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Arte de la Edad Moderna

Agosto 30, 2021

Arte de la Edad Moderna es el período o subdivisión temporal de la historia del arte que corresponde a la Edad Moderna. No se ha de confundir con el concepto de arte moderno, que no es cronológico sino estético, y que corresponde a determinadas manifestaciones del arte contemporáneo.

Vista en altura de la Plaza de San Pedro, de Piranesi (1748), arquitecto visionario que en este grabado destaca la columnata de Bernini (1656-1667), autor también del diseño de la plaza y del baldaquino interior, todos ellos elementos barrocos. La fachada de Carlo Maderno (1626) da paso a un brazo mayor, prolongación del mismo arquitecto, que alteró la planta centralizada concebida para la Basílica de San Pedro por los anteriores maestros del Alto Renacimiento desde 1506: Bramante, Rafael, Sangallo y Miguel Ángel, cuya solución para la cúpula fijó hasta hoy el perfil del horizonte de Roma. Las Estancias Vaticanas (con los frescos de Rafael, 1508-1524) y la Capilla Sixtina (con los de los pintores del Quattrocento, 1481-1482, y los de las dos épocas de Miguel Ángel, 1508-1512 y 1535-1541) pertenecen al mismo conjunto; una concentración inigualable de historia del arte de la Edad Moderna, así como de los hechos y procesos históricos que lo hicieron surgir y evolucionar. A pesar de esta indudable centralidad, el arte de la Edad Moderna fue mucho más que arte religioso; tuvo, incluso en Italia, muchos centros además del romano (Florencia, Venecia, Nápoles); y tuvo, en otros países de Europa Occidental, muchas otras escuelas nacionales (Flandes, Alemania, Francia, Inglaterra, España), cada una con sus propias escuelas locales.
El inmenso complejo de la Ciudad Prohibida de Pekín, sede del gobierno imperial chino durante las dinastías Ming y Qing, un espacio palaciego que aventaja en dimensiones y lujo al Palacio de Versalles, al Monasterio de El Escorial o al Hofburg de Viena. Además de vehículo de expresión artística, similares funciones socio-políticas cumplieron el Kremlin de Moscú, el Palacio de Topkapi de Estambul, el Palacio de Golestán de Teherán o el Castillo Edo de Tokio. Las civilizaciones no occidentales, con excepción de las americanas, continuaron durante la Edad Moderna su dinámica propia, que incluyó el desarrollo autónomo de su arte. En el caso de las de Extremo Oriente, sin apenas influencia europea, a excepción de Filipinas.

El período cronológico de la Edad Moderna corresponde con los siglos XV al XVIII (con distintos hitos iniciales y finales, como la imprenta o el descubrimiento de América, y las revoluciones francesa o industrial), y significó históricamente en Europa la conformación y posterior crisis del Antiguo Régimen (concepto que incluye la transición del feudalismo al capitalismo, una sociedad estamental y preindustrial y una monarquía autoritaria o absoluta desafiada por las primeras revoluciones burguesas). Desde la era de los descubrimientos los cambios históricos se aceleraron, con el surgimiento del estado moderno, la economía-mundo y la revolución científica; en el marco del inicio de una decisiva expansión europea a través de la economía, la sociedad, la política, la técnica, la guerra, la religión y la cultura. Durante ese periodo, los europeos se extendieron fundamentalmente por América y los espacios oceánicos. Con el tiempo, ya al final del periodo, estos procesos terminaron por hacer dominante la civilización occidental sobre el resto de las civilizaciones del mundo, y con ello determinaron la imposición de los modelos propios del arte occidental, concretamente del arte europeo occidental, que desde el Renacimiento italiano se identificó con un ideal estético formado a partir de la reelaboración de los elementos recuperados del arte clásico greco-romano, aunque sometidos a una sucesión pendular de estilos (renacimiento, manierismo, barroco, rococó, neoclasicismo, prerromanticismo) que, bien optaban por una mayor libertad artística o bien por un mayor sometimiento a las reglas del arte institucionalizadas en el denominado arte académico. La función social del artista comenzó a superar la del mero artesano para convertirse en una personalidad individualista, que destacaba en la corte, o en una figura de éxito en el mercado libre de arte. Al igual que en los demás ámbitos de la cultura, la modernidad aplicada al arte significó una progresiva secularización o emancipación de lo religioso que llegó a su punto culminante con la Ilustración; aunque el arte religioso continuó siendo uno de los más encargados, si no el que más, ya no dispuso de la abrumadora presencia que había tenido en el arte medieval.

No obstante, durante todo el periodo de la Edad Moderna las principales civilizaciones del mundo se mantuvieron poco influidas, o incluso casi del todo ajenas a los cambios experimentados por las sociedades y el arte europeos, manteniendo esencialmente los rasgos culturales y artísticos propios (arte de la India, arte de China, arte de Japón, arte africano).

La civilización islámica, definida por su posición geoestratégica intermedia, y principal competidora histórica de la civilización cristiana occidental, a la que disputó secularmente el espacio mediterráneo y balcánico, desarrolló distintas modalidades locales de arte islámico en las que pueden verse influencias tanto del arte occidental como del de las civilizaciones orientales.

Para el caso del arte americano, la colonización europea supuso, especialmente para zonas como México y Perú, la formación de un arte colonial con algunas características sincréticas.

En Europa oriental el arte bizantino continuó perviviendo con el arte ruso o con algunas manifestaciones del arte otomano.

Además de las artes plásticas, otras bellas artes como la música, las artes escénicas y la literatura tuvieron desarrollos paralelos, analogías formales y una mayor o menor coincidencia estética y, sobre todo, intelectual, ideológica y social; lo que ha permitido a la historiografía etiquetar su periodización con denominaciones similares (música del renacimiento, música barroca, música del clasicismo; literatura del renacimiento, literatura del barroco, literatura ilustrada o neoclásica, etc.) Lo mismo puede decirse de las denominadas artes menores, decorativas o industriales, que fueron un fiel reflejo del gusto artístico de determinadas épocas (como los denominados estilos Enrique II, Luis XIII, Luis XIV, Regencia, Luis XV, Luis XVI, Directorio e Imperio, convencionalmente denominados a partir de la historia del mobiliario francés[1]​).[2]​

Arte europeo occidental

Siglos XV y XVI: Gótico final, Renacimiento y Manierismo

Gótico final y Renacimiento nórdico

Artículos principales: Renacimiento y Gótico tardío.
Véanse también: Arquitectura del Renacimiento, Pintura renacentista, Escultura del Renacimiento, Renacimiento nórdico y Primitivos flamencos.
Véanse también: Renacimiento alemán, Escuela del Danubio, Hispano flamenco y Manuelino.
Véanse también: Renacimiento español, Catedrales de España, Pintura renacentista de España y Escultura del Renacimiento en España.

El siglo XV significó una continuidad del arte gótico en la mayor parte de los países europeos. El denominado gótico internacional representaba la imposición, en el denominado otoño de la Edad Media,[3]​ de un gusto refinado y cortesano, de origen francés, provenzal y borgoñón, que se extendía entre todas las artes plásticas, especialmente la pintura en soportes muebles (polípticos cada vez más complejos[4]​ e iluminación de manuscritos) y la orfebrería (El corcel dorado, 1404). El gótico flamígero se aplicó a la arquitectura civil (ayuntamientos y palacios urbanos) además de la religiosa, de lo que son muestra los conjuntos urbanos de ricas ciudades burguesas como Brujas y Gante en Flandes y otros núcleos en las rutas comerciales que se extendían por todo el continente con gran vitalidad tras la crisis del siglo XIV: ferias de Champaña y de Medina, cañadas de la Mesta que cruzaban Castilla de sur a norte (Toledo, Segovia, Burgos), ciudades del Rin (Colonia, Maguncia, Colmar, Friburgo, Estrasburgo, Basilea), del sur de Alemania (Augsburgo, Núremberg), de Borgoña (Dijon, Hôtel-Dieu de Beaune, 1443) o los puertos septentrionales de la Hansa (Tallin, Danzig, Lübeck, Hamburgo o el propio Londres).

El mantenimiento de la tradición gótica, de las características locales o la mayor o menor influencia de los núcleos flamenco-borgoñón o italiano caracterizó la diversidad de la producción artística europea durante todo el periodo. Buena parte de la producción arquitectónica de finales del XV y comienzos del siglo XVI se efectuó con estilos nacionales que suponen una evolución natural del gótico, como el plateresco o isabelino (de debatido deslindamiento) y el estilo Cisneros en Castilla;[5]​ y el estilo Tudor o gótico perpendicular en Inglaterra, que evolucionó a la arquitectura isabelina de finales del XVI y comienzos del XVII, ya fuertemente influida por los nuevos modelos renacentistas italianos. El arco ojival gótico y las floridas crucerías fueron sustituidos por el arco de medio punto, la cúpula y los elementos arquitrabados que recordaban a Roma (frontones, frisos, cornisas, órdenes clásicos). Incluso se impuso la decoración a base de los grutescos recientemente descubiertos en la Domus Aurea de Nerón.

En pintura y escultura, el gusto nórdico predominó frente al italiano hasta comienzos del siglo XVI en la mayor parte de Europa Occidental, lo que explica el éxito de artistas como los Colonia, los Egas, Gil de Siloé, Felipe Bigarny, Rodrigo Alemán o Michel Sittow (proveniente de un lugar tan lejano como el Báltico Hanseático); aunque el influjo de Italia también se dejó sentir, como demuestra el periplo europeo de escultores italianos como Domenico Fancelli y Pietro Torrigiano (menos significativa fue la emigración de pintores italianos, puesto que es fácil importar pintura, pero es más fácil importar al escultor que a las esculturas) y los aprendizajes en Italia de pintores franceses y españoles como Jean Fouquet, Pedro Berruguete o Yáñez de la Almedina. Pero ni siquiera en esas primeras décadas del siglo XVI puede decirse que se produjera una identificación del italianismo renacentista a comprar o imitar con el canon florentino-romano o «paradigma vasariano» (que es el que terminó fijando en el gusto clasicista perpetuado en los siglos posteriores).[6]​ La mayor parte de la producción local, en todos los artes, tuvo una paulatina transición entre las formas góticas y las renacentistas. En la escultura castellana, esta transición corrió a cargo del grupo formado en torno a los Egas, con Juan Guas y Sebastián de Almonacid),[7]​ mientras que en la corona de Aragón cumplió un papel similar Damián Forment y en Francia Michel Colombe.

Incluso en la propia Italia de finales del XV había posiblemente mayor interés por la pintura flamenca que el que pudiera haber por la pintura italiana en Flandes, como demuestra el impacto del Tríptico Portinari (1476), que no tuvo equivalente en obras italianas exportadas a los Países Bajos.[8]​ En cuanto al gusto privado de un monarca de la segunda mitad del XVI, calificado de Príncipe del Renacimiento,[9]​ como Felipe II de España, las fantasías oníricas y moralistas de El Bosco o las obras de pintores tan arcaizantes como Marinus y Pieter Coecke aventajaban a los maestros italianos o a otros más innovadores, como El Greco. No obstante, la generación de los monarcas de la primera mitad del siglo se había dejado seducir por los genios italianos de Leonardo da Vinci (Francisco I de Francia) o Tiziano (Carlos I de España ―emperador Carlos V―).

En cuanto a Flandes e Italia, la brillantez y originalidad indiscutible de cada uno de los artistas individuales y escuelas locales; así como la fluidez de los contactos mutuos, tanto de obras (Tríptico Portinari) como de maestros (Justo de Gante, Petrus Christus, Roger van der Weyden, Mabuse ―viajan de Flandes a Italia― Jacopo de'Barbari, Antonello da Messina ―viajan de Italia a Flandes―, el viaje de Antonello, citado por Vasari, es puesto en duda por la moderna historiografía, que únicamente reconoce su coincidencia con Petrus Christus en Milán[11]​); obligan a hablar de un protagonismo compartido que ni priorice ni confunda las características propias de cada foco, que son marcadamente diferentes.[12]​

La región flamenco-borgoñona y su conexión natural con Italia, la zona alemana del Rin y el alto Danubio, fueron de un destacado dinamismo en todas las ramas de la cultura y el arte, destacadamente en pintura, con la innovación decisiva de la pintura al óleo (hermanos van Eyck)[13]​ y el desarrollo del grabado que alcanzó alturas extraordinarias con Alberto Durero o Lucas van Leyden, además de la invención de la imprenta (Gutenberg, 1453). La pintura flamenca y alemana se caracterizaron por un intenso realismo y nitidez, y el gusto por el detalle llevado a su límite. La escuela de pintores del siglo XV denominada primitivos flamencos se compone de una extensa nómina de maestros: Roger van der Weyden, Thierry Bouts, Petrus Christus, Hans Memling, Hugo van der Goes, y algunos anónimos cuya atribución se ha conseguido establecer o es aún objeto de debate (Maestro de Flemalle ―Roberto Campin―, Maestro de Moulins ―Jean Hey―, Maestro de la Leyenda de Santa Lucía,[14]​ Maestro del follaje bordado,[15]​ Maestro de Alkmaar, Maestro de Fráncfort, Maestro de la Leyenda de Santa Bárbara, Maestro de la Virgo inter Virgines, Maestro de la Vista de santa Gúdula, Maestro de María de Borgoña, Maestro del Monograma de Brunswick[16]​); y que a finales del XV y comienzos del XVI continuó con figuras de la talla de El Bosco, Gerard David, Jan Joest van Calcar, Joaquín Patinir, Quentin Metsys o Pieter Brueghel el Viejo. La potencia de la pintura alemana de la época no se limitó a Durero, viéndose en la producción de artistas como Grünewald, Altdorfer o Lucas Cranach el Viejo. También se producen fructíferos viajes de maestros alemanes a Italia (Durero, Michael Pacher),[17]​ mientras que el trasiego de maestros alemanes, sobre todo renanos, hacia Flandes fue mucho más abundante.


Renacimiento italiano: Quattrocento

Artículo principal: Renacimiento italiano

Italia había desarrollado durante toda la Edad Media producciones artísticas significativamente diferenciadas del resto de Europa Occidental, que aunque se clasifican dentro del románico o del gótico, presentaran marcadas características propias, que suelen atribuirse a la pervivencia de la herencia clásica grecorromana y a los contactos con el arte bizantino (particularmente en Venecia ―arquitectura gótica veneciana―,[18]​ pero también en el denominado naturalismo romano ―Pietro Cavallini―[19]​). Además de los precursores literarios del Renacimiento (Dante, Petrarca y Bocaccio), escultores como los Pisano, pintores de la escuela sienesa (Duccio di Buoninsegna, Simone Martini) y la escuela florentina (Giotto, Cimabue), y artistas completos como Arnolfo di Cambio son los precedentes inmediatos de la explosión creativa del Quattrocento (años mil cuatrocientos en italiano), que se inicia con los frescos de Fra Angelico y de Masaccio, los relieves de Jacopo della Quercia y los bultos redondos de Donatello. La municipalidad de Florencia de comienzos de siglo convocó dos concursos de obras puntuales para la terminación de su catedral que se convirtieron en hitos de la historia del arte: la solución genial de Brunelleschi a la cúpula de Santa María del Fiore (1419), y las puertas de bronce del Baptisterio, que realizó Ghiberti (1401).[20]​

A mediados de siglo se reunieron en la misma ciudad un afortunado conjunto de circunstancias, especialmente el desarrollo de la filosofía humanista (que desarrolló en términos antropocentristas nuevos conceptos de hombre y de naturaleza, cuya mímesis ―imitación― sería la función del arte) y la presencia de una legación griega en el Concilio de Florencia (1439-1445, que procuraba la unidad de los cristianos en los momentos finales de la resistencia de Constantinopla frente a los turcos), que pusieron a la antigüedad clásica, a sus textos y a la reflexión sobre teoría del arte, en el centro de la atención intelectual. Al mismo tiempo, los artistas experimentaron una promoción social decisiva: pasaron a convertirse en humanistas u hombres del renacimiento, es decir, profesionales completos no solo de un oficio artístico, sino de todos ellos a la vez, además de cultivados y letrados, lo que les permitía ser también poetas y filósofos, dignos de codearse con aristócratas laicos y eclesiásticos, príncipes, reyes y papas, que se los disputaban y no se avergonzaban de admirarlos y tratarlos con consideración.

La corte de los Médici utilizó el mecenazgo como un mecanismo de prestigio a una escala que le permitió convertirse en un centro artístico comparable a la Roma de Augusto o la Atenas de Pericles: pintores como Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Pollaiuolo, Sandro Botticelli, Pinturicchio, Luca Signorelli, los Ghirlandaio, Cosimo Rosselli o Benozzo Gozzoli, escultores como Luca della Robbia o Andrea Verrocchio y arquitectos como Michelozzo, Bernardo Rossellino y Leon Battista Alberti. El vocabulario clásico y el descubrimiento de las leyes de la perspectiva lineal construyeron las bases teóricas autoconscientes de un arte de fuerte personalidad, la escuela florentina del quattrocento, que tras la decadencia de la sienesa (su rival en el duecento y el trecento) se había convertido en la dominante en Italia, caracterizada por el predominio del disegno (dibujo, diseño). Prueba de su prestigio fue la selección de maestros para el programa pictórico de las paredes laterales de la Capilla Sixtina (1481-1482). Era común que muchos de los pintores florentinos procedieran de otras escuelas locales italianas, como Piero della Francesca, que procedía de la escuela de Ferrara (Francesco del Cossa, Cosme Tura), Mantegna, que procedía de la Escuela de Padua (Francesco Squarcione, Melozzo da Forli, Filippo Lippi) o Perugino, de la escuela de Umbría o de las Marcas (Melozzo da Forli, Luca Signorelli). La escuela veneciana, a su vez, recibió el influjo del veronés Pisanello y el siciliano Antonello da Messina (a quien se atribuye la introducción de la técnica flamenca del óleo en Italia)[21]​ para desarrollar características peculiarísimas centradas en el dominio del color, visibles en Alvise Vivarini y Carlo Crivelli y que llegarán a su cima con los Bellini.[22]​



Alto Renacimiento o Renacimiento clásico

Artículo principal: Alto Renacimiento

La genial figura de Leonardo da Vinci, que mantuvo una vida errante por las cortes italianas y francesa, enmarca el tránsito hacia el Cinquecento (años mil quinientos en italiano). Se abre el denominado Alto Renacimiento o Renacimiento clásico:[26]​ Florencia (que había sufrido el furor iconoclasta de Savonarola) fue sustituida como centro artístico por Roma, bajo el mecenazgo papal, que atrajo a Bramante, Miguel Ángel y Rafael Sanzio, desarrollando el ambiciosísimo programa artístico del Vaticano (cuyo enorme coste fue una de las razones del descontento que generó la Reforma protestante), con lo que puede hablarse de una escuela florentino-romana (los citados y Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto, Giulio Romano, Benvenuto Cellini, Baldassarre Peruzzi, Giovanni Antonio Bazzi (Il Sodoma) y otros, cuya condición de émulos eclipsados por el genio de sus maestros, a pesar de sus valores propios, les hace ser clasificados muy habitualmente como manieristas).[27]​ Mientras tanto, en Venecia se desarrolló con características propias una Escuela veneciana caracterizada por el dominio del color (los Bellini, Giorgione, Tiziano).

