fbpx
Wikipedia

Pintura simbolista

La pintura simbolista fue una de las principales manifestaciones artísticas del simbolismo, un movimiento cultural surgido a finales del siglo XIX en Francia y que se desarrolló por diversos países europeos. El inicio de esta corriente se dio en poesía, especialmente gracias al impacto de Las flores del mal de Charles Baudelaire (1868), que influyó poderosamente en una generación de jóvenes poetas entre los que destacan Paul Verlaine, Stéphane Mallarmé y Arthur Rimbaud. El término «simbolismo» fue acuñado por Jean Moréas en un manifiesto literario publicado en Le Figaro en 1886. Las premisas estéticas del simbolismo pasaron de la poesía a otras artes, especialmente la pintura, la escultura, la música y el teatro. La cronología de este estilo es difícil de establecer: el punto álgido se encuentra entre 1885 y 1905, pero ya desde los años 1860 había obras que apuntaban al simbolismo, mientras que su culminación puede establecerse en el inicio de la Primera Guerra Mundial.

Júpiter y Sémele (1894-1895), de Gustave Moreau, Museo Gustave Moreau, París

En pintura, el simbolismo fue un estilo de corte fantástico y onírico que surgió como reacción al naturalismo de la corriente realista e impresionista, frente a cuya objetividad y descripción detallada de la realidad opusieron la subjetividad y la plasmación de lo oculto y lo irracional; frente a la representación, la evocación o la sugerencia. Así como en poesía el ritmo de las palabras servía para expresar un significado trascendente, en pintura se buscó la forma de que el color y la línea expresasen ideas. En este movimiento, todas las artes estaban relacionadas y así a menudo se comparaba la pintura de Redon con la poesía de Baudelaire o la música de Debussy.[1]

Este estilo puso un especial énfasis en el mundo de los sueños y el misticismo, así como en diversos aspectos de la contracultura y la marginalidad, como el esoterismo, el satanismo, el terror, la muerte, el pecado, el sexo y la perversión —es sintomático en este sentido la fascinación de estos artistas por la figura de la femme fatale—. Todo ello se manifestó en consonancia con el decadentismo, una corriente cultural finisecular que incidía en los aspectos más existenciales de la vida y en el pesimismo como actitud vital, así como la evasión y la exaltación del inconsciente. Otra corriente ligada al simbolismo fue el esteticismo, una reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y materialismo de la era industrial. Frente a ello, se otorgó al arte y a la belleza una autonomía propia, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier «el arte por el arte» (L'art pour l'art). Algunos artistas simbolistas también estuvieron vinculados a la teosofía y a organizaciones esotéricas como los Rosacruz.[2]​ Cabe señalar que estilísticamente hubo una gran diversidad dentro de la pintura simbolista, como se denota comparando el exotismo suntuoso de Gustave Moreau con la serenidad melancólica de Pierre Puvis de Chavannes.[3]

El simbolismo pictórico estuvo relacionado con otros movimientos anteriores y posteriores: se suele considerar al prerrafaelismo como un antecedente de este movimiento, al tiempo que ya comenzado el siglo XX entroncó con el expresionismo, especialmente gracias a figuras como Edvard Munch y James Ensor. Por otro lado, se consideran simbolistas o directamente relacionadas con el simbolismo algunas escuelas o asociaciones artísticas como la Escuela de Pont-Aven o el grupo de los Nabis.[4]​ También fueron herederos en cierta medida del neoimpresionismo, cuya técnica puntillista fue la primera en romper con el naturalismo impresionista. Por otro lado, el postimpresionista Paul Gauguin ejerció un poderoso influjo en los inicios del simbolismo, gracias a su vinculación con la Escuela de Pont-Aven y el cloisonismo.[2]​ Esta corriente estuvo vinculada también al modernismo, conocido como art nouveau en Francia, Modern Style en Reino Unido, Jugendstil en Alemania, Sezession en Austria o Liberty en Italia.[5]

Características generales

 
El arte (Las caricias, la esfinge) (1896), de Fernand Khnopff, Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruselas

El simbolismo surgió como reacción a las múltiples tendencias vinculadas al realismo en el ámbito de la cultura a lo largo del siglo XIX. Factores como el progreso de la ciencia desde el Renacimiento —que en esta centuria propició el positivismo científico—, el desarrollo de la industria y el comercio originado con el capitalismo y la Revolución industrial, la preferencia de la burguesía por el naturalismo cultural y el surgimiento del socialismo con su tendencia al materialismo filosófico, propiciaron a lo largo del siglo una clara preferencia por el realismo artístico, que se denotó en movimientos como la pintura realista y el impresionismo. En contraposición a ello, primero los poetas y luego los artistas expresaron un nuevo modo de entender la vida, más subjetivo y espiritual, un reflejo de su angustia existencial en un tiempo de pérdida de valores tanto morales como religiosos, motivo por el cual se adentraron en la búsqueda de un nuevo lenguaje y una nueva categoría de valores que manifestasen su mundo interior, sus creencias, sus emociones, sus temores, sus anhelos.[6]​ Según Johannes Dobai, «el arte simbolista tiende a generalizar, a través de las imágenes, una experiencia individual, o mejor inconsciente, del mundo».[7]

El simbolismo fue un movimiento ecléctico, que aglutinó a una serie de artistas con preocupaciones y sensibilidades comunes. Más que un estilo homogéneo, fue una amalgama de estilos agrupados por una serie de factores comunes, como temáticas, modos de entender la vida y el arte, influencias literarias y musicales, y una oposición al realismo y al positivismo científico. Fue un movimiento en ocasiones contradictorio, que mezclaba el anhelo de modernidad y de ruptura con la tradición con la nostalgia por el pasado, la fealdad del decadentismo con la belleza del esteticismo, la serenidad con la exaltación, la razón con la locura. Existe además una imbricación entre diversos estilos que coexisten simultáneamente: neoimpresionismo y postimpresionismo, modernismo, simbolismo, sintetismo, ingenuismo; así como entre las artes plásticas: pintura, escultura, ilustración, artes decorativas, y entre estas y la poesía, el teatro, la música.[8]

 
Muchachas a orillas del mar (1879), de Pierre Puvis de Chavannes, Museo de Orsay, París

La historiografía del arte se ha encontrado con dificultades para establecer unos parámetros estilísticos comunes al simbolismo. Por un tiempo se consideró simbolista cualquier obra de arte de la segunda mitad del siglo XIX de contenido onírico o psicológico. Finalmente se consideró que era una corriente cultural de amplio espectro que abarcaba una línea temporal entre finales del siglo XIX y principios del xx desarrollada en toda Europa —incluyendo Rusia— y con algunas reminiscencias en Estados Unidos, una corriente que aglutinaba total o parcialmente diversos estilos autónomos, como el prerrafaelismo inglés, los Nabis franceses, el modernismo presente por ejemplo en Gustav Klimt o incluso un incipiente expresionismo perceptible en la obra de Edvard Munch.[9]​ Según Philippe Jullian, «no ha existido jamás una escuela simbolista de pintura, sino más bien un gusto simbolista».[10]

El simbolismo exalta la subjetividad, la vivencia interior. Según Amy Dempsey, «los simbolistas fueron los primeros artistas que declararon que el verdadero objetivo del arte era el mundo interno del estado de ánimo y las emociones, más que el mundo objetivo de las apariencias externas». Para ello, utilizaron el símbolo como vehículo de expresión de sus emociones, que se plasmó en imágenes de fuerte contenido subjetivo e irracional, en las que predominan los sueños, las visiones, los mundos fantásticos recreados por el artista, con una cierta tendencia a lo mórbido y perverso, al erotismo atormentado, la soledad y la angustia existencial.[11]

En este estilo, el símbolo es un «agente de comunicación con el misterio», que permite expresar intuiciones y procesos mentales ocultos de una manera que no sería posible en un medio de expresión convencional. El símbolo hace patente lo ambiguo, lo misterioso, lo inexpresable, lo oculto. El arte simbolista exalta la idea, lo latente, lo subjetivo, es una exteriorización del yo del artista. De ahí su interés por los conceptos intangibles, la religión, la mitología, la fantasía, la leyenda, así como el hermetismo, el ocultismo e incluso el satanismo. Según el crítico Roger Marx eran artistas que pretendían «dar forma al sueño».[12]

Frente al naturalismo se defiende la artificiosidad, frente a lo moderno lo primitivo, frente a lo objetivo lo subjetivo, frente a lo racional lo irracional, frente al orden social la marginación, frente a lo consciente lo oculto y misterioso. El artista ya no recrea la naturaleza, sino que construye su propio mundo, se libera expresiva y creativamente, aspira a la obra de arte total, en la que cuida de todos los detalles y se convierte en creador absoluto. Paul Cézanne consideraba el arte como «una armonía paralela a la naturaleza»; y Oscar Wilde afirmó que «el arte es siempre más abstracto de lo que imaginamos. La forma y el color nos hablan de forma y color, y eso es todo». Con el arte simbolista se consigue la autonomía del lenguaje artístico: el arte rompe con la tradición y construye un universo paralelo, abonando un terreno virgen que servirá de cimiento para nuevas formas de entender el arte a principios del siglo XX: las vanguardias históricas.[13]

El simbolismo fue también un intento de salvar la cultura humanística occidental, puesta en entredicho desde que la revolución copernicana relegara la Tierra como centro del universo y, especialmente, desde que la teoría de la evolución darwiniana relegara al ser humano de su condición de soberano de la creación. Frente al excesivo cientificismo de la cultura decimonónica occidental, los simbolistas pretenden recuperar los valores humanos, pero se encuentran en un escenario en que estos están ya desvirtuados, en crisis, por lo que lo que recuperan son unos valores en decadencia, el lado más oscuro del ser humano, pero el único que pueden rescatar. Según el historiador del arte Jean Clair, su «objetivo fue transformar la crisis cultural que alcanzó su cénit en la belle époque en una cultura de la crisis».[14]

 

Uno de los rasgos esenciales del simbolismo fue la subjetividad, la exaltación del individualismo, del temperamento personal, de la rebelión individual. Remy de Gourmont decía que «el simbolismo es, aunque excesiva, intempestiva y pretenciosa, la expresión del individualismo en el arte»; y Odilon Redon opinaba que «el futuro está en un mundo subjetivo».[15]​ Esta exaltación de la voluntad individual conlleva la ausencia en esta corriente de unos sellos estilísticos distintivos comunes a todos los artistas, a los que une más una serie de conceptos abstractos que no un programa metodológico establecido. Entre estos conceptos compartidos se encuentran el misticismo, la religiosidad y el esteticismo, ligados a una filosofía idealista impregnada del pesimismo finisecular que tiene su máxima expresión en Nietzsche y Schopenhauer. Asimismo, es común a la mayoría de estos artistas el gusto por la magia, la teosofía y las ciencias ocultas, y cierta atracción por el satanismo.[15]​ En relación a ello, una obra de referencia para los artistas simbolistas fue La filosofía del inconsciente de Eduard von Hartmann (1877), en la que se afirmaba que el arte debía ser un método de penetrar en el inconsciente y revelar sus más ocultos misterios.[16]

En relación al gusto por lo misterioso e inconsciente, los simbolistas mostraron una especial preferencia por la alegoría, por la representación de ideas a través de imágenes evocadoras de esas ideas. Para ello recurrieron a menudo a la emblemática, la mitología y la iconografía relacionada con las leyendas medievales y las figuras del folclore popular, especialmente en los países germánicos y escandinavos. Otra variante de lo oculto fue la atracción por el erotismo, latente en artistas como Moreau o Redon y evidente en Rops, Stuck, Klimt, Beardsley o Mossa. En última instancia, esta atracción llevó también a explorar la muerte o la enfermedad, como en Munch, Ensor y Strindberg.[16]

 

Otra de las características del arte simbolista fue la sinestesia, la búsqueda de una relación entre las cualidades pictóricas (línea, color, ritmo) y otras cualidades sensoriales como el sonido y el aroma: así, Gauguin hablaba del «aspecto musical» de su arte; Rimbaud relacionó las vocales con colores (A-negro, E-azul, I-rojo, O-amarillo, U-verde); Baudelaire también aplicaba colores a los perfumes.[17]​ Esta intrrelación entre los sentidos fue teorizada por Baudelaire en su Correspondence (1857), en el que defendía la expresividad del arte como medio de satisfacer todos los sentidos de forma simultánea.[11]​ Por otro lado, el lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, que era pintor y compositor, creó una teoría por la que el color era el punto de unión entre las diversas artes, que en pintura era el eslabón entre los diversos motivos y en música era una imagen del «orden cósmico divino».[18]

La pintura simbolista defendía la composición de memoria frente a la pintura à plein air defendida por el impresionismo.[2]​ Uno de sus rasgos esenciales fue la línea, en contornos sinuosos de apariencia orgánica, una línea fluida y dinámica, estilizada, en que la representación pasa del naturalismo a la analogía. Se reclama la bidimensionalidad inherente a la pintura, abandonando la perspectiva y la representación de un espacio ilusorio, la gravedad, la apariencia tridimensional.[19]

Entre los motivos preferidos por los simbolistas se encuentran temas tradicionales —aunque frecuentemente reinterpretados— y de nueva invención. Entre los primeros se encuentran los retratos, los paisajes y la pintura narrativa de cuentos y leyendas, que sirven como nuevas vías de simbolización de conceptos como el amor, la soledad, la nostalgia, etc. El retrato simbolista es de introspección psicológica, frecuentemente idealizado, especialmente en la mujer, en la que se destacan los ojos, la boca y el cabello. Baudelaire comparaba los ojos con joyas y los cabellos con una sinfonía de aromas o un mar de olas. Los ojos se consideraban espejos del alma, generalmente nostálgica y melancólica. En cuanto a la boca, podía ser grande como una flor o pequeña como símbolo de silencio, como en la obra de Fernand Khnopff. En cuanto al paisaje, se preferían —al igual que en el Romanticismo— los lugares solitarios y nostálgicos, evocadores, sugerentes, preferentemente agrestes y abandonados, no mancillados por el hombre, en horizontes abiertos, casi infinitos. No suelen ser paisajes vacíos, sino que en general se recurre a la presencia humana, para la que el paisaje es un vehículo de evocación o una proyección de estados psíquicos.[20]

Antecedentes

El simbolismo entendido como vía de expresión del «símbolo», es decir, de un tipo de contenido ya sea escrito, sonoro o plástico que tiene como fin trascender la materia para significar un orden superior de elementos intangibles, ha existido siempre en el arte como manifestación humana, una de cuyas cualidades ha sido siempre la evocación espiritual y la búsqueda de un lenguaje que trascienda la realidad. Así, la presencia del símbolo en el arte se percibe ya desde la pintura rupestre prehistórica y ha sido una constante sobre todo en el arte vinculado a creencias religiosas, desde el arte egipcio o azteca hasta el cristiano, islámico, budista o de cualquiera de las múltiples religiones que han surgido a lo largo de la historia. Un trasfondo simbólico ha estado presente en la mayoría de movimientos artísticos modernos, como el Renacimiento, el manierismo, el Barroco, el rococó o el Romanticismo. En general, estos movimientos se han ido contraponiendo a otros que ponían un mayor énfasis en la descripción de la realidad —una tendencia conocida en general como naturalismo—, como el academicismo, el Neoclasicismo, el realismo o el impresionismo.[6]

Algunos artistas renacentistas como Botticelli y Mantegna ejercieron una gran influencia sobre los pintores simbolistas: el primero especialmente en Inglaterra (Beardsley, Burne-Jones, Ricketts) y el segundo en Francia con Moreau y Redon, e incluso Picasso. Otros artistas renacentistas que otorgaron una gran relevancia al contenido simbólico de sus obras fueron Giorgione, Tiziano y Alberto Durero, que también fueron admirados por los simbolistas decimonónicos. Un cierto grado de simbolismo se aprecia también en la obra de artistas barrocos como Rubens y Claudio de Lorena, así como en un género ampliamente tratado en esta época, el de la vanitas, cuyo propósito es por definición siempre simbólico: recordar al espectador lo efímero de la vida y la igualdad ante la muerte. En el rococó (siglo XVIII), un especial referente para los simbolistas fue Jean-Antoine Watteau, cuyas obras se alejaban de la alegoría simbólica convencional que había sido frecuente en el Renacimiento y Barroco para explorar un simbolismo más sutil y escondido, en el que hay que profundizar para entender las intenciones del artista y, por tanto, más próximo al movimiento simbolista.[21]

Las raíces más próximas del simbolismo, ya en el siglo XIX, se encuentran en el Romanticismo y en alguna de sus ramificaciones, como el nazarenismo y el prerrafaelismo. Ya en estos movimientos se perciben algunos de los rasgos propios del simbolismo, como el subjetivismo, la introspección, el misticismo, la evocación lírica y la atracción por lo misterioso y lo irracional. Artistas románticos como William Blake, Johann Heinrich Füssli, Caspar David Friedrich, Eugène Delacroix, Philipp Otto Runge, Moritz von Schwind o Ludwig Richter preludian en buena medida el estilo desarrollado por los artistas simbolistas.[6]​ Otro precedente que se suele considerar es Francisco de Goya, un artista a caballo entre el rococó y el Romanticismo —más bien un genio inclasificable— que preludió el simbolismo en obras como El sueño de la razón produce monstruos (1799, Museo del Prado, Madrid).[22]

El Romanticismo fue un movimiento innovador que supuso la primera fractura contra el principal motor que impulsaba los tiempos modernos: la razón. Según Isaiah Berlin, se produjo «un desplazamiento de la conciencia que partió la espina dorsal del pensamiento europeo».[23]​ Para los románticos, el mundo objetivo de los sentidos no tenía validez, por lo que se volvieron hacia su antítesis: la subjetividad. Los artistas se volvieron hacia su mundo interior, era su propio temperamento el que dictaba las reglas y no la sociedad. Frente a las reglas académicas dieron primacía a la imaginación, que sería el nuevo vehículo de expresión. Todo ello está en las bases del arte simbolista, hasta el punto que algunos expertos lo consideran una parte del movimiento romántico.[23]

El inmediato antecesor del simbolismo fue el prerrafaelismo, un grupo de artistas británicos que se inspiraban —como su nombre indica— en los pintores italianos anteriores a Rafael, así como en la recién surgida fotografía, con exponentes como Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais, William Holman Hunt, Ford Madox Brown y Edward Burne-Jones. Aunque su estilo es realista, con imágenes de gran detallismo, de colores vivos y factura brillante, sus obras están plagadas de alusiones simbólicas, a menudo de inspiración literaria y con un tono moralizante, así como un fuerte misticismo. Su temática se centra en numerosas ocasiones en leyendas medievales —especialmente el ciclo artúrico—, el mundo renacentista o los dramas shakespearianos. Su estética se centra generalmente en la belleza femenina, un tipo de belleza sensual pero lánguida, con cierto aire de melancolía y de idealización de la figura femenina.[24]

Fuentes literarias

 
El poeta viajero (no datado), de Gustave Moreau, Museo Gustave Moreau, París

El 18 de septiembre de 1886, Jean Moréas publicó en Le Figaro un manifiesto literario en el que definió el simbolismo como «enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad y la descripción objetiva». Según Moréas, el arte era la expresión analógica y concreta de la Idea, en que se funden los elementos sensoriales y espirituales.[25]​ Por su parte, el crítico Charles Morice definió el simbolismo como la síntesis entre el espíritu y los sentidos (La Littérature de tout à l'heure, 1889).[2]

Un antecedente literario de este movimiento fue el libro A contrapelo (À rebours) de Joris-Karl Huysmans (1884), un canto al esteticismo y la excentricidad como actitud vital, en el que relaciona la obra de ciertos artistas como Gustave Moreau, Rodolphe Bresdin y Odilon Redon con el decadentismo.[2]​ En esta novela el protagonista, Jean Floressas des Esseintes, se retira del mundo para vivir en un entorno creado por él en el que se dedica a disfrutar de la literatura, la música, el arte, las flores, las joyas, los perfumes, los licores y todas aquellas cosas que estimulen una existencia idealizada, apartada del mundanal ruido. Tal como su título indica, el personaje vive «a contrapelo del sentido común, del sentido moral, de la razón, de la naturaleza».[26]​ El protagonista llena su casa de obras de arte simbolistas, que define como «evocadoras obras de arte que le transportarán a un mundo desconocido, abriendo nuevas posibilidades y agitando su sistema nervioso por medio de eruditas fantasías, complicadas pesadillas y suaves y siniestras visiones».[27]​ Este libro fue considerado la «Biblia del decadentismo», la revelación del sentimiento fin de siècle.[28]

El simbolismo fue difundido por numerosas revistas como La Revue wagnerienne (1885), Le Symbolisme (1886), La Plume (1889), La Revue blanche (1891) y, especialmente, La Pléiade (1886, renombrada en 1889 como Mercure de France), que fue el órgano oficial del simbolismo. En esta última revista definió el crítico Gabriel-Albert Aurier en 1891 la pintura simbolista como «idealista, simbolista, sintetista, subjetiva y decorativa»:[2]

La obra de arte será: 1. Idealista, para lo que su único ideal será la expresión de la idea. 2. Simbolista, para lo que expresará esta idea por medio de formas. 3. Sintetista, para lo cual presentará estas formas y estos signos, de acuerdo con un método comprensible en términos generales. 4. Subjetiva, para lo que el objeto no será considerado nunca como un objeto sino como un signo de una idea percibida por el objeto. 5. (Consecuentemente será) decorativa.[11]

Por otro lado, el poeta Gustave Kahn señaló en 1886 que:

El objetivo esencial de nuestro arte es objetivar lo subjetivo (la externalización de la idea) en lugar de subjetivar lo objetivo (la naturaleza vista a través de los ojos de un temperamento).[29]

En el prefacio de su Livre des masques (1896), Remy de Gourmont escribió sobre el simbolismo:

¿Qué significa simbolismo? Si nos atenemos al sentido estricto y etimológico, casi nada; si se traspasa este límite, puede significar: individualismo en literatura, libertad del arte, abandono de las fórmulas enseñadas, tendencia hacia todo lo nuevo, extraño e incluso insólito; y también puede significar: idealismo, desdén de la anécdota social, antinaturalismo.[15]

La pintura simbolista estuvo estrechamente vinculada a la literatura, por lo que muchas de las obras de los literatos simbolistas sirvieron de inspiración para los artistas, especialmente Edgar Allan Poe, Charles Baudelaire, Gustave Flaubert, Gérard de Nerval, Arthur Rimbaud, Stéphane Mallarmé, Oscar Wilde, Maurice Maeterlinck, Stefan George, Rainer Maria Rilke, Richard Dehmel, Arthur Schnitzler y Hugo von Hofmannsthal.[30]

Otros referentes literarios del simbolismo se encuentran en la filosofía pesimista de Arthur Schopenhauer, opuesta al positivismo de Auguste Comte, y en la filosofía subjetivista de Henri Bergson y su consejo de buscar la verdad a través de la intuición. Otro referente filosófico fue Friedrich Nietzsche.[31]

Además de Francia, el otro país que aportó un intenso bagaje a la teoría del simbolismo fue Reino Unido, la cuna del decadentismo. Ayudaron en ese terreno algunos artículos del crítico y poeta Arthur Symons en la revista Savoy, autor del ensayo El movimiento simbolista en la literatura (1900), donde abogó por el simbolismo como un intento de espiritualizar el arte y de convertirlo en una religión que sustituiría la naturaleza por la fantasía.[32]

Esteticismo

 
Retrato del conde Robert de Montesquiou (1897), de Giovanni Boldini, Museo de Orsay, París. Prototipo del dandi, el conde de Montesquiou fue probablemente el modelo del personaje Jean Floressas des Esseintes del libro A contrapelo de Joris-Karl Huysmans (1884)

El simbolismo estuvo muy ligado al esteticismo, un movimiento filosófico-artístico que, frente al materialismo de la era industrial, opuso la exaltación del arte y la belleza, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier del «arte por el arte» (l'art pour l'art), del que se llegó incluso a hablar de «religión estética».[33]​ Esta postura pretendía aislar al artista de la sociedad, buscar de forma autónoma su propia inspiración y dejarse llevar únicamente por una búsqueda individual de la belleza.[34]​ La belleza se alejó de cualquier componente moral, convirtiéndose en el fin último del artista, que llegaba a vivir su propia vida como una obra de arte —como se puede apreciar en la figura del dandi—.[35]​ Para los estetas, el arte no debe tener ninguna función didáctica, moral, social ni política, sino que debe responder únicamente al placer y la belleza.[36]

Este movimiento surgió en Reino Unido, cuna de la Revolución industrial, donde en la primera mitad del siglo XIX se desarrollaron estilos artísticos —especialmente en arquitectura y artes decorativas— de corte ecléctico como el historicismo. Frente a ello empezó a surgir un «malestar estético» (Aesthetic Discontent) que provocó una reacción hacia formas más naturales y artesanales, como se constató con el movimiento Arts & Crafts, que supuso una revalorización de las artes decorativas. Todo ello condujo al llamado «movimiento estético» (Aesthetic Movement), liderado por John Ruskin, quien defendió la dignidad del trabajo artesanal y una concepción del arte encaminada hacia la belleza. Ruskin propugnó un «evangelio de la belleza», en el que el arte es consustancial a la vida, es una necesidad básica que hace al ser humano elevarse de su condición animal; más que un embellecimiento de la vida, el arte es la vida misma.[37]

Otro de los teóricos del movimiento fue Walter Pater, que estableció en sus obras que el artista debe vivir la vida intensamente, siguiendo como ideal a la belleza. Para Pater, el arte es «el círculo mágico de la existencia», un mundo aislado y autónomo puesto al servicio del placer, elaborando una auténtica metafísica de la belleza.[38]​ Posteriormente, autores como James Abbott McNeill Whistler, Oscar Wilde, Algernon Charles Swinburne y Stéphane Mallarmé desarrollaron esta tendencia hasta un elevado grado de refinamiento basado únicamente en la sensibilidad del artista.[39]

En Francia, Théophile Gautier convirtió una cita del Curso de filosofía de Victor Cousin en el lema l'art pour l'art, que fue el caballo de batalla del esteticismo. Esta frase sintetizaba la creencia en la autonomía absoluta del arte, que prescinde de cualquier condicionamiento moral o ideológico para expresar la idea de belleza como fin último del artista. Así, la poesía simbolista se basa en el preciosismo y la sensualidad, en efectos líricos que refulgen como piedras preciosas, y el arte busca la sugestión de la imagen, la riqueza del símbolo, la estética sensual que extraen hasta de elementos como el vicio y la perversión, que son refinados hasta conseguir una imagen de fuerte impacto visual.[40]

Un fenómeno paralelo al esteticismo fue el dandismo, en el que el culto a la belleza se lleva al propio cuerpo: los dandis visten ropa elegante, se preocupan de forma excesiva de su imagen personal, les interesa la moda y procuran estar a la última en las novedades del vestir; les gustan los complementos, tales como sombreros, guantes y bastones. Por lo general, son personajes urbanos, de origen burgués —aunque en ocasiones renuncien a esta distinción—, a menudo con profesiones liberales y aficionados a las novedades tecnológicas. En cuanto a carácter, solían ser altaneros y polémicos, y gustaban de ser admirados y hasta ser considerados como celebridades. Como fenómeno surgido en el Reino Unido, los dandis son hijos de la moral victoriana, y aunque se rebelan frente a la misma lo hacen desde una actitud pasiva, reducida a la insolencia, el sarcasmo y el escepticismo. Desdeñan la vulgaridad y se centran en el placer, sea físico o intelectual.[41]

Decadentismo

 
El pecado (1893), de Franz von Stuck, Neue Pinakothek, Múnich
El escritor Thomas Mann, en su novela Gladius Dei (1902), entretejió estas dos imágenes para forjar el prototipo de mujer pecadora.

