dama mirandose al espejo mientras la peina un peluquero apoyando un pie sobre una calavera en el suelo a su lado un nino hace pompas de jabon 61 Realizo tambien un Autorretrato c 1640 Pinacoteca Antigua de Munich en que apoya su mano derecha sobre una calavera situada en una mesa 62 El genero fue tratado tambien por los pintores de la Escuela caravaggista de Utrecht un grupo de artistas influidos por el tenebrismo de Caravaggio entre los que destacaron Hendrik Terbrugghen Dirck van Baburen y Gerard van Honthorst activos entre 1615 y 1635 aproximadamente Como en el caravaggismo la obra de estos artistas destaca por la profusa utilizacion del claroscuro del fuerte contraste entre luces y sombras asi como una vision realista de los temas artisticos principalmente religiosos retratos y escenas de genero Trataron tambien la vanitas como el San Jeronimo 1621 Museo de Arte de Cleveland o la Melancolia 1627 Galeria de Arte de Ontario Toronto de Hendrick ter Brugghen el San Jeronimo 1625 1630 Centraal Museum Utrecht de Gerard van Honthorst o el San Francisco 1618 Museo de Historia del Arte de Viena de Dirck van Baburen 63 Nino soplando pompas de jabon Homo Bulla de Jan Lievens Musee des Beaux Arts et d Archeologie de Besancon En un estilo de influencia rembrandtiana Willem de Poorter activo en Haarlem realizo cuadros historicos y mitologicos asi como naturalezas muertas de las que destacan sus vanitas especializadas en armas de guerra corazas y banderas con uso del claroscuro y una delicada tonalidad Fue autor de dos Alegoria de la vanidad 1635 1640 National Gallery Londres y 1645 1650 coleccion privada Munich 64 Otro discipulo de Rembrandt fue Jan Lievens Tras unos anos en Inglaterra y Amberes se instalo en Amsterdam Desarrollo un estilo influido en sus inicios por Rembrandt y mas tarde por Rubens y Van Dyck Fue autor preferentemente de cuadros religiosos retratos y paisajes 65 Entre sus obras se encuentra una Vanitas 1627 Museum de Fundatie Zwolle en la que sobre una mesa aparece una calavera junto a un reloj de arena libros un candelabro con una vela apagada y un violin Otra obra suya fue Nino soplando pompas de jabon Homo Bulla Musee des Beaux Arts et d Archeologie de Besancon en la que aparece un nino haciendo pompas de jabon con un craneo y varios huesos a sus pies y un reloj de arena en un costado 66 Naturaleza muerta con calavera c 1650 de Gerard Dou Muzeum Narodowe Gdansk Igual influencia rembrandtiana mostro Gerard Dou discipulo de Rembrandt en su taller de Leiden Se dedico sobre todo a la pintura de genero con un estilo minucioso y perfeccionista que gozo de gran popularidad En su etapa madura se alejo de su maestro con un colorido mas vistoso y una factura mas clara y lisa con preferencia por composiciones enmarcadas en hornacinas en falsa perspectiva y gusto por los claroscuros formados por luces de velas Realizo algunas vanitas como Bodegon con un nino soplando pompas de jabon 1645 Museo Nacional de Arte Occidental Tokio Naturaleza muerta con calavera c 1650 Muzeum Narodowe Gdansk o su propio Autorretrato 1658 Galeria Uffizi Florencia 67 Fue discipulo suyo Godfried Schalcken que trabajo ademas de en su pais natal en Inglaterra y Alemania Excelente retratista en muchas de sus obras empleo una luz artificial de velas o bujias de influencia rembrandtiana 68 Fue autor de Alegoria de la vanidad nina con una concha una burbuja y una antorcha c 1680 1685 coleccion privada 69 Discipulo de Frans Hals Pieter Gerritsz van Roestraeten fue autor de escenas de genero y de bodegones especializados en piezas de orfebreria y porcelanas Vanitas Frans Hals Museum Haarlem Vanitas Royal Collection 70 Vanitas con calavera coronada 1689 de Edwaert Collier coleccion privada Un prolifico autor de vanitas fue Edwaert Collier activo en Leiden con una obra influida por Pieter Claesz y Vincent Laurensz van der Vinne Fue autor entre otras de Vanitas con libros manuscritos y una calavera 1663 Museo Nacional de Arte Occidental Tokio Vanitas 1675 Museo de Bellas Artes de Budapest Vanitas 1675 Mauritshuis La Haya Autorretrato con vanitas 1684 Museo de Arte de Honolulu y Vanitas con calavera coronada 1689 coleccion privada 71 Jacques de Claeuw yerno de Jan van Goyen y cunado de Jan Steen realizo bodegones coloristas en los que solia disponer objetos preciosos y extranos descritos de forma minuciosa con una cierta influencia de David Bailly Entre sus obras destacan Vanitas con calavera bola de cristal y estandarte 1642 Rijksdienst voor het Cultureel Erfgoed Rijswijk Vanitas 1650 Rijksmuseum Amsterdam y Vanitas 1677 Cummer Museum of Art and Gardens Jacksonville 48 Vanitas 1650 de Jacques de Claeuw Rijksmuseum Amsterdam De una familia de artistas Ambrosius Bosschaert II se especializo en bodegones de flores Fue autor de Vanitas con calavera globo jarron con flores rosa libros y vajilla sobre una alfombra azul c 1640 1645 coleccion privada 72 Willem Bartsius fue paisajista y retratista Elaboro una Alegoria de la Vanidad c 1640 Museo de Arte e Historia de Ginebra en forma de joven elegantemente vestida sentada con una calavera en el regazo en una mesita a su lado se encuentran una taza libros joyas y un nautilo mientras que a sus pies hay varios objetos apilados entre los que se encuentran un globo terraqueo un laud un violin una flauta y varios libros 73 Juriaen van Streeck activo en Amsterdam realizo preferentemente naturalezas muertas en las que denoto la influencia de Willem Kalf Mostro predileccion por objetos metalicos porcelana y orfebreria asi como moluscos y conchas Destaca su Vanitas del Museo Pushkin de Moscu 74 Vanitas c 1640 1660 de Aelbert Jansz van der Schoor Rijksmuseum Amsterdam Simon Luttichuys recibio la influencia de Jan Davidsz de Heem con un estilo suntuoso como se denota en Vanitas del busto coleccion privada La Haya 75 Aelbert Jansz van der Schoor fue autor de Vanitas c 1640 1660 Rijksmuseum Amsterdam un sobrecogedor conjunto de seis calaveras junto a varios huesos mas ademas de rosas un reloj de arena y una vela encendida sobre un estante al fondo hay varios documentos con sellos y libros 76 Cabe mencionar tambien a Adriaen Coorte pintor del que se desconocen sus datos biograficos tan solo que estuvo activo en Middelburg de 1683 a 1707 centrado en el genero de la naturaleza muerta Fue autor de Vanitas en un nicho 1688 Zeeuws Museum Middelburg y Vanitas con calavera y reloj de arena 1686 coleccion privada 77 En un estilo pomposo cercano ya al rococo dieciochesco se encuentra la obra de Matthias Withoos autor de varias vanitas inmersas en paisajes donde situaba esqueletos y craneos tanto humanos como animales junto a otros objetos asi como en ocasiones piramides conmemorativas Vanitas Museo Pushkin Moscu Simbolos de vanitas en un paisaje 1658 Museum Flehite Amersfoort Vanitas en un paisaje c 1660 Galeria Nacional de Dinamarca Copenhague Mors omnia vincit 1660 1670 Musee Jeanne d Aboville La Fere 2 A caballo entre los siglos xvii y xviii Herman Henstenburgh es conocido por sus bodegones de frutas y flores con especialidad en insectos y pajaros Fue autor tambien de varias obras del genero Vanitas con calavera sobre una lamina de marmol 1698 Westfries Museum Hoorn Vanitas Museo Metropolitano de Arte Nueva York 78 En el arte del grabado hay que mencionar a Hendrik Hondius II miembro de una familia de grabadores que realizo grabados inspirados en obras de Bruegel especialmente retratos y paisajes 79 Fue autor de Finis coronat opus el fin corona la obra un grabado en cobre de 1626 en que aparece una mesa con libros sobre los que se encuentra una calavera coronada de laurel asi como diversos objetos mas como un candelabro un reloj de arena un jarron con flores una paleta con pinceles e instrumentos cientificos 80 Joven sosteniendo una calavera y un tulipan 1614 de Hendrick Goltzius The Morgan Library amp Museum Nueva York San Francisco 1618 de Dirck van Baburen Museo de Historia del Arte de Viena Vanitas con libros una calavera un crucifijo y un reloj de arena San Jeronimo en el fondo c 1620 de Abraham Bloemaert coleccion privada El trabajo esta coronado 1626 grabado de Hendrik Hondius II coleccion privada Melancolia 1627 de Hendrick ter Brugghen Galeria de Arte de Ontario Toronto Naturaleza muerta vanitas con el Spinario 1628 de Pieter Claesz Rijksmuseum Amsterdam Alegoria de la vanidad 1633 de Jan Miense Molenaer Toledo Museum of Art Toledo Ohio Emblema de la muerte c 1635 1640 de Pieter Steenwijck Museo del Prado Madrid La ultima gota El alegre caballero 1639 de Judith Leyster Museo de Arte de Filadelfia Vanidad c 1640 de Willem Bartsius Museo de Arte e Historia de Ginebra Vanitas con calavera globo jarron con flores rosa libros y vajilla sobre una alfombra azul c 1640 1645 de Ambrosius Bosschaert II coleccion privada Vanitas c 1660 de Vincent Laurensz van der Vinne Museo Frans Hals Haarlem Vanitas en un paisaje c 1660 de Matthias Withoos Galeria Nacional de Dinamarca Copenhague Vanitas con una calavera libros flores en un jarron y un globo celeste 1668 de Maria van Oosterwijck Museo de Historia del Arte de Viena Alegoria de la vanidad nina con una concha una burbuja y una antorcha c 1680 1685 de Godfried Schalcken coleccion privada Vanitas con calavera sobre una lamina de marmol 1698 de Herman Henstenburgh Westfries Museum HoornFlandes Editar Vanitas con craneo reloj de arena vela libro carta y un crucifijo en un zocalo de piedra de Alexander Coosemans Museos Reales de Bellas Artes de Belgica Bruselas En Flandes como se ha visto artistas neerlandesde como Jan Davidsz de Heem llevaron la vanitas a esa region por lo que inicialmente tuvo una acusada influencia neerlandesa aunque con el tiempo adopto tambien los rasgos de la escuela flamenca marcada en esos anos por la figura de Rubens Discipulos de Heem fueron Alexander Coosemans Carstian Luyckx y Joris van Son El primero fue autor de alegorias religiosas y de todo tipo de bodegones desde flores y caza hasta vanitas como en Vanitas con bouquet Museo de Bellas Artes de Gante o Vanitas con craneo reloj de arena vela libro carta y un crucifijo en un zocalo de piedra Museos Reales de Bellas Artes de Belgica Bruselas 81 Carstian Luyckx activo en Amberes en los anos 1640 1670 fue un prolifico autor de vanitas Entre sus obras destacan Memento mori con instrumentos musicales libros partituras esqueleto craneo y armadura c 1670 Alegoria de Carlos I de Inglaterra y Enriqueta de Francia en Vanitas c 1670 Museo de Arte de Birmingham Vanitas con globo celeste c 1660 1670 Castillo Real de Varsovia Vanitas con calavera libro de musica violin y conchas Musee des Beaux Arts Marsella 82 Alegoria de la vida humana c 1658 1660 de Joris van Son Walters Art Museum Baltimore Joris van Son mostro la influencia de Daniel Seghers ademas de la de Heem Se especializo en guirnaldas de flores pero tambien hizo alguna vanitas como Vanitas con una calavera una pistola un laud con cuerdas rotas una flauta conchas duraznos higos pan y una urna en una repisa parcialmente cubierta 1651 coleccion privada En Alegoria de la vida humana c 1658 1660 Walters Art Museum Baltimore mostro una calavera un reloj de arena y una vela encendida rodeados de una guirnalda de flores y frutas ademas de una mazorca de maiz mariposas y un escarabajo 83 Fue autor tambien de Tres Putti con simbolos de vanitas dentro de un cartucho decorado 1643 1667 coleccion privada en que aparecen tres amorcillos uno con una calavera y otro haciendo pompas de jabon en un medallon rodeado de una guirnalda de flores y frutas 84 Vanitas 1663 de Pieter Boel Palais des Beaux Arts de Lille Un buen exponente del genero fue Pieter Boel autor de Vanitas 1663 Palais des Beaux Arts de Lille donde el artista consigno en el lienzo un gran numero de objetos alusivos a la vanidad apilados desordenadamente como en un trastero y situados en el interior de una iglesia en ruinas Asi y en consonancia con la tipica opulencia barroca estos objetos relacionados tanto con el poder terrenal como con el espiritual y entre los que destacan una corona una mitra un baculo y un globo terraqueo son un ejemplo de ostentacion de riqueza esteril y vacia Como unica referencia al memento mori se encuentra una calavera situada en la parte superior de la piramide visual que forman los objetos asi como un sarcofago situado en segundo plano que contiene la inscripcion VANITATI S ACRIFICIUM sacrificio de la vanidad 85 Naturaleza muerta con bouquet y calavera 1642 de Adriaen van Utrecht coleccion privada Otro gran interprete del genero fue Adriaen van Utrecht especialista en bodegones y cuadros de caza Viajo por Francia Italia y Alemania absorbiendo diversas influencias que reflejo en sus cuadros Junto a Frans Snyders se le considera el inventor del Pronkstilleven bodegon suntuoso Fue autor entre otras de Naturaleza muerta con bouquet y calavera 1642 coleccion privada y Vanitas o alegoria de la fugacidad de la felicidad 1640 1645 Pinacoteca Antigua de Munich 86 Con el anterior colaboro en ocasiones Nicolaes van Verendael especialista en bodegones de flores autor tambien de las flores de una vanitas de Jan Davidsz de Heem Entre sus obras cabe citar Vanitas c 1680 Musee des Beaux Arts de Caen y Vanitas con un ramo de flores una vela implementos para fumar y una calavera Galeria de la Academia de Venecia 87 Vanitas 1664 de Cornelis Norbertus Gysbrechts Ferens Art Gallery Kingston upon Hull Cornelis Norbertus Gysbrechts realizo bodegones de falsa perspectiva en los que aglutinaba objetos de la mas diversa procedencia 88 Cabe destacar su Vanitas 1664 Ferens Art Gallery Kingston upon Hull un interesante ejercicio de trampantojo en el que dispuso una vanitas tradicional en un