En relación con el renacimiento de mediados del siglo XV, caracterizado por la experimentación sobre la perspectiva lineal, el alto renacimiento se caracterizó por la madurez y el equilibrio que se encuentra en el sfumato de Leonardo; en los volúmenes marmóreos de la terribilità miguelangelesca; en los colores, texturas y el chiaroscuro de los venecianos o de las Madonnas de Rafael, que dan a la luz y a las sombras un nuevo protagonismo, junto a su característica morbidezza (suavidad, blandura); en el adelantamiento del brazo en los retratos (como en la Gioconda); en la composición clara, especialmente la triangular, marcada por la relación de las figuras con miradas y posturas, particularmente en las manos.[28]​

Bajo Renacimiento o Manierismo

Artículo principal: Manierismo

Desde el saco de Roma de 1527, el renacimiento supera su fase clasicista para experimentar con más libertad formal y menos sujeción a equilibrios y proporciones, exagerando los rasgos, introduciendo rupturas e inversiones del orden lógico, órdenes gigantes, formas dinámicas como la serpentinata, y dando paso a guiños intelectuales e iconográficos sofisticados o al humor. Los longevos Miguel Ángel y Tiziano continuaron su ingente obra, al tiempo que las nuevas generaciones de artistas imitan su maniera (cuasi divinizada por los primeros historiadores del arte como Vasari) o bien desarrollan su propia creatividad:[29]​ Pontormo ―Descendimiento, 1528―, Correggio ―Adoración de los pastores, 1530―, Parmigianino ―Madonna del cuello largo, 1540―, Bronzino ―Retrato de Lucrezia Panciatichi, 1540―, Tintoretto ―Lavatorio, 1549―, Veronés ―Bodas de Caná, 1563―, Sebastiano del Piombo, Arcimboldo, los Bassano, los Palma (pintores), Juan de Bolonia ―Hércules y el centauro Neso, 1550―, Benvenuto Cellini ―Salero de Francisco I de Francia, 1543― (escultores), Serlio ―Los siete libros de la arquitectura, publicados entre 1537 y 1551―, Palladio ―Teatro Olímpico, 1580―, Vincenzo Scamozzi, Vignola, Giacomo della Porta (arquitectos), o artistas completos como Giulio Romano (edificio y frescos del Palazzo Te, 1524-1534), Jacopo Sansovino (intervenciones en torno a la Plaza de San Marcos de Venecia desde 1529, como la Biblioteca Marciana, 1537-1553), Bartolomeo Ammannati (Fuente de Neptuno, ampliación del Palazzo Pitti, 1558-1570) y Federico Zuccari (Palacio Zuccari, un extravagante y personal proyecto para su propia vivienda en Roma, 1590).


Por el resto de Europa se difunde un estilo italianizante, que en cada zona adquiere características peculiares: en Francia la escuela de Fontainebleau, pintores como François Clouet, escultores como Jean Goujon, Ligier Richier o Germain Pilon y el embellecimiento de los elegantes châteaux de la Loire (ampliación del castillo de Blois y construcción del castillo de Chambord, ambos de Domenico da Cortona; Serlio y Gilles le Breton en el propio palacio de Fontainebleau; Pierre Lescot en el del Louvre; Filiberto Delorme en las Tullerías);[31]​ en España los escultores Alonso de Berruguete, Diego de Siloé, Juan de Juni o Gaspar Becerra, los pintores Luis de Morales, Juan de Juanes, Navarrete el Mudo, Alonso Sánchez Coello o Juan Pantoja de la Cruz, y los arquitectos Pedro Machuca, Rodrigo Gil de Hontañón, Alonso de Covarrubias o los Vandelvira; en el Flandes dividido por la revolución que trajo la reforma protestante, Quentin Metsys, Antonio Moro o Karel van Mander (el Vasari del norte); y en Alemania Lucas Cranach el Joven o Hans Holbein el Joven (que terminó su carrera en Inglaterra); en Inglaterra, Íñigo Jones.


El llamado Bajo Renacimiento en España coincide con el comienzo de los siglos de oro de las artes.[35]​ Tras el Alto en el que se incorporaron los modelos puristas o clasicistas del romano[36]​ (Palacio de Carlos V, Catedral de Granada, Catedral de Jaén, Catedral de Baeza, Ayuntamiento de Sevilla), en el último tercio del siglo XVI se desarrolló un ambicioso programa propio de marcada originalidad, centrado en el Monasterio de El Escorial (Juan Bautista de Toledo, Gian Battista Castello, Francesco Paciotto, Juan de Herrera ―cuya fuerte personalidad le hace habitualmente ser considerado principal autor― y Francisco de Mora, 1563-1586), que dio trabajo a pintores italianos como Pellegrino Tibaldi y Federico Zuccaro, pero donde no tuvo cabida, a pesar de su genialidad, un artista no apreciado por Felipe II: El Greco.

Véanse también: Arquitectura del Renacimiento, Pintura del Renacimiento y Escultura del Renacimiento.

Siglo XVII y primera mitad del XVIII: Barroco, Clasicismo y Rococó

Barroco

 
Triunfo de la Divina Providencia y cumplimiento de Sus Fines bajo el pontificado de Urbano VIII, fresco de techo en el Palacio Barberini, de Pietro de Cortona (1633-1639).
Artículo principal: Barroco
Véanse también: Pintura barroca, Escultura barroca y Arquitectura barroca.

En la Italia de 1600 el intelectualismo manierista da paso a un arte más popular: el barroco, que apela directamente a los sentidos, y en que se otorga un valor fundamental a los juegos de luz y sombra, a formas geométricas sofisticadas (como la elipse y la helicoidal), al movimiento, a la violencia en los contrastes y a la contradicción entre la apariencia y la realidad. Desde su inicio se da simultáneamente con una tendencia clasicista visiblemente opuesta.

La periodización del barroco permite identificar varias fases: un barroco tenebrista a comienzos de siglo XVII, un barroco pleno o maduro en las décadas centrales del siglo, y un barroco triunfante o decorativo a finales del siglo XVII, que se prolongó en el siglo XVIII con el denominado barroco tardío, de imprecisa diferenciación con el rococó, estilo que también puede definirse bajo parámetros bien distintos.[37]​

Los principales pintores italianos de tendencia barroca del siglo XVII fueron Caravaggio, cuya breve y escandalosa carrera inició una verdadera revolución pictórica (y a cuyo estilo se denomina a veces como caravagismo, como tenebrismo o naturalismo); seguido por il Spagnoleto José de Ribera (valenciano cuya obra se realizó íntegramente en Nápoles), Pietro da Cortona (también arquitecto) y Luca Giordano (llamado Luca fa presto por su rapidez de ejecución). El protagonista del triunfo de las formas retorcidas del estilo barroco en la clasicista Roma (donde los académicos de San Lucas mantuvieron el dominio del gusto academicista en pintura) fue un verdadero artista completo: Bernini, que aplicó a escultura y arquitectura una nueva concepción sensitiva, casi sensual (Éxtasis de Santa Teresa, Baldaquino de San Pedro); aunque también otros como Borromini, los Maderno y los Fontana dejaron su impronta en una cada vez más deslumbrante Ciudad Eterna, confirmada como centro del arte europeo. El arte de todos ellos fue un eficaz medio de propaganda (en plena Propaganda Fide de la Contrarreforma) al servicio de la Iglesia Católica, que pretendía ocupar todos los espacios públicos y privados. La columnata de la Plaza de San Pedro de Roma se abre literalmente como un abrazo «a la ciudad y al mundo» (urbi et orbi).[38]​ Otras ciudades italianas desarrollaron programas más modestos, pero no menos interesantes, como el emergente Turín de los Saboya, con los edificios de Guarino Guarini, u otras como Lecce, Nápoles, Milán, Génova, Florencia y Venecia.[39]​

Véanse también: Pintura barroca de Italia, Barroco español y Pintura barroca de los Países Bajos.

Las instituciones eclesiásticas locales y la católica Monarquía Hispánica, especialmente con el programa artístico y coleccionista de Felipe IV (Palacio del Buen Retiro, Salón de Reinos, Torre de la Parada),[40]​ que continuó a pesar de las apreturas económicas de la decadencia y la difícil coyuntura del reinado de Carlos II, serán los principales clientes de una constelación irrepetible de genios de la pintura: Ribera (en Nápoles); Ribalta, Velázquez, Murillo, Zurbarán, Alonso Cano, Valdés Leal, Claudio Coello (en España); Rubens, Jordaens (en Flandes). Incluso se reclutarán primeras figuras italianas como Tiépolo y Lucas Jordán. La imaginería de madera policromada llegó a cimas no igualadas con Gregorio Fernández, Alonso de Mena, Pedro de Mena y Martínez Montañés.

En los países protestantes, el barroco fue un arte burgués, de iniciativa privada, con pintores holandeses como Rembrandt, Johannes Vermeer, Frans Hals o Ruysdael, que trabajaban para el mercado libre.

En Inglaterra, cuya peculiar situación socio-política-religiosa era un intermedio entre las dos alternativas de la época, encontrará su público un pintor de la talla de Anton van Dyck.

En Francia, aunque algunos pintores, como los hermanos Le Nain o Georges de La Tour, y escultores, como Pierre Puget o François Girardon pueden con facilidad inscribirse dentro de los parámetros de lo barroco, la corriente dominante se adscribió a los cánones del clasicismo.


Clasicismo

Artículo principal: Clasicismo
Véanse también: Pintura clasicista, Escuela Boloñesa, Clasicismo de Francia y Barroco inglés.

Las academias que se crearon, primero en la Italia renacentista, y luego en España, Inglaterra y Francia, fijaron un gusto estético que ponía las normas codificadas por los tratadistas del arte por encima de la fantasía creativa. Francia se convirtió en la segunda mitad del siglo XVII en el centro de este movimiento clasicista, aunque Italia lo inspirara en su primera mitad (Annibale Carracci, Guido Reni, Domenichino, Guercino, Accademia di San Luca). Franceses fueron el pintor Nicolás Poussin, que pasó la mayor parte de su vida artística en Roma, o el escultor Jacques Sarazin.[43]​

La máxima expresión del clasicismo francés fue el programa artístico diseñado en torno al palacio de Versalles, levantado a las afueras de París como pieza clave de un más amplio programa de ingeniería política y social para el asentamiento de la monarquía absoluta de Luis XIV (pintores como Hyacinthe Rigaud o Charles Le Brun, arquitectos como Luis Le Vau o los Mansart, escultores como Coysevox o Puget, e incluso el diseñador de jardines Le Nôtre).

La reconstrucción tras el gran incendio de Londres de 1666 permitió diseños urbanísticos y edificios singulares en los que predominaron criterios clasicistas, mientras las villas campestres se trazaban con gusto palladiano. Se va estableciendo un gusto que determinará con el tiempo las diferencias entre el jardín inglés artificiosamente naturalista frente a la pureza formal de las líneas del jardín francés.

Rococó

Artículo principal: Rococó

Aunque el origen del término es despectivo, pretendiendo ridiculizar la retorcida decoración de rocailles y coquilles propia del también denominado estilo Luis XVI, al igual que con el manierismo, el rococó se terminó por definir como un estilo autónomo, y al igual que a aquel, una exposición organizada por el Consejo de Europa le otorgó definitivamente el prestigio historiográfico (Múnich, 1958).[44]​

A lo largo de los dos primeros tercios del siglo XVIII, los palacios que se levantaron a imitación de Versalles por toda Europa a mayor gloria de las monarquías absolutas en proceso de convertirse en despotismos ilustrados (Palacio Real de Madrid y La Granja en España, Palacio de Invierno y Palacio de Catalina en San Petersburgo, Schönbrunn en Viena, Sanssouci en Prusia, Zwinger de Dresde, Ludwigsburg en Württemberg, Amalienborg en Copenhague, Caserta en Nápoles ―en Inglaterra no hubo palacios versallescos, el más importante de los edificios del siglo XVIII fue el Palacio de Blenheim de John Vanbrugh, prolongación del barroco clasicista inglés y anticipador del neoclasicismo―[45]​) llenaron sus espacios interiores con un arte intimista, privado e incluso secreto, de gran sensualidad, representado en la pintura francesa por Watteau, Maurice Quentin de La Tour, Boucher y Fragonard; y en el exquisito cuidado puesto en la confección e instalación de porcelanas (la gran novedad tecnológica de la época, que ocupó a algunos de los mejores escultores: Meissen ―Johann Joachim Kändler―, Augarten, Nymphenburg ―Franz Anton Bustelli―, Berlín, Vincennes,[46]​ Sèvres ―Étienne-Maurice Falconet―,[47]​ Lomonosov,[48]​ Chelsea,[49]​ Buen Retiro, Alcora,[50]​ etc.), cristales (La Granja), relojes (Real Fábrica de Relojes), muebles, etc. El estuco pasó a ser un material muy utilizado para la confección de complejos espacios arquitectónico-escultóricos (Giacomo Serpotta); mientras que el pastel en pintura (Chardin) y la terracota en escultura (Clodion) se convirtieron en las técnicas preferidas para el consumo de un gran mercado demandante de piezas pequeñas y elegantes. Los vedutisti italianos, sobre todo los venecianos Canaletto y Guardi, se vieron estimulados por la continua demanda de los primeros turistas aristocráticos que recorrían el circuito artístico europeo (el Grand Tour).

Al mismo tiempo, en entornos más públicos, la pintura inglesa realizaba propuestas estéticas semejantes con las conversation pieces y la pintura satírica de Hogarth (que también reflexionó teóricamente sobre La curva de la belleza predominante en el arte rococó -la serpentine, serpentinata o sigmoidea-),[51]​ la elegante despreocupación de los retratos y paisajes de Gainsborough; la prolongación en el tiempo del denominado alto barroco alemán descomponía los espacios interiores de las iglesias (púlpitos, altares, pilares, bóvedas) haciendo que la extravagante decoración se convirtiera en el único elemento estructural visible;[52]​ mientras que el churrigueresco español retorcía la fantasía barroca hasta el límite y Salzillo continuaba la tradición imaginera. Los cartones de Goya, a pesar de su datación en la segunda mitad del siglo, se incluyen en un gusto artístico semejante al rococó, muestra de su pervivencia en un momento en que la crisis del Antiguo Régimen enfrentaba ese gusto aristocrático con la racionalidad y sobriedad burguesa que se imponía en la Revolución francesa (1789).

Segunda mitad del siglo XVIII y primer cuarto del XIX: Neoclasicismo y Prerromanticismo

Artículos principales: Neoclasicismo y Prerromanticismo.
Véanse también: Estilo Luis XVI, Estilo directorio y Estilo imperio.

A mediados del siglo XVIII se había desatado una verdadera fiebre arqueológica que culminó con el descubrimiento de las ruinas de Pompeya en 1748. El conocimiento del mundo antiguo se revisó con nuevos criterios establecidos intelectualmente por tratadistas, académicos, críticos e historiadores del arte. Unos orientaron el gusto en un sentido clásico (Milizia, Mengs, Winckelmann, Diderot, Quatremère de Quincy) y otros en un sentido que preludia el romanticismo, el neogótico y los historicismos del siglo XIX (Walpole, Lessing, Goethe). La oposición entre la sensibilidad neoclásica y la romántica ha pasado a ser un tópico cultural, reforzado por aparatosos enfrentamientos generacionales como el que supuso la llamada batalla de Hernani (Comédie-Française, 28 de febrero de 1830, cuando el público de la obra de Victor Hugo se enfrentó, dividido entre los Chevelus ―jóvenes melenudos, románticos― y los Genoux ―viejos calvos, neoclásicos―) o el salón de París de 1819 en el que se enfrentaron los partidarios del morboso romanticismo de La Balsa de la Medusa (Géricault) con los de la pulcritud neoclásica de Pigmalión y Galatea (Girodet ―que fue quien se llevó el premio―).


No obstante, en realidad, el neoclasicismo es también una estética revolucionaria, y tuvo su propia ruptura generacional juvenil en la exhibición del Juramento de los Horacios de Jacques Louis David en el salón de 1785 (el escándalo de su relegación por los académicos, obligó a modificar su lugar en la exposición; y se extendió su lectura política, en clave pre-revolucionaria). El romanticismo literario, por su parte, fue la opción estética de los reaccionarios (Chateaubriand). Hasta tal punto la convivencia de la sensibilidad neoclásica y la romántica era posible que, para denominar la arquitectura neoclásica de la primera mitad del siglo XIX se ha propuesto utilizar el término clasicismo romántico, a pesar del oxímoron (oposición de términos), dado que, además de coincidir en el tiempo estilísticamente comparte rasgos con la estética romántica, al añadir cierta expresividad y espíritu exaltado a la sencillez y claridad de las estructuras clásicas grecorromanas.[53]​


En la segunda mitad del siglo XVIII fueron habituales los diseños de salones urbanos de tradición barroca, pero sometidos a nuevas convenciones. La destrucción de la Praça do Comércio de Lisboa por el terremoto de 1755 permitió su reconstrucción como un espacio abierto sometido a los cánones clásicos. En Madrid, el Paseo del Prado (desde 1763) reunió un impresionante conjunto arquitectónico y escultórico proyectado principalmente por Juan de Villanueva (Museo del Prado, fuente de Cibeles, fuente de Neptuno, Jardín Botánico, Observatorio del Retiro). Bajo los criterios de la arquitectura georgiana se trazó el urbanismo de Bath (Royal Crescent, John Wood, 1767-1774). Con una concepción mucho más neoclásica, en Múnich se diseñó la Königsplatz y sus edificios, de Karl von Fischer y Leo von Klenze (desde 1815). Mientras la arquitectura alemana e inglesa optaban por un historicismo neogriego, la francesa, sobre todo con Napoleón, optó por los modelos romanos (Iglesia de la Madeleine, concebida por el propio emperador para Templo a la Gloria de la Grande Armée, y que reproducía el modelo de la Maison Carrée de Nîmes, Pierre Contant d'Ivry, 1806).[53]​

En el mundo anglosajón, el palladianismo, arquitectura de villas triunfante en Inglaterra desde finales del siglo XVII, se extendió a los Estados Unidos recientemente independizados. La cerámica de Josiah Wedgwood tuvo un gran impacto divulgador de las formas neoclásicas a través de las siluetas puras y bajorrelieves de John Flaxman. En Francia, arquitectos visionarios como Étienne-Louis Boullée y Claude-Nicolas Ledoux plantearon edificios basados en la combinación espectacular de las formas geométricas, mientras que la corriente dominante fijó un neoclasicismo más sobrio (Ange-Jacques Gabriel, Jean Chalgrin, Jacques-Germain Soufflot). En España la crítica académica (Antonio Ponz, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando) se cebó con el denuesto de la arquitectura barroca, cuyas formas retorcidas dan paso a la pureza de líneas de Ventura Rodríguez o Juan de Villanueva.

Canova y Thorvaldsen interpretan el nuevo gusto del denominado estilo imperio en una escultura neoclásica de alta perfección formal. En cuanto a la evolución de la pintura, en Alemania Runge y Friedrich; en Inglaterra Joshua Reynolds, Henry Fuseli, William Blake, Constable y Turner; en Francia Jacques Louis David, François Gérard e Ingres, y en España la excepcional figura de Goya, cierran el siglo XVIII y abren el XIX.