El decadentismo fue una corriente finisecular perceptible tanto en el arte como en la literatura, la música y otras manifestaciones culturales, que ponía énfasis en los aspectos más existenciales de la vida y la sociedad, con una actitud pesimista derivada de la filosofía de Schopenhauer y Kierkegaard, y una actitud rebelde y antisocial inspirada en obras como Las flores del mal de Baudelaire y A contrapelo de Huysmans. Sus características generales son el gusto por la elegancia y fantasía, así como por lo exótico —lo que se denota en su predilección por las orquídeas, las mariposas o los pavos reales—; predilección por la belleza artificial, al tiempo que denostan la naturaleza; una visión romántica del mal y las ciencias ocultas; una cierta tendencia hacia lo grotesco y lo sensacional, y gusto por lo morboso y perverso; rechazo de la moral convencional; y una concepción dramática de la vida.[42]

Se llevó la sensibilidad romántica a la exageración, sobre todo en el gusto por lo morboso y terrorífico, y surgió una «estética del mal», apreciable en la atracción por el satanismo, la magia y los fenómenos paranormales, o la fascinación por el vicio y las desviaciones sexuales.[43]​ El arte simbolista sobreexcita los sentidos, lo que produce una sensación de decadencia, que será el estado anímico propio del fin de siècle. Paul Verlaine escribió: «me gusta la palabra "decadentismo". Tiene un resplandor de oro y de púrpura. Despide haces de fuego y el brillo de piedras preciosas».[40]

Desde 1886 se publicó en Francia una revista titulada Le Décadent que fue en cierta forma el órgano oficial de este movimiento. En su primer número, el 10 de abril de 1886, se anunciaba a la sociedad la decadencia de valores como la moral, la religión y la justicia, y se señalaban síntomas del proceso de involución social como la historia, la neurosis, el hipnotismo y la drogodependencia. El decadentismo era un movimiento antiburgués y antinaturalista, que defendía el lujo, el placer y la hipersensibilidad del gusto. En el plano teórico, recurría a la obra de pensadores y filósofos como Friedrich Nietzsche, quien señaló al símbolo como la base del arte; Henri Bergson, quien se oponía a la realidad objetiva y defendía su percepción subjetiva; y Arthur Schopenhauer, cuyo libro El mundo como voluntad y representación (1819) influyó poderosamente en el pesimismo finisecular.[44]

Una de las características del decadentismo es la oscura atracción por la mujer perversa, la femme fatale, la Eva convertida en Lilith, la mujer enigmática y distante, turbadora, la mujer que Manuel Machado definió como «quebradiza, viciosa y mística, virgen prerrafaelista y gata parisina». Es una mujer amada y odiada, adorada y vilipendiada, exaltada y repudiada, virtuosa y pecadora, que adoptará numerosas formas simbólicas y alegóricas, como esfinge, sirena, quimera, medusa, genio alado, etc. Se puso de moda un tipo de belleza artificial y andrógina, ambigua, un tipo de belleza leonardesca, de rasgos indefinidos, que tendrá un equivalente simbólico en flores como el lirio o animales como el cisne y el pavo real.[45]​ Los simbolistas retrataron a menudo a personajes como Eva, Salomé, Judit, Mesalina o Cleopatra, prototipos de mujer fatal, de la hembra vampiresa que convertía la sexualidad femenina en un poder peligroso y misterioso, frecuentemente asociado al pecado, como se vislumbra en la alegoría de El pecado de Franz von Stuck (1893, Neue Pinakothek, Múnich).[46]​ Algunas de las mujeres de la época que sirvieron de referencia para los artistas simbolistas y modernistas fueron las bailarinas Cléo de Mérode, La Bella Otero y Loïe Fuller, así como la actriz Sarah Bernhardt.[47]

Difusión y legado

El arte finisecular —simbolismo, modernismo— contó para su difusión con una serie de medios cada vez más diversos propiciados por los adelantos tecnológicos y la cada vez mayor celeridad de las comunicaciones. El nuevo arte contó con diversos medios propagandísticos como revistas, exposiciones, galerías, carteles publicitarios, libros ilustrados, talleres de producción y sociedades de artistas, escuelas y academias privadas y otro tipo de canales de promoción y venta. La rapidez de difusión y de reproducción comportó a la vez la cosmopolitización del nuevo estilo y una cierta vulgarización del mismo: las réplicas de las obras de arte simbolistas generaron su devaluación a cierto gusto kitsch, y el intento de buscar un lenguaje nuevo alejado de la ramplona estética burguesa degeneró en ocasiones en un pobre sucedáneo de la misma.[48]

El simbolismo influyó en varios movimientos coetáneos, como el modernismo y el arte naïf, así como en varios de los primeros «ismos» del arte vanguardista, como el fauvismo, el expresionismo, el futurismo, el surrealismo e incluso el arte abstracto: algunos de los pioneros de la abstracción, como Kandinski, Malevich, Mondrian y Kupka, tuvieron una fase simbolista al inicio de su obra.[49]​ El colorido fauvista fue heredero del simbolismo, cloisonismo y sintetismo, en una línea evolutiva que se inicia con el color liso sin sombras de Puvis de Chavannes, sigue con el color esmaltado y encerrado en contornos negros de Émile Bernard, color que Gauguin llevó a su máxima expresión y fue transmitido por Sérusier a los Nabis; el principal exponente del fauvismo, Henri Matisse, reveló que su cuadro Lujo I estaba inspirado en Muchachas a orillas del mar de Puvis de Chavannes.[50]​ El expresionismo consideró como antecedentes inmediatos a artistas como Paul Gauguin, Edvard Munch o James Ensor, y algunos artistas expresionistas tuvieron una primera fase simbolista, como Georges Rouault, Alfred Kubin, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Franz Marc y Vasili Kandinski. El futurismo, aunque teóricamente opuesto al simbolismo, recibió su influjo en buena medida, especialmente gracias a la obra de Gaetano Previati; artistas futuristas como Umberto Boccioni, Giacomo Balla y Carlo Carrà estuvieron cercanos al simbolismo en su obra temprana, así como Giorgio de Chirico, máximo exponente de la pintura metafísica. Por su parte, el surrelismo acusó el influjo de artistas como Odilon Redon, William Degouve de Nuncques y Alberto Martini, cuya huella se percibe en artistas como Paul Delvaux, René Magritte, Paul Klee o Salvador Dalí.[51]

Francia

 
La aparición (1874-1876), de Gustave Moreau, Museo Gustave Moreau, París

Como se ha visto, Francia fue la cuna del simbolismo, tanto en pintura como en poesía y otros géneros artísticos. Se puede considerar que Gustave Moreau fue el padre del simbolismo pictórico; en todo caso, su obra antecede en dos decenios a la aparición del simbolismo «oficial», ya que desde los años 1860 Moreau ya pintaba cuadros en los que recreaba su mundo particular de fantasía lujosa y detallista, con temas basados en la mitología, la historia y la Biblia, con especial predilección por personajes fatales como Salomé.[52]​ Moreau se formó todavía en el Romanticismo por influjo de su maestro, Théodore Chassériau, pero evolucionó a un estilo personal tanto en temática como en técnica, con imágenes de corte místico con un fuerte componente de sensualidad,[53]​ un cromatismo resplandeciente con un acabado de apariencia esmaltada y el uso de un claroscuro de sombras doradas.[54]​ Recibió la influencia de artistas como Leonardo, Mantegna y Delacroix, así como del arte indio, bizantino y del mosaico grecorromano.[55]​ Sus obras son de corte fantástico y estilo ornamental, con composiciones abigarradas densamente pobladas de todo tipo de objetos y elementos vegetales, con un erotismo sugestivo que refleja sus miedos y obsesiones, en el que retrata un prototipo de mujer ambigua, entre la inocencia y la perversidad: Edipo y la esfinge (1864, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), Orfeo (1865, Museo del Louvre, París), Jasón y Medea (1865, Museo de Orsay, París), Diomedes devorado por sus caballos (1870, Museo de Bellas Artes de Rouen), La aparición (1874-1876, Museo Gustave Moreau, París), Salomé (1876, Museo Gustave Moreau, París), Hércules y la hidra de Lerna (1876, Art Institute of Chicago), Cleopatra (1887, Museo del Louvre, París), Júpiter y Sémele (1894-1896, Museo Gustave Moreau, París).[56]​ Vivió casi recluido en su casa de la parisina calle de Rochefoucauld —actual Museo Moreau—, donde produjo unos 850 cuadros, además de dibujos y acuarelas.[57]​ Moreau fue maestro de Henri Matisse, Albert Marquet y Georges Rouault, entre otros.[29]

 
El sueño (1883), de Pierre Puvis de Chavannes, Museo del Louvre, París

Otro referente avant-la-lettre fue Pierre Puvis de Chavannes, un pintor singular cuyo estilo difiere completamente del simbolismo barroco de Moreau, un estilo clásico y sereno que habría sido clasificado de academicista si no fuese por la elección de sus temas, donde sí se aprecia el recurso al símbolo y la alegoría como medio transmisor del mensaje.[49]​ Fue un destacado muralista, procedimiento que le venía bien para desarrollar su preferencia por los tonos fríos, que daban apariencia de pintura al fresco. Tenía un estilo más sereno y armonioso, con una temática alegórica de evocación de un pasado idealizado, formas simples, líneas rítmicas y un colorido subjetivo, ajeno al naturalismo.[58]​ En su juventud pasó brevemente por los talleres de Delacroix, Coutoure y Chassériau y realizó dos viajes a Italia, pero quizá lo más trascendente para la formación de su estilo sereno y reposado fue su relación con la princesa griega María Cantacuzeno, quien le transmitió su intensa espiritualidad.[59]​ En 1861, con las alegorías de La Guerra y La Paz (Museo Municipal de Amiens) inició su trabajo muralista, del que recibió numerosos encargos por toda Francia y que le haría famoso.[60]​ Realizó murales en los ayuntamientos de París y Poitiers, el Panthéon, la Sorbona y la Biblioteca Pública de Boston, entre otros. Su estilo monumental se basaba en la ausencia de profundidad, la linealidad constructiva y la majestuosidad compositiva, así como la reflexión filosófica inherente a sus escenas.[61]​ En 1890 fundó con Rodin, Carrière y Meissonnier la Société Nationale des Beaux Arts, que organizó diversas exposiciones de artistas jóvenes y nuevas tendencias hasta 1910.[62]

 
El carro de Apolo (1905-1914), de Odilon Redon, Museo de Orsay, París

Odilon Redon fue alumno sucesivamente de Stanislas Gorin, Jean-Léon Gérôme, Rodolphe Bresdin y Henri Fantin-Latour.[61]​ Desarrolló una temática fantástica y onírica, influida por la literatura de Edgar Allan Poe, que antecedió en buena medida al surrealismo. Hasta los cincuenta años trabajó casi exclusivamente mediante dibujo al carboncillo y litografía, aunque luego se manifestó como excelente colorista tanto al óleo como al pastel, con un estilo basado en un suave dibujo y un colorido de aspecto fosforescente.[63]​ Recibió la influencia de artistas como Holbein, Durero, el Bosco, Rembrandt, Goya, Delacroix y Corot. También ejerció un poderoso influjo en su obra el materialismo científico: estudió anatomía, osteología y zoología, conocimientos que se reflejan en su obra; de ahí su preferencia por las cabezas con los ojos cerrados, semejantes a protozoos.[64]​ Redon ilustró numerosas obras de escritores simbolistas, como Edgar Allan Poe o La tentación de san Antonio de Gustave Flaubert (1886).[29]​ En 1884 fundó la Société des Artistes Indépendants.[65]

Alphonse Osbert estudió en la École nationale supérieure des beaux-arts de París, donde fue discípulo de Henri Lehmann, Léon Bonnat y Fernand Cormon. Su primer referente estilístico fue el Barroco español, especialmente José de Ribera.[66]​ También recibió la influencia de Georges Seurat y Pierre Puvis de Chavannes. A través de su amigo el crítico Henry Degron entró en el círculo de Maurice Denis y los Nabis, y asistió con asiduidad a los salones de los Rosacruz. La producción de Osbert se centró en un tipo de paisajes bucólicos y oníricos de tonalidades etéreas, con preferencia por el color azul y malva, poblado de figuras femeninas en actitud inmóvil, contemplativa.[67]​ La mayoría de ocasiones estas figuras aluden a las Musas, vestidas con velos vaporosos y enmarcadas en paisajes idílicos, generalmente de ambientación crepuscular.[66]

 
Tarde antigua (1908), de Alphonse Osbert, Petit Palais, París

Eugène Carrière se inició como litógrafo antes de estudiar en la École des Beaux-Arts, donde fue alumno de Alexandre Cabanel. En 1890 fundó con Puvis de Chavannes la Société Nationale des Beaux Arts, donde expuso regularmente. De estilo realista, su temática se adentra en el simbolismo gracias a su interés por la sugestión emotiva, con una técnica de veladuras de tonos grises y marrones que sería característica de su producción.[68]​ Su temática se centró preferentemente en escenas domésticas, con especial interés por las relaciones madre-hijo. Uno de sus sellos distintivos era envolver las figuras en una niebla amarillenta, como limbos, un efecto que aísla las figuras y las separa del espectador, con el objetivo de enfatizar su esencia.[69]

Henri Fantin-Latour fue un pintor de estilo más bien realista, como se denota en sus retratos y sus bodegones inspirados en Chardin. Sin embargo, sus composiciones inspiradas en temas musicales —especialmente de Wagner, Schumann y Berlioz— tienen un fuerte componente simbolista,[70]​ en composiciones en las que recrea mundos fantásticos poblados de ninfas de aspecto prerrafaelita.[71]

Lucien Lévy-Dhurmer fue un pintor de factura académica que sintetizó la técnica impresionista con la temática simbolista, especialmente en sus escenas de corte fantástico; fue además retratista y paisajista. En su obra destaca la armonía cromática y la idealización de los temas representados, en los que se denota la influencia de la música de Beethoven, Fauré y Debussy.[72]

 
Lamento de Orfeo (1896), de Alexandre Séon, Museo de Orsay, París

Alexandre Séon fue ilustrador y decorador, el más talentoso de los discípulos de Puvis de Chavannes. Fue el fundador con Péladan y Antoine de la Rochefoucauld del Salon de la Rose+Croix. En 1891 realizó un retrato de Péladan con apariencia babilónica. Una de sus mejores obras es Lamento de Orfeo (1896, Museo de Orsay, París).[73]

Edgar Maxence fue discípulo de Moreau y expuso regularmente en el Salon de la Rose+Croix. Su obra muestra un fuerte idealismo, con temáticas frecuentemente de inspiración medieval y cuadros en los que combina la pintura con elementos esculpidos. Desde 1900 su estilo se volvió más decorativista, con lo que perdió en esencia simbólica.[74]

Edmond Aman-Jean fue alumno de Lehmann en la École des Beaux-Arts, donde conoció a Georges Seurat, del que se hizo amigo; también mantuvo amistad con Mallarmé y Péladan. De factura academicista, se le considera el más «galante» de los simbolistas franceses. Colaboró con Puvis de Chavannes en su mural Bosque sagrado. Participó en las exposiciones de los Rosacruz y diseñó el cartel para la de 1893.[75]​ Recibió la influencia prerrafaelita, que se denota en sus contornos en arabesco, con un cromatismo de tonos suaves y mates. Se dedicó especialmente al retrato femenino, con figuras de delicados movimientos en actitud triste y aburrida, de ensoñación y ensimismamiento.[76]

 
La revelación (1894), de Gaston Bussière, Musée Thomas-Henry, Cherburgo-en-Cotentin

Gaston Bussière estudió en la École des Beaux-Arts de París con Alexandre Cabanel y Pierre Puvis de Chavannes. Influido por Gustave Moreau, se inspiró también en la música de Berlioz y Wagner y la literatura de William Shakespeare. Expuso en varias ocasiones en el Salon de la Rose+Croix. Destacó como ilustrador de libros, como Esplendores y miserias de las cortesanas de Honoré de Balzac, Esmaltes y camafeos de Théophile Gautier, Salomé de Oscar Wilde y varias obras de Gustave Flaubert.[77]

Gustav-Adolf Mossa fue un simbolista tardío, influido por Moreau, el prerrafaelismo y los pintores rencentistas del Quattrocento. En su obra se aprecia el influjo de escritores como Mallarmé, Baudelaire y Huysmans. Como en muchos de sus correligionarios, su temática se centró en numerosas ocasiones en la figura de la mujer fatal, a la que consideraba como peligrosa y corrompida. Su estilo era de dibujo recargado, a veces caricaturesco, de tono dramático e introspección psicológica.[78]

 
Ángel con aureola (1894), de Louis Welden Hawkins, colección privada, París

Georges de Feure fue pintor, escenógrafo y marchante de arte. Su estilo era muy decorativista y se dedicó preferentemente a la elaboración de carteles teatrales. Desarrolló un tipo de imagen de mujer a la moda que tuvo gran éxito en la belle époque. Fue también autor de acuarelas, que expuso en el Salon de la Rose+Croix.[70]

Louis Welden Hawkins nació en Alemania hijo de padre inglés y madre austriaca, pero vivió desde niño en Francia. Estudió en la Académie Julian. Su técnica densa y minuciosa le acerca más al prerrafaelismo que al simbolismo, pero se movió en el ambiente simbolista, manteniendo contactos con escritores como Mallarmé, Jean Lorrain y Robert de Montesquiou, y exponiendo en el Salon des Artistes Français, en la Société Nationale, el Salon de la Rose+Croix y en la Libre Estéthique de Bruselas.[79]

 
La guerra (1894), de Henri Rousseau, Museo de Orsay, París

Georges Rouault fue alumno de Gustave Moreau, de cuyo museo fue conservador desde 1903. Por influencia de su maestro, sus primeras obras fueron de corte simbolista, aunque posteriormente se pasó al fauvismo y expresionismo. Su fase simbolista se caracteriza por una luminosidad encendida —con predilección por ambientes nocturnos— y un cromatismo evocativo y simbólico (Jesús entre los doctores, 1894, Museo de Unterlinden, Colmar; El espejo, 1906, Museo Nacional de Arte Moderno, París).[80]​ En su obra es frecuente la presencia de personajes de aspecto grotesco, generalmente jueces, payasos y prostitutas.[81]

Otros exponentes del simbolismo francés fueron: George Desvallières, Marcellin Desboutin, Charles Dulac, Charles-Auguste Sellier, Georges Lacombe y Antonio de la Gándara.[82]

Por último, cabe citar un artista ajeno al movimiento simbolista pero cuyo estilo tiene cierta vinculación con el mismo: Henri Rousseau, máximo representante del llamado arte naïf («ingenuo» en francés), un término aplicado a una serie de pintores autodidactas que desarrollaron un estilo espontáneo, ajeno a los principios técnicos y estéticos de la pintura tradicional, tachado en ocasiones de infantil o primitivo. Rousseau, aduanero de oficio, desarrolló una obra personal, de tono poético y gusto por lo exótico, en la que se pierde el interés por la perspectiva y se recurre a una iluminación de aspecto irreal, sin sombras ni fuentes de luz perceptibles, un tipo de imágenes que influyeron en artistas como Picasso o Kandinski y en movimientos como la pintura metafísica y el surrealismo.[83]​ La obra de Rousseau fue muy valorada por artistas simbolistas como Redon y Gauguin, especialmente por su colorido, del que señalaron que trascendía una «esencia mítica». Una de las obras de Rousseau más cercanas al simbolismo fue La guerra (1894, Museo de Orsay, París).[84]

La Escuela de Pont-Aven

En la localidad bretona de Pont-Aven se reunieron entre 1888 y 1894 una serie de artistas liderados por Paul Gauguin,[85]​ que desarrollaron un estilo heredero del postimpresionismo con tendencia al primitivismo y gusto por lo exótico, con variadas influencias que van desde el arte medieval —especialmente tapices, vitrales y esmaltes— hasta el arte japonés. Desarrollaron una técnica denominada cloisonismo (por el esmalte cloisonné), caracterizada por el uso de zonas lisas de color delimitadas por contornos oscuros. Otro recurso estilístico introducido por esta escuela fue el llamado sintetismo, la búsqueda de la simplificación formal y del recurso a la memoria frente a la pintura copiada del natural. Este movimiento fue difundido por el crítico Albert Aurier y tuvo su punto culminante en la exposición titulada Pintores simbolistas y sintetistas organizada en el Café Volpini de París en 1889. Entre sus principales miembros, además de Gauguin, figuraron Émile Bernard, Louis Anquetin, Charles Filiger, Armand Seguin, Charles Laval, Émile Schuffenecker, Henry Moret, el neerlandés Meijer de Haan y el suizo Cuno Amiet.[86]

El fundador del grupo fue Paul Gauguin, un artista inquieto que sentía el anhelo de alejarse de la sociedad occidental y retornar a la vida primitiva, más original y espontánea, y a un arte liberado de reglas académicas y conceptos estereotipados. Tras una estancia en Martinica, en 1888 se instaló en la localidad bretona de Pont-Aven, una aldea de montaña rodeada de bosques donde encontró la calma e inspiración para su arte.[87]

 
Mujeres bretonas en un pasto (1888), de Émile Bernard, colección Josefowitz, Lausanne

El discípulo más aventajado de Gauguin fue Émile Bernard. En el ambiente rústico y atemporal de Bretaña, Bernard desarrolló una nueva forma de entender la imagen pictórica, basada en configuraciones amplias de planos sólidos y líneas nítidas, con contornos marcados y colores violentos, reducidos a los siete colores del prisma. En la Revue Indépendante, el crítico Édouard Dujardin denominó a este nuevo estilo cloisonnisme, del esmalte cloisonné, ya que los colores se mostraban compartimentados como en esta técnica medieval.[88]​ Junto a Bernard, su principal exponente fue Louis Anquetin; ambos habían sido alumnos de Fernand Cormon, y estaban fascinados por las xilografías japonesas y los vidrios tintados.[89]​ Gauguin conoció la obra de ambos artistas en una exposición en el Grand Restaurant Bouillon en 1887 y, aunque no abrazó del todo esta forma de pintar, especialmente en cuanto a los contornos, su Visión tras el sermón muestra su influencia, sobre todo en los colores saturados.[90]

Dos obras de 1888 se convirtieron en el manifiesto de este grupo: Mujeres bretonas en un pasto de Bernard y Visión tras el sermón de Gauguin. Esta última sintetizó las esencias del nuevo estilo: concreción temática —la visión de una escena religiosa sugerida por el sermón y las mujeres que la contemplan todo en un mismo plano—, colores puros, contornos marcados y ausencia de modelado. Esta concreción y simplificación de los elementos constitutivos del cuadro hizo que esta nueva corriente fuese bautizada también como sintetismo.[88]​ En esta corriente se sitentizaban observación, memoria, imaginación y emoción, elementos indispensables de un cuadro para Gauguin, además de la forma y el color, que son tratados de forma libre, expresiva. En su búsqueda de un nuevo estilo, Gauguin se inspiró en los tapices medievales, las estampas japonesas y el arte prehistórico, en busca de un estilo ajeno al naturalismo que describiese de manera óptima los sentimientos del artista.[91]

Del resto del grupo cabe destacar a Charles Filiger, un típico «artista maldito», bebedor empedernido, retirado del mundo —instalado en Pont-Aven en 1889 vivió en Bretaña el resto de su vida— e inestable psíquicamente, hasta el punto de que se suicidó. Intensamente místico, desarrolló una obra de pequeño formato, generalmente a la aguada, con trazos firmes pero algo ingenuos, lo que otorga a su producción un aire algo primitivo.[92]

Tras la exposición del Café Volpini de 1889, Gauguin se estableció en la aldea de Le Pouldu con Paul Sérusier, donde repudiaron del sintetismo por «estilo establecido» y continuaron su investigación artística. Gauguin seguía a la búsqueda de una cada vez mayor supresión del modelo y de la imitación a la naturaleza, explorando nuevas formas de representación basadas en el primitivismo y en cierta influencia del arte japonés y de Paul Cézanne (Autorretrato simbolista con halo, 1889, National Gallery of Art, Washington D.C.; El Cristo amarillo, 1889, Museo Albright-Knox, Búfalo). Finalmente, marchó hacia Tahití en busca de una mayor esencia salvaje y natural, y evolucionó hacia un estilo más personal e intuituivo.[88]​ La obra de Gauguin influyó en el fauvismo, el expresionismo, el surrealismo e incluso el arte abstracto.[93]

Los Nabis

 
Le Talisman, l'Aven au Bois d'Amour (1888), de Paul Sérusier, Museo de Orsay, París. Esta obra impresionó a varios alumnos de la Académie Julian y supuso el nacimiento del grupo nabí

Se denomina Nabis a un grupo de artistas activo en París en los años 1890, directamente inspirados por Paul Gauguin y la Escuela de Pont-Aven.[94]​ Este grupo estuvo influido por el esquema rítmico de Gauguin y destacó por un cromatismo intenso de fuerte expresividad. Se disolvieron en 1899.[94]

Tras su estancia con Gauguin, Paul Sérusier se granjeó una gran admiración con su obra El talismán (1888) entre un grupo de jóvenes alumnos de la Académie Julian, entre los que se encontraban Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Maurice Denis, Félix Vallotton y Paul Ranson. Formaron una sociedad secreta denominada Nabis, de una palabra hebrea que significa «profeta», un nombre propuesto por el poeta Henri Cazalis.[95]​ Estaban interesados en la teosofía y las religiones orientales, y tuvieron una estrecha relación con el ambiente literario parisino, especialmente con Stéphane Mallarmé. Su estilo partió de las investigaciones sintetistas y de cierta influencia japonesa para avanzar en un arte cada vez más alejado de premisas académicas, en el que tenía mayor relevancia la investigación cromática, la expresividad del diseño y la voluntad de trasladar las emociones al lenguaje plástico.[96]​ Se solían reunir en un café del pasaje Brady y, más adelante, en la casa de Paul Ranson en el Boulevard de Montparnasse.[97]​ Otros artistas vinculados a este grupo fueron: Henri-Gabriel Ibels, Ker-Xavier Roussel, Georges Lacombe, el danés Mogens Ballin y el neerlandés Jan Verkade.[90]

Los Nabis recibieron la influencia, además de Gauguin y el sintetismo, de Georges Seurat, Paul Cézanne, Odilon Redon y Pierre Puvis de Chavannes. Sus principios teóricos se basaban en una firme intención de sintetizar todas las artes, en profundizar en las implicaciones sociales del arte y en reflexionar sobre las bases científicas y místicas del arte. En 1890, Denis publicó en la revista Art et Critique un manifiesto titulado Definición del neotradicionalismo, en el que defendía la ruptura con el naturalismo academicista y el reconocimiento de la función decorativa del arte. En 1891 realizaron su primera exposición en el château de Saint-Germain-en-Laye, y en diciembre de ese mismo año participaron en la exposición de Pintores impresionistas y simbolistas en la Galerie Le Barc de Boutteville (París), donde fueron aclamados como una «segunda generación simbolista».[98]

 
Tarde de septiembre (1891), de Maurice Denis, Museo de Orsay, París

Sérusier fue considerado el padre de los Nabis, pero fue el más heterogéneo del grupo. Al contrario que el resto, que no abandonaban la ciudad, prefería el campo, y tras sus estancias en Pont-Aven y Le Pouldu se estableció un tiempo en Huelgoat y, definitivamente, en Châteauneuf-du-Faou, en Bretaña. Su obra se caracteriza por sus personajes de aspecto primigenio, sin movimiento ni relación con su entorno, unos seres aislados y ensimismados que parecen partes inmóviles de la naturaleza, como rocas o árboles. A menudo se inspiró en los cuentos de hadas y duendes, especialmente del folclore bretón. Realizó también unas naturalezas muertas de influencia cézanniana.[99]

 
El vals (1893), de Félix Vallotton, Musée d'art moderne André-Malraux, Le Havre

Artista polifacético, Maurice Denis está considerado por algunos como el artista simbolista con más talento. Además de pintor fue ilustrador, litógrafo y escenógrafo, y fue también crítico de arte.[100]​ Influido por Ingres y Puvis de Chavannes, además de Gauguin, Bernard y el grupo de Pont-Aven, y con ciertas reminiscencias a Blake y la pintura prerrafaelita, desarrolló una obra de marcado sentimentalismo que denota una concepción de la vida naturalista y piadosa, casi ingenua en su planteamiento de bienaventurada pureza, en la que destaca el decorativismo, los finos contrastes cromáticos y una armonía de líneas puras, con un aire sereno y monumental. Además de su producción pictórica ilustró libros como Respuesta de la pastora al pastor de Édouard Dujardin, Cordura de Paul Verlaine, Imitación de Cristo de Tomás de Kempis o Viaje de Urien de André Gide.[101]​ Posteriormente se centró en el arte religioso y la pintura mural, y fundó el Estudio de Arte Sacro.[91]

El suizo Vallotton se inició en la xilografía, con cierta tendencia modernista. Su obra se caracteriza por el erotismo y el humor negro, con desnudos de composición plana en los que se denota la influencia del arte japonés y rostros que parecen máscaras. Su Baño en una tarde de verano, que presentó en el Salon des Indépendants en 1893, fue muy criticado por su mezcla de impudor y tono irónico. Al final de su vida se dedicó al paisaje, que destaca por su luminosidad.[102]

Bonnard fue pintor, ilustrador y litógrafo. Era un excelente dibujante, con figuras de contorno suave que expresan con delicadeza los más sutiles movimientos. Por su maestría en el manejo del pincel era apodado «el nabí japonés».[103]​ Junto con Vuillard, desarrolló una temática centrada en un tipo de imágenes de atmósfera social que reflejaban la vida cotidiana en escenas generalmente de interior, con una fuerte carga de introspección psicológica, un estilo definido por los críticos como «intimismo». Expuso con regularidad en el Salon des Indépendants y el Salon d'Autumne. Posteriormente estuvo algo vinculado al fauvismo, pero conservó siempre una esencia personal.[104]

Vuillard fue también pintor y litógrafo y, como su amigo Bonnard, su obra se centró en el intimismo. Su estilo se caracterizó por un modelado de colores planos que recuerda a Gauguin y Puvis de Chavannes. Aficionado a la fotografía, la utilizó en ocasiones como punto de partida para sus composiciones.[105]

Ranson estudió en la École des Arts Décoratifs de París y la Académie Julian. En su obra muestra su interés por el ocultismo y la religión. En 1908 fundó la Académie Ranson, en la que impartieron clases algunos de sus amigos Nabis.[61]​ Influido por el arte japonés, su estilo se caracteriza por una cierta tendencia a la monocromía y por unos contornos fuertemente marcados.[106]​ Su estilo era algo academicista, aunque mostró mayor originalidad en sus dibujos e ilustraciones, así como sus cartones para tapices, que eran bordados por su mujer.[107]

Los Rosacruz

 
Cartel del Salon de la Rose+Croix de 1892, de Carlos Schwabe, Museu Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro

La Orden de los Rosacruz fue una sociedad secreta fundada supuestamente por un místico medieval llamado Christian Rosenkreuz, que habría alcanzado la sabiduría en un viaje a Oriente. En 1612, un manifiesto titulado Fama Fraternitatis y publicado en Kassel conllevó el resurgimiento de esta orden esotérica, que posteriormente se dividió en varias ramas, algunas de ellas ligadas a la francmasonería. En 1888 el marqués Stanislas de Guaita fundó en Francia la Orden Cabalística de la Rosa Cruz, dedicada al estudio de la kábala, la alquimia y el ocultismo en general. Poco después, en 1890, se escindió de la misma la Orden de la Rosa-Cruz del Templo y del Grial, fundada por Joséphin Péladan —que utilizaba el título de Sâr («mago» en caldeo)—, más alejada del esoterismo y cercana a la tradición católica. También conocida como Rosa Cruz Estética, esta nueva orden puso un especial énfasis en el cultivo y difusión del arte. Entre 1892 y 1897 la Orden organizó una serie de salones artísticos —conocidos como Salon de la Rose+Croix— en los que se exponían obras de arte preferentemente de estilo simbolista. Los rosacruces defendían el misticismo, la belleza, el lirismo, la leyenda y la alegoría, y rechazaban el naturalismo, los temas humorísticos y géneros como la pintura de historia, el paisaje o el bodegón.[108]