lienzo situado en la pared con la esquina superior derecha doblada y con una paleta y pinceles en la parte inferior cuyos pigmentos gotean al estar colocada la paleta en posicion vertical en la esquina superior derecha hay un medallon con un autorretrato suyo 89 Una composicion similar se encuentra en otra Vanitas 1668 conservada en la Galeria Nacional de Dinamarca 90 Siguio sus pasos su hijo Franciscus Gysbrechts autor de Vanidad con craneo Museo de Bellas Artes de Rennes Vanitas con una calavera un globo terraqueo una trompeta e instrumentos para fumar c 1660 1675 Museo Real de Bellas Artes de Amberes Naturaleza muerta con calavera c 1675 Muzeum Narodowe Gdansk 88 Jean Francois de Le Motte fue junto a Gysbrechts uno de los mejores pintores de perspectivas ilusionistas generalmente en composiciones centradas en tabiques en los que colocaba objetos como libros cartas yesos grabados pinceles y paletas como en Vanidad y trompe l œil Museo de Bellas Artes de Dijon 91 Naturaleza muerta con craneo humano globo libros corona inglete burbujas concha de mejillon con pipa de burbuja corona de acebo en el craneo reloj en la mesa candelabro con reflejo del retrato del artista c 1650 de Hendrick Andriessen Mount Holyoke College Art Museum South Hadley Massachusetts Hendrick Andriessen se especializo en vanitas de las que se conocen unas diez en varios museos Entre ellas cabe citar Vanitas con una calavera un Roemer roto una rosa un reloj de arena una concha de nautilus un reloj de bolsillo y otros objetos todo sobre una mesa cubierta c 1630 1640 coleccion privada Naturaleza muerta con craneo humano globo libros corona inglete burbujas concha de mejillon con pipa de burbuja corona de acebo en el craneo reloj en la mesa candelabro con reflejo del retrato del artista c 1650 Mount Holyoke College Art Museum South Hadley Massachusetts Vanitas con una calavera y un nino moro sosteniendo un retrato del pintor c 1650 Herbert F Johnson Museum of Art Ithaca Nueva York Vanitas c 1650 Museo de Bellas Artes de Gante Naturaleza muerta con mascara calavera globo y pompas de jabon c 1650 1655 Ashmolean Museum Oxford y Vanitas Galeria de Arte de Ontario Toronto 92 Roelant Savery se formo en Amsterdam y paso unos anos en Praga al servicio del emperador Rodolfo II Realizo paisajes escenas de genero cuadros de animales y bodegones especialmente de flores con un estilo preciso de evocacion poetica 93 Fue autor de Memento mori c 1600 1609 Museo Nacional de Estocolmo donde diversos animales e insectos vivos se entremezclan con craneos y huesos de animales muertos como recordatorio del destino final de todo ser vivo 94 Joannes de Cordua activo en Viena y Praga fue autor de pintura religiosa escenas de genero retratos y bodegones Cabe destacar su Vanitas con busto 1665 Museo de Bellas Artes de Pau donde expuso sobre una mesa una calavera coronada de espigas un busto una pipa una caracola un dibujo y varios objetos mas 95 Catarina Ykens I de una familia de pintores es conocida por sus guirnaldas florales Fue autora de Bodegon de un jarron de flores una calavera y un crucifijo c 1650 coleccion privada 96 Su homonima Catarina Ykens II se especializo en naturalezas muertas y guirnaldas de flores y frutos Fue autora de Vanitas con busto de una dama con una corona de flores en una repisa 1688 coleccion privada en la que aparece un busto de mujer cuya cabeza es una calavera tocada con un ramo de flores y un pajaro en su hombro 97 En cuanto al grabado cabe citar a Cornelis Galle el Viejo autor de Bodegon con calavera reloj de bolsillo y rosas segundo cuarto del siglo XVII Biblioteca de la Academia Polaca de Artes y Ciencias y de la Academia Polaca de Ciencias donde aparece una calavera con un reloj de bolsillo un jarron con rosas y la inscripcion MEMORARE NOVISSIMA ET IN AETERNVM NON PECCABIS recuerda las ultimas cosas y nunca pecaras 98 Memento mori c 1600 1609 de Roelant Savery Museo Nacional de Estocolmo Bodegon de un jarron de flores una calavera y un crucifijo c 1650 de Catarina Ykens I coleccion privada Vanitas con una calavera una pistola un laud con cuerdas rotas una flauta conchas duraznos higos pan y una urna en una repisa parcialmente cubierta 1651 de Joris van Son coleccion privada Vanitas con busto 1665 de Joannes de Cordua Museo de Bellas Artes de Pau Vanitas con una calavera un globo terraqueo una trompeta e instrumentos para fumar c 1660 1675 de Franciscus Gysbrechts Museo Real de Bellas Artes de Amberes Memento mori con instrumentos musicales libros partituras esqueleto craneo y armadura c 1670 de Carstian Luyckx Vanitas c 1680 de Nicolaes van Verendael Musee des Beaux Arts de Caen Vanitas con busto de una dama con una corona de flores en una repisa 1688 de Catarina Ykens II coleccion privadaFrancia Editar Vanitas 1641 de Sebastian Stoskopff Musee de l Œuvre Notre Dame Estrasburgo En Francia el genero fue introducido por la comunidad de pintores flamencos de Saint Germain des Pres entre los que destacan N L Peschier y Sebastien Bonnecroy asi como Sebastian Stoskopff alsaciano de origen pero miembro de este grupo El primero realizo vanitas influidas por Vincent van der Vinne y Edwaert Collier como Vanitas con violin libro calavera y pluma 1660 Rijksmuseum Amsterdam Vanitas 1660 Museo de Bellas Artes de Montreal y Calavera bolsas de dinero y documentos 1661 Institut Neerlandais Paris 99 De Bonnecroy se tienen escasos datos Fue autor de Vanitas 1641 Museo de Bellas Artes de Estrasburgo y Vanitas una calavera un violin una taza volcada libros cartas del tarot un reloj de bolsillo una pipa de arcilla un cono y una bolsa de tabaco en un plato de peltre en una mesa de madera cubierta con una alfombra coleccion privada 100 Stoskopff se formo con Daniel Soreau un artista valon especializado en bodegones que habia sido discipulo de Georg Flegel En 1621 a causa de la Guerra de los Treinta Anos se traslado a Paris Auno influencias francesas alemanas y flamencas y se especializo en bodegones 101 Fue autor de Vanitas 1641 Musee de l Œuvre Notre Dame Estrasburgo donde presenta una composicion centrada en la calavera y rodeada de diversos elementos propios de las vanidades un laud libros un grabado copas de orfebreria una armadura y una espada un globo terraqueo y un reloj de arena 102 Vanitas una calavera un violin una taza volcada libros cartas del tarot un reloj de bolsillo una pipa de arcilla un cono y una bolsa de tabaco en un plato de peltre en una mesa de madera cubierta con una alfombra de Sebastien Bonnecroy coleccion privada En este pais fue frecuente una variedad de vanitas centrada en los cinco sentidos por lo general se representaba la vista con espejos el oido con instrumentos musicales el tacto con dinero o juegos de mesa el olfato con flores y el gusto con comida Entre estos casos se encuentran El verano o los cinco sentidos de Sebastian Stoskopff 1633 Musee de l Œuvre Notre Dame Estrasburgo el Damero de Lubin Baugin Museo del Louvre Paris o los Cinco sentidos de Jacques Linard Museo del Louvre Paris 103 Otro artista de origen flamenco fue Philippe de Champaigne nombrado a los veinticinco anos pintor de camara del rey Luis XIII Desarrollo un estilo bastante eclectico en el que mezclo su formacion flamenca con el clasicismo frances ademas de cierto manierismo y un influjo del caravaggismo italiano Realizo principalmente cuadros religiosos y retratos asi como paisajes 104 Fue autor de una de las obras mas paradigmaticas del genero Naturaleza muerta con calavera o Alegoria de la vida humana 1671 Museo de Tesse Le Mans sobrecogedora pese a su extrema sobriedad sobre una placa de piedra caliza se ve una calavera de frente flanqueada de un reloj de arena y un jarron con un tulipan con un fondo oscuro de estilo tenebrista 105 Naturaleza muerta con calavera 1671 de Philippe de Champaigne Museo de Tesse Le Mans Algunos de los mejores artistas franceses de la centuria tambien trataron el genero como Georges de La Tour el mejor representante en su pais del naturalismo de tradicion caravaggista En su obra se distinguen dos fases una centrada en la representacion de tipos populares y escenas jocosas y otra donde predomina la tematica religiosa con un radical tenebrismo donde las figuras se vislumbran con tenues luces de velas o lamparas de bujia 106 Entre estas ultimas se encuentra Magdalena penitente c 1625 1650 Museo Metropolitano de Arte Nueva York en que se representa la santa por algunos de sus atributos iconograficos habituales como el pelo largo y el vestido rojo mientras que sostiene en su regazo un craneo y dirige su mirada hacia un espejo en el que se refleja una vela situada delante El espejo es un habitual simbolo de la vanidad como las joyas situadas junto a la vela cuya llama simboliza de nuevo el paso del tiempo y el fin de la vida 107 Magdalena penitente 1625 1650 de Georges de La Tour Museo Metropolitano de Arte Nueva York Otro gran exponente fue Nicolas Poussin representante en este caso de la linea clasicista el estilo adoptado como arte oficial por la monarquia y la aristocracia que le dieron unas senas de identidad propias con la acunacion del termino clasicismo frances Recibio la influencia de la pintura rafaelesca y de la escuela bolonesa y creo un tipo de representacion de escenas de tematica generalmente mitologica donde evoca el esplendoroso pasado de la antiguedad grecorromana como un paraiso idealizado de perfeccion una edad dorada de la humanidad 108 Entre ellas se encuentra una cuya tematica se acerca al genero de la vanitas La danza de la vida humana c 1638 1640 Coleccion Wallace Londres una escena alegorica donde cuatro figuras danzantes representan el Placer el Trabajo la Riqueza y la Pobreza en una rueda de la fortuna por la cual cualquier persona puede fluctuar a lo largo de la vida a su lado la figura alada es el Padre Tiempo tocando una lira Otros elementos son alusivos igualmente a la fugacidad de la vida un amorcillo con un reloj de arena un nino haciendo burbujas de jabon y unas guirnaldas de flores 109 La danza de la vida humana c 1638 1640 de Nicolas Poussin Coleccion Wallace Londres Simon Vouet vivio durante su juventud en Italia para instalarse posteriormente en Paris donde fue el artista preferido de Luis XIII Su obra inicial denoto la influencia tanto del caravaggismo como del clasicismo bolones aunque posteriormente evoluciono a un estilo mas colorista y decorativo 110 Fue autor de La pareja mal emparejada 1621 Museo Nacional de Varsovia en la que aparece un hombre mayor que intenta seducir a un chica joven la cual senala con el dedo una calavera situada sobre una mesa 111 Discipulo suyo fue Pierre Mignard quien tras su formacion inicial paso una estancia de veinte anos en Italia donde recibio la influencia de la Escuela de Bolonia Fue autor principalmente de obras religiosas y retratos en los que aunaba realismo y cierto sentimentalismo 112 Fue autor de Nina haciendo pompas de jabon 1674 Palacio de Versalles retrato de Luisa Maria Ana de Borbon llamada Mademoiselle de Tours hija de Luis XIV y de Madame de Montespan Ejemplo de homo bulla en su mano izquierda sostiene una concha con el agua jabonosa mientras que con la derecha sostiene una pajita de la que pende una burbuja a punto de explotar Sobre la mesita hay un reloj de bolsillo simbolo del paso del tiempo A los pies de la nina un loro simboliza la pureza y la inocencia de la ninez 113 Alegoria de la vanidad de las cosas terrenales c 1630 de Trophime Bigot Galeria Nacional de Arte Antiguo Roma Trophime Bigot fue representante del naturalismo caravaggista apodado Maitre a la chandelle maestro de la vela por sus escenas de luz artificial en las que mostro una gran pericia en la tecnica del claroscuro 114 Fue autor de Alegoria de la vanidad de las cosas terrenales c 1630 Galeria Nacional de Arte Antiguo Roma donde aparece una joven con turbante que senala una calavera con la mano derecha mientras que con la otra sujeta un espejo en que se refleja una lampara de aceite que tiene al lado situada sobre un reloj de arena Existen dudas sobre la atribucion de esta obra a Bigot o a un maestro anonimo 115 Jacques Linard fue autor de cuadros alegoricos como los Cinco sentidos o los Cuatro elementos y naturalezas muertas pobladas de detalles anecdoticos de evocacion poetica lo que lo aleja del naturalismo del bodegon flamenco y neerlandes 116 Fue autor de la Vanitas del Museo del Prado 1640 1645 en que coloco un craneo sobre un libro y un jarron con un clavel al lado una composicion sencilla pero evocadora 117 Simon Renard de Saint Andre fue pintor y grabador un insigne retratista muy apreciado en su tiempo Fue autor de varias vanidades como las del Museo Garinet de Chalons en Champagne el Museo de Bellas Artes de Marsella y el Museo de Bellas Artes de Estrasburgo Destaca Vanitas c 1650 Museo de Bellas Artes de Lyon donde una calavera coronada de laurel evoca la fama postuma de un poeta quiza Balthazar Cozon cuyos versos manuscritos aparecen bajo el craneo Otros elementos de la imagen son medallas partituras flautas una concha vacia un vaso roto una botella de vino y pompas de jabon 118 Cabe mencionar tambien a la pintora Madeleine Boullogne perteneciente a una familia de pintores caracterizados por aunar el clasicismo frances con el caravaggismo italiano Se especializo en naturalezas muertas especialmente obras en las que se amontonaban trofeos armaduras e instrumentos musicales de las que se conservan cuatro en el palacio de Versalles En su Vanitas del Museo de Bellas Artes de Mulhouse dispuso encima de una mesa con un tapete rojo varios libros dos calaveras un espejo un candelabro y un reloj de arena 119 La pareja mal emparejada 1621 de Simon