  • Neoclasicismo y Prerromanticismo
  •  

    El anciano de los días, grabado coloreado a la acuarela de William Blake (1794)

  •  

    El sueño de la razón produce monstruos, grabado de la serie Los caprichos de Goya (1799)

  •  

    Muelle de Calais, de Turner (1803)

  •  

    Cenotafio de María Cristina de Austria, Canova (1805)

  •  

    Napoleón, de Ingres (1806)

  •  

    El caminante sobre el mar de niebla, de Friedrich (1815)

  •  

    Monumento a los guardias suizos, de Thorvaldsen (1818)

  •  

    Cupido y Psique, de Gérard (1822)


Véanse también: Arquitectura neoclásica, Escultura neoclásica y Pintura romántica.

Arte en otros espacios de la civilización occidental

Arte colonial, hispanoamericano o indiano e hispanofilipino

Artículo principal: Arte colonial hispanoamericano

El arte colonial hispanoamericano o arte indiano[54]​ presenta en el periodo de la Edad Moderna la misma sucesión de estilos que el arte europeo, dado que la colonización española de América supuso el final de la producción de las representaciones artísticas del arte precolombino, y en muchas ocasiones incluso la destrucción física de las obras de arte anteriores. Hasta el mismo trazado urbano de las ciudades se impuso de nueva planta, con un plano ortogonal en el que la Plaza de Armas acogía los edificios civiles y religiosos principales. No obstante, las características autóctonas pervivieron, aunque solo fuera como un sustrato (a veces literalmente, como en la Plaza de las Tres Culturas de México o en los muros incaicos que sirven de zócalo a construcciones posteriores). En muchos casos se produjo un verdadero sincretismo cultural, del mismo modo que en la religiosidad popular. Se produjo una síntesis entre los estilos europeos y las antiguas tradiciones locales, generando una simbiosis que dio un aspecto muy particular y característico al arte colonial.

Sus principales muestras se produjeron en los dos centros virreinales de más relevancia: Virreinato de Nueva España (barroco novohispano) y Virreinato del Perú (escuela cuzqueña de pintura). En pintura y escultura, en las primeras fases de la colonización fue frecuente la importación de obras de arte europeas, principalmente españolas, italianas y flamencas, pero enseguida comenzó la producción propia, que incorporó rasgos inequívocamente americanos a las convenciones de los distintos géneros artísticos.

Los contactos transoceánicos de México con Filipinas (Galeón de Manila desde Acapulco) dieron origen a otro particular sincretismo detectable en algunas obras a ambos lados del Pacífico, especialmente en la cerámica, los biombos o en los cristos crucificados y otras figuras en marfil con rasgos orientales, denominados marfiles hispano filipinos, aunque algunos se hicieron en el mismo México. También se produjeron, en un contexto equivalente, marfiles luso indios.[55]​

Arte ruso

Artículo principal: Cultura de Rusia
Véanse también: Arquitectura de Rusia y Pintura de Rusia.

La cultura y el arte ruso, al igual que las culturas eslavas de los Balcanes y Ucrania, se definió a lo largo de la Edad Media con una fuerte influencia del arte bizantino, y esa influencia continuó incluso posteriormente a la Caída de Constantinopla, coincidiendo con la construcción del estado ruso en torno a la figura del zar como continuidad de la figura del basileus y la imagen de Rusia como una Tercera Roma.

La producción de iconos y la iluminación de manuscritos continuaron en los siglos de la Edad Moderna con similares convenciones y rasgos estereotipados a los del Bizancio medieval. Con el programa de occidentalización de Pedro I el Grande, a partir de finales del siglo XVII se envía a pintores locales a aprender a Italia, Francia, Inglaterra y Holanda, y se contrata a pintores de esos mismos países.

La arquitectura, aunque continuó influenciada principalmente por la arquitectura bizantina en los primeros siglos de la Edad Moderna, presenció la introducción de tendencias renacentistas por artistas italianos como Aristóteles Fioravanti (1415-1486), que antes había trabajado para Matías Corvino en Hungría. Las construcciones de la época tuvieron una gran capacidad de inclusión de múltiples elementos (tejados de faldón de origen asiático, las cúpulas bulbosas de origen bizantino), todo ello reinterpretado con gran fantasía y colorido, como en la Catedral de San Basilio y el «estilo flamante» de la ornamentación de Moscú y Yaroslavl en el siglo XVII. Hacia 1690 se habla de un barroco moscovita (Francesco Bartolomeo Rastrelli). Durante el siglo XVIII la occidentalización se hace cada vez más profunda, culminando en el programa de construcción de San Petersburgo con criterios neoclásicos.[56]​

Arte oriental

El arte oriental se ha definido como concepto por contraposición con el arte occidental y mediante estudios realizados por historiadores del arte occidentales, seducidos precisamente por su alteridad. El exotismo romántico degeneró en un orientalismo en buena medida mixtificador.

Como principio general, y a pesar de su multiplicidad, el arte oriental se considera más estable en el tiempo que el occidental de la Edad Moderna, sujeto a los continuos bandazos en la sucesión de estilos. Especialmente estable fue el arte de Extremo Oriente, repetición de modelos fijados en el arte antiguo de sus civilizaciones; mientras que el arte islámico (en buena medida, el de una civilización sincrética y transmisora, tan occidental como oriental, que tuvo su edad de oro en el arte medieval) y el arte de la India fueron más sensibles a todo tipo de influencias, provenientes tanto del Este como del Oeste.[58]​

Véase también: Civilizaciones asiáticas

Arte islámico

Artículo principal: Arte islámico

Arte africano-islámico

Véase también: Arte africano

El espacio africano, a pesar de su situación geográfica occidental, se hallaba en buena parte en la órbita cultural y artística del Próximo Oriente y la civilización árabe-islámica, especialmente Egipto y el Magreb (término que significa precisamente occidente en árabe). Lo mismo puede decirse de grandes partes de África oriental, a excepción de Etiopía, que se mantuvo como reino cristiano.

Tombuctú fue el principal centro de cultura islámica en el espacio subsahariano desde finales de la Edad Media, con el Imperio songhay, sucedido por la ocupación marroquí desde el siglo XVI.

Otras zonas del África occidental y meridional continuaron con su dinámica cultural ancestral, aunque sometidas al impacto negativo de la expansión europea y árabe (colonización directa de los principales puertos e impulso al tráfico de esclavos, que modificó profundamente las entidades políticas y redes sociales y culturales indígenas).

Arte turco otomano

Artículo principal: Cultura de Turquía

El arte otomano se produjo principalmente en Asia Menor y los Balcanes, además de extender su influencia por todo el mundo mediterráneo musulmán.

El periodo clásico de la arquitectura otomana (siglos XV al XVII) está dominado por la figura del armenio Mimar Sinan, que conjugó la tradición bizantina con elementos étnicos de distintas procedencias. A él se deben 334 edificios en varias ciudades (mezquitas Sehzade, de Suleimán y de Rustem Pachá en Estambul, de Selim en Edirne, mausoleos del sultán Suleimán el Magnífico, de su esposa Roxelana y del sultán Selim II, etc.). El Palacio de Topkapi (1459-1465) era comparable en suntuosidad interior a los más importantes del mundo.

La influencia del arte europeo occidental se había dejado sentir desde finales del siglo XV, cuando el pintor veneciano Gentile Bellini se desplazó a Estambul a trabajar para el sultán Mehmed II (1479). Durante el periodo de los tulipanes (1718-1730) se produce una renovación del interés por el arte de Europa Occidental, y un arquitecto francés, Mellin, trabajará para la corte otomana. En el periodo siguiente, caracterizado por formas similares al barroco, destaca el arquitecto Mimar Tahir.[60]​



Arte persa

Artículo principal: Arte persa

Durante el siglo XVII se levantaron las grandes mezquitas safávidas de Jorasán, Isfahán y Tabriz; y el espacio de la plaza de Naghsh-i Jahan de Isfahán, uno de los hitos urbanísticos más espectaculares de las ciudades islámicas. El uso de la cerámica vidriada da a las superficies sus características de textura y cromatismo. Anteriormente se había levantado en Teherán el Palacio de Golestán (1524-1576), un programa artístico orientado a la ostentación del poder y el lujo, con espacios intimistas y placenteros que evocan a la Alhambra y el estereotipo orientalista-romántico de palacio de las mil y una noches; fue renovado profundamente en los siglos XVIII y XIX.[61]​

Las miniaturas persas obviaron la prohibición islámica de representar figuras humanas en razón de la particular interpretación de ese precepto en el chiismo,[62]​ y desarrollaron un estilo particularmente refinado que se compartió, a través de los estrechos contactos con el Asia Central, con el arte de la India. Se caracterizaron por el tratamiento exquisito de los márgenes y la utilización convencional de elementos de interpretación poético-mística, como el vino (otra prohibición islámica) y los jardines, que evocan el Paraíso.

Los centros de producción más importantes de alfombras persas fueron Tabriz (1500-1550), Kashan (1525-1650), Herāt (1525-1650) y Kermán (1600-1650).

Véanse también: Miniatura persa y Alfombra persa.

Arte mogol y otros de la India

Artículo principal: Arte de la India

El Imperio mogol impulsó la islamización de la India del norte, convirtiendo la mezquita en un edificio religioso competitivo con los templos hinduistas, yainas o budistas. Fatehpur Sikri, ciudad construida entre 1569 y 1585, combinaba elementos islámicos (bóvedas, arcos y amplios patios) con los materiales y decoración tradicionales hindúes. Shah Jahan, desde la restaurada capitalidad de Delhi impulsó edificaciones como el Fuerte Rojo y el Taj Mahal.

La pintura, a pesar de la prohibición coránica, también fue incentivada por el mecenazgo del poder. Akbar (iletrado, pero cuya biblioteca contenía 24.000 manuscritos ilustrados) fundó la pintura mogola en la India, al introducir pintores como Mir Saiyide Alí y Abdus Samad, que establecieron escuelas pictóricas en Gujarat, Rajastán y Cachemira, caracterizadas por el formalismo y la ornamentación vivaz y colorista. Jahangir continuó el mecenazgo, pero orientó el gusto a un nuevo realismo centrado en plantas y animales, sin interés por la figura humana (pintor Ustad Mansur).

En el sur de la India, no sujeto al Imperio mogul, continuó la tradición artística de la India antigua, especialmente la cultura del Imperio Vijayanagara, con capital en Hampi, y otros estados rivales, como Madurai.

Al noroeste, en la zona del Panyab, se inició una nueva religión, el sijismo, que tiene en el Templo Dorado su principal edificio artístico.

  • Arte de la India
  •  

    Pilar central del Diwan-i-Khas (sala de audiencias privadas) del Fuerte de Akbar en Fatehpur Sikri (1569-1585)

  •  

    Gopuram del templo Meenakshi Ammán de Madurai (1559-1659)[64]​

  •  

    Dodo, de Ustad Mansur (c. 1625)

  •  

    Retrato idealizado de Nur Jahan, esposa del emperador Jahangir (c. 1725-1750)

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    Krishna y Râdhâ en un pabellón (c. 1750)

Véanse también: Pintura mogol, Arquitectura mogola, Pintura rajputa y Bani Thani.

Arte de extremo oriente

Véanse también: Extremo Oriente y Pintura Oriental.

Arte chino

Artículo principal: Arte de China

La Ciudad Prohibida de Pekín fue concebida por el arquitecto Kuai Xiang (1397-1481). La construcción del gigantesco complejo comenzó en 1406 y terminó en 1420. Su palacio imperial es la mayor edificación de madera del mundo.

Destacados pintores de la dinastía Ming (siglos XIV al XVII) fueron Tang Yin, Wen Zhengming, Shen Zhou, Qiu Ying, Xu Wei o Dong Qichang. Destacados pintores del comienzo de la dinastía Qin (siglo XVIII) fueron Bada Shanren, Shitao o Jiang Tingxi.[65]​


  • Arte de China
  •  

    Templo del Cielo (c. 1420)

  •  

    Muro de los nueve dragones en la Ciudad Prohibida (construida originalmente entre 1406-1420)

  •  

    Pabellón en la Ciudad Prohibida

  •  

    Después de la nieve en un puerto de montaña, por Tang Yin (1507)

  •  

    Templo de Pao-en, de K'un-ts'an (1664)

  •  

    Ribera de las flores de melocotonero, de Shitao (finales del siglo XVII)

  •  

    Once palomas, de Jiang Tingxi (primer tercio del siglo XVIII)

Véanse también: Arquitectura china, Pintura china, Cerámica china, Jardín chino y Caligrafía china.

Arte japonés

Artículo principal: Arte del Japón

El concepto ancestral de belleza en Japón está ligado al de sabi (ciclo de la vida y paso del tiempo), y eso no cambió a lo largo de las sucesivas eras históricas. A los siglos de la Edad Moderna correspondieron los periodos Muromachi (1336-1573), Azuchi-Momoyama (1568-1603) y Edo (1603-1868). No obstante hubo cambios económicos, sociales, políticos e ideológicos muy marcados. La expansión del budismo zen añadió su gusto por lo pequeño y cotidiano, sintetizado en siete características de profundo impacto artístico: asimetría, simplicidad, elegante austeridad, naturalidad, profunda sutileza, libertad y tranquilidad. El sentido de servicio a la comunidad no llevó a los artistas japoneses al individualismo propio del arte occidental, y aparentemente hace pasar las más sutiles creaciones por poco más que arte decorativo. Los jardines, formas naturales perfeccionadas por el hombre, y la caligrafía, plasmación del gesto manual en tinta sobre papel, fueron vehículo idóneo para esta particular expresividad. Castillos y santuarios sintoístas y budistas están entre las formas arquitectónicas más importantes, pero incluso estas construcciones de envergadura se caracterizan por el uso de materiales orgánicos y efímeros que necesitan su mantenimiento y renovación a lo largo de las generaciones. El traumático contacto con occidente a partir de 1543 y el cierre total a todo contacto exterior en 1641 (sakoku) determinaron la continuidad de la vida artística japonesa mediante la evolución de sus modelos tradicionales.[66]​


  • Arte de Japón
  •  

    Abanico japonés (c. 1702).

  •  

    Jardín de la Villa imperial de Katsura (1615)

  •  

    Caligrafía y representación de Bodhidarma, de Hakuin Ekaku (mediados del siglo XVIII)

  •  

    Los actores Nakamura Shichisaburô II y Sanogawa Ichimatsu, de Ishikawa Toyonobu (c. 1740)

Véanse también: Arquitectura japonesa, Pintura japonesa, Jardín japonés y Caligrafía japonesa.