En 1891 Péladan, el poeta Saint-Pol-Roux y el conde Antoine de la Rochefoucauld publicaron los Mandamientos de los Rosacruces sobre estética, en los que proscribían «toda representación de la vida contemporánea», así como «todo animal doméstico o utilizado para el deporte, las flores, los bodegones, los frutos, los accesorios y otros ejercicios que los pintores tienen la insolencia de exponer». En su lugar, «para favorecer el ideal católico y el misticismo, la Orden acogerá toda obra fundada en la leyenda, el mito, la alegoría, el sueño».[109]

El primer salón tuvo lugar en la Galería Durand-Riel de París del 10 de marzo al 10 de abril de 1892. Participaron artistas como Félix Vallotton, Émile Bernard, Charles Filiger, Armand Point, Edgar Maxence y Alexandre Séon, así como un joven Georges Rouault y el escultor Bourdelle, y artistas extranjeros como Jan Toorop, Ferdinand Hodler y varios miembros del grupo belga Les Vingt, como Xavier Mellery, George Minne y Carlos Schwabe.[110]​ En el catálogo de la exposición estos artistas manifestaban querer «destruir el realismo y acercar más el arte a las ideas católicas, al misticismo, la leyenda, el mito, la alegoría y los sueños». Para ello, se inspiraron en la obra de Poe y Baudelaire, además de las óperas wagnerianas y las leyendas artúricas.[111]

Artista, tú eres rey: el arte es el verdadero reino. Cuando tu mano ha escrito una línea perfecta, los propios querubines bajan del cielo y se miran en ella como en un espejo. Dibujo superespiritualizado, línea llena de alma, forma plena, tú encarnas nuestros sueños.
Joséphin Péladan, manifiesto de la I Exposición de la Rose+Croix.[112]

El simbolismo pompier

 
El hombre entre el vicio y la virtud (1892), de Henri Martin, Musée des Augustins, Toulouse

El simbolismo ejerció a finales de siglo un cierto influjo en el arte institucional, el academicismo, un estilo anclado en el pasado tanto en la elección de temas como en las técnicas y recursos puestos a disposición del artista. En Francia, en la segunda mitad del siglo XIX, este arte recibió el nombre de art pompier («arte bombero», denominación peyorativa derivada del hecho de que muchos autores representaban a los héroes clásicos con yelmos que parecían cascos de bombero). El arte académico había quedado desde principios de siglo encorsetado en un estilo basado en reglas estrictas inspirado en el clasicismo grecorromano, pero también en otros autores clasicistas anteriores, como Rafael, Poussin o Guido Reni. Técnicamente, se basaban en el dibujo esmerado, el equilibrio formal, la línea perfecta, la pureza plástica y un cuidado detallismo, junto a un colorido realista y armónico.[113]

Algunos de estos autores se sintieron seducidos por la imaginería simbolista y su evocación subjetiva y espiritual, pero lo tradujeron con un tono decorativista más cercano al modernismo que al propio simbolismo, un estilo artificioso en el que destacan las figuras de mujeres lánguidas de cabelleras onduladas por el viento, los arabescos y la exuberante vegetación de flores enrolladas. Algunos de estos artistas fueron: Jules-Élie Delaunay, Henri Le Sidaner, Émile-René Ménard, Henri Martin, Ernest Laurent, James Tissot, Ernest Hébert, Georges-Antoine Rochegrosse, Eugène Grasset, Charles Maurin y Armand Point.[31]

Bélgica y Países Bajos

 
La bella Rosine (1847), de Antoine Wiertz, Museo Wiertz, Bruselas

Bélgica fue la cuna del simbolismo junto con Francia, hasta el punto de que artistas de ambos países estuvieron en estrecho contacto y participaron en exposiciones a ambos lados de la frontera. Como en el país galo, existía un notable círculo literario y artístico liderado por los escritores Maurice Maeterlinck y Émile Verhaeren, así como el crítico de arte Octave Maus, factótum de los grupos artísticos Les Vingt y La Libre Esthétique. También como en Francia, se fundaron varias revistas que sirvieron de plataforma para el simbolismo, como Jeune Belgique, L'Art moderne, Wallonie y La nouvelle société.[114]

El grupo Les Vingt estuvo activo entre 1883 y 1893. Estaba formado inicialmente por veinte pintores, escultores y escritores, aunque con el tiempo se fueron produciendo bajas y nuevas incorporaciones. Fue fundado por Octave Maus, con el objetivo de fomentar el arte en su país a través de exposiciones, en las que tenían cabida tanto las artes plásticas y decorativas como la música y la poesía, en estilos que iban desde el neo y postimpresionismo hasta el simbolismo, el sintetismo y el modernismo. Entre sus miembros iniciales destacaban James Ensor, Fernand Khnopff y Théo van Rysselberghe, mientras que más tarde se incorporaron artistas como Félicien Rops, Isidore Verheyden, Henry Van de Velde, Auguste Rodin, Paul Signac y Jan Toorop. Su medio de difusión era el periódico L'Art moderne, fundado en 1881.[115]​ Tras la disolución del grupo en 1893, Maus y Van Rysselberghe fundaron La Libre Estéthique, que continuó con su labor divulgativa del arte con un mayor énfasis en las artes decorativas. Esta asociación continuó su labor hasta 1914.[116]

 
Las tentaciones de san Antonio (1878), de Félicien Rops, Cabinet des Estampes de la Bibliothèque Royale Albert Ier, Bruselas

Un antecesor del simbolismo en Bélgica fue Antoine Wiertz, un artista formado en el Romanticismo que construyó en Bruselas un estudio con forma de templo griego, actual Museo Wiertz. Sus obras tienen una factura academicista, pero la elección de los temas se acerca al simbolismo, como en La bella Rosine (1847, Museo Wiertz, Bruselas), donde una joven desnuda contempla un esqueleto en cuya calavera se aprecia una inscripción con el título de la obra, con lo que resulta que la «bella» no era la joven, sino el esqueleto.[117]

Félicien Rops fue un pintor y artista gráfico de gran imaginación, con predilección por una temática centrada en la perversidad y el erotismo.[118]​ Se inspiró en el mundo de lo fantástico y lo sobrenatural, con inclinación hacia lo satánico y las referencias a la muerte, con un erotismo que refleja el aspecto oscuro y pervertido del amor.[119]​ Fue admirado por el Sâr Péladan y por Huysmans, quienes destacaron la «depravación» de su obra. Huysmans escribió de él: «entre la pureza, cuya esencia es divina, y la lujuria, que es el propio diablo, Félicien Rops, con el alma de un primitivo invertido, ha penetrado en el satanismo».[120]​ Ilustró libros de Baudelaire, Mallarmé y Barbey d'Aurevilly.[81]

 
Cierro la puerta tras de mí (1891), de Fernand Khnopff, Neue Pinakothek, Múnich

Fernand Khnopff desarrolló una temática onírico-alegórica de mujeres convertidas en ángeles o esfinges, con atmósferas inquietantes de gran refinamiento técnico.[121]​ Influido por Durero, Giorgione, Tintoretto, Ingres, Delacroix, Whistler y los prerrafaelitas, desarrolló una obra de profundo significado que desdeña la naturaleza y se inspira en el arte mismo, a partir del cual construye una segunda naturaleza. Un crítico de arte lo definió como un «refinado esteta que solo siente la vida a través del arte antiguo».[110]​ A menudo utilizaba fotografías como base para sus composiciones, que en ocasiones tienen una apariencia casi fotográfica.[122]​ Autoproclamado misógino y obsesionado por la belleza de su hermana, elaboró un tipo de mujer andrógina, bien vestida de guerrera amazona con armadura o bien metamorfoseada en esfinge, tigre o jaguar. Sus imágenes son evanescentes, bañadas en un tipo de luz crepuscular, con preferencia por el pastel y la acuarela, así como por el color azul. Khnopff influyó poderosamente en la Sezession vienesa y, en especial, en Gustav Klimt.[123]

Jean Delville estaba interesado por el ocultismo y mostró en su obra obsesiones secretas, donde sus figuras son una mezcla de carne y espíritu.[119]​ Creía en la existencia de un fluido divino, la reencarnación, la telepatía, el éxtasis, los embrujos y otros conceptos propios del ocultismo. En 1895 publicó un libro titulado Diálogo entre nosotros. Argumentación cabalística, ocultista, idealista, en el que exponía sus ideas. Sus obras tienen un fuerte sello onírico y abundan en la iconografía satánica, como en Los tesoros de Satán (1895, Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruselas).[124]​ Fue discípulo del Sâr Péladan, y en su estela fundó en su país el círculo Pour l'art y el Salon d'art idéaliste.[110]

James Ensor creó un mundo inspirado en la tienda de recuerdos de su familia, en el que proliferaban objetos como máscaras, marionetas, juguetes, conchas, fósiles, porcelanas y antigüedades. También se denota en su obra el interés por la ciencia, especialmente el mundo microscópico. Entre sus referentes artísticos se encuentran Brueghel, el Bosco, Rembrandt, Goya, Turner y Whistler, así como el ascendente inmediato de Félicien Rops. Se integró en el grupo Les Vingt, pero fue rechazado por su visión caricaturizada y grotesca de la sociedad de su tiempo, como en su obra La entrada de Cristo a Bruselas (1888, Museo Getty, Los Ángeles), que representa la Pasión de Jesús en medio de un desfile de carnaval, obra que causó un gran escándalo en su momento. Tuvo preferencia por temas populares, traduciéndolo en escenas enigmáticas e irreverentes, de carácter absurdo y burlesco, con un sentido del humor ácido y corrosivo, centrado en figuras de vagabundos, borrachos, esqueletos, máscaras y escenas de carnaval. Su estilo es delirante, sin reglas, de una radical modernidad que preludia el arte vanguardista, en que las formas no reflejan contenidos, sino que los dejan entrever, los traslucen. Son imágenes deformadas, en las que se trasluce una fuerte introspección psicológica, de colores arbitrarios, estridentes, disonantes, con efectos cegadores de luz. Según él mismo expresaba, «una línea correcta no puede inspirar sentimientos elevados, ni puede expresar el dolor, la lucha, el entusiasmo, la inquietud, la poesía».[125]

 
Nocturno en el Parc Royal de Bruselas (1897), de William Degouve de Nuncques, Museo de Orsay, París

William Degouve de Nuncques elaboró en su etapa más puramente simbolista (años 1890) una serie de paisajes urbanos con preferencia por la ambientación nocturna, con un componente onírico precursor del surrealismo: Ángeles de la noche (1891, Museo Kröller-Müller, Otterlo), Cisne negro (1896, Museo Kröller-Müller, Otterlo), Efecto de noche (1896, Museo de Ixelles), Aurora (1897, Museo de Bellas Artes de Gante). Su obra La casa ciega (1892, Museo Kröller-Müller, Otterlo) influyó en El imperio de las luces (1954) de René Magritte.[126]​ La mayoría de sus imágenes evocan sueños infantiles, de evocación intimista.[122]

Léon Spilliaert desarrolló un estilo de formas simples y expresivas, en las que el ritmo y el vacío provocan una cierta sensación de angustia, como en Vértigo (1908, Musée des Beaux-Arts, Ostende) o Claro de luna y luces (1909, Museo de Orsay, París). Padecía de insomnio, por lo que por las noches deambulaba por la ciudad y encontraba en los paisajes solitarios nocturnos la inspiración para sus obras. También realizó marinas con amplias playas desiertas y mares silenciosos de composición horizontal. En otras ocasiones mostró un erotismo algo truculento y de carácter metafórico.[127]​ Su estilo era algo ingenuo, con tendencia al arabesco y al decorativismo, en el que se percibe la influencia nabí. Posteriormente evolucionó hacia el expresionismo.[128]

 
Fauno a la luz de la luna (1900), de Léon Spilliaert, colección privada

Xavier Mellery tuvo una formación clasicista que complementó en Italia, donde recibió la influencia de la escuela veneciana —especialmente Carpaccio— y del Miguel Ángel de la Capilla Sixtina. En 1870 ganó el Premio de Roma. Desde 1885 practicó la pintura mural, con imágenes alegóricas que recuerdan la obra de Puvis de Chavannes. Su estilo era severo e intimista, en ocasiones cercano al expresionismo, con temáticas que evocan el misterio y la poesía. Fue miembro de Les Vingt y expuso en el Salon de la Rose+Croix. Fue el maestro de Fernand Khnopff.[74]

Léon Frédéric se movió entre el realismo academicista y el simbolismo, con obras de un elevado misticismo en las que se revela igualmente su compromiso social.[129]​ Su etapa simbolista se centró en la década de 1890, con una especial influencia del prerrafaelismo, en un estilo preciso y de frío colorido de fuerte componente alegórico (Pensamiento que se despierta, 1891). Empleó a menudo el formato del tríptico: Las edades del obrero (1895-1897, Museo de Orsay, París), El arroyo, el torrente, el agua estancada (1897-1900, Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruselas).[130]

 
Todas las cosas mueren, pero todas serán resucitadas a través del amor de Dios (1893-1918), de Léon Frédéric, Museo de Arte Ohara, Kurashiki

Émile Fabry tenía un estilo de reminiscencias manieristas, con figuras deformadas de aspecto melancólico.[131]​ En 1892 fundó con Delville y Mellery el Cercle pour l'Art. Expuso en el Salon de la Rose+Croix en 1893 y 1895. Desde 1900 se dedicó especialmente a la elaboración de frescos para edificios públicos.[70]

Constant Montald fue pintor y decorador, especializado en paisajes. En 1884 estudió en la École des Beaux-Arts de París y en 1886 ganó el Premio de Roma; también pasó estancias en Italia y Egipto. Impresionado por una visita a la basílica de San Marcos de Venecia, en sus obras utilizó con asiduidad fondos de oro, una de las características de su producción junto a la utilización de una profusa vegetación. Influido por el arte bizantino y el prerrafaelismo, su estilo era ornamental, de ritmo sosegado, con énfasis en los tonos azules y dorados.[78]

Henry de Groux fue pintor, escultor y litógrafo. Fue miembro de Les Vingt, pero fue expulsado en 1890 cuando se negó a que sus obras fueran expuestas junto a las de Vincent van Gogh. Fue amigo de Degouve de Nuncques, con quien compartió estudio en Bruselas y París. Su obra maestra es Cristo de los ultrajes (1889, colección privada), en la que se retrató a sí mismo como Cristo. De fuerte carácter, su obra denota su impulsividad personal, pero fue estimado por personajes como Émile Zola y Léon Bloy.[79]

 
Las tres novias (1893), de Jan Toorop, Museo Kröller-Müller, Otterlo

En los Países Bajos el simbolismo no tuvo tanta implantación como en su país vecino, al ser un país protestante de economía capitalista, factores que propiciaban más bien el realismo en el arte, como se aprecia en la Escuela de La Haya, que dominaba el panorama artístico finisecular. Ello coadyuvó a que un artista singular como Vincent van Gogh tuviera que establecerse en Francia.[132]​ Así, fueron escasos los artistas que se acercaron al simbolismo, entre los que cabe destacar a Jan Toorop y Johan Thorn-Prikker, así como en menor medida a Richard Roland Holst, que tuvo una fase simbolista entre 1891 y 1900.[133]​ Otros artistas cercanos al simbolismo fueron Antoon Derkinderen, Hendrikus Jansen y Theo van Hoytema.[134]

 
La novia (1892–1893), de Johan Thorn-Prikker, Museo Kröller-Müller, Otterlo

Toorop fue un artista ecléctico, que combinó diversos estilos en la búsqueda de un lenguaje propio, como el simbolismo, el modernismo, el puntillismo, el sintetismo gauguiniano, el linealismo de Beardsley y la estampa japonesa. Se dedicó especialmente a la temática alegórica y simbólica y, desde 1905, a la religiosa.[135]​ Fue autor de Las tres novias (1893, Museo Kröller-Müller, Otterlo), que denota la influencia de las sombras chinescas de Java —donde nació—, con figuras de largos brazos y delicada silueta. Según el propio autor, la novia central representaba «la voluntad más manifiesta y bella», la de la izquierda «el padecimiento del alma» y la de la derecha «el mundo sensual».[136]​ Otra interpretación hace de la del centro la novia del hombre, de la izquierda la de Cristo y de la derecha la de Satán.[137]​ En 1905 se convirtió al catolicismo y se pasó a la temática religiosa, con una técnica puntillista fragmentada que le orientó hacia cierto grado de expresionismo.[102]

Thorn-Prikker se pasó del impresionismo al simbolismo por influencia de Toorop y por su admiración por la obra de Maurice Denis. Aun así, su fase simbolista fue de corta duración, de 1892 a 1895. Entre sus temas abundan los motivos florales y los arabescos, con cierta tendencia a la abstracción y cierto amaneramiento por el que fue criticado en su día.[102]

Holst Holst tuvo como Toorop y Thorn-Prikker contactos con el grupo Les Vingt y con los Rosacruz. En su obra se evidencia la influencia de Rossetti, Whistler y Beardsley.[138]​ Desde 1900 se dedicó al arte monumental.[79]

Uno de los pioneros de la vanguardia, Piet Mondrian, antes de llegar a la abstracción neoplasticista, realizó algunas obras simbolistas, generadas por su interés por el esoterismo. Recibió la influencia de Toorop, así como de Gauguin, Matisse y Van Dongen.[139]​ En esta etapa, centrada entre 1907 y 1910, empezó a trabajar con colores primarios, lo que sería una de sus señas distintivas ya en su fase abstracta.[140]​ Usó en sus obras de estos años un cromatismo vivo dividido en zonas, que recuerda tanto al fauvismo como al puntillismo, con una simplificación formal que le acercó al cubismo, y posteriormente, la abstracción.[141]

Países germánicos

 
El guardián del paraíso (1899), de Franz von Stuck, Museum Villa Stuck, Múnich

El simbolismo germánico fue heredero directo del Romanticismo y su pasión por las leyendas medievales, como las del ciclo de los Nibelungos. También estuvo fuertemente relacionado con la literatura y la música, terreno este último en el que ejerció un poderoso influjo la obra de Richard Wagner. Entre los literatos del círculo simbolista destacan Hugo von Hofmannsthal, Stefan George y Rainer Maria Rilke, así como, en el terreno de la filosofía, Friedrich Nietzsche. También aquí se fundaron varias revistas, como Jugend, Pan, Fliegende Blätter y Simplicissimus.[142]​ Los principales centros expositivos estuvieron en Viena, Berlín y Múnich, ciudades en las que se crearon unos grupos artísticos conocidos como Sezession: la de Múnich en 1892, la de Viena en 1897 y la de Berlín en 1899. Aunque más vinculados al modernismo que al simbolismo, tenían en común con este último un afán renovador del arte alejado del academicismo, y promovieron en sus exposiciones la obra de varios artistas simbolistas.[143]​ Según Emile Langui, «en Alemania y en Austria el simbolismo se confunde prácticamente con el art nouveau, con la Secesión de Múnich y la de Viena».[144]

En Alemania, el pionero del simbolismo fue Hans von Marées. De formación clásica, tras una fase puntillista la influencia de Böcklin le encaminó hacia el simbolismo, en obras centradas en la interrelación y armonía entre el ser humano y la naturaleza, como se denota en La Arcadia y El Siglo de Oro.[145]

 
La muerte del sepulturero (1895-1900), de Carlos Schwabe, Museo del Louvre, París

Max Klinger fue pintor, escultor y grabador. En su obra se aprecia la influencia de Goya, Menzel y Rembrandt, así como de la música de Brahms y Beethoven, y se percibe la atracción por lo fantástico e inquietante.[146]​ De gran complejidad técnica y estilística, su obra está plagada de fantasía y alusiones simbólicas. En su obra pictórica destaca su Juicio de Paris (1885-1887, Kunsthistorisches Museum, Viena), en la que también diseñó el marco, integrándolo en un todo estructurado. Fue más innovador como artista gráfico, especialmente al aguafuerte, en un estilo que antecede al surrealismo, como se denota en su serie Aventuras de un guante (1881), centrada en el fetichismo.[147]

Franz von Stuck fue pintor, grabador, escultor y arquitecto, uno de los fundadores de la Sezession muniquesa.[102]​ Desarrolló un estilo decorativo próximo al modernismo, aunque por su temática es más simbolista, con un erotismo de tórrida sensualidad que refleja un concepto de la mujer como personificación de la perversidad: El pecado (1893, Neue Pinakothek, Múnich), El beso de la esfinge (1895, Szépművészeti Múzeum, Budapest), Salomé (1906, Städtische Galerie, Múnich).[148]​ Fue maestro de Vasili Kandinski, Alexei von Jawlensky y Paul Klee.[149]

Carlos Schwabe fue el más internacional de los artistas germánicos: nacido en Alemania, pasó su niñez y juventud en Suiza, mientras que de adulto se estableció en Francia, donde participó activamente en los salones Rosacruz.[150]​ En su obra se denota la influencia prerrafaelita. Tuvo una especial predilección por las flores, en cuya representación logró una gran maestría, a las que aplicaba un complejo simbolismo relacionado con los estados anímicos.[73]

Ludwig von Hofmann estudió primero en Dresde y Karlsruhe, y finalizó su formación en la Académie Julian de París. Recibió la influencia de Puvis de Chavannes y Max Klinger. En sus cuadros —principalmente paisajes— combinó el decorativismo modernista con la temática simbolista.[79]

Otto Greiner recibió una formación académica, pero en una estancia en Italia conoció a Max Klinger, cuya obra le influyó notablemente. Pintor, dibujante y grabador, su estilo se caracteriza por la sensualidad y el refinamiento, con bastante cercanía al gusto burgués de la época, y con una especial inventiva en su vertiente simbólica y alegórica.[151]

Ferdinand Keller fue un pintor de corte más bien academicista —fue profesor y director de la Academia de Bellas Artes de Karlsruhe— que, gracias a la influencia de Böcklin, hacia 1900 se decantó por el simbolismo, especialmente en paisajes de colores saturados y de aspecto decorativo.[152]

 
Tumba de Böcklin (1901-1902), de Ferdinand Keller, Staatliche Kunsthalle, Karlsruhe

Franz Marc recibió en su juventud la influencia simbolista. Formado en el ambiente academicista, en un viaje a París en 1903 entró en contacto con el postimpresionismo y los Nabis, así como Gauguin y el simbolismo. Desde 1906 se dedicó a la pintura de animales, en los que encontró una perfecta alegoría de pureza natural. En 1910 entró en contacto con August Macke y Vasili Kandinski, quienes le introdujeron en el uso expresivo y simbólico del color. Fue uno de los fundadores del grupo Der Blaue Reiter, con el que se adentró en el expresionismo. Posteriormente estuvo interesado por el orfismo y el futurismo, y se acercó a la abstracción, aunque su carrera quedó truncada con su fallecimiento en el frente en la Primera Guerra Mundial.[153]

En Suiza, Arnold Böcklin fue heredero directo del Romanticismo alemán y en sus paisajes se denota la influencia de Caspar David Friedrich. Sus temas exaltan la soledad, la tristeza, la melancolía, la muerte como liberación. Sus paisajes son ideales, ajenos a la realidad objetiva, pero con un tono sombrío que refleja sus inquietudes interiores. Se especializó en una temática de seres fantásticos, como ninfas, sátiros, tritones o náyades, con un estilo algo mórbido.[154]​ De sus viajes a Italia recogió el gusto por la temática mitológica y la presencia de ruinas en sus obras, siempre con esa atmósfera de misterio que le caracteriza. Su obra más conocida es La isla de los muertos (1880, Metropolitan Museum of Art, Nueva York), donde una luz pálida, fría y blanquecina envuelve la atmósfera de la isla a donde se dirige la barca de Caronte. Su obra influyó en Munch, Kandinski, Chirico y Dalí.[155]

 
Floresta sagrada (1882), de Arnold Böcklin, Kunstmuseum, Basilea

El otro gran nombre de la pintura suiza fue Ferdinand Hodler, que evolucionó desde un cierto naturalismo a un estilo personal que denominó «paralelismo», caracterizado por esquemas rítmicos en los que la línea, la forma y el color se reproducen de forma repetitiva, con figuras simplificadas y monumentales.[156]​ Sus obras se enmarcan en un espacio semiabstracto, con figuras aisladas que parecen recortadas sobre unos paisajes vacíos, en los que se denota la influencia de Puvis de Chavannes. Son obras estilizadas, teatrales, que trascienden un fuerte misticismo, con fondos planos en los que se percibe el influjo medieval de Holbein.[157]​ También le impresionó la obra de Velázquez, que conoció en un viaje a Madrid en 1878-1879. En París conoció en 1890-1891 la obra de Puvis de Chavannes, así como de Blake y el prerrafaelismo. Su obra La noche (1890), aunque provocó un escándalo en Ginebra, fue bien acogida en la capital francesa, especialmente por los Nabis. En su obra, la figura humana personifica ideas, comportamientos espirituales, ritmos vitales.[158]

 
El día (1900), de Ferdinand Hodler, Kunstmuseum, Berna

En Austria descolló la figura de Gustav Klimt. Tuvo una formación académica, para desembocar en un estilo personal que sintetizaba impresionismo, modernismo y simbolismo. Tuvo preferencia por la pintura mural, con una temática alegórica con tendencia al erotismo, y con un estilo decorativista poblado de arabescos, alas de mariposa o pavos reales, y con un gusto por el color dorado que otorgaba a sus obras una intensa luminosidad.[159]​ De padre orfebre, estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena, lo que explica el intenso decorativismo de su obra. En su estilo se percibe también la influencia de los mosaicos bizantinos de Rávena, ciudad que visitó en 1903. En su obra recreó un mundo de fantasía de fuerte componente erótico, con una composición clasicista de estilo ornamental, donde se entrelazan el sexo y la muerte, tratando sin tabúes la sexualidad en aspectos como el embarazo, el lesbianismo o la masturbación.[152]​ La suntuosidad rococó de Klimt encerraba en el fondo las múltiples preocupaciones que poblaban su mundo interior: la esperanza, el sueño, la muerte, el anhelo de eternidad.[160]​ Su mayor influencia al inicio de su carrera fue Hans Makart, un pintor pompier de moda en los años 1870 y 1880, así como los academicistas Gérôme y Boulanger o los neohelénicos Leighton y Alma-Tadema. Posteriormente recibió la influencia de Gustave Moreau, Whistler, Beardsley, Jan Toorop y Franz von Stuck, que le impulsó a abandonar el academicismo. También recibió el influjo de Péladan y los Rosacruz, especialmente en cuanto a la absolutividad sexual. Un último referente sería el arte japonés.[161]​ Todo ello le llevó a una combinación original de simbolismo y modernismo, que desarrolló en obras como el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena (1900-1907, destruidas en 1945), el Friso de Beethoven (1902, Österreichische Galerie Belvedere, Viena), Las tres edades de la mujer (1905, Galería Nacional de Arte Moderno, Roma), El beso (1907-1908, Österreichische Galerie Belvedere, Viena) y el friso del palacio Stoclet (1911, Bruselas).[162]

Alfred Kubin fue sobre todo dibujante: expresó en sus dibujos un mundo terrorífico de soledad y desesperación, poblado de monstruos, esqueletos, insectos y animales horrendos, con referencias explícitas al sexo, donde la presencia femenina juega un rol maléfico y perturbador.[163]​ Influido por Goya, Munch, Ensor, Redon y por su más directo ascendiente, Max Klinger, su obra refleja la angustia existencial —intentó suicidarse pero se le encasquilló el arma—, y una honda desesperación que tuvo parcial cura en la práctica del arte.[164]​ Ilustró obras de Poe, Wilde, Nerval y Strindberg. Posteriormente se adscribió al expresionismo y fue miembro de Der Blaue Reiter, así como amigo de Franz Marc y Paul Klee.[72]

El simbolismo es también perceptible en la obra temprana de dos jóvenes artistas que destacaron posteriormente en el expresionismo: Egon Schiele y Oskar Kokoschka.[165]​ Schiele fue discípulo de Klimt. Su obra giró en torno a una temática basada en la sexualidad, la soledad y la incomunicación, con cierto aire de voyeurismo, con obras muy explícitas por las que incluso estuvo preso, acusado de pornografía. Dedicado principalmente al dibujo, otorgó un papel esencial a la línea, con la que basó sus composiciones, con figuras estilizadas inmersas en un espacio opresivo, tenso. Recreó una tipología humana reiterativa, con un canon alargado, esquemático, alejado del naturalismo, con colores vivos, exaltados, destacando el carácter lineal, el contorno.[166]

Kokoschka recibió la influencia de Van Gogh y del pasado clásico, principalmente el Barroco (Rembrandt) y la escuela veneciana (Tintoretto, Veronese). También estuvo ligado a la figura de Klimt, así como del arquitecto Adolf Loos. Sus primeras obras tenían un estilo medieval y simbolista cercano a los Nabis o la época azul de Picasso. Posteriormente creó su propio estilo personal, visionario y atormentado, en composiciones donde el espacio cobra gran protagonismo, un espacio denso, sinuoso, donde se ven sumergidas las figuras, que flotan en él inmersas en una corriente centrífuga que produce un movimiento espiral. Su temática solía ser el amor, la sexualidad y la muerte, dedicándose también a veces al retrato y el paisaje.[167]

Reino Unido

 
La rueda de la fortuna (1883), de Edward Burne-Jones, Museo de Orsay, París

El arte simbolista inglés estuvo muy influido por la literatura de Oscar Wilde y Edgar Allan Poe. Aquí tuvo gran relevancia la huella dejada por el prerrafaelismo, de hecho algunos artistas prerrafaelitas se pasaron al simbolismo en su obra tardía, como Edward Burne-Jones.[51]​ Partiendo del medievalismo prerrafaelita, y con una especial influencia de artistas renacentistas como Leonardo, Mantegna, Botticelli, Signorelli y Miguel Ángel, Burne-Jones elaboró un lenguaje propio de gran inventiva formal, experimentando nuevas técnicas y formatos: tuvo una especial predilección por formatos altos y estrechos, con figuras alargadas y espacios antinaturales. Como en muchos otros artistas simbolistas, algunas de sus figuras tienen un aspecto andrógino, como su Afrodita de Pigmalión: Los fuegos de la divinidad (1878, Birmingham Museum and Art Gallery).[168]