Vouet Museo Nacional de Varsovia Vanitas 1640 1645 de Jacques Linard Museo del Prado Madrid Vanitas 1641 de Damien Lhomme Musee Saint Loup Troyes Vanitas c 1650 de Simon Renard de Saint Andre Museo de Bellas Artes de Lyon Vanitas c 1650 anonimo Museo del Louvre Paris Vanitas con violin libro calavera y pluma 1660 de N L Peschier Rijksmuseum Amsterdam Nina haciendo pompas de jabon 1674 de Pierre Mignard palacio de Versalles Vanitas de Madeleine Boullogne Museo de Bellas Artes de MulhouseAlemania Editar Vanitas 1637 de Jacob Marrel Kunsthalle Karlsruhe En Alemania este genero estuvo bastante vinculado al tema del sentimiento de la muerte intrinseco a la cultura de ese pais 120 Georg Flegel fue el introductor del bodegon como genero autonomo en Alemania siguiendo los pasos iniciados en los Paises Bajos Su especialidad fue la del almuerzo mesas servidas con alimentos de todo tipo en ocasiones con flores u otras plantas e incluso insectos con un estilo austero y minucioso En los ultimos anos de su carrera 1635 1638 este tipo de representaciones evolucionaron hacia un tono mas marronaceo e iluminado por la luz de una vela que se consume evocando como en las vanitas el caracter efimero de las cosas terrenales 121 Cabe destacar a Johann Georg Hainz un pintor casi desconocido en lo que respecta a su biografia Se le conoce activo en Leipzig y posteriormente Hamburgo donde realizo especialmente bodegones de influencia neerlandesa con un gusto preferente por los objetos preciosos tratados con una extrema precision destinados a coleccionistas como en Alacena de orfebreria y calavera 1666 Kunsthalle de Hamburgo 122 Nino dormido con calavera de Leonhard Kern Museo Louvre Lens Johann Heinrich Schonfeld de formacion manierista paso una estancia de unos diez anos en Italia primero en Roma donde recibio la influencia de Adam Elsheimer y despues en Napoles donde evidencio el influjo de Aniello Falcone y Salvator Rosa Desarrollo un estilo poetico e intimista de sutil colorido y pequeno formato En su obra diversifico paisajes idilicos y escenas religiosas y mitologicas de aire bucolico con el genero de las vanidades en obras donde objetos como velas que se apagan pompas de jabon animales muertos sepulcros y sarcofagos paisajes desolados o arquitecturas en ruinas expresan la precariedad de las cosas y lo efimero de la vida 123 Entre sus obras destaca El Tiempo Cronos c 1645 Deutsche Barockgalerie im Schaezlerpalais Augsburgo en la que un Cronos alado en actitud melancolica se apoya en un zocalo con la inscripcion Il Tempo sobre el que se encuentran una vela y un reloj de arena al lado un amorcillo hace pompas de jabon 124 Un artista a caballo entre Alemania y Paises Bajos fue Jacob Marrel Fue discipulo de Georg Flegel en Francfort de 1627 a 1632 ano en que se traslado a Utrecht donde fue discipulo de Jan Davidsz de Heem Residio en esa ciudad hasta 1650 y de nuevo entre 1659 y 1669 Se especializo en bodegones de guirnaldas y jarrones de flores Entre sus obras se encuentra una Vanitas 1637 Kunsthalle de Karlsruhe donde situa un jarron de flores una calavera un violin un libro un tintero una pipa y diversos objetos mas asi como un raton y varios insectos enmarcados en un nicho con figuras de angelotes en los flancos superiores uno de ellos haciendo pompas de jabon 125 Discipulo suyo fue Abraham Mignon que se traslado con su maestro a Utrecht y trabajo igualmente en el taller de Heem cuyo estilo imito inicialmente aunque posteriormente evoluciono hacia un tipo de obras mas finas y precisas de gran virtuosismo Elaboro principalmente cuadros de flores acompanadas generalmente de gatos pajaros o insectos 112 Entre sus obras se encuentra Bodegon de flores con naranja reloj de arena y calavera c 1670 coleccion privada un exuberante jarron de flores con insectos volando situado sobre una mesa en cuyo lado derecho se aprecia una calavera y un reloj de arena 126 Otro discipulo de Marrel fue Johann Andreas Graff pintor y grabador autor con su esposa Maria Sibylla Merian de ilustraciones botanicas asi como vistas de ciudades y edificios Fue autor de una Vanitas c 1680 1690 coleccion privada en que aparece una calavera con un pergamino con la inscripcion memento mori junto a una estatuilla una vasija unas medallas y una paleta y pinceles de pintor 127 Cabe mencionar en el campo de la escultura a Leonhard Kern autor de Nino dormido con calavera segunda mitad del siglo XVII Museo Louvre Lens una obra de marfil que representa a un nino dormido desnudo y tocado con una corona de laurel que se apoya sobre una calavera situada encima de un reloj de arena dos simbolos arquetipicos de la vanitas Sujeta con una mano una antorcha invertida otro simbolo de la vida que se apaga 11 En el terreno del grabado hay que mencionar al suizo Matthaus Merian activo en Basilea y posteriormente en Francfort especializado en planos y vistas de ciudades 128 Fue autor de varias danzas de la muerte y alguna vanitas como Memento mori Finis coronat opus 1649 inspirada en el grabado de Hondius de 1626 sobre un libro flanqueado por un candelabro y un jarron de flores se situa un craneo coronado de laurel con un reloj de arena encima que tiene dos alas una de angel y otra de demonio como simbolo de los dos posibles destinos tras la muerte 129 Cena a la luz de las velas c 1635 1638 de Georg Flegel coleccion privada El Tiempo Cronos c 1645 de Johann Heinrich Schonfeld Deutsche Barockgalerie im Schaezlerpalais Augsburgo Memento mori Finis coronat opus 1649 de Matthaus Merian Alacena de orfebreria y calavera 1666 de Johann Georg Hainz Kunsthalle de Hamburgo Bodegon de flores con naranja reloj de arena y calavera c 1670 de Abraham Mignon coleccion privada Vanitas c 1680 1690 de Johann Andreas Graff coleccion privadaItalia Editar San Jeronimo escribiente 1605 de Caravaggio Galeria Borghese Roma La pintura barroca italiana estuvo marcada por dos tendencias contrapuestas el naturalismo caracterizado por una representacion realista de la naturaleza y la sociedad que tuvo su maximo exponente en Caravaggio y el clasicismo que buscaba una representacion idealizada de la naturaleza surgido en torno a la denominada escuela bolonesa 130 Caravaggio fue un artista original y de vida azarosa que pese a su prematura muerte dejo numerosas obras maestras en las que se sintetizan la descripcion minuciosa de la realidad y el tratamiento casi vulgar de los personajes con una vision no exenta de reflexion intelectual Fue introductor del tenebrismo donde los personajes destacan sobre un fondo oscuro con una iluminacion artificial y dirigida de efecto teatral que hace resaltar los objetos y los gestos y actitudes de los personajes 131 Su Cesto con frutas c 1596 Pinacoteca Ambrosiana Milan sin ser propiamente una vanitas en sentido estricto se acerca al genero por cuanto la representacion de la fruta podrida hace evocar la caducidad de las cosas 132 Fue autor tambien de un San Jeronimo escribiente 1605 Galeria Borghese Roma en el que muestra una calavera encima de un libro como era habitual en la iconografia de este santo 133 Et in Arcadia ego 1618 1622 de Guercino Galeria Nacional de Arte Antiguo Roma Uno de sus discipulos fue Cecco del Caravaggio un artista posiblemente de origen frances o flamenco del que no se tienen practicamente datos biograficos ni siquiera su nombre exacto Activo en el primer tercio del siglo XVII realizo obras de una iluminacion violenta y expresiva con personajes de expresion inquieta Fue autor de Magdalena penitente c 1610 1620 Stadtische Kunstsammlungen Augsburgo en el que la santa contempla un crucifijo mientras apoya su brazo derecho sobre una calavera situada encima de un libro 134 En el seno del clasicismo de corte idealista y por tanto alejado del dramatismo de este tipo de escenas se encuentran pocos ejemplos pero cabe resaltar sin embargo una obra de Guercino Et in Arcadia ego 1618 1622 Galeria Nacional de Arte Antiguo Roma una escena pastoril pero con mensaje relativo al memento mori frente a un paisaje boscoso dos pastores contemplan una calavera situada sobre un pedestal con la inscripcion Et in Arcadia ego yo tambien estoy en Arcadia en alusion a la Muerte que tambien se halla en el paraiso El craneo esta en fase de descomposicion roido por un raton y varios insectos 135 Humana fragilitas 1657 de Salvator Rosa Fitzwilliam Museum Cambridge Un artista original fue Salvator Rosa un pintor excentrico de fuerte temperamento un romantico avant la lettre autor de cuadros en los que mostro un sentimentalismo melancolico y una gran fantasia creadora Estuvo influido por el caravaggismo y el populismo de los bamboccianti aunque hacia la mitad de su carrera se decanto hacia el clasicismo para evolucionar mas tarde a un estilo anticlasico que se podria considerar prerromantico 136 Fue autor de Humana fragilitas 1657 Fitzwilliam Museum Cambridge una alegoria donde aparece una mujer que sostiene un nino en su regazo el cual escribe sobre un pergamino que le tiende la Muerte en forma de esqueleto alado una frase de Adan de San Victor Conceptio culpa Nasci pena Labor vita Necesse mori la concepcion es un pecado el nacimiento es dolor la vida es un trabajo la muerte es una necesidad En la esquina inferior izquierda aparecen otros dos ninos uno que enciende una antorcha simbolo de lo efimero y otro que hace pompas de jabon simbolo de la fragilidad humana En la esquina inferior derecha figura una lechuza considerada generalmente un ave de mal augurio y muerte 137 Detras de la mujer hay un busto de Termino el dios de los limites e hitos fronterizos 138 La Melancolia c 1620 de Domenico Fetti Museo del Louvre Paris Giuseppe Recco miembro de una familia napolitana de bodegonistas se formo con el lombardo Evaristo Baschenis por lo que aglutino el estilo de ambas escuelas al que anadio cierta influencia de Caravaggio y de la pintura espanola Se especializo en bodegones de peces situados en escaparates o en ocasiones en paisajes o cuevas marinas con un colorido de gran lirismo Fue autor de Vanitas con una calavera descansando sobre un libro con otros objetos de peltre sobre una mesa cubierta de alfombras coleccion privada 139 Domenico Fetti fue un pintor de corta carrera murio a los treinta y cuatro anos que recibio la influencia de Caravaggio y de la pintura veneciana con un estilo de rico cromatismo y pincelada ligera de tono poetico y algo romantico con gusto por lo anecdotico 140 Fue autor de La Melancolia c 1620 Museo del Louvre Paris donde una mujer contempla una calavera en actitud melancolica a sus pies se encuentran diversos objetos alusivos a las artes cepillo paleta pincel modelo de torso y las ciencias astrolabio libro manual de geometria como metafora de que estos conocimientos no son sino mas que problemas irresolubles que generan melancolia 141 Alegoria de la vida humana c 1650 de Guido Cagnacci Fondazione Cavallini Sgarbi Ro Pietro Negri fue un artista a caballo entre el tardomanierismo y el naturalismo tenebrista Fue autor de Vanitas 1662 Museo del Prado Madrid llamada anteriormente Magdalena penitente pero mas tarde reinterpretada como una alegoria de la vanidad ya que su vestido lujoso pese a tener el torso desnudo sus joyas la cinta que le cruza el pecho y su cabello arreglado no cuadraban bien con la iconografia habitual de la Magdalena Se acompana ademas de los elementos habituales que expresan la fugacidad de la vida la calavera la vela que se apaga y el reloj de arena 142 De tendencia naturalista Guido Cagnacci fue autor preferentemente de cuadros religiosos aunque al final de su carrera trato tambien temas profanos y algunos desnudos Entre sus obras se encuentra una Alegoria de la Vanitas y de la Penitencia Museo de Picardia Amiens y una Alegoria de la vida humana c 1650 Fondazione Cavallini Sgarbi Ro 143 Alegoria de la vanidad Pandora 1626 de Nicolas Regnier Galeria Estatal de Stuttgart Giovanna Garzoni se especializo en miniaturas y pinturas de pequenas dimensiones a menudo sobre pergamino destinadas por lo general a clientes aristocraticos Con un estilo aparentemente fragil sus obras destacan sin embargo por su virtuosismo con un grafismo nitido y un colorido de cierta transparencia y aire sugestivo Por lo general sus imagenes se centraban en uno o pocos objetos mostrados en primer termino y con fondos planos generalmente de color claro 144 Realizo varias obras del genero Calavera libros y una medalla con el retrato de Francesco dei Medici Calavera y reloj Bodegon con frutas calavera y botella y Bodegon con frutas calavera y un tulipan 145 De origen flamenco Nicolas Regnier se establecio en Italia en 1615 primero en Roma y luego en Venecia donde desarrollo su carrera en un estilo inicialmente caravaggista influido por la obra de Bartolomeo Manfredi y mas adelante marcado por la escuela veneciana con obras decorativas y suntuosas generalmente escenas historicas mitologicas o alegorias 146 Fue autor de Alegoria de la vanidad Pandora 1626 Galeria Estatal de Stuttgart en que aparece una joven elegantemente vestida junto a una mesita con una vasija una mascara de teatro y diversas joyas mientras con el pie pisa una calavera 147 Giovanni Martinelli fue un pintor florentino cercano al naturalismo pero con un espiritu poetico y melancolico de sencillez narrativa y estilo luminoso algo arcaizante 148 En La muerte llega a la mesa del banquete Memento Mori 1635 Museo de Arte de Nueva Orleans represento la llegada de la Muerte en forma de esqueleto con un reloj de arena en la mano a un banquete cuyos comensales la miran horrorizados 149 Apodado il Genovesino Luigi Miradori denota una formacion entre Lombardia y Genova con influencia de Adam Elsheimer y de la