Filmografía

Véase también

Referencias

Notas

  1. History of french furniture, fuente citada en fr:Histoire du mobilier français y fr:Liste des styles de mobilier.
  2. Las ideas generales de esta introducción son ampliamente compartidas por la historiografía en muy distintos ámbitos: Rodney Hilton (ed.): La transición del feudalismo al capitalismo; Perry Anderson: El estado absoluto; Fernand Braudel: El Mediterráneo y el mundo mediterráneo en tiempos de Felipe II; Ruggiero Romano y Alberto Tenenti: La formación del mundo moderno; Immanuel Wallerstein: El moderno sistema mundial; Carlo Cipolla: Cañones y velas; Arnold Hauser: Historia social de la literatura y el arte, etc.
  3. Johan Huizinga, op. cit.
  4. Véase Categoría:Retablos
  5. Jonathan Brown: «España en la era de las exploraciones: Una encrucijada de culturas artísticas», en Reyes y mecenas (catálogo de la exposición, Museo de Santa Cruz de Toledo, 1999), pág. 113-114:
    La práctica de dar a los diversos estilos artísticos los nombres de los monarcas reinantes se aplicó al parecer por vez primera, al arte francés de los siglos XVII y XVIII, en que la mayor parte de la producción artística salía de los talleres reales. Esta forma de patronazgo sistemático, efecto secundario del absolutismo establecido por Luis XIV, no estaba al alcance de otros monarcas menos poderosos de fines de la Edad Media y el Renacimiento, que tenían que regatar el poder con sus vasallos. Así pues, en España, como en el resto de la Europa del siglo XV, la uniformidad fue la excepción tanto en el arte como en la política. La amalgama artística del período isabelino, además, fue de singular riqueza, reflejando tres influencias: un estilo tardogótico con origen en Alemania y Países Bajos, un estilo clasicista procedente de Italia y el estilo islámico de la población morisca y mudéjar de la propia Península Ibérica. Coexistiendo a menudo en los mismos monumentos, estas corrientes estilísticas fueron aplicadas a la creación de un arte complejo y peculiar.
  6. Fernando Checa: «Poder y piedad: patronos y mecenas en la introducción del Renacimiento en España», en Reyes y mecenas, op. cit., págs. 21 y 22:
    el italianismo renacentista (...) se impone en toda Europa [pero] los paradigmas vasarianos de Florencia y Roma no funcionaron como tales ni en Europa ni en los reinos hispánicos, donde, al lado de la rexcepción por algunos artistas y mecenas de modelos florentinos leonardescos o de Ghirlandaio, pareció sentirse una cierta preferencia por los ejemplos que procedían de Ferrara, Padua y otras ciudades del norte de Italia
  7. Biografía el 13 de julio de 2013 en Wayback Machine. en torrijos.es;Escultura gótica en ciber-arte;Tesis el 14 de agosto de 2014 en Wayback Machine., pág. 452.
  8. Stukembrok y Töpper, op. cit. The Working Stiff in Art: The Portinari Altarpiece.
  9. Exposición homónima en el Museo del Prado, 1998.
  10. .
  11. «Da Messina, Antonello» el 10 de diciembre de 2007 en Wayback Machine., artículo en GER
  12. Hacia 1475 los dos troncos comienzan un importante intercambio de tecnologías. Por un lado, el óleo pasa a Italia; por otro, la forma italiana, la figura humana, pasa a Flandes. En su fase primitiva, el pasaje de tecnologías es por trasiego directo. Los viajeros a Italia ―Van der Weyden, Michel Pacher, Van der Goes o Dürer― o los viajeros a Flandes ―Antonello da Messina― realizan el trasiego necesario para la fusión. En los talleres importantes de uno y otro tronco se realiza la mezcla de las artesanías: el taller Bellini en Venecia, el taller Dürer en Nürnberg, el taller Holbein en Augsburg, el taller Metsys en Amberes. La difusión del óleo flamenco y la forma italiana marca el fin del secreto de los artesanos pintores. Hacia 1525 el taller medieval ha cumplido su ciclo y agoniza definitivamente. La artesanía nueva es divulgada mediante libros. Entre 1470 y 1490 Piero della Francesca escribe su De prospectiva pingendi pero permanece inédito prácticamente hasta el presente siglo; en 1505 Johannes Viator (Jean Pélerin) publica De artificiali perspectiva; en 1509 Luca Pacioli publica De divina proportione; de la misma época es el Trattato della pittura de Leonardo pero no será publicado hasta 1551; en 1525 publica Dürer su Underweysung der messung mit dem zirkel und richtscheyt y posteriormente, en 1528, su Vier Bücher von Menschlicher Proportion. Cierra este ciclo la obra de Vasari Le vite, 1550, el primer estudio histórico sobre la pintura renacentista.
    Albrecht Dürer en la historia del arte, Juan Grompone, págs. 31-32
  13. «Se desconoce la naturaleza de la innovación concreta de Van Eyck, pero no hay duda de que fue el autor de una revolución de las técnicas de la pintura al óleo en Europa, ya que la dotó de mayor flexibilidad, un colorido más rico y denso, una gama más amplia de claros y oscuros y una transición y mezcla sutiles de los tonos. Desde su época, empezaron a ser explotadas las grandes posibilidades de este método, que ganaron en popularidad al temple». Chilvers, op. cit., voz «óleo, pintura al», pág. 515. «El impedimento que significaba no disponer del óleo era comparable al impedimento de no conocer la forma. De la fusión de las dos grandes conquistas de los troncos italianos y flamencos nacerá finalmente la síntesis renacentista». Grompone, op. cit.
  14. Master of the Saint Lucy Legend at Artcyclopedia; Master of the Saint Lucy Legend. Fuentes citadas en en:Master of the Legend of Saint Lucy de la Wikipedia en inglés.
  15. Master of the Embroidered Foliage at Artcyclopedia; Exhibition on Master of the Embroidered Foliage at Clark Art Institute, Williamstown el 31 de marzo de 2016 en Wayback Machine.. Fuentes citadas en en:Master of the Embroidered Foliage de la Wikipedia en inglés.
  16. Chilvers, Osborn y Farr, op. cit, voz «Maestro de...» y siguientes.
  17. Grompone, op. cit.
  18. Venetian Gothic. el 8 de junio de 2011 en Wayback Machine. Fuente citada en en:Venetian Gothic architecture de la Wikipedia en inglés.
  20. El término renacimiento, tanto en origen de su uso como en su precisa localización cronológica, no es un concepto unívoco. Aunque habitualmente la historiografía del arte lo utiliza para los siglos XV y XVI en Italia, y por extensión al resto de Europa; los textos que acuñaron el término lo acotaban de forma diferente: Vasari (Vite..., 1550) comenzaba con Cimabue (siglo XIII); Jules Michelet (Histoire de France 1855) lo localizaba entre Colón y Galileo (1492-siglo XVII); y Jacob Burckhardt (Die Kultur der Renaissance in Italien, 1860) se refería al periodo entre Giotto y Miguel Ángel (del XIV a la primera mitad del XVI). Establecer el momento inicial a mediados de siglo XV es muy habitual: Anthony Blunt Teoría de las artes en Italia de 1450 a 1600 (1940).
  21. Antonello de Messine, en possession du secret par lequel Jean de Bruges avait rendu plus facile l'emploi de la peinture à l'huile, le porta à Venise vers 1450, tandis que Dominique le fit connaître à Florence.
    [1]
    En ese entonces trabajaba en Flandes, Juan de Brujas (Van Eyck), quien se puso a experimentar con diversas clases de colores y como le apasionaba dedicarse a la alquimia, preparó muchos aceites para hacer barnices, poniendo una tabla a secar al sol, la cual cuarteó, y viendo el daño producido por el calor, resolvió encontrar el medio de solucionarlo, secando a la sombra y luego de realizar muchos ensayos con sustancias puras o mezcladas entre sí, encontró finalmente que el aceite de linaza y el de nuez, eran los más secantes. Estos, pues, hervidos con otras de sus mezclas, produjeron el barniz que él y todos los pintores habían deseado largamente. Luego vio que si se aglutinaban los colores con esta clase de aceite, les daba una gran solidez y que, secos, no sólo resistian al agua, sino que se volvían muy intensos y brillantes de por sí; sin necesidad de barnizarlos. Y lo más maravillosos era que se mezclaban infinitamente mejor que al temple. Durante algún tiempo, Juan no quiso que nadie lo viera trabajando, ni tampoco le quiso enseñar a ninguno su secreto; pero al envejecer lo confió a su discípulo Rogelio Van Der Weyden. Mas aunque los mercaderes compraban sus obras y el invento se había difundido no sólo en Flandes, sino en Italia, no se conocía el método de ejecutarlas, y el misterio fuera de Flandes nunca fue descubierto durante largos años. Antonello da Messina (nació a principios del siglo XV en Mesina y falleció en 1479), muy diestro en su oficio de pintor y habiendo sabido que al rey Alfonso I de Nápoles, le había llegado una tabla pintada a óleo por Juan, él como muchos otros pintores, fue a verla y alabarla, pues se podía lavar y resistía cualquier golpe; así es que cuando consiguió verla, tuvieron tanta influencia en él la vivacidad de los colores y la belleza y armonía de aquella pintura, que olvidando cualquier otro asunto o pensamiento, se fue a Flandes; y llegando a Brujas, con obsequios de dibujos italianos se hizo muy amigo de Juan, a tal punto que por consideración a Antonello, ya anciano, consistió en que éste viera como procedía para pintar al óleo; y no salió el italiano de dicha ciudad, antes de haber aprendido muy bien el método que tanto deseaba conocer. Habiendo muerto Juan poco después, Antonello volvió a su patria y dio al mundo participación en tan útil, bello y cómodo secreto.
    [2]
    La síntesis de las dos corrientes de pintura se realiza entre 1475 y 1535. No conocemos exactamente los transportadores del óleo a Italia. La tesis Antonello no es demasiado sostenible. La transferencia de un conocimiento celosamente guardado por la escuela de Van Eyck debe ocurrir del mismo modo que ocurre la difusión de la imprenta. Se trata de un secreto demasiado importante para que permanezca guardado por una corporación medieval. Su difusión es incontenible y adopta la forma de una avalancha, con mil frentes y mil fisuras.
    Grompone, op. cit.
  22. Martín González, op. cit. 108-120.
  23. Las puertas norte se realizaron entre 1401 y 1422 y las puertas este, tras una segunda adjudicación, entre 1425 y 1452.
  24. Estableció las convenciones formales del modelo cuatrocentista de palacio florentino, que desarrollaron el Palazzo Rucellai (Leon Battista Alberti y Bernardo Rossellino, 1446-1451) y el Palazzo Pitti (Luca Fancelli, discípulo de Brunelleschi, 1458). El modelo de palacio urbano medieval era el Palazzo Vecchio, de aspecto acastillado.
  25. Anteriormente, Donatello había restablecido el modelo de estatua ecuestre con el Condottiero Gattamelata (1447-1453), inspirado en la antigua estatua ecuestre de Marco Aurelio del Capitolio romano.
  26. en Artehistoria.
  27. James William Pattison: The world’s painters since Leonardo; being a history of painting from the Renaissance to the present day. Da a esta escuela una acotación temporal entre 1452 y 1564.
  28. Fernández, Barnechea y Haro op. cit, pág. 236.
  29. La definición del manierismo inicialmente se hizo de forma peyorativa: como una fase decadente del renacimiento, carente de originalidad. Desde mediados del siglo XX se produce una revalorización del arte de la época (exposición de 1955 en el Rijksmuseum de Ámsterdam organizadda por el Consejo de Europa) y se comienza a definir el manierismo como un estilo autónomo (Arnold Hauser, op. cit. y El manierismo, 1965). Fuentes citadas por Fernández, Barnechea y Haro, op. cit., pág. 263.
  30. Iniciado por Antonio da Sangallo el Joven en 1514 con los criterios cuatrocentistas del palacio florentino, Miguel Ángel prosigue las obras entre 1546-1549 y posteriormente Vignola y Giacomo della Porta hasta 1589. Es el modelo de palacio romano del Cinquecento.
  31. Martín González, op. cit, t. II, pág. 33-34
  32. El cuadro, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, no está fechado (). Una versión similar, del Museo de Bellas Artes de Bilbao, está fechada en 1560 (por ese museo).
  35. Las denominaciones Alto Renacimiento y Bajo Renacimiento referidas a España dividen el siglo XVI en los dos tercios iniciales (para el Alto, que también englobaría el último cuarto del siglo XV) en que se suceden los estilos estilo Reyes Católicos (o Isabelino), estilo Cisneros, Plateresco y Purista (o Romanista); y el último tercio (para el Bajo), que también se califica de Manierismo español (véase Fernández, Barnechea y Haro, op. cit). La periodización es diferente en otros autores, dándose definiciones como fase serliana para el periodo 1530-1560 (por Sebastiano Serlio) y fase clasicista para el periodo 1560-1630 (José Miguel Muñoz Jiménez El manierismo en la arquitectura española ( y ). La discusión sobre lo adecuado de la etiqueta manierista para el caso español lleva incluso a la utilización de términos como antimanierismo, pseudomanierismo, contramaniera... o manierismo trentino (Camón Aznar, citado por Sviatoslav Savvatieyev A propósito del problema del manierismo en la pintura española el 27 de junio de 2011 en Wayback Machine.).
  36. Diego de Sagredo Las Medidas del Romano, 1526. En la España de la década de 1530 lo romano se impuso a lo moderno, términos de la época que designaban, respectivamente, al Renacimiento y al Gótico, pues se consideraba que el primero volvía a la Antigüedad romana y el segundo era más actual (Maroto, op. cit., pág. 195).
  37. La definición del barroco y sus distintas fases, desde su caracterización como estilo por Heinrich Wölfflin ha sido objeto de muy diferentes reinterpretaciones, viéndose incluso como una fase de complicación y crisis que presentarían todos los estilos artísticos (Eugenio D'Ors), mientras que su denominación inicial es una incógnita (suele relacionarse con la palabra portuguesa que significa ‘perla irregular’ o con la italiana que significa ‘razonamiento retorcido’, por un tipo de silogismo falso). Las fechas y fases, así como la identificación o no del rococó con el barroco final suelen indicarse de forma muy diferente en los manuales de historia del arte (véase bibliografía general; por ejemplom Palomero op. cit., pág. 287. Las denominaciones cambian para cada país: por ejemplo, en Alemania se habla de un alto barroco o barroco alemán para el periodo final del siglo XVII y el comienzo del XVIII (Fernández, Barnechea y Haro, op. cit., pág. 287).
  38. en Artehistoria.
  39. y en Artehistoria.
  40. John H. Elliott y Jonathan Brown (1980) Un palacio para un rey, Taurus, ISBN 84-306-0524-X
  41. En otra plaza madrileña se encuentra la estatua ecuestre de Felipe IV, del mismo escultor (1634-1640), realizada a partir de bocetos de Velázquez y de atrevida postura, que es fama necesitó cálculos físicos de Galileo Galilei.
  42. de otro Cristo yacente de la misma serie.
  43. en Artehistoria.
  44. Fernández, Barnechea y Haro, op. cit., pág. 343
  45. Conti, op.cit., pág. 11
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  47. Fuente citada en fr:Manufacture nationale de Sèvres de la Wikipedia en francés y en:Manufacture nationale de Sèvres de la Wikipedia en inglés.
  48. Fuente citada en en:Imperial Porcelain Factory de la Wikipedia en inglés.
  49. F. Severne McKenna, Chelsea Porcelain: The Red Anchor Wares, 1951. F. Severne McKenna, Chelsea Porcelain: The Gold Anchor Wares, 1952. Fuentes citadas en en:Chelsea porcelain factory de la Wikipedia en inglés.
  50. Reseña de la exposición en el Museo Arqueológico Nacional (2006).
  51. The serpentine line que describe como being composed of two curves contrasted (compuesta de dos curvas contrastadas), forma particularmente bella que gives play to the imagination and delights the eye (da juego a la imaginación y deleita al ojo). The Analysis of Beauty (1753), citado por Perry, Gill (1999), «"Mere face painters?" Hogarth, Reynolds and ideas of academic art in eighteenth-century Britain», en Perry, Gill; Cunningham, Colin (eds.), eds., Academies, Museums and Canons of Art:, Art and its Histories, New Haven and London: Yale University Press, ISBN 0 300 07743 2 .. Flavio Conti Cómo reconocer el arte Rococó, 1978 Rizzoli (ed. española de José Milicua, 1980 ISBN 84-85298-48-9), pág. 11-12.
  52. J. Palomo op. cit.; Conti, op. cit., pág. 37 y ss.
  53. ↑ J. Maroto op. cit. pág. 290-291.
  54. Emilio Gómez Piñol: «El arte indiano del siglo XVII: del orden visual clásico al “océano de colores”», 1991.
  55. Era notorio el arte indígena, mezclado con estilos e influencia oriental que venían desde China, Japón y Filipinas... un ejemplo es la loza de Puebla cuyos orígenes son la cerámica de China y Japón. (Los productos de la Sierra Negra, pág. 41). Biombos de influencia oriental (Espinosa spínola, G. El arte hispanoamericano: estado de la cuestión, 2004, pág. 11). La influencia oriental... México fue uno de los primeros virreinatos consumidores de lujos que logró establecer una vía comercial directa con China a partir de 1565 mediante la navegación regular entre Acapulco y Manila, desde donde recibió una influencia más fuerte que el resto de América. (El mueble novohispano, pág. 22). La mayoría de las tallas religiosas de marfil mexicanas no se hicieron en México. Se tallaban por encargo y siguiendo modelos europeos en China continental y en los asentamientos chinos de Filipinas. Se llevaban luego a Acapulco (México) en el galeón de Manila y, de ahí, se distribuían a España y otros lugares de América. Estas imágenes se conocen también como marfiles hispano filipinos e, incluso, como marfiles luso indios (los portugueses también hicieron tallas similares en sus colonias de la India). Existen algunos trabajos esporádicos hechos en la Nueva España (México). Se realizaron en los siglos XVI y XVII y XVIII. Cristos de marfil (México) el 29 de marzo de 2009 en Wayback Machine..
  56. , en Artehistoria.
  57. William Brumfeld, Landmarks of Russian Architecture: A Photographic Survey (Documenting the Image, Vol 5)(Amsterdam: Overseas Publishing Association, 1997), p. 95. Fuente citada en en:Postink Yakovlev.
  58. Michael Sullivan, The Meeting of Eastern and Western Art, University of California Press; Rev Exp Su edition (June 1, 1989), ISBN 978 0520059023; Fuentes citadas en en:Eastern art history de la Wikipedia en inglés.
  59. El uso como material constructivo de tierra y materiales orgánicos (madera, paja y otras fibras), hace que realmente su aspecto actual sea el resultado de su mantenimiento y modificación constante a través de los siglos.
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  63. El texto que lo acompaña dice: «Ojalá la vida te conceda todo lo que tus labios deseen de tus amantes, del río y de la copa». H. Nahavandi, e Y. Bomati: Shah Abbas, empereur de Perse (1587-1629), pág. 162. París: Perrin, 1998.
  64. Madurai and the Meenakshi Temples. (enlace roto disponible en Internet Archive; véase el historial, la primera versión y la última). Fuente citada en en:Meenakshi Amman Temple de la Wikipedia en inglés
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Bibliografía

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  • Series documentales:
  • Civilisation: A Personal View Kenneth Clark, BBC 1969.1
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1Terry Teachout Forty Years of "Civilisation" Western culture wasn't always considered comical or contemptible, The Wall Street Journal, 31 de octubre de 2009. Fuente citada en en:Civilisation (TV series) de la Wikipedia en inglés.
2Sister Wendy at PBS. Fuente citada en en:Wendy Beckett de la Wikipedia en inglés.