Aubrey Vincent Beardsley fue principalmente dibujante, caracterizado por un estilo de línea sinuosa muy próximo al modernismo, aunque se considera simbolista por la elección de sus temas, a menudo de fuerte contenido erótico. Su dibujo estaba influido por la pintura de vasijas griegas, con un estilo decorativo y algo perverso, rítmico y elegante, frívolo y con tendencia a lo grotesco.[169]​ Otras de sus influencias fueron Burne-Jones, Whistler, Mantegna, Botticelli, el rococó y el arte japonés.[170]​ Ejemplo prototípico de dandi, sus temas favoritos fueron también algunos de los más recurrentes del simbolismo: la femme fatale, el ciclo artúrico y el universo artístico wagneriano.[171]​ En 1891 ilustró el libro Salomé de Oscar Wilde, donde transformó la fealdad y la perversión en belleza y sugestión onírica, aunando la línea modernista con el idealismo simbolista en una de las mejores obras del arte finisecular. Según Arthur Symons, «Beardsley es el satírico de una época que carece de convicciones propias y por ello, como Baudelaire, no puede pintar el infierno sin señalar a un paraíso presente como contrapartida».[170]​ Murió de tuberculosis a los veintiséis años.[75]

 
Caballos de Neptuno (1892), de Walter Crane, Staatsgemäldesammlungen, Múnich

Walter Crane fue pintor, ilustrador, tipógrafo y diseñador de cerámica, vidrieras, textiles, joyas y carteles. Se inició artísticamente en el estilo prerrafaelita, con influencia del romántico William Blake, cuyo estilo basado en líneas vibrantes y arabescos influyó poderosamente en el modernismo y simbolismo inglés. También fueron decisivos en su obra el Quattrocento florentino y la xilografía japonesa. Estuvo involucrado en el movimiento Arts & Crafts, de cuya Sociedad de Exposiciones fue miembro de la junta directiva. También fue un importante téorico y su tratado La línea y la forma (1900) tuvo un gran predicamento en Reino Unido y Estados Unidos. Se centró en los temas literarios y mitológicos, con un lenguaje de símbolos de corte fabuloso y onírico en el que destacan las figuras metamorfoseadas y los elementos de la naturaleza mostrados en toda su potencia y esplendor, como en su Caballos de Neptuno (1892, Staatsgemäldesammlungen, Múnich).[172]

Charles Ricketts fue pintor, escultor, grabador, escenógrafo, escritor y coleccionista de arte, pero fue en sus ilustraciones donde se mostró más claramente simbolista, como en las que realizó para el poema La esfinge de Oscar Wilde.[173]​ En sus inicios se dedicó especialmente a la ilustración y no fue hasta 1904 que empezó a dedicarse más plenamente a la pintura.[174]

 
La esperanza (1886), de George Frederick Watts, Tate Gallery, Londres

George Frederick Watts buscaba en sus obras una «poesía pintada sobre el lienzo», una pintura misteriosa influida por Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones y Fernand Khnopff, además de Tiziano y Joseph Mallord William Turner. Su pretensión era pintar «grandes ideas», buscando la concordancia entre la pintura, la literatura y la música, que se reflejó en una serie de imágenes místicas y alegóricas de origen visionario, con tendencia a la estética de lo sublime. Su imagen más conocida es la alegoría de La esperanza (1886, Tate Gallery, Londres), en forma de muchacha vestida con túnica, de aspecto prerrafaelita, sentada sobre un globo terráqueo, con una lira en las manos y los ojos vendados, en alusión a la «esperanza ciega». Sin embargo, la imagen melancólica de la joven provoca más sensación de desesperanza que de esperanza, jugando con la típica ambigüedad simbolista.[175]

 
La dama de Shalott (1888), de John William Waterhouse, Tate Gallery, Londres

Frederic Leighton fue un pintor de factura academicista, pero que en numerosas ocasiones mostró un gusto cercano al simbolismo en la elección de los temas. Sus retratos de mujeres frías y distantes, pero bellas y sensuales, obtuvieron una notable fama en su tiempo. Un buen ejemplo es El espíritu de la cumbre (1894, Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki , Auckland), en el que una bella joven vestida con una túnica clásica observa un firmamento nocturno sentada en un trono sobre una montaña.[176]

John William Waterhouse fue también preferentemente academicista, pero desde 1880 se acercó a un simbolismo de influencia prerrafaelita basado en temas literarios, con un estilo romántico y ensoñador, sensual y de gran riqueza visual: La dama de Shalott (1888, Tate Gallery, Londres), Hylas y las ninfas (1896, City Art Gallery, Manchester).[177]

Charles Conder, que vivió gran parte de su vida en Francia, donde se integró en el ambiente simbolista y rosacruz y fue amigo de Bonnard y Toulouse-Lautrec, desarrolló una obra poderosamente influida por el pintor rococó Jean-Antoine Watteau, cuyo estilo Conder pretendió traducir al simbolismo, elaborando una serie de obras —la mayoría inspiradas en las leyendas artúricas— ambientadas en las típicas escenas de fête galante watteaunianas.[178]

Cabe reseñar también la obra de las hermanas Frances y Margaret Macdonald, integradas en la llamada Escuela de Glasgow, un círculo modernista dedicado preferentemente a la arquitectura y las artes decorativas liderado por el arquitecto Charles Rennie Mackintosh —marido de Margaret—. Sus diseños estaban encaminados más bien a la decoración, pero son reflejo de un simbolismo de tendencia abstractizante que denota la influencia de Jan Toorop.[179]

Países escandinavos

Como en el resto de países, la interrelación entre literatura y arte en Escandinavia fue intensa, y escritores como Bjørnstjerne Bjørnson, Henrik Ibsen y August Strindberg fueron claros referentes del simbolismo escandinavo.[142]

El principal exponente nórdico del simbolismo fue el noruego Edvard Munch, que creó en su obra un universo personal que refleja sus angustias existenciales, en las que se denota la influencia de la filosofía nietzscheana. Su obra gira en torno a sus obsesiones personales respecto al amor y el sexo, así como su concepción de la sociedad como un medio hostil y opresivo. Tras unos inicios en el naturalismo y el impresionismo, su cuadro La niña enferma (1885) inicia su andadura más personal, marcada por la expresión de los más profundos sentimientos —en una ocasión comentó que su objetivo era «disecar el alma»—. En un viaje a París en 1889 recibió el influjo de Van Gogh, Gauguin, Redon y Toulouse-Lautrec, al tiempo que la visión de una gran ciudad de avenidas rectilíneas le inspiró una serie de obras sobre la soledad del ser humano en medio de grandes multitudes de gente (Atardecer en la calle Karl Johan, 1892, Bergen Kunstmuseum, Bergen; El grito, 1893, Galería Nacional de Noruega, Oslo; Ansiedad, 1894, Museo Munch, Oslo). Poco a poco se fue encerrando más en sus obsesiones (erotismo, soledad, muerte) y se fue alejando de la representación realista para transcribir sus sentimientos en imágenes, en las que el color ya no describe, sino que simboliza, se convierte en un lenguaje de expresión interior; la línea es a veces curva, rítmica y ondulante, a veces excesivamente recta; y la atmósfera se transforma en violentos torbellinos que envuelven las figuras para remarcar su soledad. La imagen femenina en sus obras parte del influjo prerrafaelita pero más abstractizada, en la que más que la descripción física le preocupa la introspección psicológica (Pubertad, 1886, Galería Nacional de Noruega, Oslo). La obra de Munch entroncó con el expresionismo de principios del siglo XX, del que fue considerado uno de sus principales maestros.[180]

En Noruega destacaron también Halfdan Egedius y Harald Sohlberg. Egedius fue un talento precoz que murió a los veintidós años. Se centró básicamente en escenas de la vida campesina y en las sagas nórdicas.[181]​ Sohlberg se centró en paisajes de tono misterioso que evocan la soledad humana.[182]

 
Polillas de polvo bailando en rayos de sol (1900), de Vilhelm Hammershøi, Ordrupgaard Museum, Copenhague

En Dinamarca destacaron Vilhelm Hammershøi y Jens Ferdinand Willumsen. Hammershøi fue un virtuoso en el manejo de la luz, a la que consideraba el principal protagonista de sus obras. La mayoría de sus cuadros se ubicaban en espacios interiores con luces filtradas a través de puertas o ventanas, con figuras generalmente de espaldas.[183]​ Willumsen evolucionó desde el realismo al simbolismo y, finalmente, el expresionismo.[184]​ Desarrolló un estilo personal partiendo de la influencia de Gauguin, con gusto por los colores brillantes, como en Tras la tormenta (1905, Galería Nacional de Noruega, Oslo), una marina con un sol deslumbrante que parece estallar en el cielo.[185]

En Finlandia la figura principal fue Akseli Gallen-Kallela, formado en la Escuela de Bellas Artes de Helsinki y en la parisina Académie Julian, donde fue alumno de Fernand Cormon. En la capital francesa conoció la obra de Puvis de Chavannes y de Jules Bastien-Lepage, que le impresionaron profundamente. De regreso a su tierra desarrolló una obra de estilo naturalista basada en la tradición y leyendas épicas del folclore finlandés, como la epopeya Kalevala. Su estilo aunaba decorativismo y expresividad, con contornos marcados y colores planos.[186]

Discípulo de Gallen-Kallela fue Hugo Simberg, quien recibió también la influencia de Böcklin y Burne-Jones. Su obra, poblada de animales extraños y espíritus malignos, se centra en la muerte, a la que suele representar realizando tareas cotidianas como cuidar un jardín (El jardín de la muerte, 1896, Ateneumin Taidemuseo, Helsinki).[187]

Otro artista finlandés fue Magnus Enckell, quien recibió durante una estancia en París la influencia de Manet, Carrière y Puvis de Chavannes, así como de Péladan y Édouard Schuré en el terreno espiritual. Posteriormente viajó por Italia, Alemania y Suiza, donde recibió el influjo de Böcklin. Con el cambio de siglo rompió con el simbolismo.[100]

En Suecia destacó Ernst Abraham Josephson. Se inició en la pintura academicista, pero desde 1881 —quizá debido a una enfermedad psíquica— su obra se adentró en el simbolismo, generalmente de tendencia mística y algo paranoica.[188]​ Instalado en Bretaña, realizó prácticas espiritistas en las que creía comunicarse con el místico sueco Emanuel Swedenborg.[152]​ Posteriormente vivió en Estocolmo retirado de la vida pública. Realizó retratos, paisajes y cuadros inspirados en las leyendas nórdicas y en la mitología clásica, como los cuadros dedicados a las ondinas. Su estilo se caracteriza por un cromatismo muy contrastado, que influyó en el fauvismo y el expresionismo.[189]​ Fue el líder del movimiento secesionista Konstnärförbundet.[182]

Carl Fredrik Hill se inició en el impresionismo tras instalarse en París en 1873. Sin embargo, en 1878 fue diagnosticado de esquizofrenia y, ya de vuelta a su país natal, su estilo dio un gran viraje y su producción —especialmente en el dibujo— se centró en visiones fantásticas y alucinatorias, como paisajes irreales, arquitecturas imaginarias, animales extraños y visiones apocalípticas. Casi desconocido en vida, una exposición en Lund en 1911 lo reveló como uno de los artistas suecos más dotados de su tiempo.[190]

Cabría citar igualmente a August Strindberg, insigne escritor y dramaturgo que también incursionó en la pintura. Sus primeras obras estaban cercanas a las escuelas de Düsseldorf y Barbizon pero, tras un período de inactividad, entre 1890-1895 y 1900-1907 se acercó al simbolismo, con una temática centrada frecuentemente en el mar y una técnica que preludia el tachismo de los años 1940-1950.[191]

Italia

 
El Amor en las fuentes de la vida (Las fuentes de la juventud) (1896), de Giovanni Segantini, Galleria Civica d'Arte Moderna, Milán

Como en otros países, el arte italiano de la época se vinculó con escritores como Gabriele D'Annunzio y revistas como Il Convito.[51]​ El mayor centro de difusión del arte simbolista fue Milán, un importante centro industrial y comercial del norte del país.[192]

Giovanni Segantini fue un pintor de difícil clasificación, de factura neoimpresionista pero con una elección de temas frecuentemente relacionados con el simbolismo, en los que se percibe la huella prerrafaelita.[193]​ Estaba interesado en la literatura y la filosofía: entre sus autores favoritos estaban Goethe, Nietzsche, Maeterlinck y D'Annunzio, y estaba interesado en la filosofía oriental, especialmente la hindú.[192]​ Su etapa más simbolista se inició en 1891, con una serie de obras alegóricas marcadas por una espiritualidad decadentista (El ángel de la vida, 1894, Galleria Civica d'Arte Moderna, Milán). En 1894 se retiró a la alta montaña alpina, en busca de una relación más personal con la naturaleza, así como el deseo de soledad y meditación. Su técnica se hizo divisionista pero su temática se volvió más simbólica, buscando en la naturaleza una religiosidad latente (Tríptico de los Alpes: la naturaleza, la vida y la muerte, 1896-1899, Museo Segantini, Saint-Moritz).[194]

 
Maternidad (1891), de Gaetano Previati, Banco Popular de Novara

Gaetano Previati desarrolló un estilo alegórico y sentimental, muy admirado por los futuristas.[61]​ Iniciado en la Scapigliatura, lo que le orientó hacia los temas románticos, desde 1890 su técnica se volvió divisionista, pero sus temáticas se volvieron más idealistas y cercanas al simbolismo, con cierta influencia de Rops y Redon.[195]​ Su obra Maternidad (1891, Banco Popular de Novara) causó una gran polémica en su país, pero le valió para ser invitado al Salon de la Rose+Croix de París.[192]​ Su estilo se caracteriza por un cromatismo vivaz de intensa luminosidad y aspecto antinaturalista: Tríptico del día (1907, Cámara de Comercio de Milán), La caída de los ángeles (1912-1913), Galería Nacional de Arte Moderno, Roma).[195]

Giuseppe Pellizza da Volpedo, formado en el ambiente divisionista, evolucionó a un estilo personal marcado por una luz intensa y vibrante, cuyo punto de partida es su obra Esperanzas perdidas (1894, colección Ponti-Grün, Roma).[196]​ En El sol naciente (1903-1904, Galería Nacional de Arte Moderno, Roma) retrató una luz de amanecer refulgente que asoma sobre un horizonte montañoso y parece estallar en una miríada de rayos que se esparcen en todas direcciones, con una lectura simbólica que apunta al compromiso social y político del artista, ya que el sol naciente fue tomado por el socialismo como una metáfora de la nueva sociedad a la que aspiraba esta ideología.[197]

 
Relámpagos (1910), de Luigi Russolo, Galería Nacional de Arte Moderno, Roma

Alberto Martini fue sobre todo ilustrador, considerado el mejor dibujante del simbolismo italiano. Influido por Durero, Cranach, Moreau y Redon, sus temáticas se centraban en lo fantástico, grotesco y macabro. Ilustró obras de Dante, Boccaccio, Edgar Allan Poe, Mallarmé, Verlaine y Rimbaud. Su obra de corte onírico e introspección psicológica influyó en el surrealismo, cuyos artistas le consideraban un precursor.[198]

Giulio Aristide Sartorio fue alumno de Mariano Fortuny. Estuvo vinculado al movimiento In Arte, Libertas fundado por Nino Costa, de tendencia prerrafaelita. En su producción destaca la representación de la mujer fatal, en obras como Diana de Éfeso (1895-1899, Galería Nacional de Arte Moderno, Roma) y La Gorgona y los héroes (1897, Galería Nacional de Arte Moderno, Roma).[199]

Otros representantes del simbolismo italiano de menor relevancia fueron: Felice Casorati, Luigi Bonazza, Vittorio Zecchin y Guido Cadorin.[200]

Cabría mencionar asimismo a un grupo de jóvenes pintores que posteriormente serían representantes destacados del futurismo, que al comienzo de su carrera pasaron una fase simbolista, como Umberto Boccioni, Giacomo Balla y Luigi Russolo. Boccioni se formó en el divisionismo. En 1907 conoció en Milán a Previati, quien le transmitió su interés por la psicología de la imagen; también recibió el influjo de la Sezession y de Edvard Munch (El luto, 1910, colección particular).[201]​ Balla partió igualmente del divisionismo, mientras que posteriormente recibió la influencia de Segantini, Pellizza y Previati; se centró en los aspectos sociales, reflejo de sus ideales socialistas y humanitarios.[202]​ Russolo también se formó en el divisionismo, pero por influencia de Previati y Boccioni desarrolló una serie de obras centradas en el ámbito urbano y la era industrial interpretadas en clave simbolista: Los relámpagos, 1909-1910, Galería Nacional de Arte Moderno, Roma.[203]

En última instancia sería conveniente recordar la etapa simbolista de Giorgio De Chirico, quien sería posteriormente el principal exponente de la pintura metafísica. Estudió en Múnich, donde entró en contacto con la filosofía de Nietzsche y Schopenhauer, y la pintura de Böcklin y Max Klinger. Sus obras estaban inspiradas en el mundo clásico grecorromano, con cierta apariencia de escenografía: El centauro herido, 1909, colección particular.[204]

España

 
Tristán e Isolda (La muerte) (1910), de Rogelio de Egusquiza, Museo de Bellas Artes de Bilbao

El panorama artístico en la España finisecular estaba monopolizado por la pintura académica, que tenía como plataforma las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, refractarias a fomentar cualquier novedad artística, al contrario que los salones parisienses.[205]​ Pese a todo, algunos artistas mantenían contactos con el arte europeo —especialmente a través de Francia—, por lo que pudieron desarrollar un estilo más moderno, ligado sobre todo al impresionismo, como se denota en la obra de Aureliano de Beruete y Agustín Riancho, o al llamado luminismo valenciano, representado por Joaquín Sorolla. Sin embargo, los ejemplos de pintura simbolista fueron más bien escasos y circunscritos a la obra de algunos artistas individuales.[206]

Darío de Regoyos vivió un tiempo en Bélgica y fue miembro fundador del grupo Les Vingt. También frecuentó a los impresionistas en París y al círculo modernista barcelonés de Els Quatre Gats —en 1910 se instaló definitivamente en Barcelona—. Su estilo era más bien cercano al impresionismo —pincelada corta, paleta clara— pero algunas de sus temáticas se acercan al simbolismo por su interés por los temas marginales, como se denota en su serie de ilustraciones La España Negra, procedentes de un viaje realizado por la península en 1888 junto al poeta belga Émile Verhaeren, en las que desarrolló una serie de imágenes de tono amargo y, en ocasiones, algo tétrico de la España del momento.[207]

Ignacio Zuloaga también fue intérprete de esa visión de una España atávica y tremendista, que plasmó en sus viajes a Las Hurdes o la sierra de Gredos con el doctor Gregorio Marañón. Vivió un tiempo en Francia e Italia, y fue admirador de Goya y el Greco. Su obra destaca por un realismo descarnado, de paleta gris y sombría, con una temática centrada en las escenas populares españolas.[208]

Rogelio de Egusquiza fue un pintor singular que evolucionó desde el academicismo y una breve fase de influencia fortunyista hasta un simbolismo decorativista y exuberante fuertemente influido por la obra de Wagner, muchos de cuyos argumentos y personajes recreó en sus pinturas.[209]

 
Brujas yendo al Sabbath (1878), de Luis Ricardo Falero

Julio Romero de Torres desarrolló un estilo de factura realista con cierta tendencia arcaizante en que, partiendo de escenas del costumbrismo típico, otorga a estas temáticas una mayor trascendencia alegórica que las aparta del manido pintoresquismo de la pintura decimonónica española para convertirlas en escenas de evocación casi mística. En su obra destaca la presencia de la mujer andaluza, en representaciones que aglutinan misticismo y erotismo, envueltas en un halo misterioso, generalmente en paisajes desolados que se pierden en el infinito que anteceden algunos de los paisajes surrealistas.[210]

Cercano al estilo romeriano está Miquel Viladrich, catalán formado en Madrid y París que triunfó sobre todo en Estados Unidos, Argentina y Marruecos. Practicó como Romero un realismo arcaizante pero de aspecto más naïf, de raíz más popular y con un tono más tétrico.[211]

Eduardo Chicharro aunó el arabesco modernista con el idealismo simbolista, como en su tríptico Los amores de Armida y Reinaldo (1904, Museo de Jaén), que denota la influencia prerrafaelita. También realizó obras de tipo costumbrista cercanas al estilo de Zuloaga.[212]

Luis Ricardo Falero, de técnica más bien academicista, trató especialmente el desnudo femenino —generalmente hadas y ninfas—, a veces con un toque orientalista, así como temas mágicos, astronómicos y de brujería. Vivió gran parte de su vida en Londres, por lo que no es muy conocido en España, país en el que no se conserva ninguna obra suya.[213]

Cabe citar en último lugar a Néstor Martín-Fernández de la Torre, más conocido simplemente como Néstor, un pintor a caballo entre el modernismo y el simbolismo. Entre 1904 y 1907 viajó por Francia, Bélgica y Reino Unido, donde recibió la influencia de Whistler y los prerrafaelitas. Su especialidad fueron los cuadros fantásticos en medios acuáticos, con escenas con monstruos marinos en lucha con jóvenes efebos desnudos, como alegoría de las fuerzas elementales que solo se superan con esfuerzo. Sus composiciones eran ampulosas, recargadas, dinámicas y de intenso colorido, acercándose en ocasiones al kitsch. Un buen ejemplo es La noche, «poema del Atlántico» (1917-1918, Museo Néstor, Las Palmas de Gran Canaria). Tras su muerte su obra cayó en el olvido, pero su figura fue recuperada por Salvador Dalí.[214]

Modernismo catalán

En Cataluña se desarrolló entre finales del siglo XIX y comienzos del xx el llamado modernismo catalán, un estilo ligado al modernismo art nouveau internacional pero que aquí tuvo unas características propias ligadas al renacer de la cultura catalana (Renaixença). Destacó especialmente en arquitectura, con figuras de gran renombre como Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner y Josep Puig i Cadafalch, pero también en pintura y escultura. Fue un movimiento heterogéneo, que agrupó en su seno varias tendencias estilísticas: según una clasificación de Joan Ainaud de Lasarte (El Modernismo en España, 1969), el modernismo catalán podría dividirse entre modernismo simbolista, impresionista y postimpresionista.[215]​ El primero sería el más cercano al simbolismo internacional, con influencias procedentes del Romanticismo y el prerrafaelismo, aunque también del naturalismo y otros estilos, lo que proporcionó una gran amalgama y complejidad que se tradujo de distinta manera en cada artista. En su producción se percibe un idealismo que otorga una gran relevancia a la iconografía y que se traduce en la expresión en los personajes de ideas o sentimientos, con especial predilección por la figura femenina.[216]​ Sus características principales fueron la asimetría, la bidimensionalidad, la línea sinuosa, el gusto por la decoración floral, una cierta tendencia medievalizante y, especialmente en lo que atañe al simbolismo, la predilección por la alegoría y la temática simbólica.[217]

Uno de los máximos representantes de este movimiento fue Santiago Rusiñol, establecido en 1890 en París junto a Ramón Casas, donde se adentraron en el movimiento impresionista, con una especial influencia de Manet y Degas, es decir, del impresionismo de mayor base tradicional, de pincelada larga y difusa frente a la corta y suelta del impresionismo más vanguardista.[218]​ Sin embargo, hacia 1893-1894 Rusiñol evolucionó hacia un estilo más plenamente simbolista: abandonó el realismo y encaminó su obra hacia un tono más mítico y estetizante, casi evasionista, como se denota en sus plafones decorativos para el Cau Ferrat de Sitges de 1896 (La Pintura, La Poesía, La Música).[219]​ Con el comienzo del siglo XX se encaminó más hacia el paisajismo, todavía con un cierto sello simbolista pero con mayor tendencia hacia el realismo.[220]

 
Composición con ninfa alada al amanecer (1887), de Alexandre de Riquer, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona

Alexandre de Riquer fue pintor, grabador, decorador, ilustrador y cartelista, además de poeta y teórico del arte. Vivió un tiempo en Londres, donde recibió el influjo del prerrafaelismo y del movimiento Arts & Crafts. Destacó especialmente en la ilustración de libros (Crisantemes, 1899; Anyoranses, 1902) y en el diseño de ex-libris, género que elevó a cotas de gran calidad.[221]

 
Ensueño (1897) de Joan Brull, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona

Joan Llimona, fundador del Círculo Artístico de San Lucas, se decantó hacia un misticismo de fuerte religiosidad, como se denota en sus pinturas para la cúpula del camarín de la iglesia del monasterio de Montserrat (1898) o los murales del comedor de la casa Recolons de Barcelona (1905).[219]​ Formado en la Escuela de la Lonja, amplió sus estudios en Italia durante cuatro años. Sus primeras obras fueron de género costumbrista, pero hacia 1890 su pintura se centró en la religión, con composiciones que aúnan realismo formal con el idealismo de los temas, con un estilo comparado a veces con Millet y Puvis de Chavannes.[222]

Joan Brull estudió en Barcelona con Simó Gómez y en París con Raphaël Collin. Su etapa más simbolista se centró entre 1898 y 1900.[223]​ En su obra destaca la representación de la figura femenina, con muchachas de etérea belleza que a menudo cobran la forma de hadas o ninfas, como en Calipso (1896, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona) o Ensueño (1897, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona).[219]

Josep Maria Tamburini desarrolló una estética parecida de idealizadas figuras femeninas, como en Armonías del bosque (1896, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona).[224]​ Iniciado en el academicismo, en el que mostró una gran perfección técnica, posteriormente fue uno de los pintores modernistas más afín al simbolismo, especialmente por su temática de contenido romántico.[225]

Sebastià Junyent fue un artista inquieto, iniciado en el impresionismo parisino al tiempo que Casas y Rusiñol pero que fue desarrollando una obra personal en que su fase más simbolista se encuentra entre 1899, año de su Clorosis de influencia whistleriana, y 1903, fecha en que realizó una Anunciación que ya señalaba un estilo más arcaizante. Su mejor obra en estos años fue Ave María (1902, colección Junyent, Barcelona), que muestra un idealismo cercano a Henri Martin.[226]​ Pudo haber influido en Pablo Picasso, con el que compartió estudio en Barcelona y al que acompañó a París.[227]

Entre los más jóvenes estaban Adrià Gual y Lluís Masriera. Gual fue, además de pintor, dramaturgo, escenógrafo, director teatral y pionero del cine. Iniciado en el realismo, efectuó un viraje radical hacia un modernismo de tendencia simbolista en 1896 con su libro ilustrado Nocturno. Andante moderado. Su mejor obra es El rocío (1897, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona). Masriera destacó más como orfebre que como pintor, pero también desarrolló una obra de notable contenido simbolista de tono refinado y decorativo.[228]

Otros artistas dentro de esta corriente fueron: Aleix Clapés, Lluís Graner, Laureà Barrau, Joaquim Vancells, Ramon Pichot y Josep Maria Xiró.[229]

Picasso

 
Timbre postal soviético de 1971, conmemorando la obra de Pablo Picasso titulada Acróbata sobre bola, realizada durante el período rosa del pintor. El cuadro original está en el Museo Pushkin, Moscú

Por último, cabe señalar el período simbolista de Pablo Picasso. Tras una formación académica y un primer contacto con el arte moderno durante su estancia en Barcelona, donde se integró en el círculo modernista, entre 1901 y 1907 se decantó por un estilo cercano al simbolismo, que se tradujo en los denominados períodos azul (1901-1904) y rosa (1904-1907) del artista malagueño.[66]

En el ambiente artístico-literario de la barcelonesa cervecería Els Quatre Gats, Picasso entró en contacto con el impresionismo, los Nabis, los simbolistas ingleses (Burne-Jones, Whistler, Beardsley), la filosofía de Nietzsche y Schopenhauer, la literatura de Ibsen, Strindberg y Maeterlinck, y la música de Wagner.[230]​ Todas estas influencias coadyuvaron a un período anímico en el que imperaba en el artista la tristeza y la melancolía —aumentada por el suicidio de su amigo Carles Casagemas en 1901—, que se tradujo en su período azul. Para entonces había efectuado su primer viaje a París en 1900, donde recibió la influencia de Toulouse-Lautrec, Carrière, Daumier y Théophile Steinlen. También se denota en esta etapa la influencia de Isidre Nonell, especialmente en el modelado y los contornos simplificados. Sus obras de este período se centran en la pobreza y la soledad, así como la maternidad y la ancianidad (La vida, 1903, Cleveland Museum of Art; Desamparados, 1903, Museo Picasso de Barcelona). Su principal rasgo estilístico es el predominio del color azul, probablemente por influencia de los Nocturnos de Whistler, los tonos azul verdosos de las últimas obras de Burne-Jones y el cuadro La vigilia de santa Genoveva de Puvis de Chavannes, de un azul casi monocromático, así como la asociación simbólica de este color con la espiritualidad y —en la obra de Verlaine y Mallarmé— con la decadencia. En 1904, ya instalado en París, se percibe la influencia de artistas manieristas y barrocos españoles como el Greco, Velázquez y Zurbarán.[231]