pintura espanola Autor en su mayoria de obras religiosas cabe destacar en el genero estudiado su Cupido dormido c 1650 Museo civico Ala Ponzone Cremona en que aparece Cupido el dios del deseo amoroso dormido con la cabeza apoyada en una calavera con un jarron de flores a su lado 150 Otro destacado bodegonista fue Pier Francesco Cittadini formado con Guido Reni representante de un tipo de bodegones opulentos de influencia flamenco neerlandesa poblados de objetos preciosos vajillas y alfombras orientales Fue autor de Vanitas con violin libro de musica florero y calavera 1681 coleccion privada 151 Cabe destacar por ultimo en el arte de la escultura una obra de Gianlorenzo Bernini arquitecto y escultor uno de los principales artifices de la Roma papal de su tiempo autor del baldaquino de San Pedro y de la columnata de la plaza de San Pedro Entre sus obras se encuentra la tumba de Alejandro VII 1671 basilica de San Pedro del Vaticano un conjunto escultorico en marmol y bronce presidido por una estatua del pontifice arrodillado en actitud de oracion bajo cuya figura aparece el esqueleto de la Muerte con un reloj de arena flanqueado a la izquierda por la Caridad y la Prudencia y a la derecha por la Verdad y la Justicia El sentido alegorico de estas figuras significa el triunfo del Tiempo sobre la Vida y de la Verdad sobre el Tiempo 152 La muerte llega a la mesa del banquete Memento Mori 1635 de Giovanni Martinelli Museo de Arte de Nueva Orleans Cupido dormido c 1650 de Luigi Miradori Museo civico Ala Ponzone Cremona Vanitas 1662 de Pietro Negri Museo del Prado Madrid Detalle de la tumba de Alejandro VII 1671 de Gianlorenzo Bernini basilica de San Pedro del Vaticano Vanitas con violin libro de musica florero y calavera 1681 de Pierfrancesco Cittadini coleccion privada Vanitas con una calavera descansando sobre un libro con otros objetos de peltre sobre una mesa cubierta de alfombras de Giuseppe Recco coleccion privada Bodegon con frutas calavera y un tulipan de Giovanna GarzoniEspana Editar In ictu oculi izquierda y Finis Gloriae Mundi derecha de Juan de Valdes Leal Iglesia y Hospital de la Caridad Sevilla 1670 1672 En Espana la vanitas llego bajo la influencia neerlandesa y flamenca aunque pronto adquirio caracteristicas propias ya que si bien en estos paises el genero tenia un caracter de una moralidad mas laica que evocaba la inmortalidad de una manera mas positiva incluso con cierto factor estetico en la imagen en la Espana contrarreformista el genero adquirio un sentido fuertemente religioso encaminado a la reflexion y la penitencia con un componente mas pesimista aunque abierto igualmente al sentido de redencion Por otro lado en este pais la vanitas tuvo un fuerte sustrato procedente de la literatura que durante esta epoca se prodigo en la reflexion sobre la muerte en obras como El arte de bien morir h 1500 de Rodrigo Fernandez de Santaella los Ejercicios espirituales 1522 de san Ignacio de Loyola el Tratado de la vanidad del mundo 1552 de fray Diego de Estella el Libro de la oracion y meditacion 1554 de fray Luis de Granada o las Meditaciones espirituales 1605 de Luis de la Puente 4 En la Espana del siglo XVII la vanitas era denominada desengano un termino que reflejaba el pesimismo y la decepcion que imperaban en la sociedad de entonces marcado por la filosofia estoica de signo senequista que predominaba entre los intelectuales de la epoca El vocablo tuvo su origen en la literatura ejemplificado por una frase de Sebastian de Covarrubias desengano es la mesma verdad que nos desengana En una epoca de desilusion la certeza mas evidente es la muerte 153 Alegoria de la vanidad 1660 de Juan de Valdes Leal Wadsworth Atheneum Hartford Connecticut El genero de la vanitas dio en Espana dos nombres excepcionales Juan de Valdes Leal y Antonio de Pereda Valdes se formo en Cordoba donde recibio la influencia de Antonio del Castillo y de Francisco de Herrera el Viejo Instalado despues en Sevilla trabajo para varias instituciones religiosas en un estilo expresionista de corte dramatico en que le interesaba mas el dinamismo y la tension que la armonia o el equilibrio el realismo concreto mas que la belleza ideal 154 Realizo dos de las mas emblematicas representaciones de vanitas que existen para la iglesia del Hospital de la Caridad de Sevilla In ictu oculi y Finis Gloriae Mundi 1670 1672 En relacion con su destino los llamados Jeroglificos de las postrimerias simbolizan el poder de la caridad como instrumento de salvacion frente a la perdicion eterna In ictu oculi en un abrir y cerrar de ojos presenta a la Muerte en forma de esqueleto portando un ataud y una guadana en el brazo izquierdo mientras que con la mano derecha apaga la llama de una vela que simboliza la vida humana a sus pies un globo terraqueo una tiara papal una corona imperial una armadura de caballero diversos libros y varios objetos mas representan la futilidad de las vanidades humanas frente a la certeza de la muerte Finis Gloriae Mundi fin de la gloria terrenal muestra una cripta con varios cadaveres en diversos estadios de descomposicion entre los que destacan un obispo y un caballero de la Orden de Calatrava mientras que en la parte superior la mano de Jesucristo sostiene una balanza a un lado se muestran varios objetos que simbolizan los siete pecados capitales y al otro los simbolos de la fe cristiana caridad oracion y penitencia 155 Ambas obras se inspiraron en el Discurso de la verdad 1672 de Miguel Manara el mecenas del hospital sevillano donde senalaba las obras de misericordia como unico instrumento para la salvacion del alma y como las glorias terrenales desaparecen con la muerte 156 Valdes fue autor tambien de Alegoria de la vanidad 1660 Wadsworth Atheneum Hartford Connecticut sobre una mesa repleta de los objetos tipicos de la vanitas libros flores monedas joyas coronas cetros una vela una calavera y una esfera celeste un amorcillo hace pompas de jabon mientras que un angel levanta una cortina y senala un cuadro del Juicio Final 157 El sueno del caballero c 1655 de Antonio de Pereda Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Madrid Por su parte Pereda desarrollo un estilo heredero en cierta forma del tenebrismo de Ribera combinado con el intenso cromatismo de la escuela veneciana Realizo obras religiosas y naturalezas muertas En estas ultimas mostro preferencia por objetos de cocina frutos y flores joyas y tejidos preciosos con una luz calida y mate 158 Fue autor de dos obras maestras del genero Vanitas 1636 Museo de Historia del Arte de Viena y El sueno del caballero c 1655 Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Madrid En la primera tambien conocida como Alegoria de la caducidad un angel muestra distintos objetos alegoricos apoyados en calaveras situadas en varias posturas son los emblemas de la ciencia de las armas del boato del juego y de la sensualidad destinados a desaparecer por el tiempo marcado por los relojes uno mecanico y otro de arena 159 El angel sostiene un camafeo con la efigie de Carlos I y senala con el dedo el imperio del monarca espanol en un globo terraqueo Una inscripcion junto a la clepsidra senala en latin nil omne todo es nada 160 El sueno del caballero es una obra atribuida tradicionalmente a Pereda aunque segun el historiador Alfonso Perez Sanchez seria obra de Francisco Palacios la institucion que la alberga la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando la sigue atribuyendo a Pereda 161 Conocida tambien como Desengano del Mundo en esta escena un caballero duerme mientras un angel a su lado sostiene una filacteria con el mensaje Aeterna pungit cito volat et occidit eternamente hiere vuela veloz y mata sobre la mesa aparecen diversos objetos alusivos nuevamente a las vanidades de la vida en contraposicion a la calavera de la muerte que se situa sobre ellos ademas de la vela que se extingue como la vida y el reloj que marca el paso del tiempo 159 asi como una mascara de teatro que simboliza la hipocresia 11 El caballero dormido es seguramente una alusion a La vida es sueno de Pedro Calderon de la Barca 162 Vanitas c 1670 de Antonio de Pereda Galeria Uffizi Florencia Otra relevante obra del genero realizada por este artista fue la Vanitas de la Galeria Uffizi de Florencia c 1670 similar a la de Viena donde un angel senala con la mano una mesa con cinco calaveras y diversos objetos relacionados habitualmente con la simbologia de la vanidad flanqueado por un cuadro del Juicio Final y un globo terraqueo sobre el que figura un retrato de Carlos I 163 Pereda fue autor tambien de Vanitas con libros 1665 coleccion privada Madrid donde aparece una calavera sobre un libro que se refleja en un espejo junto a un reloj una lampara un joyero un perfume cartas monedas y el retrato de una dama 164 y una Vanitas conservada en el Museo de Zaragoza c 1660 en la que aparecen tres calaveras un reloj de bolsillo y una llave Sobre la calavera del primer plano incide una fuerte iluminacion que imprime un mayor realismo y crudeza a la detallada descripcion anatomica de la misma 165 Entre los grandes nombres de la epoca hubo diversos artistas que trataron ocasionalmente el tema como Jose de Ribera Bartolome Esteban Murillo y Francisco de Zurbaran Ribera de la escuela valenciana trabajo durante muchos anos en Italia donde era conocido como Lo Spagnoletto En su obra auno el tenebrismo caravaggista con el cromatismo veneciano en un estilo personal de fuerte realismo 166 Fue autor de San Pablo ermitano 1635 1640 Museo del Prado Madrid donde el santo aparece rezando frente a un libro con un craneo encima con un trozo de pan en primer termino que lo identifica como ermitano frente a un fondo oscuro de estilo tenebrista 167 y Magdalena penitente 1635 1640 Museo del Prado Madrid en que la santa aparece con la cabeza recostada en las manos apoyadas en una calavera en actitud melancolica con un bote de unguentos en primer termino uno de sus atributos iconograficos habituales 168 Retrato de Nicolas de Omazur 1672 de Bartolome Esteban Murillo Museo del Prado Madrid Retrato de Isabel del Malcampo 1674 de Bartolome Esteban Murillo copia en Pollok House Glasgow En Sevilla destaco la obra de Bartolome Esteban Murillo centrado en la representacion sobre todo de Inmaculadas y Ninos Jesus aunque tambien realizo retratos paisajes y escenas de genero con un tono delicado y sentimentalista de gran capacidad tecnica y virtuosismo cromatico 169 Murillo se acerco a la vanitas en su Retrato de Nicolas de Omazur 1672 Museo del Prado Madrid un comerciante de sedas amigo del artista y coleccionista de sus obras que aparece sosteniendo una calavera entre las manos Realizo tambien el retrato de su esposa Isabel del Malcampo 1674 se conserva una copia en Pollok House Glasgow que aparece con una rosa en las manos por lo que ambos retratos se relacionan ya que ambos personajes se presentan con simbolos de lo perecedero de las cosas terrenales 170 La presencia de la calavera se encuentra tambien en su Magdalena penitente de la que se conserva una copia en el Museo del Prado 171 Francisco de Zurbaran extremeno de nacimiento suele englobarse en la escuela andaluza Centrado en la pintura religiosa fue el pintor de la vida monastica con un estilo realista sin artificio con gusto por composiciones sencillas y volumenes simples y empleo del tenebrismo 172 En algunas de sus obras de santos y religiosos es habitual la presencia de la calavera como en Fray Gonzalo de Illescas 1639 Real Monasterio de Santa Maria de Guadalupe donde muestra al monje en su estudio frente a una mesa con una calavera libros y un reloj de arena 173 o Tentaciones de san Jeronimo 1639 monasterio de Guadalupe donde en el centro de la escena dispuso una mesa con libros como simbolo del conocimiento y una calavera como recordatorio de la muerte 174 Vanitas con angel admonitorio 1639 de Francisco Velazquez Vaca monasterio de San Quirce Valladolid Un buen ejemplo de vanitas del ambito hispanico es la Vanitas con angel admonitorio de Francisco Velazquez Vaca 1639 monasterio de San Quirce Valladolid no tanto por su calidad tecnica pero si por su riqueza iconografica En esta obra un angel admonitorio senala con las manos dos velas situadas en dos mesas contrapuestas una con joyas monedas flores dados cartas de naipes y un globo terraqueo con una cartela donde pone Causa superbis vanitatis et falacie ademas de un reloj de arena y una vela encendida con la inscripcion Breve es la vida del hombre y otra con cinco craneos y diversos huesos ademas de libros viejos armas plumas tiaras una corona de oro y otra de laurel una vara de mando y una vela apagada con el mensaje Estinguimur uno momento mientras que al fondo aparece un ataud con el cadaver de un religioso amortajado con la inscripcion Optimun non nasci proximo cito mori mejor no nacer llegando tan rapida la muerte Tambien hay varias cartelas con distintos mensajes como A todo el genero humano esperamos como estamos que con esto pasara cuanto en el mundo corre y correra Dios os guarde y Letras y armas corona y ermosura que destrozado ves de aquesta suerte todo lo acaba el soplo de la muerte Al fondo en la pared hay un reloj de pesas con la frase Diminui vitam quelibet hora tuam Son los objetos asociados a los placeres y la riqueza frente al destino inexorable de la muerte simbolizados por la vela encendida y la apagada que senala el angel Cabe senalar tambien el distinto tratamiento luminico la luminosidad del lado derecho donde se situa el angel y la mesa de la vida frente a la oscuridad de la mesa dedicada a la muerte Del mismo autor ano y destinacion es el cuadro Vanitas Moriras bella Isabela alusivo a Isabel de Portugal