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      Agosto 30, 2021
      arte, edad, moderna, período, subdivisión, temporal, historia, arte, corresponde, edad, moderna, confundir, concepto, arte, moderno, cronológico, sino, estético, corresponde, determinadas, manifestaciones, arte, contemporáneo, vista, altura, plaza, pedro, pira. Arte de la Edad Moderna es el periodo o subdivision temporal de la historia del arte que corresponde a la Edad Moderna No se ha de confundir con el concepto de arte moderno que no es cronologico sino estetico y que corresponde a determinadas manifestaciones del arte contemporaneo Vista en altura de la Plaza de San Pedro de Piranesi 1748 arquitecto visionario que en este grabado destaca la columnata de Bernini 1656 1667 autor tambien del diseno de la plaza y del baldaquino interior todos ellos elementos barrocos La fachada de Carlo Maderno 1626 da paso a un brazo mayor prolongacion del mismo arquitecto que altero la planta centralizada concebida para la Basilica de San Pedro por los anteriores maestros del Alto Renacimiento desde 1506 Bramante Rafael Sangallo y Miguel Angel cuya solucion para la cupula fijo hasta hoy el perfil del horizonte de Roma Las Estancias Vaticanas con los frescos de Rafael 1508 1524 y la Capilla Sixtina con los de los pintores del Quattrocento 1481 1482 y los de las dos epocas de Miguel Angel 1508 1512 y 1535 1541 pertenecen al mismo conjunto una concentracion inigualable de historia del arte de la Edad Moderna asi como de los hechos y procesos historicos que lo hicieron surgir y evolucionar A pesar de esta indudable centralidad el arte de la Edad Moderna fue mucho mas que arte religioso tuvo incluso en Italia muchos centros ademas del romano Florencia Venecia Napoles y tuvo en otros paises de Europa Occidental muchas otras escuelas nacionales Flandes Alemania Francia Inglaterra Espana cada una con sus propias escuelas locales El inmenso complejo de la Ciudad Prohibida de Pekin sede del gobierno imperial chino durante las dinastias Ming y Qing un espacio palaciego que aventaja en dimensiones y lujo al Palacio de Versalles al Monasterio de El Escorial o al Hofburg de Viena Ademas de vehiculo de expresion artistica similares funciones socio politicas cumplieron el Kremlin de Moscu el Palacio de Topkapi de Estambul el Palacio de Golestan de Teheran o el Castillo Edo de Tokio Las civilizaciones no occidentales con excepcion de las americanas continuaron durante la Edad Moderna su dinamica propia que incluyo el desarrollo autonomo de su arte En el caso de las de Extremo Oriente sin apenas influencia europea a excepcion de Filipinas El periodo cronologico de la Edad Moderna corresponde con los siglos XV al XVIII con distintos hitos iniciales y finales como la imprenta o el descubrimiento de America y las revoluciones francesa o industrial y significo historicamente en Europa la conformacion y posterior crisis del Antiguo Regimen concepto que incluye la transicion del feudalismo al capitalismo una sociedad estamental y preindustrial y una monarquia autoritaria o absoluta desafiada por las primeras revoluciones burguesas Desde la era de los descubrimientos los cambios historicos se aceleraron con el surgimiento del estado moderno la economia mundo y la revolucion cientifica en el marco del inicio de una decisiva expansion europea a traves de la economia la sociedad la politica la tecnica la guerra la religion y la cultura Durante ese periodo los europeos se extendieron fundamentalmente por America y los espacios oceanicos Con el tiempo ya al final del periodo estos procesos terminaron por hacer dominante la civilizacion occidental sobre el resto de las civilizaciones del mundo y con ello determinaron la imposicion de los modelos propios del arte occidental concretamente del arte europeo occidental que desde el Renacimiento italiano se identifico con un ideal estetico formado a partir de la reelaboracion de los elementos recuperados del arte clasico greco romano aunque sometidos a una sucesion pendular de estilos renacimiento manierismo barroco rococo neoclasicismo prerromanticismo que bien optaban por una mayor libertad artistica o bien por un mayor sometimiento a las reglas del arte institucionalizadas en el denominado arte academico La funcion social del artista comenzo a superar la del mero artesano para convertirse en una personalidad individualista que destacaba en la corte o en una figura de exito en el mercado libre de arte Al igual que en los demas ambitos de la cultura la modernidad aplicada al arte significo una progresiva secularizacion o emancipacion de lo religioso que llego a su punto culminante con la Ilustracion aunque el arte religioso continuo siendo uno de los mas encargados si no el que mas ya no dispuso de la abrumadora presencia que habia tenido en el arte medieval No obstante durante todo el periodo de la Edad Moderna las principales civilizaciones del mundo se mantuvieron poco influidas o incluso casi del todo ajenas a los cambios experimentados por las sociedades y el arte europeos manteniendo esencialmente los rasgos culturales y artisticos propios arte de la India arte de China arte de Japon arte africano La civilizacion islamica definida por su posicion geoestrategica intermedia y principal competidora historica de la civilizacion cristiana occidental a la que disputo secularmente el espacio mediterraneo y balcanico desarrollo distintas modalidades locales de arte islamico en las que pueden verse influencias tanto del arte occidental como del de las civilizaciones orientales Para el caso del arte americano la colonizacion europea supuso especialmente para zonas como Mexico y Peru la formacion de un arte colonial con algunas caracteristicas sincreticas En Europa oriental el arte bizantino continuo perviviendo con el arte ruso o con algunas manifestaciones del arte otomano Ademas de las artes plasticas otras bellas artes como la musica las artes escenicas y la literatura tuvieron desarrollos paralelos analogias formales y una mayor o menor coincidencia estetica y sobre todo intelectual ideologica y social lo que ha permitido a la historiografia etiquetar su periodizacion con denominaciones similares musica del renacimiento musica barroca musica del clasicismo literatura del renacimiento literatura del barroco literatura ilustrada o neoclasica etc Lo mismo puede decirse de las denominadas artes menores decorativas o industriales que fueron un fiel reflejo del gusto artistico de determinadas epocas como los denominados estilos Enrique II Luis XIII Luis XIV Regencia Luis XV Luis XVI Directorio e Imperio convencionalmente denominados a partir de la historia del mobiliario frances 1 2 Indice 1 Arte europeo occidental 1 1 Siglos XV y XVI Gotico final Renacimiento y Manierismo 1 1 1 Gotico final y Renacimiento nordico 1 1 2 Renacimiento italiano Quattrocento 1 1 3 Alto Renacimiento o Renacimiento clasico 1 1 4 Bajo Renacimiento o Manierismo 1 2 Siglo XVII y primera mitad del XVIII Barroco Clasicismo y Rococo 1 2 1 Barroco 1 2 2 Clasicismo 1 2 3 Rococo 1 3 Segunda mitad del siglo XVIII y primer cuarto del XIX Neoclasicismo y Prerromanticismo 2 Arte en otros espacios de la civilizacion occidental 2 1 Arte colonial hispanoamericano o indiano e hispanofilipino 2 2 Arte ruso 3 Arte oriental 3 1 Arte islamico 3 1 1 Arte africano islamico 3 1 2 Arte turco otomano 3 1 3 Arte persa 3 1 4 Arte mogol y otros de la India 3 2 Arte de extremo oriente 3 2 1 Arte chino 3 2 2 Arte japones 4 Filmografia 5 Vease tambien 6 Referencias 6 1 Notas 6 2 Bibliografia 7 Enlaces externosArte europeo occidental EditarSiglos XV y XVI Gotico final Renacimiento y Manierismo Editar Gotico final y Renacimiento nordico Editar Articulos principales Renacimientoy Gotico tardio Veanse tambien Arquitectura del Renacimiento Pintura renacentista Escultura del Renacimiento Renacimiento nordicoy Primitivos flamencos Veanse tambien Renacimiento aleman Escuela del Danubio Hispano flamencoy Manuelino Veanse tambien Renacimiento espanol Catedrales de Espana Pintura renacentista de Espanay Escultura del Renacimiento en Espana El siglo XV significo una continuidad del arte gotico en la mayor parte de los paises europeos El denominado gotico internacional representaba la imposicion en el denominado otono de la Edad Media 3 de un gusto refinado y cortesano de origen frances provenzal y borgonon que se extendia entre todas las artes plasticas especialmente la pintura en soportes muebles polipticos cada vez mas complejos 4 e iluminacion de manuscritos y la orfebreria El corcel dorado 1404 El gotico flamigero se aplico a la arquitectura civil ayuntamientos y palacios urbanos ademas de la religiosa de lo que son muestra los conjuntos urbanos de ricas ciudades burguesas como Brujas y Gante en Flandes y otros nucleos en las rutas comerciales que se extendian por todo el continente con gran vitalidad tras la crisis del siglo XIV ferias de Champana y de Medina canadas de la Mesta que cruzaban Castilla de sur a norte Toledo Segovia Burgos ciudades del Rin Colonia Maguncia Colmar Friburgo Estrasburgo Basilea del sur de Alemania Augsburgo Nuremberg de Borgona Dijon Hotel Dieu de Beaune 1443 o los puertos septentrionales de la Hansa Tallin Danzig Lubeck Hamburgo o el propio Londres El mantenimiento de la tradicion gotica de las caracteristicas locales o la mayor o menor influencia de los nucleos flamenco borgonon o italiano caracterizo la diversidad de la produccion artistica europea durante todo el periodo Buena parte de la produccion arquitectonica de finales del XV y comienzos del siglo XVI se efectuo con estilos nacionales que suponen una evolucion natural del gotico como el plateresco o isabelino de debatido deslindamiento y el estilo Cisneros en Castilla 5 y el estilo Tudor o gotico perpendicular en Inglaterra que evoluciono a la arquitectura isabelina de finales del XVI y comienzos del XVII ya fuertemente influida por los nuevos modelos renacentistas italianos El arco ojival gotico y las floridas crucerias fueron sustituidos por el arco de medio punto la cupula y los elementos arquitrabados que recordaban a Roma frontones frisos cornisas ordenes clasicos Incluso se impuso la decoracion a base de los grutescos recientemente descubiertos en la Domus Aurea de Neron En pintura y escultura el gusto nordico predomino frente al italiano hasta comienzos del siglo XVI en la mayor parte de Europa Occidental lo que explica el exito de artistas como los Colonia los Egas Gil de Siloe Felipe Bigarny Rodrigo Aleman o Michel Sittow proveniente de un lugar tan lejano como el Baltico Hanseatico aunque el influjo de Italia tambien se dejo sentir como demuestra el periplo europeo de escultores italianos como Domenico Fancelli y Pietro Torrigiano menos significativa fue la emigracion de pintores italianos puesto que es facil importar pintura pero es mas facil importar al escultor que a las esculturas y los aprendizajes en Italia de pintores franceses y espanoles como Jean Fouquet Pedro Berruguete o Yanez de la Almedina Pero ni siquiera en esas primeras decadas del siglo XVI puede decirse que se produjera una identificacion del italianismo renacentista a comprar o imitar con el canon florentino romano o paradigma vasariano que es el que termino fijando en el gusto clasicista perpetuado en los siglos posteriores 6 La mayor parte de la produccion local en todos los artes tuvo una paulatina transicion entre las formas goticas y las renacentistas En la escultura castellana esta transicion corrio a cargo del grupo formado en torno a los Egas con Juan Guas y Sebastian de Almonacid 7 mientras que en la corona de Aragon cumplio un papel similar Damian Forment y en Francia Michel Colombe Incluso en la propia Italia de finales del XV habia posiblemente mayor interes por la pintura flamenca que el que pudiera haber por la pintura italiana en Flandes como demuestra el impacto del Triptico Portinari 1476 que no tuvo equivalente en obras italianas exportadas a los Paises Bajos 8 En cuanto al gusto privado de un monarca de la segunda mitad del XVI calificado de Principe del Renacimiento 9 como Felipe II de Espana las fantasias oniricas y moralistas de El Bosco o las obras de pintores tan arcaizantes como Marinus y Pieter Coecke aventajaban a los maestros italianos o a otros mas innovadores como El Greco No obstante la generacion de los monarcas de la primera mitad del siglo se habia dejado seducir por los genios italianos de Leonardo da Vinci Francisco I de Francia o Tiziano Carlos I de Espana emperador Carlos V Arte tardogotico Las muy ricas horas del Duque de Berry de los hermanos Limbourg 1411 1416 Diptico de Melun de Jean Fouquet 1450 Pasaje del Mar Rojo de Jaume Huguet 1456 1460 Sepulcro del Doncel de Siguenza atribuido a Sebastian de Almonacid c 1492 Arquitectura tardogotica Boveda de abanico de la capilla del King s College de Cambridge 1441 1554 Capilla Real de Granada con esculturas de Bartolome Ordonez y Domenico Fancelli 1505 1517 Claustro del Monasterio de los Jeronimos de Belem Juan de Castillo 1516 Fachada de la Universidad de Salamanca 1529 1533 10 En cuanto a Flandes e Italia la brillantez y originalidad indiscutible de cada uno de los artistas individuales y escuelas locales asi como la fluidez de los contactos mutuos tanto de obras Triptico Portinari como de maestros Justo de Gante Petrus Christus Roger van der Weyden Mabuse viajan de Flandes a Italia Jacopo de Barbari Antonello da Messina viajan de Italia a Flandes el viaje de Antonello citado por Vasari es puesto en duda por la moderna historiografia que unicamente reconoce su coincidencia con Petrus Christus en Milan 11 obligan a hablar de un protagonismo compartido que ni priorice ni confunda las caracteristicas propias de cada foco que son marcadamente diferentes 12 La region flamenco borgonona y su conexion natural con Italia la zona alemana del Rin y el alto Danubio fueron de un destacado dinamismo en todas las ramas de la cultura y el arte destacadamente en pintura con la innovacion decisiva de la pintura al oleo hermanos van Eyck 13 y el desarrollo del grabado que alcanzo alturas extraordinarias con Alberto Durero o Lucas van Leyden ademas de la invencion de la imprenta Gutenberg 1453 La pintura flamenca y alemana se caracterizaron por un intenso realismo y nitidez y el gusto por el detalle llevado a su limite La escuela de pintores del siglo XV denominada primitivos flamencos se compone de una extensa nomina de maestros Roger van der Weyden Thierry Bouts Petrus Christus Hans Memling Hugo van der Goes y algunos anonimos cuya atribucion se ha conseguido establecer o es aun objeto de debate Maestro de Flemalle Roberto Campin Maestro de Moulins Jean Hey Maestro de la Leyenda de Santa Lucia 14 Maestro del follaje bordado 15 Maestro de Alkmaar Maestro de Francfort Maestro de la Leyenda de Santa Barbara Maestro de la Virgo inter Virgines Maestro de la Vista de santa Gudula Maestro de Maria de Borgona Maestro del Monograma de Brunswick 16 y que a finales del XV y comienzos del XVI continuo con figuras de la talla de El Bosco Gerard David Jan Joest van Calcar Joaquin Patinir Quentin Metsys o Pieter Brueghel el Viejo La potencia de la pintura alemana de la epoca no se limito a Durero viendose en la produccion de artistas como Grunewald Altdorfer o Lucas Cranach el Viejo Tambien se producen fructiferos viajes de maestros alemanes a Italia Durero Michael Pacher 17 mientras que el trasiego de maestros alemanes sobre todo renanos hacia Flandes fue mucho mas abundante Primitivos flamencos siglo XV Retrato de caballero de Robert Campin 1425 Matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck 1434 Descendimiento de Roger van der Weyden 1436 Triptico Portinari de Hugo van der Goes 1476 1478 Primitivos flamencos siglo XVI Caballero la Muerte y el Diablo grabado de Alberto Durero 1513 Altar de Isenheim de Grunewald 1512 1516 El paso de la laguna Estigia de Joaquin Patinir 1520 El triunfo de la Muerte de Pieter Brueghel el Viejo 1562 Renacimiento italiano Quattrocento Editar Articulo principal Renacimiento italiano Italia habia desarrollado durante toda la Edad Media producciones artisticas significativamente diferenciadas del resto de Europa Occidental que aunque se clasifican dentro del romanico o del gotico presentaran marcadas caracteristicas propias que suelen atribuirse a la pervivencia de la herencia clasica grecorromana y a los contactos con el arte bizantino particularmente en Venecia arquitectura gotica veneciana 18 pero tambien en el denominado naturalismo romano Pietro Cavallini 19 Ademas de los precursores literarios del Renacimiento Dante Petrarca y Bocaccio escultores como los Pisano pintores de la escuela sienesa Duccio di Buoninsegna Simone Martini y la escuela florentina Giotto Cimabue y artistas completos como Arnolfo di Cambio son los precedentes inmediatos de la explosion creativa del Quattrocento anos mil cuatrocientos en italiano que se inicia con los frescos de Fra Angelico y de Masaccio los relieves de Jacopo della Quercia y los bultos redondos de Donatello La municipalidad de Florencia de comienzos de siglo convoco dos concursos de obras puntuales para la terminacion de su catedral que se convirtieron en hitos de la historia del arte la solucion genial de Brunelleschi a la cupula de Santa Maria del Fiore 1419 y las puertas de bronce del Baptisterio que realizo Ghiberti 1401 20 Pintura del Quattrocento Expulsion del Paraiso de Masaccio 1426 1427 Batalla de San Romano de Paolo Ucello 1430 Noli me tangere en el claustro del convento dominico de San Marcos de Florencia de Fra Angelico 1434 Sacra conversazione con Federico de Montefeltro orante de Piero della Francesca 1472 Cristo muerto sostenido por un angel de Antonello da Messina 1476 1479 Lamentacion sobre Cristo muerto de Mantegna h 1480 1490 El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli 1482 1484 A mediados de siglo se reunieron en la misma ciudad un afortunado conjunto de circunstancias especialmente el desarrollo de la filosofia humanista que desarrollo en terminos antropocentristas nuevos conceptos de hombre y de naturaleza cuya mimesis imitacion seria la funcion del arte y la presencia de una legacion griega en el Concilio de Florencia 1439 1445 que procuraba la unidad de los cristianos en los momentos finales de la resistencia de Constantinopla frente a los turcos que pusieron a la antiguedad clasica a sus textos y a la reflexion sobre teoria del arte en el centro de la atencion intelectual Al mismo tiempo los artistas experimentaron una promocion social decisiva pasaron a convertirse en humanistas u hombres del renacimiento es decir profesionales completos no solo de un oficio artistico sino de todos ellos a la vez ademas de cultivados y letrados lo que les permitia ser tambien poetas y filosofos dignos de codearse con aristocratas laicos y eclesiasticos principes reyes y papas que se los disputaban y no se avergonzaban de admirarlos y tratarlos con consideracion La corte de los Medici utilizo el mecenazgo como un mecanismo de prestigio a una escala que le permitio convertirse en un centro artistico comparable a la Roma de Augusto o la Atenas de Pericles pintores como Paolo Uccello Andrea del Castagno Pollaiuolo Sandro Botticelli Pinturicchio Luca Signorelli los Ghirlandaio Cosimo Rosselli o Benozzo Gozzoli escultores como Luca della Robbia o Andrea Verrocchio y arquitectos como Michelozzo Bernardo Rossellino y Leon Battista Alberti El vocabulario clasico y el descubrimiento de las leyes de la perspectiva lineal construyeron las bases teoricas autoconscientes de un arte de fuerte personalidad la escuela florentina del quattrocento que tras la decadencia de la sienesa su rival en el duecento y el trecento se habia convertido en la dominante en Italia caracterizada por el predominio del disegno dibujo diseno Prueba de su prestigio fue la seleccion de maestros para el programa pictorico de las paredes laterales de la Capilla Sixtina 1481 1482 Era comun que muchos de los pintores florentinos procedieran de otras escuelas locales italianas como Piero della Francesca que procedia de la escuela de Ferrara Francesco del Cossa Cosme Tura Mantegna que procedia de la Escuela de Padua Francesco Squarcione Melozzo da Forli