En el período rosa pasó de la tristeza a la alegría, con temas más joviales centrados en figuras circenses, acróbatas, bailarines y saltimbanquis (El acróbata de la bola, 1905, Museo Pushkin, Moscú; Saltimbanqui sentado con muchacho, 1906, Kunsthaus Zürich). Ello se reflejó también en su paleta, centrada en los tonos pastel, con preferencia por el rosa, así como por el gris.[232]​ Instalado en París, conoció a personajes relevantes del arte y la cultura, como Serguéi Shchukin, Daniel Henry Kahnweiler, Leo y Gertrude Stein, Henri Matisse y Guillaume Apollinaire.[233]​ El mayor éxito en su carrera y su relación con Fernande Olivier le llevaron a un mayor optimismo, lo que se tradujo en temas más amables y de colorido más suave, con imágenes plagadas de ternura y cierta nostalgia. Aun así, en ocasiones se vislumbra el dramatismo de la etapa anterior, con personajes tristes y melancólicos y escenas con cierto misterio, como en La familia de saltimbanquis (1905, National Gallery of Art, Washington D.C.).[234]

Europa del este

 
La profetisa Libuše (1893), de Karel Vítězslav Mašek, Museo de Orsay, París

Uno de los países donde más se desarrolló el simbolismo fue Bohemia (actual República Checa), perteneciente hasta 1918 al Imperio austrohúngaro y por tanto inmersa en el ámbito artístico occidental, especialmente el germánico.[235]​ Uno de sus mejores exponentes fue František Kupka, discípulo del pintor nazareno František Sequens, que para pagarse las clases trabajó como médium espiritista. En 1895 viajó a París, donde recibió la influencia de Ensor y Toulouse-Lautrec. Interesado en el ocultismo, realizó obras de un misticismo decorativo, fantástico y dramático: La mujer y el dinero (1899, Národní Galerie, Praga), Balada de Epona (Las alegrías) (1900, Národní Galerie, Praga), El principio de la vida (1900-1903, Centre Georges Pompidou, París). Desde los años 1910 su obra se encaminó hacia la abstracción.[235]

 
Primavera (1896), de Alfons Mucha, colección privada

Alfons Mucha fue un artista a medio camino entre el modernismo y el simbolismo. Vivió y trabajó en Viena y Múnich antes de establecerse en París en 1887, donde estudió en la Académie Julian. Posteriormente vivió varios años en Estados Unidos (1904-1911), hasta que regresó a su patria, donde se dedicó al formato monumental. Fue pintor, grabador, dibujante, cartelista, fotógrafo y diseñador de joyas. Trabajó como ilustrador para el periódico La plume y cosechó un gran éxito en la confección de carteles teatrales, especialmente los realizados para Sarah Bernhardt.[236]​ Sus composiciones se basaban frecuentemente en la fotografía, con un estilo ligero y elegante en el que destaca la imagen femenina, dotada de una belleza sobrenatural, así como el gusto por el arabesco y la decoración floral.[78]

Jan Preisler representaba por lo general temas espirituales, estados anímicos convertidos en algo tangible, en los que el propio artista exponía sus intenciones en la obra. Tiene aquí un elemento en común con Edvard Munch, artista al que admiraba Preisler.[61]​ Recibió la influencia de Hans von Marées, Maurice Denis y Puvis de Chavannes. Su obra muestra la preocupación por el ser humano en todas las facetas de la vida, desde las sentimentales hasta la fantasía de cuentos y mitos, y apunta en buena medida hacia el expresionismo.[237]

 
Frenesí de exaltaciones (1893), de Władysław Podkowiński, Museo Nacional de Cracovia

Karel Vítězslav Mašek fue pintor y arquitecto. En una estancia en París, donde fue alumno de Alphonse Osbert y Henri Martin, adoptó el puntillismo de Seurat, para decantarse luego por el simbolismo. Su obra muestra un fuerte decorativismo, no en vano fue profesor en la Escuela de Artes Decorativas de Praga.[145]​ En ocasiones utilizó mosaicos de colores luminiscentes, como Klimt.[238]

Otros representantes del simbolismo checo son: Jakub Schikaneder, Max Švabinský, Antonín Slavíček y Ludvík Kuba.[237]

Polonia pasaba en esta época una difícil situación, con su territorio dividido en tres partes entre Rusia, Prusia y el Imperio austrohúngaro, y su idioma y cultura proscritos en los ámbitos ruso y prusiano; en el lado austriaco —centrado en Cracovia—, menos represivo, fue donde más se desarrolló la cultura polaca.[236]​ En relación al simbolismo, un factor esencial fue la obra del escritor Stanisław Przybyszewski, poeta y teórico del arte, un personaje provocador partidario del satanismo, que difundió el simbolismo en su país.[239]​ Junto con Stanisław Wyspiański fundó la revista Życie (Vida), que fue el órgano de una asociación artística denominada Młoda Polska (Joven Polonia), que promovió un simbolismo de tono decadentista, así como el neorromanticismo, el impresionismo y el modernismo.[240]

Wyspiański fue pintor, poeta y dramaturgo. Alumno del academicista Jan Matejko, estudió también literatura e historia del arte. Amplió sus estudios en la parisiense Académie Colarossi, entre 1890 y 1894. De regreso a su país introdujo el decorativismo secesionista en el panorama artístico, lo que ayudó a su renovación.[241]​ Destacó como retratista e ilustrador, y diseñó también vidrieras, como las de la iglesia de los Franciscanos de Cracovia.[242]

Como el anterior, Józef Mehoffer fue alumno de Jan Matejko y estudió en la Académie Colarossi de París, donde trabó amistad con Gauguin y Mucha.[243]​ Realizó ilustraciones para las revistas Życie y Chimera. También diseñó vidrieras, como las de la iglesia de San Nicolás de Friburgo.[74]

Jacek Malczewski fue alumno también de Jan Matejko, de quien tomó el gusto por los temas históricos, así como los mitológicos y religiosos.[244]​ Pintó numerosos autorretratos con diversos disfraces, en ocasiones en interrelación con una hermosa mujer que representa la muerte. Preocupado por la situación de su país, en su Hamlet polaco (1903, Museo Nacional de Varsovia) pintó dos mujeres, una con las manos atadas y otra que rompe sus cadenas, representando la antigua y la nueva Polonia.[145]

 
Eloé (1892), de Witold Pruszkowski, Muzeum Narodowe, Wrocław

Józef Pankiewicz se inició en el impresionismo y tuvo también contactos con el secesionismo vienés, pero posteriormente recibió el influjo del simbolismo, con preferencia por el género del nocturno (Cisnes en el jardín de Sajonia, 1896, Museo de Cracovia).[245]​ Fue miembro de la sociedad Sztuka (Arte), fundada en Cracovia en 1897 con el objetivo de impulsar el arte contrario al academicismo y fomentar el circuito de exposiciones en Polonia. Los miembros de este grupo mostraban tendencias artísticas que iban desde el impresionismo y simbolismo hasta el expresionismo.[246]

Witold Wojtkiewicz se centró en el mundo de la infancia y el circo, con un estilo que combina lo lírico y lo grotesco y que se acerca al expresionismo y el surrealismo. Murió a los treinta años.[241]

Otros exponentes del simbolismo polaco fueron: Bruno Schulz, Władysław Ślewiński, Wojciech Weiss, Władysław Podkowiński y Witold Pruszkowski.[247]

En Hungría destacó József Rippl-Rónai. Discípulo del academicista Mihály Munkácsy, se trasladó a París y contactó con el ambiente simbolista de esa ciudad; también visitó la colonia artística de Pont-Aven, frecuentó a los Nabis y trabó amistad con Whistler y Carrière. En 1897 el marchante Samuel Bing organizó una exposición de su obra con 130 cuadros suyos. En 1902 regresó a su país natal. Su obra muestra una cierta monumentalidad y un aire solemne, con tendencia a la monocromía y a sintetizar la forma y el color, y una paleta clara y amable.[248]

János Vaszary recibió la influencia de Puvis de Chavannes, lo que se denota en su gusto por la pintura mural, especialmente en paisajes de composición estilizada con contornos de fina línea negra, con figuras naturalistas de correcto dibujo anatómico.[248]​ Otro representante fue Aladár Körösfői-Kriesch, de estilo semejante al anterior en su contraste de formas planas y figuras bien definidas anatómicamente, con cierta influencia de Gustav Klimt y del nazareno Melchior Lechter. Su obra denota cierto clasicismo, con un cromatismo frío que contrasta con su gusto por el color dorado.[248]

 
Diseño de bailarina para El pájaro de fuego (1910), de Lev Bakst

En Rusia, el simbolismo se desarrolló en amplia interrelación con la literatura de Tolstoi y Dostoyevski y la música de Rimski-Korsakov.[51]​ En 1898, Alexandre Benois y Serguéi Diáguilev fundaron en San Petersburgo el grupo Mir Iskusstva (Mundo del arte), con el objetivo de renovar el panorama artístico ruso y desmarcarse del academicismo. Entre sus influencias, además del modernismo y el simbolismo, se encontraban el arte popular y medieval, así como el dibujo infantil y el arte primitivo, de los que extrajeron su preferencia por la simplificación formal y los colores brillantes, dos de sus principales señas de identidad. Al igual que los Nabis, tenían el objetivo de lograr una síntesis de las artes, por lo que se preocuparon por igual de la pintura y la escultura que de la cerámica o la madera, y también incursionaron en las artes escenográficas, como se manifiesta en los Ballets Rusos de Diáguilev. En 1900 se incorporó al grupo Lev Bakst, pintor, escenógrafo y diseñador de vestuario, influido por el modernismo y el arte oriental. El grupo editó una revista de su mismo nombre, Mir Iskusstva, y organizó exposiciones de artistas occidentales. La primera tuvo lugar en San Petersburgo en 1899, con obras de Degas, Monet, Moreau, Böcklin, Puvis de Chavannes y Whistler. La última, en 1906, supuso el debut de algunos artistas vanguardistas como Mijaíl Larionov, Natalia Goncharova y Alekséi von Jawlensky. Ese mismo año Diáguilev organizó una muestra de arte ruso en el Salon d'Autumne de París. Tras la misma se disolvió el grupo. Entre 1910 y 1924 fue utilizado su nombre como sociedad expositiva, pero centrada ya en el arte vanguardista.[249]

Los Ballets Rusos fue una compañía de ballet creada en 1909 por Diáguilev, integrada principalmente por bailarines del Ballet Imperial del Teatro Mariinski de San Petersburgo, entre los que destacaba Vaslav Nijinsky. Estuvo afincada sucesivamente en París, Montecarlo, de nuevo París y Londres. Además de por la música y el ballet, destacó especialmente por sus escenografías, decorados y vestuarios, diseñados sobre todo por Benois y Bakst, así como otros artistas como Nikolái Roerich, Konstantin Korovin y Aleksandr Golovín. Alexandre Benois, de ascendencia francesa, fue pintor, escenógrafo, historiador y crítico de arte. En sus escenografías combinó el arte tradicional ruso con algunos elementos del rococó francés.[250]​ Lev Bakst estudió en la parisiense Académie Julian y fue alumno de Jean-Léon Gérôme.[75]​ Combinó el arte popular ruso con el arte francés moderno, con un estilo colorista que destaca por su sentido del ritmo.[251]​ Entre las principales producciones de la compañía se encuentran: Danzas polovtsianas de El príncipe Igor, con decorados y vestuario de Roerich (1909); El festín, con decorados de Korovin y vestuario de Korovin, Bakst y Benois (1909); Los jardines de Armida, de Benois (1909); Cleopatra, de Bakst (1909); Las sílfides, de Benois (1909); El pájaro de fuego, de Golovin (1910); Scheherezade, de Bakst (1910), Petrushka, de Benois (1911); El Espectro de la rosa, de Bakst (1911); La siesta de un fauno, de Bakst (1912); y La leyenda de José (1914), de Bakst y Josep Maria Sert. Desde 1914 los ballets se alejaron del estilo simbolista. La compañía se disolvió en 1929, tras la muerte de Diáguilev.[252]

 
El demonio caído (1901), de Mijaíl Vrúbel, Museo Pushkin, Moscú

Fuera de este grupo destaca la obra de Mijaíl Vrúbel. Estudió derecho antes de iniciarse en la pintura a los veinticuatro años, y dedicó cinco años a la restauración de los frescos de la iglesia de San Cirilo de Kiev, para posteriormente instalarse en Moscú e iniciar su andadura personal. Sus temas preferidos fueron los retratos, las escenas de ballet y las representaciones mitológicas y alegóricas. Realizó durante quince años varias obras inspiradas en El demonio de Lermontov, en el que un demonio se enamora de una joven y, para poseerla, mata a su novio; cuando la joven se recluye en un convento la seduce, pero ella muere y el demonio se queda solo. En la obra de Vrúbel el demonio evoluciona de un ser de belleza sobrehumana a un ser aplastado y desesperado. A los treinta y seis años empezó a tener síntomas de demencia, a los cuarenta perdió la vista y murió a los cuarenta y cuatro años. Apodado el «Cézanne ruso» por Naum Gabo, su obra influyó en Malevich y Kandinski.[253]

 
Sadko (1876), de Iliá Repin, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo

El simbolismo influyó también en la obra madura de Iliá Repin, un pintor realista miembro del grupo Peredvízhniki (Ambulantes), con un estilo melodramático de introspección psicológica. En 1890 se integró en el círculo de Mir Iskusstva y atravesó una fase simbolista.[61]​ Fue miembro del comité redactor de la revista y participó en varias exposiciones organizadas por Diáguilev. Sin embargo, pronto se separó del grupo, al que consideraba diletante, y continuó con su estilo realista.[254]

Kuzmá Petrov-Vodkin estudió en Moscú y París, y viajó por Francia, Italia, Grecia y África. Recibió la influencia de Puvis de Chavannes, Hodler y Denis. Su obra se centra en conceptos ideales como la belleza, el amor y la felicidad.[66]​ Su estilo, inspirado a menudo en los iconos tradicionales rusos, se caracteriza por los fuertes contrastes cromáticos y el uso de perspectivas de arriba abajo. En su última etapa evolucionó hacia el realismo.[255]

Valentin Serov fue alumno de Repin y amplió sus estudios en París y Mónaco. Fue un destacado retratista que realizó imágenes de Nicolás II, Maksim Gorki y Nikolai Rimski-Korsakov, entre otros. Fue miembro de Mir Iskusstva y colaborador de Diáguilev.[73]​ Evolucionó desde un cierto impresionismo hacia un simbolismo influido por el arte tradicional ruso y el arte clásico griego.[256]

Otros exponentes del simbolismo ruso fueron: Viktor Zamiraylo, Konstantin Somov, Viktor Borisov-Musatov y Viktor Vasnetsov.[257]

 
Pareja de jinetes (1907), de Vasili Kandinski

En Rusia cabe citar también la fase simbolista de dos jóvenes artistas que luego destacarían en el arte de vanguardia: Vasili Kandinski y Kasimir Malevich. Kandinski estudió derecho, economía y política antes de pasarse al arte. En 1899 se instaló en Múnich, donde estudió con Anton Ažbe y Franz von Stuck. Entre 1903 y 1907 viajó por Italia, Francia y África. Entre 1907 y 1914 vivió entre Berlín y Múnich. Tras unos años de vuelta a Rusia, en 1922 regresó a Alemania y en 1933 se instaló en Francia. La primera fase de su obra puede enmarcarse en el simbolismo, en la que su fuente de inspiración fueron los cuentos y leyendas eslavas, así como elementos de la religiosidad ortodoxa y de cierta tendencia al ocultismo, perceptible por ejemplo en la transcripción simbólica de sus colores. En 1911 se adhirió al grupo expresionista Der Blaue Reiter y fue decantándose hacia la abstracción, de la que fue uno de sus pioneros.[152]

Malevich, futuro fundador del suprematismo, tuvo en sus inicios una fase simbolista, caracterizada por el erotismo aunado con cierto misticismo de corte esotérico, con un estilo tendente a la monocromía, con predominio del rojo y el amarillo: Mujer cogiendo flores (1908, colección privada), Encina y dríadas (1908, colección privada).[258]​ Fue alumno de Borisov-Musatov, quien a su vez había sido alumno de Moreau.[145]​ Influido por Maurice Denis, su dibujo tenía cierta tendencia al primitivismo.[259]

Cabe citar en último lugar al lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, pintor y compositor, un artista innovador con tendencia hacia la abstracción. Interesado en la mitología lituana y la filosofía de Nietzsche y Rudolf Steiner, su estilo se movió entre el simbolismo y la abstracción, en el que se denota una fuerte inspiración en la música.[68]​ Entre 1906 y 1908 realizó una serie de «abstracciones musicales» (Composición, Sonata del mar, Sonata piramidal) que pretendían transcibir al ámbito pictórico los ritmos musicales, en unas obras de tendencia abstractizante que buscaban reflejar en líneas simplificadas las energías cósmicas que pretendía captar con su obra.[260]​ Murió pobre a los treinta y seis años.[261]

Estados Unidos

 
La copa de la muerte (1885), de Elihu Vedder, Virginia Museum of Fine Arts, Richmond

En Estados Unidos el simbolismo tuvo escasa implantación, pero fue practicado por unos pocos artistas que lo habían conocido en viajes a Europa. Al igual que en Reino Unido con el prerrafaelismo, en el país norteamericano se suele considerar como un precedente la obra desarrollada por la Escuela del río Hudson y, especialmente, por Thomas Cole, un pintor de origen británico autor de paisajes de tono alegórico y romántico, como El viaje de la vida (1842, National Gallery of Art, Washington D. C.), una serie de cuatro lienzos que representan el ciclo de la vida humana: infancia, juventud, madurez y vejez, en forma de un viajero que surca en barca un río (la Vida) guiado por un ángel custodio.[262]

El panorama artístico estadounidense era más bien hostil al simbolismo, ya que por su idiosincrasia era más tendente al realismo: allí aún predominaba el positivismo cientificista y se tenía una viva idea del progreso, especialmente en el terreno económico, ya que no en vano este país es junto con Reino Unido la cuna del capitalismo. Así, se veía con recelo alguno de los aspectos de la cultura finisecular europea, especialmente en lo tendente al decadentismo, que chocaba frontalmente con el fundamentalismo religioso propiciado por el protestantismo. En este país, incluso, el arte y la poesía eran consideradas actividades femeninas.[263]​ Pese a todo, se produjeron diversos vestigios de arte simbolista, practicado por artistas de formación europea como Albert Pinkham Ryder, Arthur Bowen Davies, Elihu Vedder, Maurice Prendergast y John White Alexander.[264]

 
Siegfried y las doncellas del Rhin (1888-1891), de Albert Pinkham Ryder, National Gallery of Art, Washington D. C.

De formación autodidacta, Ryder elaboró paisajes y marinas, dos géneros no muy tratados por los simbolistas, pero con un aire visionario que los convertía —según sus propias palabras— en algo «mejor que la naturaleza, que vibraba con la emoción de una nueva creación». Inspirado en la obra de Shakespeare, Byron, Wagner y Poe, así como la Biblia y la mitología, sus obras expresan una temática relativa a la maldad y la muerte.[120]

Davies también elaboró paisajes de tipo alegórico, que denotan la influencia simbolista por su predilección por la temática onírica y sensual, así como lo romántico y decorativo. Fue uno de los organizadores del Armory Show, que presentó en Estados Unidos las obras de los artistas simbolistas, así como impresionistas, fauvistas y cubistas.[120]​ Recibió la influencia de Böcklin y el prerrafaelismo.[68]

Instalado en Roma desde 1867, desde donde regresó ocasionalmente a su tierra, Vedder recibió la influencia del prerrafaelismo y de Odilon Redon, y aunque a menudo eligió temas históricos y religiosos —así como paisajes— los reinterpretó al modo simbolista, en imágenes fantásticas y alegóricas en las que la figuración detallista se subordina al contenido simbólico, como en La copa de la muerte (1885, Virginia Museum of Fine Arts, Richmond).[265]

 
Visiones de gloria (1896), de Arthur Bowen Davies, Colección Phillips, Washington D. C.

Alexander fue pintor e ilustrador, formado en Múnich, Florencia y Venecia entre 1877 y 1881. Tras una estancia en Nueva York en que destacó como retratista, vivió en París entre 1890 y 1901, donde frecuentó a Whistler, Rodin, Mallarmé y Henry James. Fue director de la National Academy of Design. Destacó especialmente en el retrato femenino.[75]

Maurice Prendergast fue también un artista bastante vinculado a Europa: entre 1891 y 1894 estudió en las academias Julian y Colarossi, y recibió la influencia especialmente de Manet, Whistler, Seurat, Toulouse-Lautrec y los Nabis. Durante la transición de siglo su obra estuvo más cercana al impresionismo, y fue a mediados de la década de 1910 que se aproximó más al simbolismo, en obras como The promenade (1914-1915, Detroit Institute of Arts). En la última fase de su obra se acercó al fauvismo matissiano.[266]

El simbolismo influyó también por un tiempo a John Singer Sargent, un pintor clasicista que destacó como retratista social, cercano en ocasiones al impresionismo. En 1895 recibió el encargo para decorar la Biblioteca Pública de Boston, para la que desarrolló un ciclo mural basado en El progreso de la religión que denota la influencia simbolista, especialmente en las deidades paganas de Próximo Oriente.[267]

Conviene citar en último lugar a James Abbott McNeill Whistler, un pintor estadounidense afincado en el Reino Unido que, aunque ligado sobre todo al impresionismo, se le relaciona en ocasiones con el simbolismo por su concepción idealista del arte, al que consideraba «una divinidad de esencia delicada».[264]​ Permaneció un tiempo en Francia, donde estudió en la École des Beaux-Arts con Charles Gleyre. Allí conoció a Legros y Fantin-Latour, con quienes fundó la Société des Trois. En 1859 se instaló en Londres, aunque siguió viajando frecuentemente a Francia. Fue un eminente dandi y defensor de l'art pour l'art, y rechazó en la pintura cualquier componente narrativo o moral; según él, si «la música es la pintura del oído, la pintura debe serlo del ojo». Su estilo era ligero, de colores simples y tonalidades algo abstractas.[268]​ Whistler se aleja del simbolismo por su ausencia de contenido metafísico, pero aportó importantes conceptos a la teoría simbolista, como la autonomía del arte respecto a cualquier concepto moral. También influyó en el simbolismo su gusto por el arte japonés, su decoración mediante pautas inspiradas en plumas de pavo real y su tendencia a titular sus obras con conceptos musicales como «nocturno», «arreglo» y «sinfonía».[269]

Véase también

Referencias

  1. Chilvers, 2007, p. 888.
  2. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 894.
  3. Chilvers, 2007, pp. 888-889.
  4. Chilvers, 2007, p. 889.
  5. Chilvers, 2007, p. 61.
  6. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1856.
  7. Dobai y Coradeschi, 1981, p. 5.
  8. Fernández Polanco, 1989, p. 6.
  9. Wolf, 2009, pp. 8-9.
  10. Buendía y Gállego, 2003, p. 641.
  11. Dempsey, 2002, p. 41.
  12. Fernández Polanco, 1989, p. 40.
  13. Fernández Polanco, 1989, pp. 10-12.
  14. Wolf, 2009, p. 7.
  15. Lemaire, 1997, p. 6.
  16. Lemaire, 1997, p. 7.
  17. Fernández Polanco, 1989, pp. 38-40.
  18. Wolf, 2009, p. 18.
  19. Fernández Polanco, 1989, pp. 12-13.
  20. Wolf, 2009, pp. 19-20.
  21. Lucie-Smith, 1991, pp. 12-20.
  22. Wolf, 2009, p. 9.
  23. Lucie-Smith, 1991, p. 23.
  24. Diccionario Larousse de la Pintura, pp. 1856-1847.
  25. Fernández Polanco, 1989, p. 32.
  26. Fernández Polanco, 1989, pp. 8-10.
  27. Dempsey, 2002, p. 31.
  28. Fernández Polanco, 1989, p. 10.
  29. Dempsey, 2002, p. 43.
  30. Wolf, 2009, p. 16.
  31. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1857.
  32. Wolf, 2009, p. 12.
  33. Eco, 2004, p. 329.
  34. Beardsley y Hospers, 1990, p. 70.
  35. Eco, 2004, p. 333..
  36. Honour y Fleming, 2002, p. 680.
  37. Fahr-Becker, 2008, pp. 25-26.
  38. Givone, 2001, p. 114.
  39. Eco, 2004, p. 340.
  40. Fahr-Becker, 2008, p. 71.
  41. Fernández Polanco, 1989, p. 68.
  42. Dempsey, 2002, pp. 30-31.
  43. Eco, 2004, pp. 336-337.
  44. Wolf, 2009, pp. 12-13.
  45. Fernández Polanco, 1989, pp. 40-41.
  46. Wolf, 2009, p. 20.
  47. Fahr-Becker, 2008, p. 90.
  48. Fernández Polanco, 1989, p. 13.
  49. Gibson, 2006, p. 33.
  50. Gibson, 2006, pp. 45-49.
  51. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1860.
  52. Gibson, 2006, p. 31.
  53. Chilvers, 2007, p. 649.
  54. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 662.
  55. Fernández Polanco, 1989, p. 44.
  56. Aguilera, 1972, pp. 296-297.
  57. Gibson, 2006, p. 36.
  58. Chilvers, 2007, p. 773.
  59. Pijoán y Gaya Nuño, 1967, p. 167.
  60. Pijoán y Gaya Nuño, 1967, p. 168.
  61. Gibson, 2006, p. 240.
  62. Hamilton, 1989, p. 83.
  63. Chilvers, 2007, pp. 789-790.
  64. Fernández Polanco, 1989, p. 45.
  65. Hamilton, 1989, p. 85.
  66. Gibson, 2006, p. 239.
  67. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1478.
  68. Gibson, 2006, p. 230.
  69. Lucie-Smith, 1991, p. 87.
  70. Gibson, 2006, p. 232.
  71. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 617.
  72. Gibson, 2006, p. 235.
  73. Gibson, 2006, p. 242.
  74. Gibson, 2006, p. 237.
  75. Gibson, 2006, p. 228.
  76. Hofstätter, 1981, p. 106.
  77. «Gaston Bussière Biography» (en inglés). Consultado el 21 de octubre de 2018. 
  78. Gibson, 2006, p. 238.
  79. Gibson, 2006, p. 233.
  80. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 851.
  81. Gibson, 2006, p. 241.
  82. Buendía y Gállego, 2003, p. 656.
  83. Tazartes, 1999, p. 32.
  84. Buendía y Gállego, 2003, p. 664.
  85. Chilvers, 2007, p. 753.
  86. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 768.
  87. Fernández Polanco, 1989, p. 29.
  88. Fernández Polanco, 1989, p. 30.
  89. Dempsey, 2002, p. 49.
  90. Dempsey, 2002, p. 50.
  91. Dempsey, 2002, p. 53.
  92. Lucie-Smith, 1991, p. 114.
  93. Dempsey, 2002, p. 55.
  94. Chilvers, 2007, p. 669.
  95. Pijoán y Gaya Nuño, 1967, p. 310.
  96. Fernández Polanco, 1989, pp. 32-33.
  97. Gibson, 2006, p. 49.
  98. Dempsey, 2002, p. 51.
  99. Hofstätter, 1981, pp. 95-96.
  100. Gibson, 2006, p. 231.
  101. Hofstätter, 1981, pp. 93-95.
  102. Gibson, 2006, p. 243.
  103. Hofstätter, 1981, p. 98.
  104. Chilvers, 2007, p. 128.
  105. Chilvers, 2007, p. 1002.
  106. Fahr-Becker, 2008, p. 409.
  107. Hofstätter, 1981, pp. 96-97.
  108. Fernández Polanco, 1989, p. 46.
  109. Gibson, 2006, p. 56.
  110. Fernández Polanco, 1989, p. 48.
  111. Dempsey, 2002, p. 56.
  112. Fahr-Becker, 2008, p. 131.
  113. Tarabra, 2009, p. 300.
  114. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1858.
  115. Dempsey, 2002, p. 25.
  116. Dempsey, 2002, pp. 25-26.
  117. Gibson, 2006, p. 87.
  118. Chilvers, 2007, p. 826.
  119. Fernández Polanco, 1989, p. 149.
  120. Dempsey, 2002, p. 44.
  121. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 501.
  122. Gibson, 2006, p. 94.
  123. Fernández Polanco, 1989, p. 49.
  124. Gibson, 2006, p. 104.
  125. Fernández Polanco, 1989, pp. 50-52.
  126. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 492.
  127. Gibson, 2006, pp. 108-110.
  128. Gibson, 2006, pp. 242-243.
  129. Gibson, 2006, p. 109.
  130. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 731.
  131. Gibson, 2006, p. 103.
  132. Gibson, 2006, pp. 110-111.
  133. Gibson, 2006, p. 111.
  134. Hofstätter, 1981, p. 154.
  135. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 946.
  136. Gibson, 2006, pp. 111-115.
  137. Fahr-Becker, 2008, p. 165.
  138. Lucie-Smith, 1991, p. 172.
  139. Gibson, 2006, p. 226.
  140. Chilvers, 2007, p. 642.
  141. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 654.
  142. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1859.
  143. Gibson, 2006, p. 125.
  144. Dobai y Coradeschi, 1981, p. 11.
  145. Gibson, 2006, p. 236.
  146. Gibson, 2006, pp. 234-235.
  147. Chilvers, 2007, p. 517.
  148. Fernández Polanco, 1989, p. 57.
  149. Gibson, 2006, p. 131.
  150. Gibson, 2006, p. 136.
  151. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 418.
  152. Gibson, 2006, p. 234.
  153. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 587.
  154. Chilvers, 2007, p. 123.
  155. Fernández Polanco, 1989, pp. 49-50.
  156. Chilvers, 2007, p. 471.
  157. Fernández Polanco, 1989, p. 50.
  158. Hofstätter, 1981, pp. 111-112.
  159. Chilvers, 2007, p. 516.
  160. Gibson, 2006, pp. 138-139.
  161. Dobai y Coradeschi, 1981, p. 87.
  162. Dobai y Coradeschi, 1981, pp. 97-104.
  163. Gibson, 2006, p. 140.
  164. Gibson, 2006, p. 139.
  165. Lucie-Smith, 1991, p. 198.
  166. García Felguera, 1993, p. 50.
  167. García Felguera, 1993, p. 49.
  168. Lucie-Smith, 1991, pp. 127-129.
  169. Gibson, 2006, pp. 78-80.
  170. Fahr-Becker, 2008, p. 50.
  171. Lucie-Smith, 1991, p. 134.
  172. Fahr-Becker, 2008, pp. 43-46.
  173. Lucie-Smith, 1991, p. 135.
  174. Chilvers, 2007, p. 807.
  175. Wolf, 2009, p. 54.
  176. Wolf, 2009, p. 70.
  177. Chilvers, 2007, p. 1008.
  178. Lucie-Smith, 1991, p. 139.
  179. Lucie-Smith, 1991, pp. 136-137.
  180. Fernández Polanco, 1989, p. 56.
  181. Gibson, 2006, p. 152.
  182. Buendía y Gállego, 2003, p. 682.
  183. Asunción, 2002, p. 15.
  184. Gibson, 2006, p. 149.
  185. Chilvers, 2007, p. 1020.
  186. Fahr-Becker, 2008, p. 400.
  187. Gibson, 2006, pp. 152-153.
  188. Wolf, 2009, p. 48.
  189. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1040.
  190. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 917.
  191. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1900.
  192. Gibson, 2006, p. 197.
  193. Wolf, 2009, p. 52.
  194. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 883.
  195. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 785.
  196. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 738.
  197. Eco y Calabrese, 1987, p. 186.
  198. Gibson, 2006, pp. 198-200.
  199. Buendía y Gállego, 2003, p. 685.
  200. Gibson, 2006, pp. 199-203.
  201. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 122.
  202. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 141.
  203. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 857.
  204. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 263.
  205. Hofstätter, 1981, p. 253.
  206. Hofstätter, 1981, pp. 270-271.
  207. Hofstätter, 1981, p. 254.
  208. Hofstätter, 1981, p. 255.
  209. Hofstätter, 1981, p. 268.
  210. Hofstätter, 1981, pp. 272-273.
  211. Hofstätter, 1981, p. 274.
  212. Hofstätter, 1981, p. 271.
  213. «Luis Ricardo Falero». Consultado el 23 de octubre de 2018. 
  214. Wolf, 2009, p. 90.
  215. Socías, 1987, p. 28.
  216. Socías, 1987, pp. 31-33.
  217. Hofstätter, 1981, p. 256.
  218. Hofstätter, 1981, p. 249.
  219. Hofstätter, 1981, p. 257.
  220. Socías, 1987, p. 45.
  221. Hofstätter, 1981, pp. 256-257.
  222. Socías, 1987, pp. 39-41.
  223. Gibson, 2006, p. 229.
  224. Hofstätter, 1981, p. 260.
  225. Socías, 1987, p. 38.
  226. Hofstätter, 1981, pp. 260-261.
  227. Socías, 1987, p. 50.
  228. Hofstätter, 1981, p. 262.
  229. Socías, 1987, pp. 34-61.
  230. Hamilton, 1989, p. 147.
  231. Hamilton, 1989, pp. 147-148.
  232. Hamilton, 1989, p. 150.
  233. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 749.
  234. Mas Marqués, 2000, pp. 32.
  235. Gibson, 2006, p. 155.
  236. Gibson, 2006, p. 156.
  237. Hofstätter, 1981, p. 236.
  238. Gibson, 2006, p. 167.
  239. Gibson, 2006, pp. 157-158.
  240. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1607.
  241. Gibson, 2006, p. 245.
  242. Gibson, 2006, p. 158.
  243. Gibson, 2006, p. 159.
  244. Gibson, 2006, pp. 159-161.
  245. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1510.
  246. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1920.
  247. Gibson, 2006, pp. 157-164.
  248. Hofstätter, 1981, p. 235.
  249. Dempsey, 2002, pp. 62-63.
  250. Chilvers, 2007, p. 103.
  251. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 68.
  252. Enciclopedia del Arte Garzanti, p. 142.
  253. Gibson, 2006, pp. 176-179.
  254. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1686.
  255. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1571.
  256. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1834.
  257. Gibson, 2006, pp. 177-189.
  258. Gibson, 2006, p. 181.
  259. Gibson, 2006, p. 191.
  260. Hamilton, 1989, p. 145.
  261. Gibson, 2006, p. 189.
  262. Gibson, 2006, p. 82.
  263. Gibson, 2006, p. 83.
  264. Gibson, 2006, p. 84.
  265. Wolf, 2009, p. 34.
  266. Diccionario Larousse de la Pintura, p. 1639.
  267. Lucie-Smith, 1991, p. 144.
  268. Gibson, 2006, p. 244.
  269. Lucie-Smith, 1991, p. 140.