en el que tambien contrapone dos mesas una con un craneo con corona y otra con una bola de cristal e igualmente dos velas una encendida y otra pagada y dos manos de angel senalando 4 El Arbol de la Vida 1653 de Ignacio de Ries Catedral de Segovia Ignacio Raeth fue un pintor flamenco afincado en Madrid miembro de la Orden Jesuita Discipulo de Daniel Seghers aporto la vision flamenca del genero de la vanitas al arte barroco espanol Fue autor de Alegoria de las Artes y las Ciencias 1649 Museo del Prado Madrid donde represento las artes simbolizadas por una paleta con pinceles para la pintura un busto clasico para la escultura una partitura para la musica y un tintero y varios libros para la literatura asi como las ciencias representadas por un globo terraqueo Pese a ser en apariencia una alegoria la presencia de un craneo coronado de laurel convierte la obra en una vanitas un recordatorio de que incluso el conocimiento es futil ante la muerte 175 Tambien de probable origen flamenco fue Ignacio de Ries activo en Sevilla Fue autor de El Arbol de la Vida 1653 Catedral de Segovia en la que aparecen Cristo con un martillo presto a tanir una campana y la Muerte en forma de esqueleto con una guadana junto a un arbol a medio talar Junto al esqueleto se encuentra el Diablo que intena tumbar el arbol hacia su lado con una cuerda En la copa del arbol se escenifica una fiesta como alegoria de los pecados capitales En los costados de la parte superior del arbol aparecen unos versos en el angulo superior izquierdo MIRA QUE TE AS DE MORIR MIRA QUE NO SABES QUANDO y en el derecho MIRA QUE TE MIRA DIOS MIRA QUE TE ESTA MIRANDO El simbolismo es claro el arbol es la vida humana tras cuyo fin se puede decantar hacia el cielo o el infierno Cristo intenta dar la alarma con la campana a los personajes del banquete superior que estan inmersos en el vicio 176 Bodegon de vanitas c 1650 1663 de Andres Deleito Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Madrid Andres Deleito fue un pintor activo en Madrid y Segovia del que se tienen pocos datos Fue autor de cuadros religiosos y bodegones que fueron elogiados por Antonio Palomino con un estilo impreciso fogoso mas interesado en los efectos de luz que en la precision tactil de los objetos 177 Realizo entre otros un Bodegon de vanitas c 1650 1663 Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Madrid en el que se disponen sobre una mesa dos calaveras una de ellas entre dos libros una guitarra un violin un reloj mecanico joyas monedas naipes y el retrato de una dama con una ventana abierta a un paisaje al fondo 178 Una obra interesante fruto de la colaboracion de dos pintores es la Guirnalda de flores con motivo de vanitas de Francisco Camilo y Juan de Arellano c 1650 Museo de Bellas Artes de Valencia La obra se compone de dos elementos un medallon central y una guirnalda de flores que lo envuelve La guirnalda realizada por Arellano incluye flores como lirios rosas claveles margaritas tulipanes hortensias jazmines narcisos jacintos anemonas dalias crisantemos azucenas espigas y azafranes asi como pajaros mariposas libelulas abejas orugas y caracoles Por su parte el medallon obra de Camilo presenta a cuatro angelotes en un escenario natural uno de ellos haciendo pompas de jabon junto al que se situa una calavera mientras que sobre un pedestal se ven un reloj de arena y una vela apagada Uno de los angelotes de segundo plano sostiene un molinillo de viento otro simbolo de la fugacidad de la existencia El otro senala con la mano una cartela en la pared del pedestal donde se ve una piel de carnero en referencia al vellocino de oro como representacion de la riqueza terrenal 179 Vana Est Pulchritudo vanidad con espejo y reloj de arena izquierda y Haec Sola Virtus vanidad con craneo y mapamundi derecha del Maestro de las Vanitas Escritas coleccion privada c 1650 Pedro de Camprobin se formo inicialmente en Toledo con los discipulos de El Greco para pasar despues a Sevilla donde fue discipulo de Zurbaran Se especializo en naturalezas muertas sobre todo de flores con una composicion simetrica de estilo sobrio 180 Fue autor de El caballero y la muerte Hospital de la Caridad Sevilla donde un caballero se quita el sombrero ante la llegada de una dama cubierta por un velo bajo el que se distingue un esqueleto la dama es la Muerte que visita al caballero quien no la espera En una mesa se disponen algunos objetos tipicos del genero como libros naipes monedas un laud una espada y una pistola 181 Juan Francisco Carrion fue un bodegonista activo en Madrid del que se conocen dos obras del genero Vanitas con libros 1672 Indiana University Art Museum Bloomington donde presenta una mesa y una estanteria repletas de libros objetos de escritorio un reloj de arena y una calavera con una cartela con versos escritos y Vanitas con calavera libro clepsidra filacteria y candelero coleccion privada donde se disponen sobre una mesa una calavera y una mandibula junto a un libro flanqueados de una vela y un reloj de arena y con una filacteria por encima con la inscripcion hic est liber generationis Adam he aqui la lista de los descendientes de Adan Genesis 1 5 en el sentido de que todo ser humano descendiente de Adan tiene su final en la muerte 182 Tomas Yepes fue un bodegonista valenciano especializado en flores Entre sus obras se encuentra una Vanitas coleccion Naseiro Madrid en la que dispuso una calavera y un femur con un libro un reloj de arena un ramo de flores y un crucifijo sobre un plinto con la inscripcion Et sicut in Adam omnes moriuntur ita et in Christo omnes vivificabuntur y como todos mueren en Adan asi tambien todos reviviran en Cristo Corintios I 15 22 183 Cabe mencionar a un maestro anonimo espanol conocido como Maestro de las Vanitas Escritas autor de varias vanitas entre las que destaca la pareja Vana Est Pulchritudo vanidad con espejo y reloj de arena y Haec Sola Virtus vanidad con craneo y mapamundi c 1650 coleccion privada En la primera se muestra sobre una mesa un abigarrado amontonamiento de objetos como libros un estuche unos binoculos un reloj de arena un jarron con flores y un candelabro con una vela apagada que se refleja en su espejo mientras que en una hoja de papel arrugada esta inscrito VANA EST PVLCHRITVDO la belleza es vana La segunda de composicion similar presenta igualmente sobre una mesa varios libros una calavera un esctuche un jarron de flores un reloj de arena y un globo terraqueo y un papel con la inscripcion HAEC SOLA VIRTVS esta es la unica virtud 184 El Museo Nacional de Arte de Cataluna conserva otra Vanitas del mismo autor de composicion similar tambien con la inscripcion HAEC SOLA VIRTVS 185 En ultimo lugar es de remarcar un tapiz conservado en el Museo de Bellas Artes de La Coruna titulado Speculum Humanae Vitae espejo de la vida humana de principios del siglo XVII En el centro aparece una Rueda de la Fortuna representada en este caso como Rueda de las Vanidades bajo la cual se ve un sepulcro abierto La rueda esta dentro de un monumento sepulcral en cuyos laterales esta representada una Danza de la Muerte En los radios de la rueda se situan las jerarquias eclesiasticas y las dignidades seglares mientras que en torno a la rueda aparecen escenas cristianas Adan y Eva el cielo y el infierno y mitologicas las tres Parcas El tema central esta inspirado en el grabado Alegoria de la muerte de Andrea Andreani 186 Speculum Humanae Vitae c 1590 c 1630 tapiz anonimo Museo de Bellas Artes de La Coruna San Pablo ermitano 1635 1640 de Jose de Ribera Museo del Prado Madrid Tentaciones de san Jeronimo 1639 de Francisco de Zurbaran Real Monasterio de Santa Maria de Guadalupe Guadalupe Caceres Alegoria de las Artes y las Ciencias 1649 de Ignacio Raeth Museo del Prado Madrid Guirnalda de flores con motivo de vanitas c 1650 de Francisco Camilo y Juan de Arellano Museo de Bellas Artes de Valencia Vanitas con calavera libro clepsidra filacteria y candelero de Juan Francisco Carrion El caballero y la muerte de Pedro de Camprobin Hospital de la Caridad Sevilla Vanitas de Tomas Yepes coleccion Naseiro MadridSiglo XVIII Editar Vanitas con calavera globo vela apagada flores y frutas 1744 de Philipp Sauerland coleccion privada Tras el Barroco una epoca de fuerte moralidad marcada por la Reforma y la Contrarreforma en el siglo XVIII el genero de la vanitas sufrio un claro descenso en la preferencia de artistas y clientes En esta centuria son pocos los ejemplos ya que el cambio del gusto con el estilo rococo mas mundano y optimista relego este tipo de representaciones igual que ocurrio en la segunda mitad del siglo con el Neoclasicismo un estilo sobrio y austero surgido como contraposicion a los excesos ornamentales del Barroco y rococo 120 Una buena prueba del declive del genero en este siglo son los Paises Bajos el pais con mayor produccion de este tipo de obras en la centuria anterior Cabe mencionar a Jacob de Wit formado en Amberes donde recibio la influencia de Rubens Establecido en Amsterdam realizo preferentemente obras religiosas asi como historicas y mitologicas con un estilo decorativo plenamente rococo de inspiracion italiana de colores vivos y ligeros 187 Fue autor de Dos putti soplando burbujas en un paisaje con simbolos de vanitas 1748 coleccion privada donde aparecen dos putti haciendo pompas de jabon con un globo terraqueo un busto un libro una corona una paleta de pintor y un laud 188 Tu fui ego eris de Johann Georg Dieffenbrunner Geigenbaumuseum Mittenwald En Alemania efectuaron obras del genero diversos autores Johann Georg Dieffenbrunner fue sobre todo pintor de retablos en diversas iglesias de Baviera Fue autor de Tu fui ego eris Geigenbaumuseum Mittenwald una imagen de una calavera con la inscripcion que indica el titulo que quiere decir como eres yo era como yo soy tu tambien seras 189 Philipp Sauerland estuvo activo en Polonia donde pinto bodegones y retratos Fue autor de Vanitas 1709 Muzeum Narodowe Gdansk y Vanitas con calavera globo vela apagada flores y frutas 1744 coleccion privada 190 Johann Elias Ridinger pintor y grabador fue autor de Memento mori c 1760 Museo de las Artes Decorativas de Paris un grabado a media tinta con una composicion tipica de vanitas una calavera sobre un libro flanqueada a cada lado de un jarron de flores y una vela apagada con un reloj de arena y unas cortinas detras 191 Autorretrato 1776 de Johann Zoffany Galeria Uffizi Florencia Johann Zoffany fue un pintor aleman afincado en Inglaterra donde gozo del favor de Jorge III Fue sobre todo retratista y autor de conversation pieces asi como escenas de genero especialmente de inspiracion teatral 192 Realizo un Autorretrato 1776 Galeria Uffizi Florencia en el que se retrato con un reloj de arena en la mano izquierda y una calavera en la derecha mientras que en una mesa al fondo se ven una estatuilla una paleta de pintor y un libro con la inscripcion ars longa vita brevis el arte es largo pero la vida es breve una frase de Hipocrates 193 En el ambito por entonces del Imperio austrohungaro cabe citar a dos pintores checos Johann Adalbert Angermayer y Johann Caspar Hirschely El primero se dedico al bodegon de tradicion flamenca con preferencia por imagenes de flores animales e insectos asi como alguna vanitas como la del Bayerische Staatsgemaldesammlungen de Munich 1731 donde se ve una calavera en un nicho con un libro una lampara un plato de porcelana y pompas de jabon 194 Hirschely se dedico tambien preferentemente a bodegones de flores y alimentos Fue autor de Vanitas en un paisaje 1727 Galeria Regional de Arte Liberec donde sobre una lapida situada en un paisaje campestre se ve una calavera un jarron de flores una vela apagada y una cartela con la inscripcion non remaneris 195 En Suecia Andreas von Behn fue un insigne miniaturista autor de retratos escenas biblicas y alegorias en aceite sobre cobre asi como miniaturas en esmalte 196 Fue autor de Alegoria de la vanidad de la vida 1700 Museo Nacional de Estocolmo una joven que senala con una mano una calavera situada en una mesa junto a diversos objetos preciosos mientras que con un pie pisa un busto de estilo clasico que se encuentra en el suelo junto a un globo terraqueo y diversos libros 197 En Italia cabe destacar una obra de Giovanni Battista Tiepolo uno de los grandes pintores de la centuria en su pais Edad y muerte c 1715 Galeria de la Academia de Venecia una pequena obra al oleo sobre cobre de forma ovalada donde aparece una muchacha joven sosteniendo en sus brazos a una mujer mayor mientras que de un sepulcro en la tierra surge un esqueleto mostrando en su mano un reloj de arena 198 Por ultimo en Espana cabe citar a Bernardo Lorente German seguidor de Murillo activo en Sevilla que trato diversos generos con gusto por los trampantojos Fue autor de Vanitas con calavera libros florero candelero y objetos del arte de la pintura coleccion particular Francia donde se disponen sobre una mesa una calavera colocada encima de un libro un jarron de flores una vela apagada una paleta y pinceles de pintor y un pequeno lienzo de un paisaje 199 Alegoria de la vanidad de la vida 1700 de Andreas von Behn Museo Nacional de Estocolmo Edad y muerte c 1715 de Giovanni Battista Tiepolo Galeria de la Academia de Venecia Vanitas en un paisaje 1727 de Johann Caspar Hirschely Galeria Regional de Arte Liberec Vanitas 1731 de Johann Adalbert Angermayer Bayerische Staatsgemaldesammlungen Munich Dos putti soplando burbujas en un paisaje con simbolos de vanitas 1748 de Jacob de Wit coleccion privada Memento mori c 1760 de Johann Elias Ridinger Museo de las Artes Decorativas de Paris Vanitas con calavera libros florero candelero y objetos del arte de