Filippo Lippi o Perugino de la escuela de Umbria o de las Marcas Melozzo da Forli Luca Signorelli La escuela veneciana a su vez recibio el influjo del verones Pisanello y el siciliano Antonello da Messina a quien se atribuye la introduccion de la tecnica flamenca del oleo en Italia 21 para desarrollar caracteristicas peculiarisimas centradas en el dominio del color visibles en Alvise Vivarini y Carlo Crivelli y que llegaran a su cima con los Bellini 22 Arquitectura del Quattrocento Cupula de Santa Maria del Fiore de Brunelleschi 1420 1436 Puerta del Paraiso del Baptisterio de Florencia de Ghiberti 23 Fachada de Santa Maria Novella de Alberti 1458 1478 Plaza de Pienza planificacion y edificios de Bernardo Rossellino 1459 Palacio Medici Riccardi de Michelozzo 1444 24 Escultura del Quattrocento El trabajo de los Primeros Padres en la Porta Magna de San Petronio de Bolonia de Jacopo della Quercia 1425 1434 David de Donatello c 1440 El condottiero Bartolomeo Colleoni de Andrea Verrocchio 1475 25 Madonna con Nino San Sebastian y San Antonio Abad de Andrea della Robbia 1500 Alto Renacimiento o Renacimiento clasico Editar Articulo principal Alto Renacimiento La genial figura de Leonardo da Vinci que mantuvo una vida errante por las cortes italianas y francesa enmarca el transito hacia el Cinquecento anos mil quinientos en italiano Se abre el denominado Alto Renacimiento o Renacimiento clasico 26 Florencia que habia sufrido el furor iconoclasta de Savonarola fue sustituida como centro artistico por Roma bajo el mecenazgo papal que atrajo a Bramante Miguel Angel y Rafael Sanzio desarrollando el ambiciosisimo programa artistico del Vaticano cuyo enorme coste fue una de las razones del descontento que genero la Reforma protestante con lo que puede hablarse de una escuela florentino romana los citados y Fra Bartolommeo Andrea del Sarto Giulio Romano Benvenuto Cellini Baldassarre Peruzzi Giovanni Antonio Bazzi Il Sodoma y otros cuya condicion de emulos eclipsados por el genio de sus maestros a pesar de sus valores propios les hace ser clasificados muy habitualmente como manieristas 27 Mientras tanto en Venecia se desarrollo con caracteristicas propias una Escuela veneciana caracterizada por el dominio del color los Bellini Giorgione Tiziano En relacion con el renacimiento de mediados del siglo XV caracterizado por la experimentacion sobre la perspectiva lineal el alto renacimiento se caracterizo por la madurez y el equilibrio que se encuentra en el sfumato de Leonardo en los volumenes marmoreos de la terribilita miguelangelesca en los colores texturas y el chiaroscuro de los venecianos o de las Madonnas de Rafael que dan a la luz y a las sombras un nuevo protagonismo junto a su caracteristica morbidezza suavidad blandura en el adelantamiento del brazo en los retratos como en la Gioconda en la composicion clara especialmente la triangular marcada por la relacion de las figuras con miradas y posturas particularmente en las manos 28 Pintura del Alto Renacimiento La Gioconda de Leonardo da Vinci 1503 1506 Madonna del Prato de Giovanni Bellini 1505 Venus de Giorgione 1508 1510 Amor sagrado y amor profano de Tiziano 1512 1515 Esponsales de la Virgen de Rafael Sanzio 1504 Arquitectura y escultura del Alto Renacimiento Templete de San Pietro in Montorio de Bramante 1502 1510 David de Miguel Angel 1501 1504 Cupula de San Pedro redisenada por Miguel Angel en 1547 Bajo Renacimiento o Manierismo Editar Articulo principal Manierismo Desde el saco de Roma de 1527 el renacimiento supera su fase clasicista para experimentar con mas libertad formal y menos sujecion a equilibrios y proporciones exagerando los rasgos introduciendo rupturas e inversiones del orden logico ordenes gigantes formas dinamicas como la serpentinata y dando paso a guinos intelectuales e iconograficos sofisticados o al humor Los longevos Miguel Angel y Tiziano continuaron su ingente obra al tiempo que las nuevas generaciones de artistas imitan su maniera cuasi divinizada por los primeros historiadores del arte como Vasari o bien desarrollan su propia creatividad 29 Pontormo Descendimiento 1528 Correggio Adoracion de los pastores 1530 Parmigianino Madonna del cuello largo 1540 Bronzino Retrato de Lucrezia Panciatichi 1540 Tintoretto Lavatorio 1549 Verones Bodas de Cana 1563 Sebastiano del Piombo Arcimboldo los Bassano los Palma pintores Juan de Bolonia Hercules y el centauro Neso 1550 Benvenuto Cellini Salero de Francisco I de Francia 1543 escultores Serlio Los siete libros de la arquitectura publicados entre 1537 y 1551 Palladio Teatro Olimpico 1580 Vincenzo Scamozzi Vignola Giacomo della Porta arquitectos o artistas completos como Giulio Romano edificio y frescos del Palazzo Te 1524 1534 Jacopo Sansovino intervenciones en torno a la Plaza de San Marcos de Venecia desde 1529 como la Biblioteca Marciana 1537 1553 Bartolomeo Ammannati Fuente de Neptuno ampliacion del Palazzo Pitti 1558 1570 y Federico Zuccari Palacio Zuccari un extravagante y personal proyecto para su propia vivienda en Roma 1590 Pintura del Bajo Renacimiento Jupiter e Io de Correggio 1530 Madonna del cuello largo de Parmigianino 1534 40 Alegoria del triunfo de Venus de Bronzino 1540 1545 Hallazgo del cuerpo de San Marcos de Tintoretto 1562 Las bodas de Cana de Verones 1563 La Primavera de Arcimboldo 1573 Arquitectura y escultura del Bajo Renacimiento Palazzo Te de Giulio Romano 1524 1534 Palazzo Farnese 30 Perseo Benvenuto Cellini 1554 Villa Rotonda Palladio 1566 Iglesia del Gesu en Roma trazado interior de Vignola 1568 y fachada de Giacomo della Porta 1575 Por el resto de Europa se difunde un estilo italianizante que en cada zona adquiere caracteristicas peculiares en Francia la escuela de Fontainebleau pintores como Francois Clouet escultores como Jean Goujon Ligier Richier o Germain Pilon y el embellecimiento de los elegantes chateaux de la Loire ampliacion del castillo de Blois y construccion del castillo de Chambord ambos de Domenico da Cortona Serlio y Gilles le Breton en el propio palacio de Fontainebleau Pierre Lescot en el del Louvre Filiberto Delorme en las Tullerias 31 en Espana los escultores Alonso de Berruguete Diego de Siloe Juan de Juni o Gaspar Becerra los pintores Luis de Morales Juan de Juanes Navarrete el Mudo Alonso Sanchez Coello o Juan Pantoja de la Cruz y los arquitectos Pedro Machuca Rodrigo Gil de Hontanon Alonso de Covarrubias o los Vandelvira en el Flandes dividido por la revolucion que trajo la reforma protestante Quentin Metsys Antonio Moro o Karel van Mander el Vasari del norte y en Alemania Lucas Cranach el Joven o Hans Holbein el Joven que termino su carrera en Inglaterra en Inglaterra Inigo Jones Pintura italianizante Vieja grotesca de Quentin Metsys 1525 1530 Los embajadores de Hans Holbein el Joven 1533 Sanson y Dalila de Lucas Cranach el Joven 1537 Partida de ajedrez de Antonio Moro 1549 Piedad de Luis de Morales c 1560 32 La ultima cena de Juan de Juanes c 1562 Dama en el bano de Francois Clouet 1571 Continencia de Escipion de Karel van Mander 1600 Arquitectura y escultura italianizante Palacio de Carlos V de Pedro Machuca 1527 Escalier du Fer a cheval en el Palacio de Fontainebleau de Philibert Delorme y Jean Bullant c 1550 Sacrificio de Isaac de Alonso de Berruguete 1526 33 Santo Entierro de Juan de Juni 1539 1540 34 El llamado Bajo Renacimiento en Espana coincide con el comienzo de los siglos de oro de las artes 35 Tras el Alto en el que se incorporaron los modelos puristas o clasicistas del romano 36 Palacio de Carlos V Catedral de Granada Catedral de Jaen Catedral de Baeza Ayuntamiento de Sevilla en el ultimo tercio del siglo XVI se desarrollo un ambicioso programa propio de marcada originalidad centrado en el Monasterio de El Escorial Juan Bautista de Toledo Gian Battista Castello Francesco Paciotto Juan de Herrera cuya fuerte personalidad le hace habitualmente ser considerado principal autor y Francisco de Mora 1563 1586 que dio trabajo a pintores italianos como Pellegrino Tibaldi y Federico Zuccaro pero donde no tuvo cabida a pesar de su genialidad un artista no apreciado por Felipe II El Greco Bajo Renacimiento en Espana Monasterio de El Escorial Juan de Herrera 1563 1586 Custodia de la Catedral de Sevilla de Juan de Arfe 1576 Cenotafio de Felipe II en la Basilica de El Escorial de Leone Leoni y Pompeo Leoni 1587 El expolio de El Greco 1590 1595 Veanse tambien Arquitectura del Renacimiento Pintura del Renacimientoy Escultura del Renacimiento Siglo XVII y primera mitad del XVIII Barroco Clasicismo y Rococo Editar Barroco Editar Triunfo de la Divina Providencia y cumplimiento de Sus Fines bajo el pontificado de Urbano VIII fresco de techo en el Palacio Barberini de Pietro de Cortona 1633 1639 Articulo principal Barroco Veanse tambien Pintura barroca Escultura barrocay Arquitectura barroca En la Italia de 1600 el intelectualismo manierista da paso a un arte mas popular el barroco que apela directamente a los sentidos y en que se otorga un valor fundamental a los juegos de luz y sombra a formas geometricas sofisticadas como la elipse y la helicoidal al movimiento a la violencia en los contrastes y a la contradiccion entre la apariencia y la realidad Desde su inicio se da simultaneamente con una tendencia clasicista visiblemente opuesta La periodizacion del barroco permite identificar varias fases un barroco tenebrista a comienzos de siglo XVII un barroco pleno o maduro en las decadas centrales del siglo y un barroco triunfante o decorativo a finales del siglo XVII que se prolongo en el siglo XVIII con el denominado barroco tardio de imprecisa diferenciacion con el rococo estilo que tambien puede definirse bajo parametros bien distintos 37 Los principales pintores italianos de tendencia barroca del siglo XVII fueron Caravaggio cuya breve y escandalosa carrera inicio una verdadera revolucion pictorica y a cuyo estilo se denomina a veces como caravagismo como tenebrismo o naturalismo seguido por il Spagnoleto Jose de Ribera valenciano cuya obra se realizo integramente en Napoles Pietro da Cortona tambien arquitecto y Luca Giordano llamado Luca fa presto por su rapidez de ejecucion El protagonista del triunfo de las formas retorcidas del estilo barroco en la clasicista Roma donde los academicos de San Lucas mantuvieron el dominio del gusto academicista en pintura fue un verdadero artista completo Bernini que aplico a escultura y arquitectura una nueva concepcion sensitiva casi sensual Extasis de Santa Teresa Baldaquino de San Pedro aunque tambien otros como Borromini los Maderno y los Fontana dejaron su impronta en una cada vez mas deslumbrante Ciudad Eterna confirmada como centro del arte europeo El arte de todos ellos fue un eficaz medio de propaganda en plena Propaganda Fide de la Contrarreforma al servicio de la Iglesia Catolica que pretendia ocupar todos los espacios publicos y privados La columnata de la Plaza de San Pedro de Roma se abre literalmente como un abrazo a la ciudad y al mundo urbi et orbi 38 Otras ciudades italianas desarrollaron programas mas modestos pero no menos interesantes como el emergente Turin de los Saboya con los edificios de Guarino Guarini u otras como Lecce Napoles Milan Genova Florencia y Venecia 39 Veanse tambien Pintura barroca de Italia Barroco espanoly Pintura barroca de los Paises Bajos Pintura barroca La vocacion de San Mateo de Caravaggio 1601 Magdalena de Georges de La Tour 1625 1650 Leccion de anatomia del Dr Nicolaes Tulp de Rembrandt 1632 El vendedor de caza de Frans Snyders La oposicion entre la exuberancia de los bodegones flamencos y los espanoles es proverbial Retrato de Carlos I de Inglaterra por Van Dyck 1635 Juicio de Paris de Rubens 1638 Bodegon de Zurbaran 1650 Alegoria de la Justicia fresco en la galeria del Palacio Medici Riccardi de Luca Giordano 1684 1686 Las instituciones eclesiasticas locales y la catolica Monarquia Hispanica especialmente con el programa artistico y coleccionista de Felipe IV Palacio del Buen Retiro Salon de Reinos Torre de la Parada 40 que continuo a pesar de las apreturas economicas de la decadencia y la dificil coyuntura del reinado de Carlos II seran los principales clientes de una constelacion irrepetible de genios de la pintura Ribera en Napoles Ribalta Velazquez Murillo Zurbaran Alonso Cano Valdes Leal Claudio Coello en Espana Rubens Jordaens en Flandes Incluso se reclutaran primeras figuras italianas como Tiepolo y Lucas Jordan La imagineria de madera policromada llego a cimas no igualadas con Gregorio Fernandez Alonso de Mena Pedro de Mena y Martinez Montanes Arquitectura barroca Casa de la Panaderia de la Plaza Mayor de Madrid de Juan Gomez de Mora 1619 con la estatua ecuestre de Felipe III de Pietro Tacca 1616 41 Cupula eliptica de San Carlo alle Quattro Fontane de Borromini 1634 1637 Iglesia de San Marcello al Corso de Carlo Fontana 1682 1683 Grand Place de Bruselas 1695 1699 Fue caracteristico la incorporacion de caracteristicas barrocas a edificios espacios publicos de otras ciudades destacadamente Viena Amsterdam o Venecia ademas de las ya citadas Madrid o Roma Escultura barroca Cristo yacente de Gregorio Fernandez 1620 1625 42 Baldaquino de San Pedro de Bernini 1624 1633 Piazza Navona ejemplo del urbanismo barroco romano que incluye fuentes de Bernini 1651 Capilla Cornaro de la Iglesia de Santa Maria de la Victoria de Roma con el Extasis de Santa Teresa de Bernini 1647 1652 Milon de Crotona de Pierre Puget 1671 1682 En los paises protestantes el barroco fue un arte burgues de iniciativa privada con pintores holandeses como Rembrandt Johannes Vermeer Frans Hals o Ruysdael que trabajaban para el mercado libre En Inglaterra cuya peculiar situacion socio politica religiosa era un intermedio entre las dos alternativas de la epoca encontrara su publico un pintor de la talla de Anton van Dyck En Francia aunque algunos pintores como los hermanos Le Nain o Georges de La Tour y escultores como Pierre Puget o Francois Girardon pueden con facilidad inscribirse dentro de los parametros de lo barroco la corriente dominante se adscribio a los canones del clasicismo Pintura barroca El martirio de San Felipe de Jose de Ribera 1639 Campesinos bebiendo de Louis Le Nain 1642 Las hilanderas de Velazquez 1657 El arte de la pintura de Vermeer 1666 Molino en Duurstede Ruysdael 1670 La pintura de paisaje por si misma sin necesidad de una excusa religiosa se desarrolla como genero autonomo In ictu oculi una de las Alegorias del Hospital de la Caridad Sevilla de Valdes Leal 1672 Clasicismo Editar Articulo principal Clasicismo Veanse tambien Pintura clasicista Escuela Bolonesa Clasicismo de Franciay Barroco ingles Las academias que se crearon primero en la Italia renacentista y luego en Espana Inglaterra y Francia fijaron un gusto estetico que ponia las normas codificadas por los tratadistas del arte por encima de la fantasia creativa Francia se convirtio en la segunda mitad del siglo XVII en el centro de este movimiento clasicista aunque Italia lo inspirara en su primera mitad Annibale Carracci Guido Reni Domenichino Guercino Accademia di San Luca Franceses fueron el pintor Nicolas Poussin que paso la mayor parte de su vida artistica en Roma o el escultor Jacques Sarazin 43 La maxima expresion del clasicismo frances fue el programa artistico disenado en torno al palacio de Versalles levantado a las afueras de Paris como pieza clave de un mas amplio programa de ingenieria politica y social para el asentamiento de la monarquia absoluta de Luis XIV pintores como Hyacinthe Rigaud o Charles Le Brun arquitectos como Luis Le Vau o los Mansart escultores como Coysevox o Puget e incluso el disenador de jardines Le Notre La reconstruccion tras el gran incendio de Londres de 1666 permitio disenos urbanisticos y edificios singulares en los que predominaron criterios clasicistas mientras las villas campestres se trazaban con gusto palladiano Se va estableciendo un gusto que determinara con el tiempo las diferencias entre el jardin ingles artificiosamente naturalista frente a la pureza formal de las lineas del jardin frances Pintura clasicista Piedad de Annibale Carracci 1603 Atalanta e Hipomenes de Guido Reni 1615 1625 Bacanal de Poussin 1634 1635 Puerto con el embarque de la Reina de Saba de Claudio de Lorena 1648 Arquitectura y escultura clasicistas Palacio de Vaux le Vicomte del arquitecto Luis Le Vau y el disenador de jardines Le Notre 1658 1661 Palacio de Versalles de los mismos 1661 1692 Catedral de San Pablo de Londres Christopher Wren 1676 1710 Cariatides del Louvre de Jacques Sarazin 1639 a 1642 Rococo Editar Articulo principal Rococo Aunque el origen del termino es despectivo pretendiendo ridiculizar la retorcida decoracion de rocailles y coquilles propia del tambien denominado estilo Luis XVI al igual que con el manierismo el rococo se termino por definir como un estilo autonomo y al igual que a aquel una exposicion organizada por el Consejo de Europa le otorgo definitivamente el prestigio historiografico Munich 1958 44 A lo largo de los dos primeros tercios del siglo XVIII los palacios que se levantaron a imitacion de Versalles por toda Europa a mayor gloria de las monarquias absolutas en proceso de convertirse en despotismos ilustrados Palacio Real de Madrid y La Granja en Espana Palacio de Invierno y Palacio de Catalina en San Petersburgo Schonbrunn en Viena Sanssouci en Prusia Zwinger de Dresde Ludwigsburg en Wurttemberg Amalienborg en Copenhague Caserta en Napoles en Inglaterra no hubo palacios versallescos el mas importante de los edificios del siglo XVIII fue el Palacio de Blenheim de John Vanbrugh prolongacion del barroco clasicista ingles y anticipador del neoclasicismo 45 llenaron sus espacios interiores con un arte intimista privado e incluso secreto de gran sensualidad representado en la pintura francesa por Watteau Maurice Quentin de La Tour Boucher y Fragonard y en el exquisito cuidado puesto en la confeccion e instalacion de porcelanas la gran novedad tecnologica de la epoca que ocupo a algunos de los mejores escultores Meissen Johann Joachim Kandler Augarten Nymphenburg Franz Anton Bustelli Berlin Vincennes 46 Sevres Etienne Maurice Falconet 47 Lomonosov 48 Chelsea 49 Buen Retiro Alcora 50 etc cristales La Granja relojes Real Fabrica de Relojes muebles etc El estuco paso a ser un material muy utilizado para la confeccion de complejos espacios arquitectonico escultoricos Giacomo Serpotta mientras que el pastel en pintura Chardin y la terracota en escultura Clodion se convirtieron en las tecnicas preferidas para el consumo de un gran mercado demandante de piezas pequenas y elegantes Los vedutisti italianos sobre todo los venecianos Canaletto y Guardi se vieron estimulados por la continua demanda de los primeros turistas aristocraticos que recorrian el circuito artistico europeo el Grand Tour Arquitectura rococo Iglesia de San Carlos Borromeo Viena de Johann Bernhard Fischer von Erlach 1716 1737 Palacio de Sanssouci de Von Knobelsdorff 1745 1747 Iglesia de Wies de los estuquistas y arquitectos Dominikus y Johann Baptist Zimmermann 1745 1754 Asamkirche en Munich de los hermanos Egid Quirin Asam y Cosmas Damian Asam 1733 1746 Fachada del Obradoiro en la Catedral de Santiago de Compostela de Fernando de Casas Novoa 1740 Palacio del Marques de Dos Aguas de Ignacio Vergara e Hipolito Rovira c 1740 Al mismo tiempo en entornos mas publicos la pintura inglesa realizaba propuestas esteticas semejantes con las conversation pieces y la pintura satirica de Hogarth que tambien reflexiono teoricamente sobre La curva de la belleza predominante en el arte rococo la serpentine serpentinata o sigmoidea 51 la elegante despreocupacion de los retratos y paisajes de Gainsborough la prolongacion en el tiempo del denominado alto barroco aleman descomponia los espacios interiores de las iglesias pulpitos altares pilares bovedas haciendo que la extravagante decoracion se convirtiera en el unico elemento estructural visible 52 mientras que el churrigueresco espanol retorcia la fantasia barroca hasta el limite y Salzillo continuaba la tradicion imaginera Los cartones de Goya a pesar de su datacion en la segunda mitad del siglo se incluyen en un gusto artistico semejante al rococo muestra de su pervivencia en un momento en que la crisis del Antiguo