Bibliografía

Enlaces externos

  •   Datos: Q10349903
  •   Multimedia: Symbolist paintings

pintura, simbolista, pintura, simbolista, principales, manifestaciones, artísticas, simbolismo, movimiento, cultural, surgido, finales, siglo, francia, desarrolló, diversos, países, europeos, inicio, esta, corriente, poesía, especialmente, gracias, impacto, fl. La pintura simbolista fue una de las principales manifestaciones artisticas del simbolismo un movimiento cultural surgido a finales del siglo XIX en Francia y que se desarrollo por diversos paises europeos El inicio de esta corriente se dio en poesia especialmente gracias al impacto de Las flores del mal de Charles Baudelaire 1868 que influyo poderosamente en una generacion de jovenes poetas entre los que destacan Paul Verlaine Stephane Mallarme y Arthur Rimbaud El termino simbolismo fue acunado por Jean Moreas en un manifiesto literario publicado en Le Figaro en 1886 Las premisas esteticas del simbolismo pasaron de la poesia a otras artes especialmente la pintura la escultura la musica y el teatro La cronologia de este estilo es dificil de establecer el punto algido se encuentra entre 1885 y 1905 pero ya desde los anos 1860 habia obras que apuntaban al simbolismo mientras que su culminacion puede establecerse en el inicio de la Primera Guerra Mundial Jupiter y Semele 1894 1895 de Gustave Moreau Museo Gustave Moreau Paris En pintura el simbolismo fue un estilo de corte fantastico y onirico que surgio como reaccion al naturalismo de la corriente realista e impresionista frente a cuya objetividad y descripcion detallada de la realidad opusieron la subjetividad y la plasmacion de lo oculto y lo irracional frente a la representacion la evocacion o la sugerencia Asi como en poesia el ritmo de las palabras servia para expresar un significado trascendente en pintura se busco la forma de que el color y la linea expresasen ideas En este movimiento todas las artes estaban relacionadas y asi a menudo se comparaba la pintura de Redon con la poesia de Baudelaire o la musica de Debussy 1 Este estilo puso un especial enfasis en el mundo de los suenos y el misticismo asi como en diversos aspectos de la contracultura y la marginalidad como el esoterismo el satanismo el terror la muerte el pecado el sexo y la perversion es sintomatico en este sentido la fascinacion de estos artistas por la figura de la femme fatale Todo ello se manifesto en consonancia con el decadentismo una corriente cultural finisecular que incidia en los aspectos mas existenciales de la vida y en el pesimismo como actitud vital asi como la evasion y la exaltacion del inconsciente Otra corriente ligada al simbolismo fue el esteticismo una reaccion al utilitarismo imperante en la epoca y a la fealdad y materialismo de la era industrial Frente a ello se otorgo al arte y a la belleza una autonomia propia sintetizada en la formula de Theophile Gautier el arte por el arte L art pour l art Algunos artistas simbolistas tambien estuvieron vinculados a la teosofia y a organizaciones esotericas como los Rosacruz 2 Cabe senalar que estilisticamente hubo una gran diversidad dentro de la pintura simbolista como se denota comparando el exotismo suntuoso de Gustave Moreau con la serenidad melancolica de Pierre Puvis de Chavannes 3 El simbolismo pictorico estuvo relacionado con otros movimientos anteriores y posteriores se suele considerar al prerrafaelismo como un antecedente de este movimiento al tiempo que ya comenzado el siglo XX entronco con el expresionismo especialmente gracias a figuras como Edvard Munch y James Ensor Por otro lado se consideran simbolistas o directamente relacionadas con el simbolismo algunas escuelas o asociaciones artisticas como la Escuela de Pont Aven o el grupo de los Nabis 4 Tambien fueron herederos en cierta medida del neoimpresionismo cuya tecnica puntillista fue la primera en romper con el naturalismo impresionista Por otro lado el postimpresionista Paul Gauguin ejercio un poderoso influjo en los inicios del simbolismo gracias a su vinculacion con la Escuela de Pont Aven y el cloisonismo 2 Esta corriente estuvo vinculada tambien al modernismo conocido como art nouveau en Francia Modern Style en Reino Unido Jugendstil en Alemania Sezession en Austria o Liberty en Italia 5 Indice 1 Caracteristicas generales 1 1 Antecedentes 1 2 Fuentes literarias 1 3 Esteticismo 1 4 Decadentismo 1 5 Difusion y legado 2 Francia 2 1 La Escuela de Pont Aven 2 2 Los Nabis 2 3 Los Rosacruz 2 4 El simbolismo pompier 3 Belgica y Paises Bajos 4 Paises germanicos 5 Reino Unido 6 Paises escandinavos 7 Italia 8 Espana 8 1 Modernismo catalan 8 2 Picasso 9 Europa del este 10 Estados Unidos 11 Vease tambien 12 Referencias 13 Bibliografia 14 Enlaces externosCaracteristicas generales Editar El arte Las caricias la esfinge 1896 de Fernand Khnopff Musees Royaux des Beaux Arts de Belgique Bruselas El simbolismo surgio como reaccion a las multiples tendencias vinculadas al realismo en el ambito de la cultura a lo largo del siglo XIX Factores como el progreso de la ciencia desde el Renacimiento que en esta centuria propicio el positivismo cientifico el desarrollo de la industria y el comercio originado con el capitalismo y la Revolucion industrial la preferencia de la burguesia por el naturalismo cultural y el surgimiento del socialismo con su tendencia al materialismo filosofico propiciaron a lo largo del siglo una clara preferencia por el realismo artistico que se denoto en movimientos como la pintura realista y el impresionismo En contraposicion a ello primero los poetas y luego los artistas expresaron un nuevo modo de entender la vida mas subjetivo y espiritual un reflejo de su angustia existencial en un tiempo de perdida de valores tanto morales como religiosos motivo por el cual se adentraron en la busqueda de un nuevo lenguaje y una nueva categoria de valores que manifestasen su mundo interior sus creencias sus emociones sus temores sus anhelos 6 Segun Johannes Dobai el arte simbolista tiende a generalizar a traves de las imagenes una experiencia individual o mejor inconsciente del mundo 7 El simbolismo fue un movimiento eclectico que aglutino a una serie de artistas con preocupaciones y sensibilidades comunes Mas que un estilo homogeneo fue una amalgama de estilos agrupados por una serie de factores comunes como tematicas modos de entender la vida y el arte influencias literarias y musicales y una oposicion al realismo y al positivismo cientifico Fue un movimiento en ocasiones contradictorio que mezclaba el anhelo de modernidad y de ruptura con la tradicion con la nostalgia por el pasado la fealdad del decadentismo con la belleza del esteticismo la serenidad con la exaltacion la razon con la locura Existe ademas una imbricacion entre diversos estilos que coexisten simultaneamente neoimpresionismo y postimpresionismo modernismo simbolismo sintetismo ingenuismo asi como entre las artes plasticas pintura escultura ilustracion artes decorativas y entre estas y la poesia el teatro la musica 8 Muchachas a orillas del mar 1879 de Pierre Puvis de Chavannes Museo de Orsay Paris La historiografia del arte se ha encontrado con dificultades para establecer unos parametros estilisticos comunes al simbolismo Por un tiempo se considero simbolista cualquier obra de arte de la segunda mitad del siglo XIX de contenido onirico o psicologico Finalmente se considero que era una corriente cultural de amplio espectro que abarcaba una linea temporal entre finales del siglo XIX y principios del xx desarrollada en toda Europa incluyendo Rusia y con algunas reminiscencias en Estados Unidos una corriente que aglutinaba total o parcialmente diversos estilos autonomos como el prerrafaelismo ingles los Nabis franceses el modernismo presente por ejemplo en Gustav Klimt o incluso un incipiente expresionismo perceptible en la obra de Edvard Munch 9 Segun Philippe Jullian no ha existido jamas una escuela simbolista de pintura sino mas bien un gusto simbolista 10 El simbolismo exalta la subjetividad la vivencia interior Segun Amy Dempsey los simbolistas fueron los primeros artistas que declararon que el verdadero objetivo del arte era el mundo interno del estado de animo y las emociones mas que el mundo objetivo de las apariencias externas Para ello utilizaron el simbolo como vehiculo de expresion de sus emociones que se plasmo en imagenes de fuerte contenido subjetivo e irracional en las que predominan los suenos las visiones los mundos fantasticos recreados por el artista con una cierta tendencia a lo morbido y perverso al erotismo atormentado la soledad y la angustia existencial 11 En este estilo el simbolo es un agente de comunicacion con el misterio que permite expresar intuiciones y procesos mentales ocultos de una manera que no seria posible en un medio de expresion convencional El simbolo hace patente lo ambiguo lo misterioso lo inexpresable lo oculto El arte simbolista exalta la idea lo latente lo subjetivo es una exteriorizacion del yo del artista De ahi su interes por los conceptos intangibles la religion la mitologia la fantasia la leyenda asi como el hermetismo el ocultismo e incluso el satanismo Segun el critico Roger Marx eran artistas que pretendian dar forma al sueno 12 La isla de los muertos 1880 de Arnold Bocklin Kunstmuseum Basilea Frente al naturalismo se defiende la artificiosidad frente a lo moderno lo primitivo frente a lo objetivo lo subjetivo frente a lo racional lo irracional frente al orden social la marginacion frente a lo consciente lo oculto y misterioso El artista ya no recrea la naturaleza sino que construye su propio mundo se libera expresiva y creativamente aspira a la obra de arte total en la que cuida de todos los detalles y se convierte en creador absoluto Paul Cezanne consideraba el arte como una armonia paralela a la naturaleza y Oscar Wilde afirmo que el arte es siempre mas abstracto de lo que imaginamos La forma y el color nos hablan de forma y color y eso es todo Con el arte simbolista se consigue la autonomia del lenguaje artistico el arte rompe con la tradicion y construye un universo paralelo abonando un terreno virgen que servira de cimiento para nuevas formas de entender el arte a principios del siglo XX las vanguardias historicas 13 El simbolismo fue tambien un intento de salvar la cultura humanistica occidental puesta en entredicho desde que la revolucion copernicana relegara la Tierra como centro del universo y especialmente desde que la teoria de la evolucion darwiniana relegara al ser humano de su condicion de soberano de la creacion Frente al excesivo cientificismo de la cultura decimononica occidental los simbolistas pretenden recuperar los valores humanos pero se encuentran en un escenario en que estos estan ya desvirtuados en crisis por lo que lo que recuperan son unos valores en decadencia el lado mas oscuro del ser humano pero el unico que pueden rescatar Segun el historiador del arte Jean Clair su objetivo fue transformar la crisis cultural que alcanzo su cenit en la belle epoque en una cultura de la crisis 14 El ciclope 1914 de Odilon Redon Museo Kroller Muller Otterlo Uno de los rasgos esenciales del simbolismo fue la subjetividad la exaltacion del individualismo del temperamento personal de la rebelion individual Remy de Gourmont decia que el simbolismo es aunque excesiva intempestiva y pretenciosa la expresion del individualismo en el arte y Odilon Redon opinaba que el futuro esta en un mundo subjetivo 15 Esta exaltacion de la voluntad individual conlleva la ausencia en esta corriente de unos sellos estilisticos distintivos comunes a todos los artistas a los que une mas una serie de conceptos abstractos que no un programa metodologico establecido Entre estos conceptos compartidos se encuentran el misticismo la religiosidad y el esteticismo ligados a una filosofia idealista impregnada del pesimismo finisecular que tiene su maxima expresion en Nietzsche y Schopenhauer Asimismo es comun a la mayoria de estos artistas el gusto por la magia la teosofia y las ciencias ocultas y cierta atraccion por el satanismo 15 En relacion a ello una obra de referencia para los artistas simbolistas fue La filosofia del inconsciente de Eduard von Hartmann 1877 en la que se afirmaba que el arte debia ser un metodo de penetrar en el inconsciente y revelar sus mas ocultos misterios 16 En relacion al gusto por lo misterioso e inconsciente los simbolistas mostraron una especial preferencia por la alegoria por la representacion de ideas a traves de imagenes evocadoras de esas ideas Para ello recurrieron a menudo a la emblematica la mitologia y la iconografia relacionada con las leyendas medievales y las figuras del folclore popular especialmente en los paises germanicos y escandinavos Otra variante de lo oculto fue la atraccion por el erotismo latente en artistas como Moreau o Redon y evidente en Rops Stuck Klimt Beardsley o Mossa En ultima instancia esta atraccion llevo tambien a explorar la muerte o la enfermedad como en Munch Ensor y Strindberg 16 Angeles de la noche 1891 de William Degouve de Nuncques Museo Kroller Muller Otterlo Otra de las caracteristicas del arte simbolista fue la sinestesia la busqueda de una relacion entre las cualidades pictoricas linea color ritmo y otras cualidades sensoriales como el sonido y el aroma asi Gauguin hablaba del aspecto musical de su arte Rimbaud relaciono las vocales con colores A negro E azul I rojo O amarillo U verde Baudelaire tambien aplicaba colores a los perfumes 17 Esta intrrelacion entre los sentidos fue teorizada por Baudelaire en su Correspondence 1857 en el que defendia la expresividad del arte como medio de satisfacer todos los sentidos de forma simultanea 11 Por otro lado el lituano Mikalojus Konstantinas Ciurlionis que era pintor y compositor creo una teoria por la que el color era el punto de union entre las diversas artes que en pintura era el eslabon entre los diversos motivos y en musica era una imagen del orden cosmico divino 18 La pintura simbolista defendia la composicion de memoria frente a la pintura a plein air defendida por el impresionismo 2 Uno de sus rasgos esenciales fue la linea en contornos sinuosos de apariencia organica una linea fluida y dinamica estilizada en que la representacion pasa del naturalismo a la analogia Se reclama la bidimensionalidad inherente a la pintura abandonando la perspectiva y la representacion de un espacio ilusorio la gravedad la apariencia tridimensional 19 Entre los motivos preferidos por los simbolistas se encuentran temas tradicionales aunque frecuentemente reinterpretados y de nueva invencion Entre los primeros se encuentran los retratos los paisajes y la pintura narrativa de cuentos y leyendas que sirven como nuevas vias de simbolizacion de conceptos como el amor la soledad la nostalgia etc El retrato simbolista es de introspeccion psicologica frecuentemente idealizado especialmente en la mujer en la que se destacan los ojos la boca y el cabello Baudelaire comparaba los ojos con joyas y los cabellos con una sinfonia de aromas o un mar de olas Los ojos se consideraban espejos del alma generalmente nostalgica y melancolica En cuanto a la boca podia ser grande como una flor o pequena como simbolo de silencio como en la obra de Fernand Khnopff En cuanto al paisaje se preferian al igual que en el Romanticismo los lugares solitarios y nostalgicos evocadores sugerentes preferentemente agrestes y abandonados no mancillados por el hombre en horizontes abiertos casi infinitos No suelen ser paisajes vacios sino que en general se recurre a la presencia humana para la que el paisaje es un vehiculo de evocacion o una proyeccion de estados psiquicos 20 Antecedentes Editar La pesadilla 1781 de Johann Heinrich Fussli Detroit Institute of Arts Detroit El simbolismo entendido como via de expresion del simbolo es decir de un tipo de contenido ya sea escrito sonoro o plastico que tiene como fin trascender la materia para significar un orden superior de elementos intangibles ha existido siempre en el arte como manifestacion humana una de cuyas cualidades ha sido siempre la evocacion espiritual y la busqueda de un lenguaje que trascienda la realidad Asi la presencia del simbolo en el arte se percibe ya desde la pintura rupestre prehistorica y ha sido una constante sobre todo en el arte vinculado a creencias religiosas desde el arte egipcio o azteca hasta el cristiano islamico budista o de cualquiera de las multiples religiones que han surgido a lo largo de la historia Un trasfondo simbolico ha estado presente en la mayoria de movimientos artisticos modernos como el Renacimiento el manierismo el Barroco el rococo o el Romanticismo En general estos movimientos se han ido contraponiendo a otros que ponian un mayor enfasis en la descripcion de la realidad una tendencia conocida en general como naturalismo como el academicismo el Neoclasicismo el realismo o el impresionismo 6 La luz del mundo 1853 de William Holman Hunt Keble College Universidad de Oxford Algunos artistas renacentistas como Botticelli y Mantegna ejercieron una gran influencia sobre los pintores simbolistas el primero especialmente en Inglaterra Beardsley Burne Jones Ricketts y el segundo en Francia con Moreau y Redon e incluso Picasso Otros artistas renacentistas que otorgaron una gran relevancia al contenido simbolico de sus obras fueron Giorgione Tiziano y Alberto Durero que tambien fueron admirados por los simbolistas decimononicos Un cierto grado de simbolismo se aprecia tambien en la obra de artistas barrocos como Rubens y Claudio de Lorena asi como en un genero ampliamente tratado en esta epoca el de la vanitas cuyo proposito es por definicion siempre simbolico recordar al espectador lo efimero de la vida y la igualdad ante la muerte En el rococo siglo XVIII un especial referente para los simbolistas fue Jean Antoine Watteau cuyas obras se alejaban de la alegoria simbolica convencional que habia sido frecuente en el Renacimiento y Barroco para explorar un simbolismo mas sutil y escondido en el que hay que profundizar para entender las intenciones del artista y por tanto mas proximo al movimiento simbolista 21 Las raices mas proximas del simbolismo ya en el siglo XIX se encuentran en el Romanticismo y en alguna de sus ramificaciones como el nazarenismo y el prerrafaelismo Ya en estos movimientos se perciben algunos de los rasgos propios del simbolismo como el subjetivismo la introspeccion el misticismo la evocacion lirica y la atraccion por lo misterioso y lo irracional Artistas romanticos como William Blake Johann Heinrich Fussli Caspar David Friedrich Eugene Delacroix Philipp Otto Runge Moritz von Schwind o Ludwig Richter preludian en buena medida el estilo desarrollado por los artistas simbolistas 6 Otro precedente que se suele considerar es Francisco de Goya un artista a caballo entre el rococo y el Romanticismo mas bien un genio inclasificable que preludio el simbolismo en obras como El sueno de la razon produce monstruos 1799 Museo del Prado Madrid 22 El Romanticismo fue un movimiento innovador que supuso la primera fractura contra el principal motor que impulsaba los tiempos modernos la razon Segun Isaiah Berlin se produjo un desplazamiento de la conciencia que partio la espina dorsal del pensamiento europeo 23 Para los romanticos el mundo objetivo de los sentidos no tenia validez por lo que se volvieron hacia su antitesis la subjetividad Los artistas se volvieron hacia su mundo interior era su propio temperamento el que dictaba las reglas y no la sociedad Frente a las reglas academicas dieron primacia a la imaginacion que seria el nuevo vehiculo de expresion Todo ello esta en las bases del arte simbolista hasta el punto que algunos expertos lo consideran una parte del movimiento romantico 23 El inmediato antecesor del simbolismo fue el prerrafaelismo un grupo de artistas britanicos que se inspiraban como su nombre indica en los pintores italianos anteriores a Rafael asi como en la recien surgida fotografia con exponentes como Dante Gabriel Rossetti John Everett Millais William Holman Hunt Ford Madox Brown y Edward Burne Jones Aunque su estilo es realista con imagenes de gran detallismo de colores vivos y factura brillante sus obras estan plagadas de alusiones simbolicas a menudo de inspiracion literaria y con un tono moralizante asi como un fuerte misticismo Su tematica se centra en numerosas ocasiones en leyendas medievales especialmente el ciclo arturico el mundo renacentista o los dramas shakespearianos Su estetica se centra generalmente en la belleza femenina un tipo de belleza sensual pero languida con cierto aire de melancolia y de idealizacion de la figura femenina 24 Fuentes literarias Editar El poeta viajero no datado de Gustave Moreau Museo Gustave Moreau Paris El 18 de septiembre de 1886 Jean Moreas publico en Le Figaro un manifiesto literario en el que definio el simbolismo como enemigo de la ensenanza la declamacion la falsa sensibilidad y la descripcion objetiva Segun Moreas el arte era la expresion analogica y concreta de la Idea en que se funden los elementos sensoriales y espirituales 25 Por su parte el critico Charles Morice definio el simbolismo como la sintesis entre el espiritu y los sentidos La Litterature de tout a l heure 1889 2 Un antecedente literario de este movimiento fue el libro A contrapelo A rebours de Joris Karl Huysmans 1884 un canto al esteticismo y la excentricidad como actitud vital en el que relaciona la obra de ciertos artistas como Gustave Moreau Rodolphe Bresdin y Odilon Redon con el decadentismo 2 En esta novela el protagonista Jean Floressas des Esseintes se retira del mundo para vivir en un entorno creado por el en el que se dedica a disfrutar de la literatura la musica el arte las flores las joyas los perfumes los licores y todas aquellas cosas que estimulen una existencia idealizada apartada del mundanal ruido Tal como su titulo indica el personaje vive a contrapelo del sentido comun del sentido moral de la razon de la naturaleza 26 El protagonista llena su casa de obras de arte simbolistas que define como evocadoras obras de arte que le transportaran a un mundo desconocido abriendo nuevas posibilidades y agitando su sistema nervioso por medio de eruditas fantasias complicadas pesadillas y suaves y siniestras visiones 27 Este libro fue considerado la Biblia del decadentismo la revelacion del sentimiento fin de siecle 28 El simbolismo fue difundido por numerosas revistas como La Revue wagnerienne 1885 Le Symbolisme 1886 La Plume 1889 La Revue blanche 1891 y especialmente La Pleiade 1886 renombrada en 1889 como Mercure de France que fue el organo oficial del simbolismo En esta ultima revista definio el critico Gabriel Albert Aurier en 1891 la pintura simbolista como idealista simbolista sintetista subjetiva y decorativa 2 La obra de arte sera 1 Idealista para lo que su unico ideal sera la expresion de la idea 2 Simbolista para lo que expresara esta idea por medio de formas 3 Sintetista para lo cual presentara estas formas y estos signos de acuerdo con un metodo comprensible en terminos generales 4 Subjetiva para lo que el objeto no sera considerado nunca como un objeto sino como un signo de una idea percibida por el objeto 5 Consecuentemente sera decorativa 11 Por otro lado el poeta Gustave Kahn senalo en 1886 que El objetivo esencial de nuestro arte es objetivar lo subjetivo la externalizacion de la idea en lugar de subjetivar lo objetivo la naturaleza vista a traves de los ojos de un temperamento 29 En el prefacio de su Livre des masques 1896 Remy de Gourmont escribio sobre el simbolismo Que significa simbolismo Si nos atenemos al sentido estricto y etimologico casi nada si se traspasa este limite puede significar individualismo en literatura libertad del arte abandono de las formulas ensenadas tendencia hacia todo lo nuevo extrano e incluso insolito y tambien puede significar idealismo desden de la anecdota social antinaturalismo 15 La pintura simbolista estuvo estrechamente vinculada a la literatura por lo que muchas de las obras de los literatos simbolistas sirvieron de inspiracion para los artistas especialmente Edgar Allan Poe Charles Baudelaire Gustave Flaubert Gerard de Nerval Arthur Rimbaud Stephane Mallarme Oscar Wilde Maurice Maeterlinck Stefan George Rainer Maria Rilke Richard Dehmel Arthur Schnitzler y Hugo von Hofmannsthal 30 Otros referentes literarios del simbolismo se encuentran en la filosofia pesimista de Arthur Schopenhauer opuesta al positivismo de Auguste Comte y en la filosofia subjetivista de Henri Bergson y su consejo de buscar la verdad a traves de la intuicion Otro referente filosofico fue Friedrich Nietzsche 31 Ademas de Francia el otro pais que aporto un intenso bagaje a la teoria del simbolismo fue Reino Unido la cuna del decadentismo Ayudaron en ese terreno algunos articulos del critico y poeta Arthur Symons en la revista Savoy autor del ensayo El movimiento simbolista en la literatura 1900 donde abogo por el simbolismo como un intento de espiritualizar el arte y de convertirlo en una religion que sustituiria la naturaleza por la fantasia 32 Esteticismo Editar Articulo principal Esteticismo Retrato del conde Robert de Montesquiou 1897 de Giovanni Boldini Museo de Orsay Paris Prototipo del dandi el conde de Montesquiou fue probablemente el modelo del personaje Jean Floressas des Esseintes del libro A contrapelo de Joris Karl Huysmans 1884 El simbolismo estuvo muy ligado al esteticismo un movimiento filosofico artistico que frente al materialismo de la era industrial opuso la exaltacion del arte y la belleza sintetizada en la formula de Theophile Gautier del arte por el arte l art pour l art del que se llego incluso a hablar de religion estetica 33 Esta postura pretendia aislar al artista de la sociedad buscar de forma autonoma su propia inspiracion y dejarse llevar unicamente por una busqueda individual de la belleza 34 La belleza se alejo de cualquier componente moral convirtiendose en el fin ultimo del artista que llegaba a vivir su propia vida como una obra de arte como se puede apreciar en la figura del dandi 35 Para los estetas el arte no debe tener ninguna funcion didactica moral social ni politica sino que debe responder unicamente al placer y la belleza 36 Este movimiento surgio en Reino Unido cuna de la Revolucion industrial donde en la primera mitad del siglo XIX se desarrollaron estilos artisticos especialmente en arquitectura y artes decorativas de corte eclectico como el historicismo Frente a ello empezo a surgir un malestar estetico Aesthetic Discontent que provoco una reaccion hacia formas mas naturales y artesanales como se constato con el movimiento Arts amp Crafts que supuso una revalorizacion de las artes decorativas Todo ello condujo al llamado movimiento estetico Aesthetic Movement liderado por John Ruskin quien defendio la dignidad del trabajo artesanal y una concepcion del arte encaminada hacia la belleza Ruskin propugno un evangelio de la belleza en el que el arte es consustancial a la vida es una necesidad basica que hace al ser humano elevarse de su condicion animal mas que un embellecimiento de la vida el arte es la vida misma 37 Otro de los teoricos del movimiento fue Walter Pater que establecio en sus obras que el artista debe vivir la vida intensamente siguiendo como ideal a la belleza Para Pater el arte es el circulo magico de la existencia un mundo aislado y autonomo puesto al servicio del placer elaborando una autentica metafisica de la belleza 38 Posteriormente autores como James Abbott McNeill Whistler Oscar Wilde Algernon Charles Swinburne y Stephane Mallarme desarrollaron esta tendencia hasta un elevado grado de refinamiento basado unicamente en la sensibilidad del artista 39 En Francia Theophile Gautier convirtio una cita del Curso de filosofia de Victor Cousin en el lema l art pour l art que fue el caballo de batalla del esteticismo Esta frase sintetizaba la creencia en la autonomia absoluta del arte que prescinde de cualquier condicionamiento moral o ideologico para expresar la idea de belleza como fin ultimo del artista Asi la poesia simbolista se basa en el preciosismo y la sensualidad en efectos liricos que refulgen como piedras preciosas y el arte busca la sugestion de la imagen la riqueza del simbolo la estetica sensual que extraen hasta de elementos como el vicio y la perversion que son refinados hasta conseguir una imagen de fuerte impacto visual 40 Un fenomeno paralelo al esteticismo fue el dandismo en el que el culto a la belleza se lleva al propio cuerpo los dandis visten ropa elegante se preocupan de forma excesiva de su imagen personal les interesa la moda y procuran estar a la ultima en las novedades del vestir les gustan los complementos tales como sombreros guantes y bastones Por lo general son personajes urbanos de origen burgues aunque en ocasiones renuncien a esta distincion a menudo con profesiones liberales y aficionados a las novedades tecnologicas En cuanto a caracter