la pintura de Bernardo Lorente German coleccion particular Francia Escultura de vanitas en cera artista anonimo siglo XVIIISiglo XIX Editar Calavera y reloj de arena 1814 de Christian Albrecht Jensen Galeria Nacional de Dinamarca Copenhague Como en la centuria anterior en el siglo XIX los diversos estilos que se fueron sucediendo no fueron susceptibles al genero de la vanitas continuo el Neoclasicismo iniciado el siglo anterior al que siguieron el Romanticismo el realismo y el impresionismo cuyas tematicas estaban alejadas del componente moralizante de la vanitas excepto en contados casos Tan solo hacia finales del siglo algunos movimientos como el postimpresionismo y el simbolismo se ocuparon algo mas del genero Los escasos ejemplos presentan ya una evolucion del tema por parte del artista que reinterpreta el genero de forma mas personal asi por ejemplo conviene consignar los estudios anatomicos que Theodore Gericault efectuo para su cuadro La balsa de la Medusa 1819 Museo del Louvre Paris en muchos de los cuales dispuso varias partes del cuerpo como si fuesen una naturaleza muerta aunque indudablemente con un componente mas crudo y realista que las obras barrocas que no dejaban de tener un cierto componente estetico 20 Gericault fue autor tambien de un Retrato de un artista en su estudio c 1820 Museo del Louvre Paris en que aparece un artista sentado en actitud meditativa frente a una pared donde hay colgada una paleta de pintor y sobre una repisa una calavera Frente a las tradicionales vanitas compuestas de objetos esta obra inauguro una nueva forma de concebir la angustia existencial en la que permanece el simbolo de la calavera pero que se centra mas en el retrato psicologico de la figura humana en su preocupacion por el paso del tiempo por la fugacidad de la vida 6 Cabeza de cordero y costillares c 1806 1812 de Francisco de Goya Museo del Louvre Paris Otro romantico frances Eugene Delacroix ejemplifico la preocupacion por la transitoriedad de la vida con una ilustracion del Hamlet de William Shakespeare Hamlet y Horacio en el cementerio 1839 Museo del Louvre Paris en la que un sepulturero le ofrece al principe el craneo de Yorick el bufon de la corte 200 Francisco de Goya uno de los grandes genios de la historia de la pintura que inicio su andadura en el rococo hasta desembocar en un estilo personal de corte expresionista realizo algunos bodegones de animales muertos que por su crudeza y realismo por su patente representacion de la muerte se acercan a la vanitas y prefiguran una nueva forma de entender el genero que influiria poderosamente en las vanguardias de finales del siglo xix y principios del xx Un claro exponente es su Cabeza de cordero y costillares c 1806 1812 Museo del Louvre Paris donde los ojos abiertos de la cabeza del cordero parecen contemplar al espectador y recordarle lo efimero de la vida 6 De principios de siglo cabe citar tambien al danes Christian Albrecht Jensen un eminente retratista que trabajo un tiempo en Inglaterra y Rusia antes de establecerse en Copenhague 201 Fue autor de Calavera y reloj de arena 1814 Galeria Nacional de Dinamarca Copenhague una composicion sencilla donde aparecen los dos objetos del titulo sobre una mesa con un fondo oscuro 202 Vanitas 1849 de Dionisio Fierros Museo de Zaragoza El espanol Dionisio Fierros fue autor de cuadros de historia y de escenas costumbristas de corte romantico 203 Entre sus obras se encuentra una Vanitas 1849 Museo de Zaragoza de sencilla composicion formada unicamente por un craneo sobre un tapete 204 En los Paises Bajos Maria Margaretha van Os fue una pintora de bodegones sobre todo florales miembro de una familia de pintores Elaboro una Vanitas con bouquet floral calavera reloj de bolsillo y vela apagada 1862 coleccion privada con un colorido suave donde predominan los tonos pastel 205 Memento mori 1879 de William Michael Harnett Museo de Arte de Cleveland El aleman Wilhelm Trubner evoluciono del realismo al impresionismo estilos en los que ejecuto paisajes retratos cuadros de historia escenas de genero y naturalezas muertas 206 Entre estas ultimas se halla una Calavera en un libro 1869 Kunstmuseum im Ehrenhof Dusseldorf donde se muestra tal como indica el titulo una calavera colocada encima de un libro como detalle especial sobre la calavera se situa un halo de santo 207 William Michael Harnett fue un pintor estadounidense de origen irlandes autor de naturalezas muertas con cierta influencia del bodegon neerlandes del siglo XVII con un estilo austero y meticuloso de tecnica lisa y sutil colorido 208 Realizo un Memento mori 1879 Museo de Arte de Cleveland en el que dispuso sobre una mesa una calavera con varios libros una vela apagada y un reloj de arena como en las mas arquetipicas representaciones de la vanitas aunque incluye como detalle especial una tarjeta con una cita del Hamlet de Shakespeare del pasaje en que Hamlet descubre el craneo de Yorick 209 Naturaleza muerta con calavera candelabro y libro 1866 de Paul Cezanne coleccion privada Zurich Un artista frances considerado precursor del impresionismo Edouard Manet se dedico entre otros generos al bodegon con preferencia por los floreros En 1864 realizo varios bodegones de animales muertos especialmente pescados en la linea de ese tipo de vanitas que tiene como principal referente los cuerpos de animales en diverso estado de descomposicion y que son por tanto una reflexion sobre la muerte Entre los mas conocidos se encuentran Bodegon con pescado ostras y recipiente de cobre 1864 Instituto de Arte de Chicago y Bodegon con salmonete y anguila 1864 Museo de Orsay Paris En ambos casos cabe destacar la presencia de un cuchillo otro recordatorio de la muerte 6 Taller de Paul Cezanne Observense los tres craneos en la mesita que le servian de modelo para sus composiciones de vanitas En el postimpresionismo hubo dos artistas que trataron el tema dos grandes genios que contribuyeron a la gestacion de la pintura moderna Paul Cezanne y Vincent van Gogh Cezanne abrio una nueva via de descripcion de la realidad en terminos geometricos cubo cilindro y piramide en un proceso de sintesis analitica que mas tarde influiria en el cubismo Se dedico especialmente a grandes series tematicas como las de paisajes banistas jugadores de cartas o bodegones 210 Trato el genero de la vanitas esporadicamente como en Naturaleza muerta con calavera candelabro y libro 1866 coleccion privada Zurich donde recogio varios de los simbolos habituales del genero la calavera la vela el libro y las flores marchitas 118 Pero fue sobre todo tras la muerte de su madre en 1897 que se dedico a la realizacion de este tipo de obras inmersas en una luminosidad espectral con un aspecto entre morbido y sensual 211 Naturaleza muerta con calavera 1895 1900 Barnes Foundation Filadelfia Hombre joven con calavera 1896 1898 Barnes Foundation Filadelfia Piramide de craneos 1898 1900 coleccion privada Naturaleza muerta con calavera 1900 Casa Blanca Washington D C Tres calaveras sobre un tapiz de Oriente 1904 Kunstmuseum Solothurn En una carta a Ambroise Vollard de 1905 declaro que una calavera es algo maravilloso para pintar 211 Calavera con cigarrillo encendido 1886 de Vincent van Gogh Museo Van Gogh Amsterdam Van Gogh fue un pintor original de fuerte temperamento con tendencia a la depresion lo que le llevo al suicidio Desarrollo un estilo de tendencia expresionista de fuerte dramatismo y prospeccion interior con pinceladas sinuosas y densas de intenso colorido y estridente luminosidad con obras en las que deforma la realidad a la que otorgo un aire onirico 212 Entre 1886 y 1887 realizo tres cuadros sobre calaveras Calavera con cigarrillo encendido 1886 Museo Van Gogh Amsterdam 213 Calavera 1887 Museo Van Gogh Amsterdam y Calavera 1887 Museo Van Gogh Amsterdam 214 En la primera como su titulo indica aparece la parte superior de un esqueleto sobre fondo negro con la calavera fumando un cigarrillo Realizado en Amberes mientras estudiaba en la academia de esa ciudad suele tomarse como una broma de estudiante 215 En las otras dos obras solo aparece un craneo uno de frente y otro de perfil sobre un fondo vacio donde predomina el color dorado 216 Inmortalidad c 1890 de Xavier Mellery Museos Reales de Bellas Artes de Belgica Bruselas Entre el ultimo tercio del siglo XIX y la primera decada del siglo XX se desarrollo el simbolismo un estilo de corte fantastico y onirico que surgio como reaccion al naturalismo de la corriente realista e impresionista frente a cuya objetividad y descripcion detallada de la realidad opusieron la subjetividad y la plasmacion de lo oculto y lo irracional con cierta tendencia a lo macabro y lo perverso por lo que fueron recurrentes las referencias a la enfermedad y la muerte a lo efimero de la existencia 217 La cuna del simbolismo pictorico se produjo en Francia y Belgica En este ultimo pais tuvo como precursor a Antoine Wiertz un artista de formacion romantica y factura academicista que fue autor de La bella Rosine 1847 Museo Wiertz Bruselas donde una joven desnuda contempla un esqueleto en cuya calavera se aprecia una inscripcion con el titulo de la obra con lo que resulta que la bella no era la joven sino el esqueleto 218 La misma nacionalidad tuvieron Felicien Rops Xavier Mellery y James Ensor El primero fue un pintor y artista grafico de gran imaginacion con predileccion por una tematica centrada en la perversidad y el erotismo 219 Se inspiro en el mundo de lo fantastico y lo sobrenatural con inclinacion hacia lo satanico y las referencias a la muerte como en La muerte en el baile 1865 1875 Museo Kroller Muller Otterlo 220 Joven con calavera 1893 de Magnus Enckell Ateneumin Taidemuseo Helsinki Mellery tuvo una formacion clasicista que complemento en Italia Su estilo era severo e intimista en ocasiones cercano al expresionismo con tematicas que evocan el misterio y la poesia Fue autor de Inmortalidad c 1890 Museos Reales de Bellas Artes de Belgica Bruselas en que un hombre adulto la Inmortalidad contempla un esqueleto con guadana y un reloj de arena la Muerte mientras que un nino a su lado le da la espalda y se tapa los oidos la infancia la inocencia 221 Pintor esqueletizado en su taller 1895 1896 de James Ensor Museo Real de Bellas Artes de Amberes Ensor fue un artista de marcada personalidad vinculado con posterioridad al expresionismo con una vision caricaturizada y grotesca de la sociedad de su tiempo en la que recreaba imagenes fantasticas pobladas por esqueletos mascaras marionetas juguetes y objetos de diversa indole en escenas enigmaticas e irreverentes de caracter absurdo y burlesco 222 Un ejemplo es La muerte que persigue al rebano humano 1896 coleccion privada en que un esqueleto con guadana acecha a una multitud desde un balcon 6 EL mismo artista se autorretrato en su taller con un craneo por cabeza Pintor esqueletizado en su taller 1895 1896 Museo Real de Bellas Artes de Amberes en que aparece con una paleta y un pincel en la mano pintando un cuadro sobre un caballete coronado por otro craneo en un taller con cuadros expuestos y otros dos craneos en las esquinas 223 En Suiza destaco la obra de Arnold Bocklin heredero directo del Romanticismo aleman Sus temas exaltan la soledad la tristeza la melancolia la muerte como liberacion 224 Fue autor de Autorretrato con la muerte tocando el violin 1872 Antigua Galeria Nacional de Berlin en que aparece el pintor con una paleta y unos pinceles mientras a su espalda un esqueleto toca el violin al que solo le queda una cuerda como recordatorio de la presencia siempre inevitable de la muerte detras de cualquier actividad humana 225 En los paises escandinavos conviene mencionar a Hugo Simberg y Magnus Enckell El primero desarrollo una obra centrada en la muerte poblada de animales extranos y espiritus malignos En algunos de sus cuadros represento a la muerte realizando tareas cotidianas como cuidar un jardin El jardin de la muerte 1896 Ateneumin Taidemuseo Helsinki 226 Enckell recibio durante una estancia en Paris la influencia de Edouard Manet Eugene Carriere y Pierre Puvis de Chavannes Posteriormente viajo por Italia Alemania y Suiza donde recibio el influjo de Bocklin 227 Fue autor de Joven con calavera 1893 Ateneumin Taidemuseo Helsinki en carboncillo y acuarela donde un nino arrodillado contempla una calavera entre sus manos como preguntandose quien soy yo 228 Cabe citar en ultimo lugar a Lovis Corinth un pintor que evoluciono del impresionismo al expresionismo autor de un Autorretrato con esqueleto 1896 Lenbachhaus Munich En este caso el esqueleto no es una representacion de la muerte ya que era uno de los objetos que figuraban en su taller de pintor pero el hecho de retratarse junto a el denota la preocupacion del artista por el paso del tiempo 6 Las cabezas cortadas 1818 de Theodore Gericault Museo Nacional de Estocolmo La bella Rosine 1847 de Antoine Wiertz Museo Wiertz Bruselas Vanitas con bouquet floral calavera reloj de bolsillo y vela apagada 1862 de Maria Margaretha van Os Calavera en un libro 1869 de Wilhelm Trubner Kunstmuseum im Ehrenhof Dusseldorf Autorretrato con la muerte tocando el violin 1872 de Arnold Bocklin Antigua Galeria Nacional de Berlin El jardin de la muerte 1896 de Hugo Simberg Ateneumin Taidemuseo Helsinki Autorretrato con esqueleto 1896 de Lovis Corinth Lenbachhaus Munich Piramide de craneos 1898 1900 de Paul Cezanne coleccion privadaSiglo XX Editar Vida y Muerte 1908 1911 de Gustav Klimt Museo Leopold Viena En el siglo XX surgieron los movimientos de vanguardia con una rapida sucesion de estilos en que cada vez fue cobrando mayor protagonismo la individualidad del artista Pese a la decadencia del genero