Regimen enfrentaba ese gusto aristocratico con la racionalidad y sobriedad burguesa que se imponia en la Revolucion francesa 1789 Pintura Rococo Fiesta de los esponsales entre Venecia y el Mar de Canaletto 1729 1730 Matrimonio a la moda de Hogarth 1745 El Senor y la Senora Andrews de Gainsborough 1748 1749 El columpio de Fragonard 1767 El quitasol de Goya 1777 Escultura Rococo Transparente de la catedral de Toledo de Narciso Tome 1729 1732 La oracion del huerto de Salzillo 1754 Amour menacant de Etienne Maurice Falconet 1757 Segunda mitad del siglo XVIII y primer cuarto del XIX Neoclasicismo y Prerromanticismo Editar Articulos principales Neoclasicismoy Prerromanticismo Veanse tambien Estilo Luis XVI Estilo directorioy Estilo imperio A mediados del siglo XVIII se habia desatado una verdadera fiebre arqueologica que culmino con el descubrimiento de las ruinas de Pompeya en 1748 El conocimiento del mundo antiguo se reviso con nuevos criterios establecidos intelectualmente por tratadistas academicos criticos e historiadores del arte Unos orientaron el gusto en un sentido clasico Milizia Mengs Winckelmann Diderot Quatremere de Quincy y otros en un sentido que preludia el romanticismo el neogotico y los historicismos del siglo XIX Walpole Lessing Goethe La oposicion entre la sensibilidad neoclasica y la romantica ha pasado a ser un topico cultural reforzado por aparatosos enfrentamientos generacionales como el que supuso la llamada batalla de Hernani Comedie Francaise 28 de febrero de 1830 cuando el publico de la obra de Victor Hugo se enfrento dividido entre los Chevelus jovenes melenudos romanticos y los Genoux viejos calvos neoclasicos o el salon de Paris de 1819 en el que se enfrentaron los partidarios del morboso romanticismo de La Balsa de la Medusa Gericault con los de la pulcritud neoclasica de Pigmalion y Galatea Girodet que fue quien se llevo el premio Neoclasicismo y Prerromanticismo El juramento de los Horacios Jacques Louis David 1784 Pigmalion y Galatea de Girodet 1819 La balsa de la Medusa de Gericault 1819 La batalla de Hernani 28 de febrero de 1830 Grabado satirico de J J Grandville No obstante en realidad el neoclasicismo es tambien una estetica revolucionaria y tuvo su propia ruptura generacional juvenil en la exhibicion del Juramento de los Horacios de Jacques Louis David en el salon de 1785 el escandalo de su relegacion por los academicos obligo a modificar su lugar en la exposicion y se extendio su lectura politica en clave pre revolucionaria El romanticismo literario por su parte fue la opcion estetica de los reaccionarios Chateaubriand Hasta tal punto la convivencia de la sensibilidad neoclasica y la romantica era posible que para denominar la arquitectura neoclasica de la primera mitad del siglo XIX se ha propuesto utilizar el termino clasicismo romantico a pesar del oximoron oposicion de terminos dado que ademas de coincidir en el tiempo estilisticamente comparte rasgos con la estetica romantica al anadir cierta expresividad y espiritu exaltado a la sencillez y claridad de las estructuras clasicas grecorromanas 53 Pintura neoclasicista y prerromantica Bodegon de Luis Eugenio Melendez 1772 Miss Anna Ward con su perro de Joshua Reynolds 1787 Panel de porcelanas de Wedgewood disenadas por John Flaxman 1775 1787 Arquitectura neoclasicista Templo de la virtud antigua en un jardin ingles disenado por William Kent 1735 Puerta de Alcala en Madrid de Francesco Sabatini 1778 Rotonde de la Villette en Paris de Ledoux 1788 Interior del Panteon de Paris de Soufflot 1764 1790 Puerta de Brandemburgo en Berlin de Carl Gotthard Langhans 1791 En la segunda mitad del siglo XVIII fueron habituales los disenos de salones urbanos de tradicion barroca pero sometidos a nuevas convenciones La destruccion de la Praca do Comercio de Lisboa por el terremoto de 1755 permitio su reconstruccion como un espacio abierto sometido a los canones clasicos En Madrid el Paseo del Prado desde 1763 reunio un impresionante conjunto arquitectonico y escultorico proyectado principalmente por Juan de Villanueva Museo del Prado fuente de Cibeles fuente de Neptuno Jardin Botanico Observatorio del Retiro Bajo los criterios de la arquitectura georgiana se trazo el urbanismo de Bath Royal Crescent John Wood 1767 1774 Con una concepcion mucho mas neoclasica en Munich se diseno la Konigsplatz y sus edificios de Karl von Fischer y Leo von Klenze desde 1815 Mientras la arquitectura alemana e inglesa optaban por un historicismo neogriego la francesa sobre todo con Napoleon opto por los modelos romanos Iglesia de la Madeleine concebida por el propio emperador para Templo a la Gloria de la Grande Armee y que reproducia el modelo de la Maison Carree de Nimes Pierre Contant d Ivry 1806 53 En el mundo anglosajon el palladianismo arquitectura de villas triunfante en Inglaterra desde finales del siglo XVII se extendio a los Estados Unidos recientemente independizados La ceramica de Josiah Wedgwood tuvo un gran impacto divulgador de las formas neoclasicas a traves de las siluetas puras y bajorrelieves de John Flaxman En Francia arquitectos visionarios como Etienne Louis Boullee y Claude Nicolas Ledoux plantearon edificios basados en la combinacion espectacular de las formas geometricas mientras que la corriente dominante fijo un neoclasicismo mas sobrio Ange Jacques Gabriel Jean Chalgrin Jacques Germain Soufflot En Espana la critica academica Antonio Ponz Real Academia de Bellas Artes de San Fernando se cebo con el denuesto de la arquitectura barroca cuyas formas retorcidas dan paso a la pureza de lineas de Ventura Rodriguez o Juan de Villanueva Canova y Thorvaldsen interpretan el nuevo gusto del denominado estilo imperio en una escultura neoclasica de alta perfeccion formal En cuanto a la evolucion de la pintura en Alemania Runge y Friedrich en Inglaterra Joshua Reynolds Henry Fuseli William Blake Constable y Turner en Francia Jacques Louis David Francois Gerard e Ingres y en Espana la excepcional figura de Goya cierran el siglo XVIII y abren el XIX Neoclasicismo y Prerromanticismo El anciano de los dias grabado coloreado a la acuarela de William Blake 1794 El sueno de la razon produce monstruos grabado de la serie Los caprichos de Goya 1799 Muelle de Calais de Turner 1803 Cenotafio de Maria Cristina de Austria Canova 1805 Napoleon de Ingres 1806 El caminante sobre el mar de niebla de Friedrich 1815 Monumento a los guardias suizos de Thorvaldsen 1818 Cupido y Psique de Gerard 1822 Veanse tambien Arquitectura neoclasica Escultura neoclasicay Pintura romantica Arte en otros espacios de la civilizacion occidental EditarArte colonial hispanoamericano o indiano e hispanofilipino Editar Articulo principal Arte colonial hispanoamericano El arte colonial hispanoamericano o arte indiano 54 presenta en el periodo de la Edad Moderna la misma sucesion de estilos que el arte europeo dado que la colonizacion espanola de America supuso el final de la produccion de las representaciones artisticas del arte precolombino y en muchas ocasiones incluso la destruccion fisica de las obras de arte anteriores Hasta el mismo trazado urbano de las ciudades se impuso de nueva planta con un plano ortogonal en el que la Plaza de Armas acogia los edificios civiles y religiosos principales No obstante las caracteristicas autoctonas pervivieron aunque solo fuera como un sustrato a veces literalmente como en la Plaza de las Tres Culturas de Mexico o en los muros incaicos que sirven de zocalo a construcciones posteriores En muchos casos se produjo un verdadero sincretismo cultural del mismo modo que en la religiosidad popular Se produjo una sintesis entre los estilos europeos y las antiguas tradiciones locales generando una simbiosis que dio un aspecto muy particular y caracteristico al arte colonial Sus principales muestras se produjeron en los dos centros virreinales de mas relevancia Virreinato de Nueva Espana barroco novohispano y Virreinato del Peru escuela cuzquena de pintura En pintura y escultura en las primeras fases de la colonizacion fue frecuente la importacion de obras de arte europeas principalmente espanolas italianas y flamencas pero enseguida comenzo la produccion propia que incorporo rasgos inequivocamente americanos a las convenciones de los distintos generos artisticos Arte colonial Nuestra Senora de Guadalupe Mexico 1531 o 1555 Capilla domestica del monasterio de Tepotzotlan Mexico Angel arcabucero Maestro de Calamarca escuela del Collao Bolivia siglo XVII Adoracion de los Magos escuela cuzquena de pintura 1740 1760 Figura femenina de marfil actualmente en un museo mexicano Cristo crucificado actualmente en un monasterio valenciano siglo XVII Los contactos transoceanicos de Mexico con Filipinas Galeon de Manila desde Acapulco dieron origen a otro particular sincretismo detectable en algunas obras a ambos lados del Pacifico especialmente en la ceramica los biombos o en los cristos crucificados y otras figuras en marfil con rasgos orientales denominados marfiles hispano filipinos aunque algunos se hicieron en el mismo Mexico Tambien se produjeron en un contexto equivalente marfiles luso indios 55 Arquitectura colonial Catedral de Santo Domingo 1523 1541 Templo de Santa Prisca de Taxco Mexico 1751 1758 Iglesia de la Compania Quito Ecuador 1605 1765 Basilica de Congonhas Brasil con las figuras de profetas de Antonio Francisco Lisboa el Aleijadinho 1796 1799 Iglesia de Paoay isla de Luzon Filipinas 1694 1710 Arte ruso Editar Articulo principal Cultura de Rusia Veanse tambien Arquitectura de Rusiay Pintura de Rusia La cultura y el arte ruso al igual que las culturas eslavas de los Balcanes y Ucrania se definio a lo largo de la Edad Media con una fuerte influencia del arte bizantino y esa influencia continuo incluso posteriormente a la Caida de Constantinopla coincidiendo con la construccion del estado ruso en torno a la figura del zar como continuidad de la figura del basileus y la imagen de Rusia como una Tercera Roma La produccion de iconos y la iluminacion de manuscritos continuaron en los siglos de la Edad Moderna con similares convenciones y rasgos estereotipados a los del Bizancio medieval Con el programa de occidentalizacion de Pedro I el Grande a partir de finales del siglo XVII se envia a pintores locales a aprender a Italia Francia Inglaterra y Holanda y se contrata a pintores de esos mismos paises La arquitectura aunque continuo influenciada principalmente por la arquitectura bizantina en los primeros siglos de la Edad Moderna presencio la introduccion de tendencias renacentistas por artistas italianos como Aristoteles Fioravanti 1415 1486 que antes habia trabajado para Matias Corvino en Hungria Las construcciones de la epoca tuvieron una gran capacidad de inclusion de multiples elementos tejados de faldon de origen asiatico las cupulas bulbosas de origen bizantino todo ello reinterpretado con gran fantasia y colorido como en la Catedral de San Basilio y el estilo flamante de la ornamentacion de Moscu y Yaroslavl en el siglo XVII Hacia 1690 se habla de un barroco moscovita Francesco Bartolomeo Rastrelli Durante el siglo XVIII la occidentalizacion se hace cada vez mas profunda culminando en el programa de construccion de San Petersburgo con criterios neoclasicos 56 Arte ruso Trinidad del Antiguo Testamento de Andrei Rubliov 1422 1428 Catedral de la Dormicion Moscu uno de los edificios mas antiguos del Kremlin inspirada en la Catedral de la Asuncion de Vladimir 1475 1479 Catedral de San Basilio de Postnik Yakovlev 57 construccion original de 1555 1561 modificada en fechas posteriores Cristo Aqueiropoyetos de Simon Ushakov c 1660 Arte oriental EditarEl arte oriental se ha definido como concepto por contraposicion con el arte occidental y mediante estudios realizados por historiadores del arte occidentales seducidos precisamente por su alteridad El exotismo romantico degenero en un orientalismo en buena medida mixtificador Como principio general y a pesar de su multiplicidad el arte oriental se considera mas estable en el tiempo que el occidental de la Edad Moderna sujeto a los continuos bandazos en la sucesion de estilos Especialmente estable fue el arte de Extremo Oriente repeticion de modelos fijados en el arte antiguo de sus civilizaciones mientras que el arte islamico en buena medida el de una civilizacion sincretica y transmisora tan occidental como oriental que tuvo su edad de oro en el arte medieval y el arte de la India fueron mas sensibles a todo tipo de influencias provenientes tanto del Este como del Oeste 58 Vease tambien Civilizaciones asiaticas Arte islamico Editar Articulo principal Arte islamico Arte africano islamico Editar Vease tambien Arte africano El espacio africano a pesar de su situacion geografica occidental se hallaba en buena parte en la orbita cultural y artistica del Proximo Oriente y la civilizacion arabe islamica especialmente Egipto y el Magreb termino que significa precisamente occidente en arabe Lo mismo puede decirse de grandes partes de Africa oriental a excepcion de Etiopia que se mantuvo como reino cristiano Tombuctu fue el principal centro de cultura islamica en el espacio subsahariano desde finales de la Edad Media con el Imperio songhay sucedido por la ocupacion marroqui desde el siglo XVI Otras zonas del Africa occidental y meridional continuaron con su dinamica cultural ancestral aunque sometidas al impacto negativo de la expansion europea y arabe colonizacion directa de los principales puertos e impulso al trafico de esclavos que modifico profundamente las entidades politicas y redes sociales y culturales indigenas Arte africano islamico Mezquita de Djingareyber original del siglo XIV 59 Madrasa de Sankore reconstruida en 1581 Arte turco otomano Editar Articulo principal Cultura de Turquia El arte otomano se produjo principalmente en Asia Menor y los Balcanes ademas de extender su influencia por todo el mundo mediterraneo musulman El periodo clasico de la arquitectura otomana siglos XV al XVII esta dominado por la figura del armenio Mimar Sinan que conjugo la tradicion bizantina con elementos etnicos de distintas procedencias A el se deben 334 edificios en varias ciudades mezquitas Sehzade de Suleiman y de Rustem Pacha en Estambul de Selim en Edirne mausoleos del sultan Suleiman el Magnifico de su esposa Roxelana y del sultan Selim II etc El Palacio de Topkapi 1459 1465 era comparable en suntuosidad interior a los mas importantes del mundo La influencia del arte europeo occidental se habia dejado sentir desde finales del siglo XV cuando el pintor veneciano Gentile Bellini se desplazo a Estambul a trabajar para el sultan Mehmed II 1479 Durante el periodo de los tulipanes 1718 1730 se produce una renovacion del interes por el arte de Europa Occidental y un arquitecto frances Mellin trabajara para la corte otomana En el periodo siguiente caracterizado por formas similares al barroco destaca el arquitecto Mimar Tahir 60 Arte turco Mezquita Sehzade en Estambul de Mimar Sinan 1543 1548 Sitio de Viena por Nakkas Osman 1588 Mezquita Azul en Estambul de Sedefhar Mehmet Aga 1609 1617 Mezquita Laleli o de los tulipanes de Mehmet Tahir Aga 1760 1763 Arte persa Editar Articulo principal Arte persa Durante el siglo XVII se levantaron las grandes mezquitas safavidas de Jorasan Isfahan y Tabriz y el espacio de la plaza de Naghsh i Jahan de Isfahan uno de los hitos urbanisticos mas espectaculares de las ciudades islamicas El uso de la ceramica vidriada da a las superficies sus caracteristicas de textura y cromatismo Anteriormente se habia levantado en Teheran el Palacio de Golestan 1524 1576 un programa artistico orientado a la ostentacion del poder y el lujo con espacios intimistas y placenteros que evocan a la Alhambra y el estereotipo orientalista romantico de palacio de las mil y una noches fue renovado profundamente en los siglos XVIII y XIX 61 Las miniaturas persas obviaron la prohibicion islamica de representar figuras humanas en razon de la particular interpretacion de ese precepto en el chiismo 62 y desarrollaron un estilo particularmente refinado que se compartio a traves de los estrechos contactos con el Asia Central con el arte de la India Se caracterizaron por el tratamiento exquisito de los margenes y la utilizacion convencional de elementos de interpretacion poetico mistica como el vino otra prohibicion islamica y los jardines que evocan el Paraiso Los centros de produccion mas importantes de alfombras persas fueron Tabriz 1500 1550 Kashan 1525 1650 Herat 1525 1650 y Kerman 1600 1650 Arte persa Alfombra tradicional de Tabriz de lana y seda Khalvat e karimkhani en el Palacio de Golestan Consejo del asceta Moraqqa e Golshan conservado en el Palacio de Golestan Teheran 1 ª mitad del siglo XVI Abas el Grande con un paje que le ofrece vino de Muhammad Qasim 1627 63 Plaza de Naghsh i Jahan de Isfahan Cupula de la Mezquita Sheikh Lotf Allah de Isfahan 1615 Puerta interior de la mezquita Azul de TabrizVeanse tambien Miniatura persay Alfombra persa Arte mogol y otros de la India Editar Articulo principal Arte de la India El Imperio mogol impulso la islamizacion de la India del norte convirtiendo la mezquita en un edificio religioso competitivo con los templos hinduistas yainas o budistas Fatehpur Sikri ciudad construida entre 1569 y 1585 combinaba elementos islamicos bovedas arcos y amplios patios con los materiales y decoracion tradicionales hindues Shah Jahan desde la restaurada capitalidad de Delhi impulso edificaciones como el Fuerte Rojo y el Taj Mahal La pintura a pesar de la prohibicion coranica tambien fue incentivada por el mecenazgo del poder Akbar iletrado pero cuya biblioteca contenia 24 000 manuscritos ilustrados fundo la pintura mogola en la India al introducir pintores como Mir Saiyide Ali y Abdus Samad que establecieron escuelas pictoricas en Gujarat Rajastan y Cachemira caracterizadas por el formalismo y la ornamentacion vivaz y colorista Jahangir continuo el mecenazgo pero oriento el gusto a un nuevo realismo centrado en plantas y animales sin interes por la figura humana pintor Ustad Mansur En el sur de la India no sujeto al Imperio mogul continuo la tradicion artistica de la India antigua especialmente la cultura del Imperio Vijayanagara con capital en Hampi y otros estados rivales como Madurai Al noroeste en la zona del Panyab se inicio una nueva religion el sijismo que tiene en el Templo Dorado su principal edificio artistico Arquitectura de la India Templo Dorado 1588 1604 Mausoleo de Itimad Ud Daulah Agra 1622 1628 Taj Mahal 1631 1654 Moti Masjid Mezquita de la perla en el Fuerte rojo de Delhi 1659 Arte de la India Pilar central del Diwan i Khas sala de audiencias privadas del Fuerte de Akbar en Fatehpur Sikri 1569 1585 Gopuram del templo Meenakshi Amman de Madurai 1559 1659 64 Dodo de Ustad Mansur c 1625 Retrato idealizado de Nur Jahan esposa del emperador Jahangir c 1725 1750 Krishna y Radha en un pabellon c 1750 Veanse tambien Pintura mogol Arquitectura mogola Pintura rajputay Bani Thani Arte de extremo oriente Editar Veanse tambien Extremo Orientey Pintura Oriental Arte chino Editar Articulo principal Arte de China La Ciudad Prohibida de Pekin fue concebida por el arquitecto Kuai Xiang 1397 1481 La construccion del gigantesco complejo comenzo en 1406 y termino en 1420 Su palacio imperial es la mayor edificacion de madera del mundo Destacados pintores de la dinastia Ming siglos XIV al XVII fueron Tang Yin Wen Zhengming Shen Zhou Qiu Ying Xu Wei o Dong Qichang Destacados pintores del comienzo de la dinastia Qin siglo XVIII fueron Bada Shanren Shitao o Jiang Tingxi 65 Arte de China Porcelana de la Dinastia Ming Templo del Cielo c 1420 Muro de los nueve dragones en la Ciudad Prohibida construida originalmente entre 1406 1420 Pabellon en la Ciudad Prohibida Despues de la nieve en un puerto de montana por Tang Yin 1507 Templo de Pao en de K un ts an 1664 Ribera de las flores de melocotonero de Shitao finales del siglo XVII Once palomas de Jiang Tingxi primer tercio del siglo XVIII Veanse tambien Arquitectura china Pintura china Ceramica china Jardin chinoy Caligrafia china Arte japones Editar Articulo principal Arte del Japon El concepto ancestral de belleza en Japon esta ligado al de sabi ciclo de la vida y paso del tiempo y eso no cambio a lo largo