solian ser altaneros y polemicos y gustaban de ser admirados y hasta ser considerados como celebridades Como fenomeno surgido en el Reino Unido los dandis son hijos de la moral victoriana y aunque se rebelan frente a la misma lo hacen desde una actitud pasiva reducida a la insolencia el sarcasmo y el escepticismo Desdenan la vulgaridad y se centran en el placer sea fisico o intelectual 41 Decadentismo Editar Articulo principal Decadentismo El pecado 1893 de Franz von Stuck Neue Pinakothek Munich Madonna 1894 1895 de Edvard Munch Galeria Nacional de Noruega OsloEl escritor Thomas Mann en su novela Gladius Dei 1902 entretejio estas dos imagenes para forjar el prototipo de mujer pecadora El decadentismo fue una corriente finisecular perceptible tanto en el arte como en la literatura la musica y otras manifestaciones culturales que ponia enfasis en los aspectos mas existenciales de la vida y la sociedad con una actitud pesimista derivada de la filosofia de Schopenhauer y Kierkegaard y una actitud rebelde y antisocial inspirada en obras como Las flores del mal de Baudelaire y A contrapelo de Huysmans Sus caracteristicas generales son el gusto por la elegancia y fantasia asi como por lo exotico lo que se denota en su predileccion por las orquideas las mariposas o los pavos reales predileccion por la belleza artificial al tiempo que denostan la naturaleza una vision romantica del mal y las ciencias ocultas una cierta tendencia hacia lo grotesco y lo sensacional y gusto por lo morboso y perverso rechazo de la moral convencional y una concepcion dramatica de la vida 42 Se llevo la sensibilidad romantica a la exageracion sobre todo en el gusto por lo morboso y terrorifico y surgio una estetica del mal apreciable en la atraccion por el satanismo la magia y los fenomenos paranormales o la fascinacion por el vicio y las desviaciones sexuales 43 El arte simbolista sobreexcita los sentidos lo que produce una sensacion de decadencia que sera el estado animico propio del fin de siecle Paul Verlaine escribio me gusta la palabra decadentismo Tiene un resplandor de oro y de purpura Despide haces de fuego y el brillo de piedras preciosas 40 Desde 1886 se publico en Francia una revista titulada Le Decadent que fue en cierta forma el organo oficial de este movimiento En su primer numero el 10 de abril de 1886 se anunciaba a la sociedad la decadencia de valores como la moral la religion y la justicia y se senalaban sintomas del proceso de involucion social como la historia la neurosis el hipnotismo y la drogodependencia El decadentismo era un movimiento antiburgues y antinaturalista que defendia el lujo el placer y la hipersensibilidad del gusto En el plano teorico recurria a la obra de pensadores y filosofos como Friedrich Nietzsche quien senalo al simbolo como la base del arte Henri Bergson quien se oponia a la realidad objetiva y defendia su percepcion subjetiva y Arthur Schopenhauer cuyo libro El mundo como voluntad y representacion 1819 influyo poderosamente en el pesimismo finisecular 44 Una de las caracteristicas del decadentismo es la oscura atraccion por la mujer perversa la femme fatale la Eva convertida en Lilith la mujer enigmatica y distante turbadora la mujer que Manuel Machado definio como quebradiza viciosa y mistica virgen prerrafaelista y gata parisina Es una mujer amada y odiada adorada y vilipendiada exaltada y repudiada virtuosa y pecadora que adoptara numerosas formas simbolicas y alegoricas como esfinge sirena quimera medusa genio alado etc Se puso de moda un tipo de belleza artificial y androgina ambigua un tipo de belleza leonardesca de rasgos indefinidos que tendra un equivalente simbolico en flores como el lirio o animales como el cisne y el pavo real 45 Los simbolistas retrataron a menudo a personajes como Eva Salome Judit Mesalina o Cleopatra prototipos de mujer fatal de la hembra vampiresa que convertia la sexualidad femenina en un poder peligroso y misterioso frecuentemente asociado al pecado como se vislumbra en la alegoria de El pecado de Franz von Stuck 1893 Neue Pinakothek Munich 46 Algunas de las mujeres de la epoca que sirvieron de referencia para los artistas simbolistas y modernistas fueron las bailarinas Cleo de Merode La Bella Otero y Loie Fuller asi como la actriz Sarah Bernhardt 47 Difusion y legado Editar La noche 1889 1890 de Ferdinand Hodler Museo de Bellas Artes de Berna El arte finisecular simbolismo modernismo conto para su difusion con una serie de medios cada vez mas diversos propiciados por los adelantos tecnologicos y la cada vez mayor celeridad de las comunicaciones El nuevo arte conto con diversos medios propagandisticos como revistas exposiciones galerias carteles publicitarios libros ilustrados talleres de produccion y sociedades de artistas escuelas y academias privadas y otro tipo de canales de promocion y venta La rapidez de difusion y de reproduccion comporto a la vez la cosmopolitizacion del nuevo estilo y una cierta vulgarizacion del mismo las replicas de las obras de arte simbolistas generaron su devaluacion a cierto gusto kitsch y el intento de buscar un lenguaje nuevo alejado de la ramplona estetica burguesa degenero en ocasiones en un pobre sucedaneo de la misma 48 El simbolismo influyo en varios movimientos coetaneos como el modernismo y el arte naif asi como en varios de los primeros ismos del arte vanguardista como el fauvismo el expresionismo el futurismo el surrealismo e incluso el arte abstracto algunos de los pioneros de la abstraccion como Kandinski Malevich Mondrian y Kupka tuvieron una fase simbolista al inicio de su obra 49 El colorido fauvista fue heredero del simbolismo cloisonismo y sintetismo en una linea evolutiva que se inicia con el color liso sin sombras de Puvis de Chavannes sigue con el color esmaltado y encerrado en contornos negros de Emile Bernard color que Gauguin llevo a su maxima expresion y fue transmitido por Serusier a los Nabis el principal exponente del fauvismo Henri Matisse revelo que su cuadro Lujo I estaba inspirado en Muchachas a orillas del mar de Puvis de Chavannes 50 El expresionismo considero como antecedentes inmediatos a artistas como Paul Gauguin Edvard Munch o James Ensor y algunos artistas expresionistas tuvieron una primera fase simbolista como Georges Rouault Alfred Kubin Egon Schiele Oskar Kokoschka Franz Marc y Vasili Kandinski El futurismo aunque teoricamente opuesto al simbolismo recibio su influjo en buena medida especialmente gracias a la obra de Gaetano Previati artistas futuristas como Umberto Boccioni Giacomo Balla y Carlo Carra estuvieron cercanos al simbolismo en su obra temprana asi como Giorgio de Chirico maximo exponente de la pintura metafisica Por su parte el surrelismo acuso el influjo de artistas como Odilon Redon William Degouve de Nuncques y Alberto Martini cuya huella se percibe en artistas como Paul Delvaux Rene Magritte Paul Klee o Salvador Dali 51 Francia Editar La aparicion 1874 1876 de Gustave Moreau Museo Gustave Moreau Paris Como se ha visto Francia fue la cuna del simbolismo tanto en pintura como en poesia y otros generos artisticos Se puede considerar que Gustave Moreau fue el padre del simbolismo pictorico en todo caso su obra antecede en dos decenios a la aparicion del simbolismo oficial ya que desde los anos 1860 Moreau ya pintaba cuadros en los que recreaba su mundo particular de fantasia lujosa y detallista con temas basados en la mitologia la historia y la Biblia con especial predileccion por personajes fatales como Salome 52 Moreau se formo todavia en el Romanticismo por influjo de su maestro Theodore Chasseriau pero evoluciono a un estilo personal tanto en tematica como en tecnica con imagenes de corte mistico con un fuerte componente de sensualidad 53 un cromatismo resplandeciente con un acabado de apariencia esmaltada y el uso de un claroscuro de sombras doradas 54 Recibio la influencia de artistas como Leonardo Mantegna y Delacroix asi como del arte indio bizantino y del mosaico grecorromano 55 Sus obras son de corte fantastico y estilo ornamental con composiciones abigarradas densamente pobladas de todo tipo de objetos y elementos vegetales con un erotismo sugestivo que refleja sus miedos y obsesiones en el que retrata un prototipo de mujer ambigua entre la inocencia y la perversidad Edipo y la esfinge 1864 Museo Metropolitano de Arte Nueva York Orfeo 1865 Museo del Louvre Paris Jason y Medea 1865 Museo de Orsay Paris Diomedes devorado por sus caballos 1870 Museo de Bellas Artes de Rouen La aparicion 1874 1876 Museo Gustave Moreau Paris Salome 1876 Museo Gustave Moreau Paris Hercules y la hidra de Lerna 1876 Art Institute of Chicago Cleopatra 1887 Museo del Louvre Paris Jupiter y Semele 1894 1896 Museo Gustave Moreau Paris 56 Vivio casi recluido en su casa de la parisina calle de Rochefoucauld actual Museo Moreau donde produjo unos 850 cuadros ademas de dibujos y acuarelas 57 Moreau fue maestro de Henri Matisse Albert Marquet y Georges Rouault entre otros 29 El sueno 1883 de Pierre Puvis de Chavannes Museo del Louvre Paris Otro referente avant la lettre fue Pierre Puvis de Chavannes un pintor singular cuyo estilo difiere completamente del simbolismo barroco de Moreau un estilo clasico y sereno que habria sido clasificado de academicista si no fuese por la eleccion de sus temas donde si se aprecia el recurso al simbolo y la alegoria como medio transmisor del mensaje 49 Fue un destacado muralista procedimiento que le venia bien para desarrollar su preferencia por los tonos frios que daban apariencia de pintura al fresco Tenia un estilo mas sereno y armonioso con una tematica alegorica de evocacion de un pasado idealizado formas simples lineas ritmicas y un colorido subjetivo ajeno al naturalismo 58 En su juventud paso brevemente por los talleres de Delacroix Coutoure y Chasseriau y realizo dos viajes a Italia pero quiza lo mas trascendente para la formacion de su estilo sereno y reposado fue su relacion con la princesa griega Maria Cantacuzeno quien le transmitio su intensa espiritualidad 59 En 1861 con las alegorias de La Guerra y La Paz Museo Municipal de Amiens inicio su trabajo muralista del que recibio numerosos encargos por toda Francia y que le haria famoso 60 Realizo murales en los ayuntamientos de Paris y Poitiers el Pantheon la Sorbona y la Biblioteca Publica de Boston entre otros Su estilo monumental se basaba en la ausencia de profundidad la linealidad constructiva y la majestuosidad compositiva asi como la reflexion filosofica inherente a sus escenas 61 En 1890 fundo con Rodin Carriere y Meissonnier la Societe Nationale des Beaux Arts que organizo diversas exposiciones de artistas jovenes y nuevas tendencias hasta 1910 62 El carro de Apolo 1905 1914 de Odilon Redon Museo de Orsay Paris Odilon Redon fue alumno sucesivamente de Stanislas Gorin Jean Leon Gerome Rodolphe Bresdin y Henri Fantin Latour 61 Desarrollo una tematica fantastica y onirica influida por la literatura de Edgar Allan Poe que antecedio en buena medida al surrealismo Hasta los cincuenta anos trabajo casi exclusivamente mediante dibujo al carboncillo y litografia aunque luego se manifesto como excelente colorista tanto al oleo como al pastel con un estilo basado en un suave dibujo y un colorido de aspecto fosforescente 63 Recibio la influencia de artistas como Holbein Durero el Bosco Rembrandt Goya Delacroix y Corot Tambien ejercio un poderoso influjo en su obra el materialismo cientifico estudio anatomia osteologia y zoologia conocimientos que se reflejan en su obra de ahi su preferencia por las cabezas con los ojos cerrados semejantes a protozoos 64 Redon ilustro numerosas obras de escritores simbolistas como Edgar Allan Poe o La tentacion de san Antonio de Gustave Flaubert 1886 29 En 1884 fundo la Societe des Artistes Independants 65 Alphonse Osbert estudio en la Ecole nationale superieure des beaux arts de Paris donde fue discipulo de Henri Lehmann Leon Bonnat y Fernand Cormon Su primer referente estilistico fue el Barroco espanol especialmente Jose de Ribera 66 Tambien recibio la influencia de Georges Seurat y Pierre Puvis de Chavannes A traves de su amigo el critico Henry Degron entro en el circulo de Maurice Denis y los Nabis y asistio con asiduidad a los salones de los Rosacruz La produccion de Osbert se centro en un tipo de paisajes bucolicos y oniricos de tonalidades etereas con preferencia por el color azul y malva poblado de figuras femeninas en actitud inmovil contemplativa 67 La mayoria de ocasiones estas figuras aluden a las Musas vestidas con velos vaporosos y enmarcadas en paisajes idilicos generalmente de ambientacion crepuscular 66 Tarde antigua 1908 de Alphonse Osbert Petit Palais Paris Eugene Carriere se inicio como litografo antes de estudiar en la Ecole des Beaux Arts donde fue alumno de Alexandre Cabanel En 1890 fundo con Puvis de Chavannes la Societe Nationale des Beaux Arts donde expuso regularmente De estilo realista su tematica se adentra en el simbolismo gracias a su interes por la sugestion emotiva con una tecnica de veladuras de tonos grises y marrones que seria caracteristica de su produccion 68 Su tematica se centro preferentemente en escenas domesticas con especial interes por las relaciones madre hijo Uno de sus sellos distintivos era envolver las figuras en una niebla amarillenta como limbos un efecto que aisla las figuras y las separa del espectador con el objetivo de enfatizar su esencia 69 Henri Fantin Latour fue un pintor de estilo mas bien realista como se denota en sus retratos y sus bodegones inspirados en Chardin Sin embargo sus composiciones inspiradas en temas musicales especialmente de Wagner Schumann y Berlioz tienen un fuerte componente simbolista 70 en composiciones en las que recrea mundos fantasticos poblados de ninfas de aspecto prerrafaelita 71 Lucien Levy Dhurmer fue un pintor de factura academica que sintetizo la tecnica impresionista con la tematica simbolista especialmente en sus escenas de corte fantastico fue ademas retratista y paisajista En su obra destaca la armonia cromatica y la idealizacion de los temas representados en los que se denota la influencia de la musica de Beethoven Faure y Debussy 72 Lamento de Orfeo 1896 de Alexandre Seon Museo de Orsay Paris Alexandre Seon fue ilustrador y decorador el mas talentoso de los discipulos de Puvis de Chavannes Fue el fundador con Peladan y Antoine de la Rochefoucauld del Salon de la Rose Croix En 1891 realizo un retrato de Peladan con apariencia babilonica Una de sus mejores obras es Lamento de Orfeo 1896 Museo de Orsay Paris 73 Edgar Maxence fue discipulo de Moreau y expuso regularmente en el Salon de la Rose Croix Su obra muestra un fuerte idealismo con tematicas frecuentemente de inspiracion medieval y cuadros en los que combina la pintura con elementos esculpidos Desde 1900 su estilo se volvio mas decorativista con lo que perdio en esencia simbolica 74 Edmond Aman Jean fue alumno de Lehmann en la Ecole des Beaux Arts donde conocio a Georges Seurat del que se hizo amigo tambien mantuvo amistad con Mallarme y Peladan De factura academicista se le considera el mas galante de los simbolistas franceses Colaboro con Puvis de Chavannes en su mural Bosque sagrado Participo en las exposiciones de los Rosacruz y diseno el cartel para la de 1893 75 Recibio la influencia prerrafaelita que se denota en sus contornos en arabesco con un cromatismo de tonos suaves y mates Se dedico especialmente al retrato femenino con figuras de delicados movimientos en actitud triste y aburrida de ensonacion y ensimismamiento 76 La revelacion 1894 de Gaston Bussiere Musee Thomas Henry Cherburgo en Cotentin Gaston Bussiere estudio en la Ecole des Beaux Arts de Paris con Alexandre Cabanel y Pierre Puvis de Chavannes Influido por Gustave Moreau se inspiro tambien en la musica de Berlioz y Wagner y la literatura de William Shakespeare Expuso en varias ocasiones en el Salon de la Rose Croix Destaco como ilustrador de libros como Esplendores y miserias de las cortesanas de Honore de Balzac Esmaltes y camafeos de Theophile Gautier Salome de Oscar Wilde y varias obras de Gustave Flaubert 77 Gustav Adolf Mossa fue un simbolista tardio influido por Moreau el prerrafaelismo y los pintores rencentistas del Quattrocento En su obra se aprecia el influjo de escritores como Mallarme Baudelaire y Huysmans Como en muchos de sus correligionarios su tematica se centro en numerosas ocasiones en la figura de la mujer fatal a la que consideraba como peligrosa y corrompida Su estilo era de dibujo recargado a veces caricaturesco de tono dramatico e introspeccion psicologica 78 Angel con aureola 1894 de Louis Welden Hawkins coleccion privada Paris Georges de Feure fue pintor escenografo y marchante de arte Su estilo era muy decorativista y se dedico preferentemente a la elaboracion de carteles teatrales Desarrollo un tipo de imagen de mujer a la moda que tuvo gran exito en la belle epoque Fue tambien autor de acuarelas que expuso en el Salon de la Rose Croix 70 Louis Welden Hawkins nacio en Alemania hijo de padre ingles y madre austriaca pero vivio desde nino en Francia Estudio en la Academie Julian Su tecnica densa y minuciosa le acerca mas al prerrafaelismo que al simbolismo pero se movio en el ambiente simbolista manteniendo contactos con escritores como Mallarme Jean Lorrain y Robert de Montesquiou y exponiendo en el Salon des Artistes Francais en la Societe Nationale el Salon de la Rose Croix y en la Libre Estethique de Bruselas 79 La guerra 1894 de Henri Rousseau Museo de Orsay Paris Georges Rouault fue alumno de Gustave Moreau de cuyo museo fue conservador desde 1903 Por influencia de su maestro sus primeras obras fueron de corte simbolista aunque posteriormente se paso al fauvismo y expresionismo Su fase simbolista se caracteriza por una luminosidad encendida con predileccion por ambientes nocturnos y un cromatismo evocativo y simbolico Jesus entre los doctores 1894 Museo de Unterlinden Colmar El espejo 1906 Museo Nacional de Arte Moderno Paris 80 En su obra es frecuente la presencia de personajes de aspecto grotesco generalmente jueces payasos y prostitutas 81 Otros exponentes del simbolismo frances fueron George Desvallieres Marcellin Desboutin Charles Dulac Charles Auguste Sellier Georges Lacombe y Antonio de la Gandara 82 Por ultimo cabe citar un artista ajeno al movimiento simbolista pero cuyo estilo tiene cierta vinculacion con el mismo Henri Rousseau maximo representante del llamado arte naif ingenuo en frances un termino aplicado a una serie de pintores autodidactas que desarrollaron un estilo espontaneo ajeno a los principios tecnicos y esteticos de la pintura tradicional tachado en ocasiones de infantil o primitivo Rousseau aduanero de oficio desarrollo una obra personal de tono poetico y gusto por lo exotico en la que se pierde el interes por la perspectiva y se recurre a una iluminacion de aspecto irreal sin sombras ni fuentes de luz perceptibles un tipo de imagenes que influyeron en artistas como Picasso o Kandinski y en movimientos como la pintura metafisica y el surrealismo 83 La obra de Rousseau fue muy valorada por artistas simbolistas como Redon y Gauguin especialmente por su colorido del que senalaron que trascendia una esencia mitica Una de las obras de Rousseau mas cercanas al simbolismo fue La guerra 1894 Museo de Orsay Paris 84 La Escuela de Pont Aven Editar Articulo principal Escuela de Pont Aven La vision tras el sermon 1888 de Paul Gauguin Galeria Nacional de Escocia Edimburgo En la localidad bretona de Pont Aven se reunieron entre 1888 y 1894 una serie de artistas liderados por Paul Gauguin 85 que desarrollaron un estilo heredero del postimpresionismo con tendencia al primitivismo y gusto por lo exotico con variadas influencias que van desde el arte medieval especialmente tapices vitrales y esmaltes hasta el arte japones Desarrollaron una tecnica denominada cloisonismo por el esmalte cloisonne caracterizada por el uso de zonas lisas de color delimitadas por contornos oscuros Otro recurso estilistico introducido por esta escuela fue el llamado sintetismo la busqueda de la simplificacion formal y del recurso a la memoria frente a la pintura copiada del natural Este movimiento fue difundido por el critico Albert Aurier y tuvo su punto culminante en la exposicion titulada Pintores simbolistas y sintetistas organizada en el Cafe Volpini de Paris en 1889 Entre sus principales miembros ademas de Gauguin figuraron Emile Bernard Louis Anquetin Charles Filiger Armand Seguin Charles Laval Emile Schuffenecker Henry Moret el neerlandes Meijer de Haan y el suizo Cuno Amiet 86 El fundador del grupo fue Paul Gauguin un artista inquieto que sentia el anhelo de alejarse de la sociedad occidental y retornar a la vida primitiva mas original y espontanea y a un arte liberado de reglas academicas y conceptos estereotipados Tras una estancia en Martinica en 1888 se instalo en la localidad bretona de Pont Aven una aldea de montana rodeada de bosques donde encontro la calma e inspiracion para su arte 87 Mujeres bretonas en un pasto 1888 de Emile Bernard coleccion Josefowitz Lausanne El discipulo mas aventajado de Gauguin fue Emile Bernard En el ambiente rustico y atemporal de Bretana Bernard desarrollo una nueva forma de entender la imagen pictorica basada en configuraciones amplias de planos solidos y lineas nitidas con contornos marcados y colores violentos reducidos a los siete colores del prisma En la Revue Independante el critico Edouard Dujardin denomino a este nuevo estilo cloisonnisme del esmalte cloisonne ya que los colores se mostraban compartimentados como en esta tecnica medieval 88 Junto a Bernard su principal exponente fue Louis Anquetin ambos habian sido alumnos de Fernand Cormon y estaban fascinados por las xilografias japonesas y los vidrios tintados 89 Gauguin conocio la obra de ambos artistas en una exposicion en el Grand Restaurant Bouillon en 1887 y aunque no abrazo del todo esta forma de pintar especialmente en cuanto a los contornos su Vision tras el sermon muestra su influencia sobre todo en los colores saturados 90 Dos obras de 1888 se convirtieron en el manifiesto de este grupo Mujeres bretonas en un pasto de Bernard y Vision tras el sermon de Gauguin Esta ultima sintetizo las esencias del nuevo estilo concrecion tematica la vision de una escena religiosa sugerida por el sermon y las mujeres que la contemplan todo en un mismo plano colores puros contornos marcados y ausencia de modelado Esta concrecion y simplificacion de los elementos constitutivos del cuadro hizo que esta nueva corriente fuese bautizada tambien como sintetismo 88 En esta corriente se sitentizaban observacion memoria imaginacion y emocion elementos indispensables de un cuadro para Gauguin ademas de la forma y el color que son tratados de forma libre expresiva En su busqueda de un nuevo estilo Gauguin se inspiro en los tapices medievales las estampas japonesas y el arte prehistorico en busca de un estilo ajeno al naturalismo que describiese de manera optima los sentimientos del artista 91 Del resto del grupo cabe destacar a Charles Filiger un tipico artista maldito bebedor empedernido retirado del mundo instalado en Pont Aven en 1889 vivio en Bretana el resto de su vida e inestable psiquicamente hasta el punto de que se suicido Intensamente mistico desarrollo una obra de pequeno formato generalmente a la aguada con trazos firmes pero algo ingenuos lo que otorga a su produccion un aire algo primitivo 92 Tras la exposicion del Cafe Volpini de 1889 Gauguin se establecio en la aldea de Le Pouldu con Paul Serusier donde repudiaron del sintetismo por estilo establecido y continuaron su investigacion artistica Gauguin seguia a la busqueda de una cada vez mayor supresion del modelo y de la imitacion a la naturaleza explorando nuevas formas de representacion basadas en el primitivismo y en cierta influencia del arte japones y de Paul Cezanne Autorretrato simbolista con halo 1889 National Gallery of Art Washington D C El Cristo amarillo 1889 Museo Albright Knox Bufalo Finalmente marcho hacia Tahiti en busca de una mayor esencia salvaje y natural y evoluciono hacia un estilo mas personal e intuituivo 88 La obra de Gauguin influyo en el fauvismo el expresionismo el surrealismo e incluso el arte abstracto 93 Los Nabis Editar Articulo principal Nabis artistas Le Talisman l Aven au Bois d Amour 1888 de Paul Serusier Museo de Orsay Paris Esta obra impresiono a varios alumnos de la Academie Julian y supuso el nacimiento del grupo nabi Se denomina Nabis a un grupo de artistas activo en Paris en los anos 1890 directamente inspirados por Paul Gauguin y la Escuela de Pont Aven 94 Este grupo estuvo influido por el esquema ritmico de Gauguin y destaco por un cromatismo intenso de fuerte expresividad Se disolvieron en 1899 94 Tras su estancia con Gauguin Paul Serusier se granjeo una gran admiracion con su obra El talisman 1888 entre un grupo de jovenes alumnos de la Academie Julian entre los que se encontraban Edouard Vuillard Pierre Bonnard Maurice Denis Felix Vallotton y Paul Ranson Formaron una sociedad secreta denominada Nabis de una palabra hebrea que significa profeta un nombre propuesto por el poeta Henri Cazalis 95 Estaban interesados en la teosofia y las religiones orientales y tuvieron una estrecha relacion con el ambiente literario parisino especialmente con Stephane Mallarme Su estilo partio de las investigaciones sintetistas y de cierta influencia japonesa para avanzar en un arte cada vez mas alejado de premisas academicas en el que tenia mayor relevancia la investigacion cromatica la expresividad del diseno y la voluntad de trasladar las emociones al lenguaje plastico 96 Se solian reunir en un cafe del pasaje Brady y mas adelante en la casa de Paul Ranson en el Boulevard de Montparnasse 97 Otros artistas vinculados a este grupo fueron Henri Gabriel Ibels Ker Xavier Roussel Georges Lacombe el danes Mogens Ballin y el neerlandes Jan Verkade 90 Los Nabis recibieron la influencia ademas de Gauguin y el sintetismo de Georges Seurat Paul Cezanne Odilon Redon y Pierre Puvis de Chavannes Sus principios teoricos se basaban en una firme intencion de sintetizar todas las artes en profundizar en las implicaciones sociales del arte y en reflexionar sobre las bases cientificas y misticas del arte En 1890 Denis publico en la revista Art et Critique un manifiesto titulado Definicion del neotradicionalismo en el que defendia la ruptura con el naturalismo academicista y el reconocimiento de la funcion decorativa del arte En 1891 realizaron su primera exposicion en el chateau de Saint Germain en Laye y en diciembre de ese mismo ano participaron en la exposicion de Pintores impresionistas y simbolistas en la Galerie Le Barc de Boutteville Paris donde fueron aclamados como una segunda generacion simbolista 98 Tarde de septiembre 1891 de Maurice Denis Museo de Orsay Paris Serusier fue considerado el padre de los Nabis pero fue el mas heterogeneo del grupo Al contrario que el resto que no abandonaban la ciudad preferia el campo y tras sus estancias en Pont Aven y Le Pouldu se establecio un tiempo en Huelgoat y definitivamente en Chateauneuf du Faou en Bretana Su obra se caracteriza por sus personajes de aspecto primigenio sin movimiento ni relacion con su entorno unos seres aislados y ensimismados que parecen partes inmoviles de la naturaleza como rocas o arboles A menudo se inspiro en los cuentos de hadas y duendes especialmente del folclore breton Realizo tambien unas naturalezas muertas de influencia cezanniana 99 El vals 1893 de Felix Vallotton Musee d art moderne Andre Malraux Le Havre Artista polifacetico Maurice Denis esta considerado por algunos como el artista simbolista con mas talento Ademas de pintor fue ilustrador litografo y escenografo y fue tambien critico de arte 100 Influido por Ingres y Puvis de Chavannes ademas de Gauguin Bernard y el grupo de Pont Aven y con ciertas reminiscencias a Blake y la pintura prerrafaelita desarrollo una obra de marcado sentimentalismo que denota una concepcion de la vida naturalista y piadosa casi ingenua en su planteamiento de bienaventurada pureza en la que destaca el decorativismo los finos contrastes cromaticos y una armonia de lineas puras con un aire sereno y monumental Ademas de su produccion pictorica ilustro libros como Respuesta de la pastora al pastor de Edouard Dujardin Cordura de Paul Verlaine Imitacion de Cristo de Tomas de Kempis o Viaje de Urien de Andre Gide 101 Posteriormente se centro en el arte religioso y la pintura mural y fundo el Estudio de Arte Sacro 91 El suizo Vallotton se inicio en la xilografia con cierta tendencia modernista Su obra se caracteriza por el erotismo y el humor negro con desnudos de composicion plana en los que se denota la influencia del arte japones y rostros que parecen mascaras Su Bano en una tarde de verano que presento en el Salon des Independants en 1893 fue muy criticado por su mezcla de impudor y tono ironico Al