se dieron todavia ciertos ejemplos incluso en la obra de grandes artistas como Pablo Picasso o Georges Braque siempre reinterpretados en clave moderna y personal 20 Las vanguardias historicas tuvieron su fin en la Segunda Guerra Mundial tras la cual el arte evoluciono hacia diversos estilos antimatericos que destacaban el origen intelectual del arte sobre su realizacion material como el arte de accion y el arte conceptual En reaccion a ello otros artistas retornaron a las formas clasicas del arte aceptando su componente material y estetico con lo que surgio el arte posmoderno 229 En la primera decada del siglo todavia estaban vigentes movimientos como el modernismo o el simbolismo Uno de los artistas mas relevantes en la transicion de siglo fue el austriaco Gustav Klimt Tuvo una formacion academica para desembocar en un estilo personal que sintetizaba impresionismo modernismo y simbolismo 230 En su obra recreo un mundo de fantasia de fuerte componente erotico con una composicion clasicista de estilo ornamental donde se entrelazan el sexo y la muerte 231 En consonancia con el tema aqui tratado cabe citar su obra Vida y Muerte 1908 1911 Museo Leopold Viena donde contrapuso la figura de la muerte en forma de una calavera con un vestido oscuro y un garrote rojo en las manos frente a un grupo mas colorido de personas desnudas tanto jovenes como ancianos y ninos que representan la vida 232 Corrie Pabst fue una pintora acuarelista y aguafuertista neerlandesa autora de retratos bodegones y paisajes Fue autora de Vanitas con una calavera un reloj de arena y un libro 1908 coleccion privada una obra que reune varios de los elementos mas clasicos de la vanitas sobre un tapete en una mesa con un fondo azulado 233 Vanitas con una calavera un reloj de arena y un libro 1908 de Corrie Pabst coleccion privada El italiano Luigi Russolo tuvo tambien una formacion simbolista para decantarse poco despues por el futurismo Fue autor de Autorretrato con craneos 1910 Galleria Civica d Arte Moderna Milan donde aparece rodeado de siete craneos en diversas posturas 234 El aleman Otto Dix se inicio en el realismo tradicional con influencia de Durero Lucas Cranach y Ferdinand Hodler antes de enmarcarse en la Nueva Objetividad en los anos 1920 235 Entre sus primeras obras se encuentra Florecer y marchitarse 1911 en la que coloco una calavera sobre una peana y un jarron de flores frente a una ventana 236 Una de las primeras vanguardias del siglo fue el cubismo 1907 1914 un movimiento que se baso en la deformacion de la realidad mediante la destruccion de la perspectiva espacial de origen renacentista organizando el espacio sobre la base de una trama geometrica con vision simultanea de los objetos una gama de colores frios y apagados y una nueva concepcion de la obra de arte con la introduccion del collage 237 Su principal referente fue Pablo Picasso quien tras una formacion academica y un primer contacto con el arte moderno durante su estancia en Barcelona donde se integro en el circulo modernista entre 1901 y 1907 se decanto por un estilo cercano al simbolismo que se tradujo en los denominados periodos azul 1901 1904 y rosa 1904 1907 238 En 1907 realizo Las senoritas de Avignon que inauguro su periodo cubista Ese mismo ano marcado seguramente por la muerte de Cezanne realizo Naturaleza muerta con calavera Museo del Hermitage San Petersburgo donde aparece una calavera en un estudio de artista mientras en un espejo se refleja un cuadro de desnudo pintado en rosa y azul relacionando el placer sexual con la muerte seguramente en alusion a las enfermedades venereas Otro hecho luctuoso la muerte de su padre en 1913 le llevo a pintar Guitarra calavera y periodico 1914 Musee d art moderne Lille Metropole Villeneuve d Ascq donde dispuso sobre una mesa dos guitarras un periodico de Le Journal y una calavera 239 Autorretrato con craneos 1910 de Luigi Russolo Galleria Civica d Arte Moderna Milan Picasso realizo una serie de vanitas entre 1939 y los primeros anos 1940 fechas en que concurrieron la muerte de su madre y varios conflictos belicos como el fin de la Guerra Civil Espanola y el inicio de la Segunda Guerra Mundial 20 En varias de ellas aparecian cabezas de toro quiza como epilogo al Guernica cuyo toro fiero y vigoroso transmutaba aqui en un craneo vacio e inerte 240 En Craneo de toro fruta y jarron 1939 Museo de Arte de Cleveland el artista malagueno contrapuso el craneo de connotaciones tetricas con un jarron y unas frutas de intenso colorido en alusion a las atrocidades de la guerra que serian superadas en tiempos de paz 20 En Tres cabezas de cordero 1939 Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia Madrid se inspiro seguramente en la Cabeza de cordero y costillares de Goya en este caso con tres cabezas en distintas posiciones sobre una mesa una cruda imagen que denota el vacio existencial que se siente ante la presencia de la muerte 6 Otra defuncion la del escultor Julio Gonzalez le inspiro Craneo de buey ante una ventana 1942 Nordrhein Westfalen Kunstsammlung Dusseldorf donde mostro un craneo de buey frente a una ventana cruciforme de tonos verdes y violaceos 241 Al ano siguiente elaboro Calavera erizos y lampara sobre una mesa Museo Picasso de Paris 242 Otro exponente fue Naturaleza muerta con calavera y puerros 1945 Museo de Bellas Artes de San Francisco donde figuran sobre una mesa una jarra una calavera y un manojo de puerros 239 Al ano siguiente pinto Naturaleza muerta con craneo libro y lampara de queroseno Museo Picasso de Paris 243 En el mismo sentido realizo una escultura formada por un sillin y un manillar de bicicleta formando una figura semejante al craneo de un toro Cabeza de toro 1942 cuero y metal Museo Picasso de Paris 244 El otro gran exponente del cubismo fue Georges Braque amigo de Picasso cuya evolucion compartio en paralelo hasta el punto de que hubo un momento que las obras de ambos eran casi indistinguibles 245 Tras la Primera Guerra Mundial en la que fue gravemente herido introdujo en sus tematicas la naturaleza muerta en una formula cubista de recomposicion de planos y ritmos plasticos en espacios cerrados casi tactiles 246 Entre los anos 1930 y 1940 realizo varias vanitas como Balaustre y craneo 1938 coleccion privada 247 Calavera collar y crucifijo 1939 coleccion privada 248 y Naturaleza muerta con calavera 1943 249 Cabe citar en ultimo lugar dentro del cubismo al checo Bohumil Kubista influido en sus inicios por Van Gogh y Cezanne paso en breves periodos por el fauvismo y el expresionismo hasta llegar al cubismo que combino con el dinamismo futurista Fue autor de Naturaleza muerta con calavera 1912 Museo Nacional de Praga que revela su drama existencial y que le acerca a un cierto cubismo expresionista 250 Naturaleza muerta con calavera 1912 de Bohumil Kubista El genero experimento un cierto crecimiento tras la Primera Guerra Mundial ya que los horrores de la guerra provocaron un clima de crisis existencial y de decepcion en los valores tradicionales de la modernidad basados en el positivismo en el progreso de la ciencia y la tecnica Frente a ello los artistas cuestionaron el sentido de la vida y el arte y les condujo a nuevas experimentaciones y nuevos medios de expresion o bien a la recuperacion de antiguas tipologias como la vanitas asi como un mayor simbolismo en las tematicas de las obras de arte 251 Georges Rouault paso del simbolismo al fauvismo y expresionismo Desarrollo un imaginario parecido al de James Ensor poblado por esqueletos y mascaras En su obra es frecuente la presencia de personajes de aspecto grotesco generalmente jueces payasos y prostitutas 252 Un exponente es su Miserere elaborado entre 1917 y 1927 inspirado en las danzas de la muerte medievales 6 Felix Esterl fue un pintor austriaco vinculado al realismo expresionista autor de retratos paisajes y bodegones entre los que se encuentran algunas vanitas como Bodegon con claveles y calavera 1924 Galerie Slama Klagenfurt Bodegon con calavera y peonias 1928 coleccion privada y Bodegon con calavera y lucio 1928 Galeria Belvedere Viena 253 Bodegon con claveles y calavera 1924 de Felix Esterl Galerie Slama Klagenfurt Estadounidense de origen armenio Arshile Gorky recibio la influencia inicial de Picasso con un estilo de contornos duros y lineales con imagenes ambiguas que aluden con frecuencia a formas organicas Fue autor de Naturaleza muerta con calavera 1927 coleccion privada donde se aprecia una calavera y dos huesos sobre un tapete en una silla Mas adelante evoluciono a un surrealismo de corte abstracto y al expresionismo abstracto 254 Dos artistas vinculados a la llamada Escuela de Paris un grupo heterodoxo de artistas de procedencia diversa instalados en la capital francesa que se movieron entre el expresionismo el cubismo y el surrealismo coincidieron en hacer una reinterpretacion del famoso buey desollado de Rembrandt Chaim Soutine ruso de familia judia desarrollo un estilo violento y apasionado de tematica angustiosa y desolada Entre 1925 y 1929 realizo diversos bodegones de animales muertos unas imagenes crudas y descarnadas ejecutadas con violentas pinceladas Algunos ejemplos son Aves muertas sobre un mantel blanco 1924 Faisan 1926 1927 y El buey desollado dos versiones 1925 y 1926 6 Marc Chagall igualmente de origen ruso realizo obras de caracter onirico cercanas a un cierto surrealismo con una gama de color exaltada en temas populares y religiosos con desproporcion y falta de interes por la jerarquizacion en la narracion de los hechos Realizo su version de El buey desollado en 1947 56 Naturaleza muerta con vela volcada 1930 de Max Beckmann Staatliche Kunsthalle Karlsruhe En Alemania surgio en la posguerra el grupo Neue Sachlichkeit Nueva Objetividad un movimiento de reaccion frente al expresionismo que retorno a la figuracion realista y a la plasmacion objetiva de la realidad circundante con un marcado componente social y reivindicativo 255 Alguno de sus componentes trato el genero de la vanitas como George Grosz y Max Beckmann El primero evoluciono del expresionismo al dadaismo y la Nueva Objetividad con una tematica social sarcastica dura y descarnada de dibujo preciso y composicion cercana al cubofuturismo 256 Fue autor de Entierro de Oskar Panizza 1917 1918 Galeria Estatal de Stuttgart una densa composicion donde una multitud de gente transita por una calle entre altos edificios mientras en el centro un esqueleto bebe alcohol de una botella con una gama cromatica donde predomina el rojo sangre 257 Beckmann de formacion academica e inicios cercanos al impresionismo evoluciono tras la guerra a un estilo dramatico y violento con influencia de antiguos maestros como Matthias Grunewald El Bosco y Pieter Brueghel el Viejo al tiempo que tomo del cubismo su concepto de espacio que se volvio en su obra un espacio agobiante casi claustrofobico donde las figuras tienen un aspecto de solidez escultorica con contornos muy delimitados 258 Fue autor de Naturaleza muerta con vela volcada 1930 Staatliche Kunsthalle Karlsruhe en la que dispuso sobre una mesa tres velas dos de pie encendidas y una volcada y apagada frente a un gran espejo horizontal 251 Entre los anos 1920 y 1940 se desarrollo el surrealismo un movimiento que puso un especial enfasis en la imaginacion la fantasia y el mundo de los suenos con una fuerte influencia del psicoanalisis con una tendencia figurativa y otra abstracta 259 Uno de sus maximos exponentes fue Salvador Dali que evoluciono desde una fase de formacion en que probo diversos estilos impresionismo puntillismo futurismo cubismo fauvismo hasta un surrealismo figurativo fuertemente influido por la psicologia freudiana 260 En varias de sus obras aparece la calavera como habitual referencia del memento mori Bailarina calavera 1939 coleccion Merz Pal Rostro de la guerra 1940 1941 Museo Boijmans Van Beuningen Roterdam La tentacion de san Antonio 1946 Museos Reales de Bellas Artes de Belgica Bruselas El craneo de Zurbaran 1956 The Hirshhorn Museum and Sculpture Garden Washington D C 261 En el terreno de la fotografia Dali diseno una calavera compuesta por siete cuerpos femeninos desnudos con la que se retrato vestido con esmoquin y sombrero de copa titulada In Voluptas Mors 1951 fotografia de Philippe Halsman La obra recoge el genero tradicional de la vanitas combinado con la voluptuosidad del desnudo fundiendo los conceptos de sexo y muerte 262 Naturaleza muerta con calavera 1927 de Arshile Gorky coleccion privada Dentro igualmente del surrealismo figurativo el belga Paul Delvaux desarrollo una tematica de paisajes urbanos semidesiertos generalmente nocturnos poblados por mujeres desnudas y hombres vestidos de traje o levita con la presencia frecuente de esqueletos que evocan la muerte Son obras de ambientes oniricos y poeticos de fuerte simbolismo asi como de un erotismo latente 263 En sus cuadros los esqueletos suplen a los vivos aparecen andando bailando bebiendo charlando entre ellos pese a su evidente mortalidad tienen vida propia Algunos exponentes son La venus dormida 1944 Tate Gallery Londres Los esqueletos 1944 coleccion Ghene Conversacion 1944 coleccion Demaerel Esperando la liberacion esqueletos en un despacho 1944 Museo de Israel Jerusalen Esqueleto con concha 1944 coleccion privada Ecce Homo 1949 coleccion Vanthournot El entierro 1951 Musee des Beaux Arts Mons y Crucifixion 1951 1952 Museos Reales de Bellas Artes de Belgica Bruselas 264 El espanol Jose Gutierrez Solana vinculado al expresionismo auno el arte tradicional con el contemporaneo con un estilo aspero y dramatico centrado en temas sordidos y lugubres inspirados en la Espana profunda personajes populares procesiones corridas