de las sucesivas eras historicas A los siglos de la Edad Moderna correspondieron los periodos Muromachi 1336 1573 Azuchi Momoyama 1568 1603 y Edo 1603 1868 No obstante hubo cambios economicos sociales politicos e ideologicos muy marcados La expansion del budismo zen anadio su gusto por lo pequeno y cotidiano sintetizado en siete caracteristicas de profundo impacto artistico asimetria simplicidad elegante austeridad naturalidad profunda sutileza libertad y tranquilidad El sentido de servicio a la comunidad no llevo a los artistas japoneses al individualismo propio del arte occidental y aparentemente hace pasar las mas sutiles creaciones por poco mas que arte decorativo Los jardines formas naturales perfeccionadas por el hombre y la caligrafia plasmacion del gesto manual en tinta sobre papel fueron vehiculo idoneo para esta particular expresividad Castillos y santuarios sintoistas y budistas estan entre las formas arquitectonicas mas importantes pero incluso estas construcciones de envergadura se caracterizan por el uso de materiales organicos y efimeros que necesitan su mantenimiento y renovacion a lo largo de las generaciones El traumatico contacto con occidente a partir de 1543 y el cierre total a todo contacto exterior en 1641 sakoku determinaron la continuidad de la vida artistica japonesa mediante la evolucion de sus modelos tradicionales 66 Arte de Japon Abanico japones c 1702 Jardin de la Villa imperial de Katsura 1615 Caligrafia y representacion de Bodhidarma de Hakuin Ekaku mediados del siglo XVIII Los actores Nakamura Shichisaburo II y Sanogawa Ichimatsu de Ishikawa Toyonobu c 1740 Veanse tambien Arquitectura japonesa Pintura japonesa Jardin japonesy Caligrafia japonesa Filmografia EditarAndrei Rubliov Andrei Tarkovsky 1966 El tormento y el extasis Carl Reed 1965 sobre Miguel Angel El Greco Iannis Smaragdis 2007 Artemisia Agnes Merlet 1997 sobre Artemisia Gentileschi 67 La kermesse heroica Jaques Feyder 1935 ambientada en los Paises Bajos del siglo XVII Rembrandt Alexander Korda 1936 Nightwatching Peter Greenaway 2007 sobre la Ronda de Noche de Rembrandt La joven de la perla Peter Webber 2003 sobre el cuadro homonimo de Vermeer El rey pasmado Imanol Uribe 1991 basada en la novela de Gonzalo Torrente Ballester ambientada en la Espana de mediados de siglo XVII Vatel Roland Joffe 2000 ambientada en la Francia de finales del XVII El contrato del dibujante Peter Greenaway 1982 ambientada en la Inglaterra de finales del XVII y comienzos del XVIII Goya en Burdeos Carlos Saura 1999 sobre Goya 68 Vease tambien EditarArte Historia del arteArte antiguo Arte medieval Arte contemporaneoEstudio de la historia del arte Edad Moderna Arte Moderno Antiguo Regimen Pensamiento cultura y arte Pintor de camaraReferencias EditarNotas Editar History of french furniture fuente citada en fr Histoire du mobilier francais y fr Liste des styles de mobilier Las ideas generales de esta introduccion son ampliamente compartidas por la historiografia en muy distintos ambitos Rodney Hilton ed La transicion del feudalismo al capitalismo Perry Anderson El estado absoluto Fernand Braudel El Mediterraneo y el mundo mediterraneo en tiempos de Felipe II Ruggiero Romano y Alberto Tenenti La formacion del mundo moderno Immanuel Wallerstein El moderno sistema mundial Carlo Cipolla Canones y velas Arnold Hauser Historia social de la literatura y el arte etc Johan Huizinga op cit Vease Categoria Retablos Jonathan Brown Espana en la era de las exploraciones Una encrucijada de culturas artisticas en Reyes y mecenas catalogo de la exposicion Museo de Santa Cruz de Toledo 1999 pag 113 114 La practica de dar a los diversos estilos artisticos los nombres de los monarcas reinantes se aplico al parecer por vez primera al arte frances de los siglos XVII y XVIII en que la mayor parte de la produccion artistica salia de los talleres reales Esta forma de patronazgo sistematico efecto secundario del absolutismo establecido por Luis XIV no estaba al alcance de otros monarcas menos poderosos de fines de la Edad Media y el Renacimiento que tenian que regatar el poder con sus vasallos Asi pues en Espana como en el resto de la Europa del siglo XV la uniformidad fue la excepcion tanto en el arte como en la politica La amalgama artistica del periodo isabelino ademas fue de singular riqueza reflejando tres influencias un estilo tardogotico con origen en Alemania y Paises Bajos un estilo clasicista procedente de Italia y el estilo islamico de la poblacion morisca y mudejar de la propia Peninsula Iberica Coexistiendo a menudo en los mismos monumentos estas corrientes estilisticas fueron aplicadas a la creacion de un arte complejo y peculiar Fernando Checa Poder y piedad patronos y mecenas en la introduccion del Renacimiento en Espana en Reyes y mecenas op cit pags 21 y 22 el italianismo renacentista se impone en toda Europa pero los paradigmas vasarianos de Florencia y Roma no funcionaron como tales ni en Europa ni en los reinos hispanicos donde al lado de la rexcepcion por algunos artistas y mecenas de modelos florentinos leonardescos o de Ghirlandaio parecio sentirse una cierta preferencia por los ejemplos que procedian de Ferrara Padua y otras ciudades del norte de Italia Biografia Archivado el 13 de julio de 2013 en Wayback Machine en torrijos es Escultura gotica en ciber arte Tesis Archivado el 14 de agosto de 2014 en Wayback Machine pag 452 Stukembrok y Topper op cit The Working Stiff in Art The Portinari Altarpiece Exposicion homonima en el Museo del Prado 1998 Ficha en Artehistoria Da Messina Antonello Archivado el 10 de diciembre de 2007 en Wayback Machine articulo en GER Hacia 1475 los dos troncos comienzan un importante intercambio de tecnologias Por un lado el oleo pasa a Italia por otro la forma italiana la figura humana pasa a Flandes En su fase primitiva el pasaje de tecnologias es por trasiego directo Los viajeros a Italia Van der Weyden Michel Pacher Van der Goes o Durer o los viajeros a Flandes Antonello da Messina realizan el trasiego necesario para la fusion En los talleres importantes de uno y otro tronco se realiza la mezcla de las artesanias el taller Bellini en Venecia el taller Durer en Nurnberg el taller Holbein en Augsburg el taller Metsys en Amberes La difusion del oleo flamenco y la forma italiana marca el fin del secreto de los artesanos pintores Hacia 1525 el taller medieval ha cumplido su ciclo y agoniza definitivamente La artesania nueva es divulgada mediante libros Entre 1470 y 1490 Piero della Francesca escribe su De prospectiva pingendi pero permanece inedito practicamente hasta el presente siglo en 1505 Johannes Viator Jean Pelerin publica De artificiali perspectiva en 1509 Luca Pacioli publica De divina proportione de la misma epoca es el Trattato della pittura de Leonardo pero no sera publicado hasta 1551 en 1525 publica Durer su Underweysung der messung mit dem zirkel und richtscheyt y posteriormente en 1528 su Vier Bucher von Menschlicher Proportion Cierra este ciclo la obra de Vasari Le vite 1550 el primer estudio historico sobre la pintura renacentista Albrecht Durer en la historia del arte Juan Grompone pags 31 32 Se desconoce la naturaleza de la innovacion concreta de Van Eyck pero no hay duda de que fue el autor de una revolucion de las tecnicas de la pintura al oleo en Europa ya que la doto de mayor flexibilidad un colorido mas rico y denso una gama mas amplia de claros y oscuros y una transicion y mezcla sutiles de los tonos Desde su epoca empezaron a ser explotadas las grandes posibilidades de este metodo que ganaron en popularidad al temple Chilvers op cit voz oleo pintura al pag 515 El impedimento que significaba no disponer del oleo era comparable al impedimento de no conocer la forma De la fusion de las dos grandes conquistas de los troncos italianos y flamencos nacera finalmente la sintesis renacentista Grompone op cit Master of the Saint Lucy Legend at Artcyclopedia Master of the Saint Lucy Legend Fuentes citadas en en Master of the Legend of Saint Lucy de la Wikipedia en ingles Master of the Embroidered Foliage at Artcyclopedia Exhibition on Master of the Embroidered Foliage at Clark Art Institute Williamstown Archivado el 31 de marzo de 2016 en Wayback Machine Fuentes citadas en en Master of the Embroidered Foliage de la Wikipedia en ingles Chilvers Osborn y Farr op cit voz Maestro de y siguientes Grompone op cit Venetian Gothic Archivado el 8 de junio de 2011 en Wayback Machine Fuente citada en en Venetian Gothic architecture de la Wikipedia en ingles Pietro Cavallini in Naples El termino renacimiento tanto en origen de su uso como en su precisa localizacion cronologica no es un concepto univoco Aunque habitualmente la historiografia del arte lo utiliza para los siglos XV y XVI en Italia y por extension al resto de Europa los textos que acunaron el termino lo acotaban de forma diferente Vasari Vite 1550 comenzaba con Cimabue siglo XIII Jules Michelet Histoire de France 1855 lo localizaba entre Colon y Galileo 1492 siglo XVII y Jacob Burckhardt Die Kultur der Renaissance in Italien 1860 se referia al periodo entre Giotto y Miguel Angel del XIV a la primera mitad del XVI Establecer el momento inicial a mediados de siglo XV es muy habitual Anthony Blunt Teoria de las artes en Italia de 1450 a 1600 1940 Antonello de Messine en possession du secret par lequel Jean de Bruges avait rendu plus facile l emploi de la peinture a l huile le porta a Venise vers 1450 tandis que Dominique le fit connaitre a Florence 1 En ese entonces trabajaba en Flandes Juan de Brujas Van Eyck quien se puso a experimentar con diversas clases de colores y como le apasionaba dedicarse a la alquimia preparo muchos aceites para hacer barnices poniendo una tabla a secar al sol la cual cuarteo y viendo el dano producido por el calor resolvio encontrar el medio de solucionarlo secando a la sombra y luego de realizar muchos ensayos con sustancias puras o mezcladas entre si encontro finalmente que el aceite de linaza y el de nuez eran los mas secantes Estos pues hervidos con otras de sus mezclas produjeron el barniz que el y todos los pintores habian deseado largamente Luego vio que si se aglutinaban los colores con esta clase de aceite les daba una gran solidez y que secos no solo resistian al agua sino que se volvian muy intensos y brillantes de por si sin necesidad de barnizarlos Y lo mas maravillosos era que se mezclaban infinitamente mejor que al temple Durante algun tiempo Juan no quiso que nadie lo viera trabajando ni tampoco le quiso ensenar a ninguno su secreto pero al envejecer lo confio a su discipulo Rogelio Van Der Weyden Mas aunque los mercaderes compraban sus obras y el invento se habia difundido no solo en Flandes sino en Italia no se conocia el metodo de ejecutarlas y el misterio fuera de Flandes nunca fue descubierto durante largos anos Antonello da Messina nacio a principios del siglo XV en Mesina y fallecio en 1479 muy diestro en su oficio de pintor y habiendo sabido que al rey Alfonso I de Napoles le habia llegado una tabla pintada a oleo por Juan el como muchos otros pintores fue a verla y alabarla pues se podia lavar y resistia cualquier golpe asi es que cuando consiguio verla tuvieron tanta influencia en el la vivacidad de los colores y la belleza y armonia de aquella pintura que olvidando cualquier otro asunto o pensamiento se fue a Flandes y llegando a Brujas con obsequios de dibujos italianos se hizo muy amigo de Juan a tal punto que por consideracion a Antonello ya anciano consistio en que este viera como procedia para pintar al oleo y no salio el italiano de dicha ciudad antes de haber aprendido muy bien el metodo que tanto deseaba conocer Habiendo muerto Juan poco despues Antonello volvio a su patria y dio al mundo participacion en tan util bello y comodo secreto 2 La sintesis de las dos corrientes de pintura se realiza entre 1475 y 1535 No conocemos exactamente los transportadores del oleo a Italia La tesis Antonello no es demasiado sostenible La transferencia de un conocimiento celosamente guardado por la escuela de Van Eyck debe ocurrir del mismo modo que ocurre la difusion de la imprenta Se trata de un secreto demasiado importante para que permanezca guardado por una corporacion medieval Su difusion es incontenible y adopta la forma de una avalancha con mil frentes y mil fisuras Grompone op cit Martin Gonzalez op cit 108 120 Las puertas norte se realizaron entre 1401 y 1422 y las puertas este tras una segunda adjudicacion entre 1425 y 1452 Establecio las convenciones formales del modelo cuatrocentista de palacio florentino que desarrollaron el Palazzo Rucellai Leon Battista Alberti y Bernardo Rossellino 1446 1451 y el Palazzo Pitti Luca Fancelli discipulo de Brunelleschi 1458 El modelo de palacio urbano medieval era el Palazzo Vecchio de aspecto acastillado Anteriormente Donatello habia restablecido el modelo de estatua ecuestre con el Condottiero Gattamelata 1447 1453 inspirado en la antigua estatua ecuestre de Marco Aurelio del Capitolio romano Renacimiento clasico en Artehistoria James William Pattison The world s painters since Leonardo being a history of painting from the Renaissance to the present day Da a esta escuela una acotacion temporal entre 1452 y 1564 Fernandez Barnechea y Haro op cit pag 236 La definicion del manierismo inicialmente se hizo de forma peyorativa como una fase decadente del renacimiento carente de originalidad Desde mediados del siglo XX se produce una revalorizacion del arte de la epoca exposicion de 1955 en el Rijksmuseum de Amsterdam organizadda por el Consejo de Europa y se comienza a definir el manierismo como un estilo autonomo Arnold Hauser op cit y El manierismo 1965 Fuentes citadas por Fernandez Barnechea y Haro op cit pag 263 Iniciado por Antonio da Sangallo el Joven en 1514 con los criterios cuatrocentistas del palacio florentino Miguel Angel prosigue las obras entre 1546 1549 y posteriormente Vignola y Giacomo della Porta hasta 1589 Es el modelo de palacio romano del Cinquecento Martin Gonzalez op cit t II pag 33 34 El cuadro en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando no esta fechado en la pagina web de esa institucion Una version similar del Museo de Bellas Artes de Bilbao esta fechada en 1560 por ese museo Ficha en Artehistoria Ficha en Artehistoria Las denominaciones Alto Renacimiento y Bajo Renacimiento referidas a Espana dividen el siglo XVI en los dos tercios iniciales para el Alto que tambien englobaria el ultimo cuarto del siglo XV en que se suceden los estilos estilo Reyes Catolicos o Isabelino estilo Cisneros Plateresco y Purista o Romanista y el ultimo tercio para el Bajo que tambien se califica de Manierismo espanol vease Fernandez Barnechea y Haro op cit La periodizacion es diferente en otros autores dandose definiciones como fase serliana para el periodo 1530 1560 por Sebastiano Serlio y fase clasicista para el periodo 1560 1630 Jose Miguel Munoz Jimenez El manierismo en la arquitectura espanola I y II La discusion sobre lo adecuado de la etiqueta manierista para el caso espanol lleva incluso a la utilizacion de terminos como antimanierismo pseudomanierismo contramaniera o manierismo trentino Camon Aznar citado por Sviatoslav Savvatieyev A proposito del problema del manierismo en la pintura espanola Archivado el 27 de junio de 2011 en Wayback Machine Diego de Sagredo Las Medidas del Romano 1526 En la Espana de la decada de 1530 lo romano se impuso a lo moderno terminos de la epoca que designaban respectivamente al Renacimiento y al Gotico pues se consideraba que el primero volvia a la Antiguedad romana y el segundo era mas actual Maroto op cit pag 195 La definicion del barroco y sus distintas fases desde su caracterizacion como estilo por Heinrich Wolfflin ha sido objeto de muy diferentes reinterpretaciones viendose incluso como una fase de complicacion y crisis que presentarian todos los estilos artisticos Eugenio D Ors mientras que su denominacion inicial es una incognita suele relacionarse con la palabra portuguesa que significa perla irregular o con la italiana que significa razonamiento retorcido por un tipo de silogismo falso Las fechas y fases asi como la identificacion o no del rococo con el barroco final suelen indicarse de forma muy diferente en los manuales de historia del arte vease bibliografia general por ejemplom Palomero op cit pag 287 Las denominaciones cambian para cada pais por ejemplo en Alemania se habla de un alto barroco o barroco aleman para el periodo final del siglo XVII y el comienzo del XVIII Fernandez Barnechea y Haro op cit pag 287 Roma barroca en Artehistoria El arte en los centros perifericos Turin urbanismo y arquitectura como afirmacion politica y Geometria y fantasia en la arquitectura de Guarini en Artehistoria John H Elliott y Jonathan Brown 1980 Un palacio para un rey Taurus ISBN 84 306 0524 X En otra plaza madrilena se encuentra la estatua ecuestre de Felipe IV del mismo escultor 1634 1640 realizada a partir de bocetos de Velazquez y de atrevida postura que es fama necesito calculos fisicos de Galileo Galilei Ficha en Artehistoria de otro Cristo yacente de la misma serie La escultura francesa del siglo XVII en Artehistoria Fernandez Barnechea y Haro op cit pag 343 Conti op cit pag 11 Tamara Preaud ed Porcelaines de Vincennes les origines de Sevres catalogo de la exhibicion Grand Palais octubre de 1977 enero de 1978 Sassoon Adrian 1991 Catalogue of Vincennes and Sevres Porcelain in the J Paul Getty Museum Malibu 1991 ISBN 0 89236 173 5 Fuentes citadas en en Vincennes porcelain de la Wikipedia en 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Art and its Histories New Haven and London Yale University Press ISBN 0 300 07743 2 Flavio Conti Como reconocer el arte Rococo 1978 Rizzoli ed espanola de Jose Milicua 1980 ISBN 84 85298 48 9 pag 11 12 J Palomo op cit Conti op cit pag 37 y ss a b J Maroto op cit pag 290 291 Emilio Gomez Pinol El arte indiano del siglo XVII del orden visual clasico al oceano de colores 1991 Era notorio el arte indigena mezclado con estilos e influencia oriental que venian desde China Japon y Filipinas un ejemplo es la loza de Puebla cuyos origenes son la ceramica de China y Japon Los productos de la Sierra Negra pag 41 Biombos de influencia oriental Espinosa spinola G El arte hispanoamericano estado de la cuestion 2004 pag 11 La influencia oriental Mexico fue uno de los primeros virreinatos consumidores de lujos que logro establecer una via comercial directa con China a partir de 1565 mediante la navegacion regular entre Acapulco y Manila desde donde recibio una influencia mas fuerte que el resto de America El mueble novohispano pag 22 La mayoria de las tallas religiosas de marfil mexicanas no se hicieron en Mexico Se tallaban por encargo y siguiendo modelos europeos en China continental y en los asentamientos chinos de Filipinas Se llevaban luego a Acapulco Mexico en el galeon de Manila y de ahi se distribuian a Espana y otros lugares de America Estas imagenes se conocen tambien como marfiles hispano filipinos e incluso como marfiles luso indios los portugueses tambien hicieron tallas similares en sus colonias de la India Existen algunos trabajos esporadicos hechos en la Nueva Espana Mexico Se realizaron en los siglos XVI y XVII y XVIII Cristos de marfil Mexico Archivado el 29 de marzo de 2009 en Wayback Machine La Tercera Roma en Artehistoria William Brumfeld Landmarks of Russian Architecture A Photographic Survey Documenting the Image Vol 5 Amsterdam Overseas Publishing Association 1997 p 95 Fuente citada en en Postink Yakovlev Michael Sullivan The Meeting of Eastern and 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Wikipedia en ingles dd Enlaces externos EditarArtehistoria Renacimiento Renacimiento y manierismo Barroco Rococo Neoclasicismo Arte colonial en Iberoamerica El arte mogol La estetica y el arte japones Porcelana Ming El nuevo islam Arte islamico hasta 1650Otros sitios El arte en la Edad Moderna Entre la verdad y la aparienciaApuntes rincondelvago comHistoria del arte en la Edad Moderna Datos Q1570459Obtenido de https es wikipedia org w index php title Arte de la Edad Moderna amp oldid 137988305, wikipedia, wiki, leyendo, leer, libro, biblioteca,

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