de toros Entre sus obras se encuentran La baraja de la muerte 1927 coleccion Mapfre El espejo de la muerte 1929 coleccion privada La procesion de la muerte 1930 Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia Madrid y El osario 1931 coleccion Mapfre 265 El buey desollado 1925 de Chaim Soutine Albright Knox Art Gallery Bufalo Nueva York En la misma linea se encuentra Carlos Gonzalez Ragel conocido como Skeletoff quien poblo sus obras de esqueletos en diversas actitudes bailando toreando haciendo deporte en una suerte de danza macabra mezclada en ocasiones con topicos espanoles Creador de la esqueletomania afirmaba que mis esqueletos son estaticos dinamicos y rumberos Algunas de sus obras son El Fandanguillo de Almeria Consulta del dentista y Paso del Estrecho donde aparece Francisco Franco esqueletizado con el brazo en alto haciendo el saludo fascista 266 Otro espanol que cultivo el genero fue Luis Fernandez Lopez que paso por el purismo el neoplasticismo y el surrealismo antes de encontrar un estilo personal hermetico y analitico Marcado por la Guerra Civil Espanola elaboro una serie de obras de calaveras humanas cabezas de toros u otros animales como Cabeza de cordero y jamon 1940 inspirada en la obra del mismo tema de Goya 6 El italiano Renato Guttuso practico un realismo influido por Picasso Van Gogh y los realistas franceses del siglo XIX 267 Entre sus obras se encuentran Craneo de carnero 1939 Archivo Guttuso Roma una impactante imagen de un craneo con las cuencas vacias que sin embargo parece mirar al espectador inspirada seguramente en la de Goya del mismo tema 6 y Naturaleza muerta con lampara 1940 coleccion privada en la que dispuso sobre una mesa varios objetos entre los que destaca un craneo de animal mientras en la parte superior cuelga una lampara del techo con un fondo de color rojo 268 La estadounidense Georgia O Keeffe fue exponente del precisionismo un estilo que aglutinaba la composicion cubista con la estetica futurista Se dedico especialmente a la pintura de flores rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo Mexico 269 Fue autora de Cabeza con olla rota 1942 donde aparece una calavera entre los restos de una olla rota semejando un polluelo que sale de su cascaron 270 Tras la Segunda Guerra Mundial las vanguardias historicas dieron paso a una nueva serie de movimientos que iban desde el arte figurativo hasta el abstracto desde el arte mas tradicional hasta el arte de accion o conceptual Uno de los primeros en la inmediata posguerra fue el informalismo 1945 1960 un conjunto de tendencias basadas en la expresividad del artista y en la renuncia a cualquier aspecto racional del arte estructura composicion aplicacion preconcebida del color Era un estilo eminentemente abstracto donde cobro relevancia el soporte material de la obra que asumio el protagonismo por encima de cualquier tematica o composicion 271 En esta tendencia se situa Antoni Tapies quien creo un estilo propio en el que se combinaban la tradicion y la innovacion dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo dando gran relevancia al sustrato material de la obra En su obra Tapies reflejo una gran preocupacion por los problemas del ser humano la enfermedad la muerte la soledad el dolor o el sexo En Craneo blanco 1981 evoco las vanitas del Barroco espanol el recordatorio de la caducidad de la vida 272 Como reaccion a la abstraccion informalista surgio la llamada Nueva figuracion 1945 1960 un movimiento que recupero el arte figurativo con cierta influencia expresionista y con total libertad de composicion Aunque se basaban en la figuracion no quiere decir que esta fuese realista sino que podia ser deformada o esquematizada a gusto del artista 273 Entre sus figuras destaca Francis Bacon un artista de un realismo personal y subjetivo influido por Grunewald Rembrandt Velazquez Van Gogh y Picasso con un estilo austero de espacios claustrofobicos y personajes angustiados aislados de formas torsionadas 274 En Figura con carne 1954 Instituto de Arte de Chicago realizo una composicion basada en dos cuadros de maestros barrocos El buey desollado de Rembrandt y el Retrato de Inocencio X de Velazquez En su peculiar estilo de deformacion subjetiva de la realidad plasmo en una habitacion la figura sedente del pontifice flanqueado a los lados por dos piezas de buey abierto en canal una obra que expresa el tormento y la angustia existencial que sentia el artista 56 En la misma linea el espanol Eduardo Arroyo desarrollo un estilo figurativo con cierto componente onirico enigmatico en que experimento con diversas soluciones plasticas mosaicos collages y materiales caucho ceramica 275 Interesado por el genero de la vanitas realizo numerosas obras de esta tematica en diversos formatos pintura grabado escultura y collage En 1991 el Museo del Prado le invito a participar en una serie de grabados de doce artistas contemporaneos para lo cual eligio versionar la Vanitas de Jacques Linard que alberga el museo madrileno 276 277 Otro movimiento figurativo fue el pop art 1955 1970 un estilo con un marcado componente de inspiracion popular que tomo imagenes del mundo de la publicidad la fotografia el comic y los medios de comunicacion de masas 278 Uno de sus principales exponentes fue Andy Warhol Solia trabajar mediante serigrafia en series que iban desde los retratos de personajes famosos como Elvis Presley Marilyn Monroe o Mao Tse tung hasta todo tipo de objetos como su serie de latas de sopa Campbell elaborados con un colorismo chillon y estridente y una tecnica pura impersonal 279 Pese a la apariencia frivola y desenfadada de sus cuadros uno de los temas recurrentes en su obra fue la muerte Asi entre sus famosas series de cuadros repetidos en distintas combinaciones de colores figura su serie de Calaveras 1976 en las que aparece una calavera que proyecta la sombra de un nino con distintos fondos cromaticos en los que predomina el verde el amarillo el rosa el azul y el morado 280 Fue tambien autor de una serie de Autorretrato con calavera 1978 en la que aparece su busto con una calavera en el hombro o encima de la cabeza realizadas a partir de diversas fotografias y con fondos en rojo naranja gris o amarillo 281 En los anos 1960 surgio el hiperrealismo un estilo caracterizado por su vision superlativa y exagerada de la realidad que era plasmada con gran exactitud en todos sus detalles con un aspecto casi fotografico 282 Entre sus filas se encuentra Audrey Flack una representante del fotorrealismo una vertiente del hiperrealismo consistente en la elaboracion de lienzos tomando fotografias como modelo Fue autora de una serie de obras inspiradas en el genero de la vanitas caracterizadas por su realismo e intenso colorido con alusiones simbolicas tomadas del bagaje historico de este genero Entre ellas se encuentra Marilyn Vanitas 1977 University of Arizona Museum of Art Tucson en la que aparece un libro abierto con una fotografia de Marilyn Monroe junto a una serie de objetos como una rosa frutas una vela un calendario un espejo un reloj de arena un reloj de bolsillo un vaso una fotografia perlas botes de pintura cosmeticos y un pano arrugado Los relojes y el calendario aluden al paso del tiempo asi como la descolorida fotografia que se percibe anterior en el tiempo a la escena representada 283 Desde 1975 se desarrollo el arte posmoderno el arte propio de la posmodernidad por oposicion al denominado arte moderno Estos artistas asumian el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno las vanguardias pretendian eliminar la distancia entre el arte y la vida universalizar el arte el artista posmoderno en cambio era autorreferencial el arte habla del arte no pretendian hacer una labor social 284 Algunos artistas como Jean Michel Basquiat y Keith Haring se inspiraron en el arte de culturas primitivas concretamente en ritos magicos ligados a la muerte que reflejaron en sus obras 285 Entre las obras de Basquiat se encuentra Calavera roja 1982 coleccion privada una calavera esbozada en rasgos primitivos con un fondo abstracto de los diversos signos y colores que caracterizaban su estilo influido por el grafiti urbano 286 Haring tambien realizo diversas obras de calaveras como su Calavera ardiente de 1987 una escultura de esmalte sobre aluminio con unos rasgos que evocan el arte primitivo 287 En Alemania se dio el neoexpresionismo un movimiento igualmente preocupado por el fenomeno de la muerte especialmente por la plaga del sida con autores como Gerhard Richter Markus Lupertz Georg Baselitz o A R Penck 285 Richter realizo en 1983 una serie de obras de calaveras solas o con una vela con un fondo neutro 288 Lupertz elaboro en 1992 una serie de grabados de vanitas con calaveras como protagonistas acompanadas a menudo de flores 289 Miquel Barcelo influido por el action painting el arte conceptual y el art brut se inspiro igualmente en el barroco espanol y la pintura de Goya 290 Desde 1986 se intereso por las naturalezas muertas incluido el genero de la vanitas tanto en pintura como escultura en la primera cabe mencionar Craneo 1986 coleccion privada un craneo de animal sobre fondo oscuro en tonos terrosos como es habitual en muchas de sus obras en bulto redondo Craneo grande 1998 Galerie Bruno Bischofberger Zurich una jarra de bronce deformada para que asemeje un craneo de animal y Pinocho muerto 1998 un craneo humano de bronce con nariz larga como la del personaje Pinocho 291 La fotografa estadounidense Cindy Sherman reflexiono con sus obras sobre los roles sociales de la mujer o del artista con imagenes estereotipadas que parodian la cultura que representan Desde los anos 1980 recreo un mundo en descomposicion con imagenes de un cromatismo acido 292 En Untitled No 272 1992 retrato una calavera engalanada de flores y joyas una barroca composicion que reflexiona sobre la belleza la vida y la muerte 293 Siglo XXI Editar Memento mori de Matthias Laurenz Graff 2017 Entre los ultimos exponentes cabe citar a Jan Fabre un artista multidisciplinar en el que era habitual la referencia al cuerpo humano y sus fluidos asi como la utilizacion de insectos y animales muertos en esculturas o instalaciones artisticas Realizo numerosas obras con calaveras cubiertas por escarabajos con animales muertos en las mandibulas en cadaver o esqueleto o en diversas composiciones empleando materiales como el cristal y el hueso Entre ellas se encuentra su serie de calaveras de cristal de Murano de color azul que sostienen en su boca esqueletos de animales como ardillas topos pajaros carpinteros guacamayos y ratones 294 La serbia Marina Abramovic se dedico principalmente a la performance que registraba en fotos y videos con acciones de caracter simbolico que exploraban las capacidades del cuerpo y la mente 295 Entre ellas se encuentra Desnudo con esqueleto 2002 2005 en que aparece la artista desnuda con un esqueleto encima mostrando la intensa relacion entre la vida y la muerte 296 El frances Philippe Pasqua mostro en su obra interes por los temas marginales como la transexualidad el sindrome de Down y la ceguera cuestionando los valores morales de nuestro tiempo Entre sus preferencias se encuentra la vanitas que trato en pintura y escultura como sus craneos tatuados o cubiertos de mariposas insectos que evocan la fragilidad y que al levantar sus alas del craneo evocan la vida que se escapa 297 298 El austriaco Matthias Laurenz Graff auno en su obra un cierto expresionismo con influencia del pop art con expresion en multiples generos obras historicas politicas religiosas paisajes urbanos o rurales desnudos retratos y bodegones incluidas vanitas como El hombre muerto no cuenta cuentos La ultima vela Recuerda que eres mortal Memento mori Laureles de fugacidad o Vanitas la muerte de un angel 299 El britanico Damien Hirst escandalizo con varias de sus obras como las de animales conservados en formaldehido Su obra Por el amor de Dios 2007 un craneo de platino cubierto de 8601 diamantes se vendio por cincuenta millones de libras el precio mas alto pagado por la obra de un artista vivo 300 301 Por ultimo cabe citar al espanol Mario Monforte quien trato la vanitas en su obra Memento Mori con una serie de fotografias en perspectiva que creaban una ilusion frontal para asimilarse a la vanitas clasica Dentro de dicha serie destaco la obra Skull with Butterflies una fotografia de un craneo rodeado de mariposas El statement de Memento Mori trataba sobre la fugacidad del tiempo de la sociedad moderna atrapada entre el consumismo y las redes sociales 302 Vease tambien EditarArs moriendi El triunfo de la Muerte Danza de la Muerte Memento moriReferencias Editar a b c de la Plaza Escudero y Morales Gomez 2015 p 472 a b c d e f g h i Diccionario Larousse de la Pintura p 2027 Revilla 2016 p 768 a b c Vanitas con angel admonitorio una advertencia existencial e implacable Consultado el 1 de noviembre de 2019 Summa Pictorica La fastuosidad de lo barroco p 304 a b c d e f g h i j k l m n n Concha Lomba Serrano Vanitas en vanguardia meditacion y violencia Consultado el 27 de noviembre de 2019 Triado y Subirana 1994 p 114 Sturgis y Clayson 2002 p 229 Nascendo Morimur Consultado el 14 de octubre de 2019 Homo bulla est Consultado el 14 de octubre de 2019 a b c Vanitas Vanitatis la vanidad ante la muerte en el arte occidental Consultado el 13 de octubre de 2019 a b c d De vanitas memento mori carpe diem y otros 11 de octubre de 2016 Consultado el 16 de octubre de 2019 Giorgi 2007 pp 61 63 Toman 2007 p 428 Turner 1996 p 881 Summa Pictorica La fastuosidad de lo barroco p 306 Memento mori en italiano Museo Archeologico Nazionale di 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