final de su vida se dedico al paisaje que destaca por su luminosidad 102 Bonnard fue pintor ilustrador y litografo Era un excelente dibujante con figuras de contorno suave que expresan con delicadeza los mas sutiles movimientos Por su maestria en el manejo del pincel era apodado el nabi japones 103 Junto con Vuillard desarrollo una tematica centrada en un tipo de imagenes de atmosfera social que reflejaban la vida cotidiana en escenas generalmente de interior con una fuerte carga de introspeccion psicologica un estilo definido por los criticos como intimismo Expuso con regularidad en el Salon des Independants y el Salon d Autumne Posteriormente estuvo algo vinculado al fauvismo pero conservo siempre una esencia personal 104 Vuillard fue tambien pintor y litografo y como su amigo Bonnard su obra se centro en el intimismo Su estilo se caracterizo por un modelado de colores planos que recuerda a Gauguin y Puvis de Chavannes Aficionado a la fotografia la utilizo en ocasiones como punto de partida para sus composiciones 105 Ranson estudio en la Ecole des Arts Decoratifs de Paris y la Academie Julian En su obra muestra su interes por el ocultismo y la religion En 1908 fundo la Academie Ranson en la que impartieron clases algunos de sus amigos Nabis 61 Influido por el arte japones su estilo se caracteriza por una cierta tendencia a la monocromia y por unos contornos fuertemente marcados 106 Su estilo era algo academicista aunque mostro mayor originalidad en sus dibujos e ilustraciones asi como sus cartones para tapices que eran bordados por su mujer 107 Los Rosacruz Editar Articulos principales Rosacruzy Salon de la Rose Croix Cartel del Salon de la Rose Croix de 1892 de Carlos Schwabe Museu Nacional de Belas Artes Rio de Janeiro La Orden de los Rosacruz fue una sociedad secreta fundada supuestamente por un mistico medieval llamado Christian Rosenkreuz que habria alcanzado la sabiduria en un viaje a Oriente En 1612 un manifiesto titulado Fama Fraternitatis y publicado en Kassel conllevo el resurgimiento de esta orden esoterica que posteriormente se dividio en varias ramas algunas de ellas ligadas a la francmasoneria En 1888 el marques Stanislas de Guaita fundo en Francia la Orden Cabalistica de la Rosa Cruz dedicada al estudio de la kabala la alquimia y el ocultismo en general Poco despues en 1890 se escindio de la misma la Orden de la Rosa Cruz del Templo y del Grial fundada por Josephin Peladan que utilizaba el titulo de Sar mago en caldeo mas alejada del esoterismo y cercana a la tradicion catolica Tambien conocida como Rosa Cruz Estetica esta nueva orden puso un especial enfasis en el cultivo y difusion del arte Entre 1892 y 1897 la Orden organizo una serie de salones artisticos conocidos como Salon de la Rose Croix en los que se exponian obras de arte preferentemente de estilo simbolista Los rosacruces defendian el misticismo la belleza el lirismo la leyenda y la alegoria y rechazaban el naturalismo los temas humoristicos y generos como la pintura de historia el paisaje o el bodegon 108 En 1891 Peladan el poeta Saint Pol Roux y el conde Antoine de la Rochefoucauld publicaron los Mandamientos de los Rosacruces sobre estetica en los que proscribian toda representacion de la vida contemporanea asi como todo animal domestico o utilizado para el deporte las flores los bodegones los frutos los accesorios y otros ejercicios que los pintores tienen la insolencia de exponer En su lugar para favorecer el ideal catolico y el misticismo la Orden acogera toda obra fundada en la leyenda el mito la alegoria el sueno 109 El primer salon tuvo lugar en la Galeria Durand Riel de Paris del 10 de marzo al 10 de abril de 1892 Participaron artistas como Felix Vallotton Emile Bernard Charles Filiger Armand Point Edgar Maxence y Alexandre Seon asi como un joven Georges Rouault y el escultor Bourdelle y artistas extranjeros como Jan Toorop Ferdinand Hodler y varios miembros del grupo belga Les Vingt como Xavier Mellery George Minne y Carlos Schwabe 110 En el catalogo de la exposicion estos artistas manifestaban querer destruir el realismo y acercar mas el arte a las ideas catolicas al misticismo la leyenda el mito la alegoria y los suenos Para ello se inspiraron en la obra de Poe y Baudelaire ademas de las operas wagnerianas y las leyendas arturicas 111 Artista tu eres rey el arte es el verdadero reino Cuando tu mano ha escrito una linea perfecta los propios querubines bajan del cielo y se miran en ella como en un espejo Dibujo superespiritualizado linea llena de alma forma plena tu encarnas nuestros suenos Josephin Peladan manifiesto de la I Exposicion de la Rose Croix 112 El simbolismo pompier Editar El hombre entre el vicio y la virtud 1892 de Henri Martin Musee des Augustins Toulouse El simbolismo ejercio a finales de siglo un cierto influjo en el arte institucional el academicismo un estilo anclado en el pasado tanto en la eleccion de temas como en las tecnicas y recursos puestos a disposicion del artista En Francia en la segunda mitad del siglo XIX este arte recibio el nombre de art pompier arte bombero denominacion peyorativa derivada del hecho de que muchos autores representaban a los heroes clasicos con yelmos que parecian cascos de bombero El arte academico habia quedado desde principios de siglo encorsetado en un estilo basado en reglas estrictas inspirado en el clasicismo grecorromano pero tambien en otros autores clasicistas anteriores como Rafael Poussin o Guido Reni Tecnicamente se basaban en el dibujo esmerado el equilibrio formal la linea perfecta la pureza plastica y un cuidado detallismo junto a un colorido realista y armonico 113 Algunos de estos autores se sintieron seducidos por la imagineria simbolista y su evocacion subjetiva y espiritual pero lo tradujeron con un tono decorativista mas cercano al modernismo que al propio simbolismo un estilo artificioso en el que destacan las figuras de mujeres languidas de cabelleras onduladas por el viento los arabescos y la exuberante vegetacion de flores enrolladas Algunos de estos artistas fueron Jules Elie Delaunay Henri Le Sidaner Emile Rene Menard Henri Martin Ernest Laurent James Tissot Ernest Hebert Georges Antoine Rochegrosse Eugene Grasset Charles Maurin y Armand Point 31 Belgica y Paises Bajos Editar La bella Rosine 1847 de Antoine Wiertz Museo Wiertz Bruselas Belgica fue la cuna del simbolismo junto con Francia hasta el punto de que artistas de ambos paises estuvieron en estrecho contacto y participaron en exposiciones a ambos lados de la frontera Como en el pais galo existia un notable circulo literario y artistico liderado por los escritores Maurice Maeterlinck y Emile Verhaeren asi como el critico de arte Octave Maus factotum de los grupos artisticos Les Vingt y La Libre Esthetique Tambien como en Francia se fundaron varias revistas que sirvieron de plataforma para el simbolismo como Jeune Belgique L Art moderne Wallonie y La nouvelle societe 114 El grupo Les Vingt estuvo activo entre 1883 y 1893 Estaba formado inicialmente por veinte pintores escultores y escritores aunque con el tiempo se fueron produciendo bajas y nuevas incorporaciones Fue fundado por Octave Maus con el objetivo de fomentar el arte en su pais a traves de exposiciones en las que tenian cabida tanto las artes plasticas y decorativas como la musica y la poesia en estilos que iban desde el neo y postimpresionismo hasta el simbolismo el sintetismo y el modernismo Entre sus miembros iniciales destacaban James Ensor Fernand Khnopff y Theo van Rysselberghe mientras que mas tarde se incorporaron artistas como Felicien Rops Isidore Verheyden Henry Van de Velde Auguste Rodin Paul Signac y Jan Toorop Su medio de difusion era el periodico L Art moderne fundado en 1881 115 Tras la disolucion del grupo en 1893 Maus y Van Rysselberghe fundaron La Libre Estethique que continuo con su labor divulgativa del arte con un mayor enfasis en las artes decorativas Esta asociacion continuo su labor hasta 1914 116 Las tentaciones de san Antonio 1878 de Felicien Rops Cabinet des Estampes de la Bibliotheque Royale Albert Ier Bruselas Un antecesor del simbolismo en Belgica fue Antoine Wiertz un artista formado en el Romanticismo que construyo en Bruselas un estudio con forma de templo griego actual Museo Wiertz Sus obras tienen una factura academicista pero la eleccion de los temas se acerca al simbolismo como en La bella Rosine 1847 Museo Wiertz Bruselas donde una joven desnuda contempla un esqueleto en cuya calavera se aprecia una inscripcion con el titulo de la obra con lo que resulta que la bella no era la joven sino el esqueleto 117 Felicien Rops fue un pintor y artista grafico de gran imaginacion con predileccion por una tematica centrada en la perversidad y el erotismo 118 Se inspiro en el mundo de lo fantastico y lo sobrenatural con inclinacion hacia lo satanico y las referencias a la muerte con un erotismo que refleja el aspecto oscuro y pervertido del amor 119 Fue admirado por el Sar Peladan y por Huysmans quienes destacaron la depravacion de su obra Huysmans escribio de el entre la pureza cuya esencia es divina y la lujuria que es el propio diablo Felicien Rops con el alma de un primitivo invertido ha penetrado en el satanismo 120 Ilustro libros de Baudelaire Mallarme y Barbey d Aurevilly 81 Cierro la puerta tras de mi 1891 de Fernand Khnopff Neue Pinakothek Munich Fernand Khnopff desarrollo una tematica onirico alegorica de mujeres convertidas en angeles o esfinges con atmosferas inquietantes de gran refinamiento tecnico 121 Influido por Durero Giorgione Tintoretto Ingres Delacroix Whistler y los prerrafaelitas desarrollo una obra de profundo significado que desdena la naturaleza y se inspira en el arte mismo a partir del cual construye una segunda naturaleza Un critico de arte lo definio como un refinado esteta que solo siente la vida a traves del arte antiguo 110 A menudo utilizaba fotografias como base para sus composiciones que en ocasiones tienen una apariencia casi fotografica 122 Autoproclamado misogino y obsesionado por la belleza de su hermana elaboro un tipo de mujer androgina bien vestida de guerrera amazona con armadura o bien metamorfoseada en esfinge tigre o jaguar Sus imagenes son evanescentes banadas en un tipo de luz crepuscular con preferencia por el pastel y la acuarela asi como por el color azul Khnopff influyo poderosamente en la Sezession vienesa y en especial en Gustav Klimt 123 Jean Delville estaba interesado por el ocultismo y mostro en su obra obsesiones secretas donde sus figuras son una mezcla de carne y espiritu 119 Creia en la existencia de un fluido divino la reencarnacion la telepatia el extasis los embrujos y otros conceptos propios del ocultismo En 1895 publico un libro titulado Dialogo entre nosotros Argumentacion cabalistica ocultista idealista en el que exponia sus ideas Sus obras tienen un fuerte sello onirico y abundan en la iconografia satanica como en Los tesoros de Satan 1895 Musees Royaux des Beaux Arts Bruselas 124 Fue discipulo del Sar Peladan y en su estela fundo en su pais el circulo Pour l art y el Salon d art idealiste 110 La entrada de Cristo a Bruselas 1889 de James Ensor Museo Getty Los Angeles James Ensor creo un mundo inspirado en la tienda de recuerdos de su familia en el que proliferaban objetos como mascaras marionetas juguetes conchas fosiles porcelanas y antiguedades Tambien se denota en su obra el interes por la ciencia especialmente el mundo microscopico Entre sus referentes artisticos se encuentran Brueghel el Bosco Rembrandt Goya Turner y Whistler asi como el ascendente inmediato de Felicien Rops Se integro en el grupo Les Vingt pero fue rechazado por su vision caricaturizada y grotesca de la sociedad de su tiempo como en su obra La entrada de Cristo a Bruselas 1888 Museo Getty Los Angeles que representa la Pasion de Jesus en medio de un desfile de carnaval obra que causo un gran escandalo en su momento Tuvo preferencia por temas populares traduciendolo en escenas enigmaticas e irreverentes de caracter absurdo y burlesco con un sentido del humor acido y corrosivo centrado en figuras de vagabundos borrachos esqueletos mascaras y escenas de carnaval Su estilo es delirante sin reglas de una radical modernidad que preludia el arte vanguardista en que las formas no reflejan contenidos sino que los dejan entrever los traslucen Son imagenes deformadas en las que se trasluce una fuerte introspeccion psicologica de colores arbitrarios estridentes disonantes con efectos cegadores de luz Segun el mismo expresaba una linea correcta no puede inspirar sentimientos elevados ni puede expresar el dolor la lucha el entusiasmo la inquietud la poesia 125 Nocturno en el Parc Royal de Bruselas 1897 de William Degouve de Nuncques Museo de Orsay Paris William Degouve de Nuncques elaboro en su etapa mas puramente simbolista anos 1890 una serie de paisajes urbanos con preferencia por la ambientacion nocturna con un componente onirico precursor del surrealismo Angeles de la noche 1891 Museo Kroller Muller Otterlo Cisne negro 1896 Museo Kroller Muller Otterlo Efecto de noche 1896 Museo de Ixelles Aurora 1897 Museo de Bellas Artes de Gante Su obra La casa ciega 1892 Museo Kroller Muller Otterlo influyo en El imperio de las luces 1954 de Rene Magritte 126 La mayoria de sus imagenes evocan suenos infantiles de evocacion intimista 122 Leon Spilliaert desarrollo un estilo de formas simples y expresivas en las que el ritmo y el vacio provocan una cierta sensacion de angustia como en Vertigo 1908 Musee des Beaux Arts Ostende o Claro de luna y luces 1909 Museo de Orsay Paris Padecia de insomnio por lo que por las noches deambulaba por la ciudad y encontraba en los paisajes solitarios nocturnos la inspiracion para sus obras Tambien realizo marinas con amplias playas desiertas y mares silenciosos de composicion horizontal En otras ocasiones mostro un erotismo algo truculento y de caracter metaforico 127 Su estilo era algo ingenuo con tendencia al arabesco y al decorativismo en el que se percibe la influencia nabi Posteriormente evoluciono hacia el expresionismo 128 Fauno a la luz de la luna 1900 de Leon Spilliaert coleccion privada Xavier Mellery tuvo una formacion clasicista que complemento en Italia donde recibio la influencia de la escuela veneciana especialmente Carpaccio y del Miguel Angel de la Capilla Sixtina En 1870 gano el Premio de Roma Desde 1885 practico la pintura mural con imagenes alegoricas que recuerdan la obra de Puvis de Chavannes Su estilo era severo e intimista en ocasiones cercano al expresionismo con tematicas que evocan el misterio y la poesia Fue miembro de Les Vingt y expuso en el Salon de la Rose Croix Fue el maestro de Fernand Khnopff 74 Leon Frederic se movio entre el realismo academicista y el simbolismo con obras de un elevado misticismo en las que se revela igualmente su compromiso social 129 Su etapa simbolista se centro en la decada de 1890 con una especial influencia del prerrafaelismo en un estilo preciso y de frio colorido de fuerte componente alegorico Pensamiento que se despierta 1891 Empleo a menudo el formato del triptico Las edades del obrero 1895 1897 Museo de Orsay Paris El arroyo el torrente el agua estancada 1897 1900 Musees Royaux des Beaux Arts Bruselas 130 Todas las cosas mueren pero todas seran resucitadas a traves del amor de Dios 1893 1918 de Leon Frederic Museo de Arte Ohara Kurashiki Emile Fabry tenia un estilo de reminiscencias manieristas con figuras deformadas de aspecto melancolico 131 En 1892 fundo con Delville y Mellery el Cercle pour l Art Expuso en el Salon de la Rose Croix en 1893 y 1895 Desde 1900 se dedico especialmente a la elaboracion de frescos para edificios publicos 70 Constant Montald fue pintor y decorador especializado en paisajes En 1884 estudio en la Ecole des Beaux Arts de Paris y en 1886 gano el Premio de Roma tambien paso estancias en Italia y Egipto Impresionado por una visita a la basilica de San Marcos de Venecia en sus obras utilizo con asiduidad fondos de oro una de las caracteristicas de su produccion junto a la utilizacion de una profusa vegetacion Influido por el arte bizantino y el prerrafaelismo su estilo era ornamental de ritmo sosegado con enfasis en los tonos azules y dorados 78 Henry de Groux fue pintor escultor y litografo Fue miembro de Les Vingt pero fue expulsado en 1890 cuando se nego a que sus obras fueran expuestas junto a las de Vincent van Gogh Fue amigo de Degouve de Nuncques con quien compartio estudio en Bruselas y Paris Su obra maestra es Cristo de los ultrajes 1889 coleccion privada en la que se retrato a si mismo como Cristo De fuerte caracter su obra denota su impulsividad personal pero fue estimado por personajes como Emile Zola y Leon Bloy 79 Las tres novias 1893 de Jan Toorop Museo Kroller Muller Otterlo En los Paises Bajos el simbolismo no tuvo tanta implantacion como en su pais vecino al ser un pais protestante de economia capitalista factores que propiciaban mas bien el realismo en el arte como se aprecia en la Escuela de La Haya que dominaba el panorama artistico finisecular Ello coadyuvo a que un artista singular como Vincent van Gogh tuviera que establecerse en Francia 132 Asi fueron escasos los artistas que se acercaron al simbolismo entre los que cabe destacar a Jan Toorop y Johan Thorn Prikker asi como en menor medida a Richard Roland Holst que tuvo una fase simbolista entre 1891 y 1900 133 Otros artistas cercanos al simbolismo fueron Antoon Derkinderen Hendrikus Jansen y Theo van Hoytema 134 La novia 1892 1893 de Johan Thorn Prikker Museo Kroller Muller Otterlo Toorop fue un artista eclectico que combino diversos estilos en la busqueda de un lenguaje propio como el simbolismo el modernismo el puntillismo el sintetismo gauguiniano el linealismo de Beardsley y la estampa japonesa Se dedico especialmente a la tematica alegorica y simbolica y desde 1905 a la religiosa 135 Fue autor de Las tres novias 1893 Museo Kroller Muller Otterlo que denota la influencia de las sombras chinescas de Java donde nacio con figuras de largos brazos y delicada silueta Segun el propio autor la novia central representaba la voluntad mas manifiesta y bella la de la izquierda el padecimiento del alma y la de la derecha el mundo sensual 136 Otra interpretacion hace de la del centro la novia del hombre de la izquierda la de Cristo y de la derecha la de Satan 137 En 1905 se convirtio al catolicismo y se paso a la tematica religiosa con una tecnica puntillista fragmentada que le oriento hacia cierto grado de expresionismo 102 Thorn Prikker se paso del impresionismo al simbolismo por influencia de Toorop y por su admiracion por la obra de Maurice Denis Aun asi su fase simbolista fue de corta duracion de 1892 a 1895 Entre sus temas abundan los motivos florales y los arabescos con cierta tendencia a la abstraccion y cierto amaneramiento por el que fue criticado en su dia 102 Holst Holst tuvo como Toorop y Thorn Prikker contactos con el grupo Les Vingt y con los Rosacruz En su obra se evidencia la influencia de Rossetti Whistler y Beardsley 138 Desde 1900 se dedico al arte monumental 79 Uno de los pioneros de la vanguardia Piet Mondrian antes de llegar a la abstraccion neoplasticista realizo algunas obras simbolistas generadas por su interes por el esoterismo Recibio la influencia de Toorop asi como de Gauguin Matisse y Van Dongen 139 En esta etapa centrada entre 1907 y 1910 empezo a trabajar con colores primarios lo que seria una de sus senas distintivas ya en su fase abstracta 140 Uso en sus obras de estos anos un cromatismo vivo dividido en zonas que recuerda tanto al fauvismo como al puntillismo con una simplificacion formal que le acerco al cubismo y posteriormente la abstraccion 141 Paises germanicos Editar El guardian del paraiso 1899 de Franz von Stuck Museum Villa Stuck Munich El simbolismo germanico fue heredero directo del Romanticismo y su pasion por las leyendas medievales como las del ciclo de los Nibelungos Tambien estuvo fuertemente relacionado con la literatura y la musica terreno este ultimo en el que ejercio un poderoso influjo la obra de Richard Wagner Entre los literatos del circulo simbolista destacan Hugo von Hofmannsthal Stefan George y Rainer Maria Rilke asi como en el terreno de la filosofia Friedrich Nietzsche Tambien aqui se fundaron varias revistas como Jugend Pan Fliegende Blatter y Simplicissimus 142 Los principales centros expositivos estuvieron en Viena Berlin y Munich ciudades en las que se crearon unos grupos artisticos conocidos como Sezession la de Munich en 1892 la de Viena en 1897 y la de Berlin en 1899 Aunque mas vinculados al modernismo que al simbolismo tenian en comun con este ultimo un afan renovador del arte alejado del academicismo y promovieron en sus exposiciones la obra de varios artistas simbolistas 143 Segun Emile Langui en Alemania y en Austria el simbolismo se confunde practicamente con el art nouveau con la Secesion de Munich y la de Viena 144 En Alemania el pionero del simbolismo fue Hans von Marees De formacion clasica tras una fase puntillista la influencia de Bocklin le encamino hacia el simbolismo en obras centradas en la interrelacion y armonia entre el ser humano y la naturaleza como se denota en La Arcadia y El Siglo de Oro 145 La muerte del sepulturero 1895 1900 de Carlos Schwabe Museo del Louvre Paris Max Klinger fue pintor escultor y grabador En su obra se aprecia la influencia de Goya Menzel y Rembrandt asi como de la musica de Brahms y Beethoven y se percibe la atraccion por lo fantastico e inquietante 146 De gran complejidad tecnica y estilistica su obra esta plagada de fantasia y alusiones simbolicas En su obra pictorica destaca su Juicio de Paris 1885 1887 Kunsthistorisches Museum Viena en la que tambien diseno el marco integrandolo en un todo estructurado Fue mas innovador como artista grafico especialmente al aguafuerte en un estilo que antecede al surrealismo como se denota en su serie Aventuras de un guante 1881 centrada en el fetichismo 147 Franz von Stuck fue pintor grabador escultor y arquitecto uno de los fundadores de la Sezession muniquesa 102 Desarrollo un estilo decorativo proximo al modernismo aunque por su tematica es mas simbolista con un erotismo de torrida sensualidad que refleja un concepto de la mujer como personificacion de la perversidad El pecado 1893 Neue Pinakothek Munich El beso de la esfinge 1895 Szepmuveszeti Muzeum Budapest Salome 1906 Stadtische Galerie Munich 148 Fue maestro de Vasili Kandinski Alexei von Jawlensky y Paul Klee 149 Carlos Schwabe fue el mas internacional de los artistas germanicos nacido en Alemania paso su ninez y juventud en Suiza mientras que de adulto se establecio en Francia donde participo activamente en los salones Rosacruz 150 En su obra se denota la influencia prerrafaelita Tuvo una especial predileccion por las flores en cuya representacion logro una gran maestria a las que aplicaba un complejo simbolismo relacionado con los estados animicos 73 Narciso 1900 de Ludwig von Hofmann Museo Nacional de Varsovia Ludwig von Hofmann estudio primero en Dresde y Karlsruhe y finalizo su formacion en la Academie Julian de Paris Recibio la influencia de Puvis de Chavannes y Max Klinger En sus cuadros principalmente paisajes combino el decorativismo modernista con la tematica simbolista 79 Otto Greiner recibio una formacion academica pero en una estancia en Italia conocio a Max Klinger cuya obra le influyo notablemente Pintor dibujante y grabador su estilo se caracteriza por la sensualidad y el refinamiento con bastante cercania al gusto burgues de la epoca y con una especial inventiva en su vertiente simbolica y alegorica 151 Ferdinand Keller fue un pintor de corte mas bien academicista fue profesor y director de la Academia de Bellas Artes de Karlsruhe que gracias a la influencia de Bocklin hacia 1900 se decanto por el simbolismo especialmente en paisajes de colores saturados y de aspecto decorativo 152 Tumba de Bocklin 1901 1902 de Ferdinand Keller Staatliche Kunsthalle Karlsruhe Franz Marc recibio en su juventud la influencia simbolista Formado en el ambiente academicista en un viaje a Paris en 1903 entro en contacto con el postimpresionismo y los Nabis asi como Gauguin y el simbolismo Desde 1906 se dedico a la pintura de animales en los que encontro una perfecta alegoria de pureza natural En 1910 entro en contacto con August Macke y Vasili Kandinski quienes le introdujeron en el uso expresivo y simbolico del color Fue uno de los fundadores del grupo Der Blaue Reiter con el que se adentro en el expresionismo Posteriormente estuvo interesado por el orfismo y el futurismo y se acerco a la abstraccion aunque su carrera quedo truncada con su fallecimiento en el frente en la Primera Guerra Mundial 153 En Suiza Arnold Bocklin fue heredero directo del Romanticismo aleman y en sus paisajes se denota la influencia de Caspar David Friedrich Sus temas exaltan la soledad la tristeza la melancolia la muerte como liberacion Sus paisajes son ideales ajenos a la realidad objetiva pero con un tono sombrio que refleja sus inquietudes interiores Se especializo en una tematica de seres fantasticos como ninfas satiros tritones o nayades con un estilo algo morbido 154 De sus viajes a Italia recogio el gusto por la tematica mitologica y la presencia de ruinas en sus obras siempre con esa atmosfera de misterio que le caracteriza Su obra mas conocida es La isla de los muertos 1880 Metropolitan Museum of Art Nueva York donde una luz palida fria y blanquecina envuelve la atmosfera de la isla a donde se dirige la barca de Caronte Su obra influyo en Munch Kandinski Chirico y Dali 155 Floresta sagrada 1882 de Arnold Bocklin Kunstmuseum Basilea El otro gran nombre de la pintura suiza fue Ferdinand Hodler que evoluciono desde un cierto naturalismo a un estilo personal que denomino paralelismo caracterizado por esquemas ritmicos en los que la linea la forma y el color se reproducen de forma repetitiva con figuras simplificadas y monumentales 156 Sus obras se enmarcan en un espacio semiabstracto con figuras aisladas que parecen recortadas sobre unos paisajes vacios en los que se denota la influencia de Puvis de Chavannes Son obras estilizadas teatrales que trascienden un fuerte misticismo con fondos planos en los que se percibe el influjo medieval de Holbein 157 Tambien le impresiono la obra de Velazquez que conocio en un viaje a Madrid en 1878 1879 En Paris conocio en 1890 1891 la obra de Puvis de Chavannes asi como de Blake y el prerrafaelismo Su obra La noche 1890 aunque provoco un escandalo en Ginebra fue bien acogida en la capital francesa especialmente por los Nabis En su obra la figura humana personifica ideas comportamientos espirituales ritmos vitales 158 El dia 1900 de Ferdinand Hodler Kunstmuseum Berna En Austria descollo la figura de Gustav Klimt Tuvo una formacion academica para desembocar en un estilo personal que sintetizaba impresionismo modernismo y simbolismo Tuvo preferencia por la pintura mural con una tematica alegorica con tendencia al erotismo y con un estilo decorativista poblado de arabescos alas de mariposa o pavos reales y con un gusto por el color dorado que otorgaba a sus obras una intensa luminosidad 159 De padre orfebre estudio en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena lo que explica el intenso decorativismo de su obra En su estilo se percibe tambien la influencia de los mosaicos bizantinos de Ravena ciudad que visito en 1903 En su obra recreo un mundo de fantasia de fuerte componente erotico con una composicion clasicista de estilo ornamental donde se entrelazan el sexo y la muerte tratando sin tabues la sexualidad en aspectos como el embarazo el lesbianismo o la masturbacion 152 La suntuosidad rococo de Klimt encerraba en el fondo las multiples preocupaciones que poblaban su mundo interior la esperanza el sueno la muerte el anhelo de eternidad 160 Su mayor influencia al inicio de su carrera fue Hans Makart un pintor pompier de moda en los anos 1870 y 1880 asi como los academicistas Gerome y Boulanger o los neohelenicos Leighton y Alma Tadema Posteriormente recibio la influencia de Gustave Moreau Whistler Beardsley Jan Toorop y Franz von Stuck que le impulso a abandonar el academicismo Tambien recibio el influjo de Peladan y los Rosacruz especialmente en cuanto a la absolutividad sexual Un ultimo referente seria el arte japones 161 Todo ello le llevo a una combinacion original de simbolismo y modernismo que desarrollo en obras como el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena 1900 1907 destruidas en 1945 el Friso de Beethoven 1902 Osterreichische Galerie Belvedere Viena Las tres edades de la mujer 1905 Galeria Nacional de Arte Moderno Roma El beso 1907 1908 Osterreichische Galerie Belvedere Viena y el friso del palacio Stoclet 1911 Bruselas 162 El beso 1907 1908 de Gustav Klimt Osterreichische Galerie Belvedere Viena Alfred Kubin fue sobre todo dibujante expreso en sus dibujos un mundo terrorifico de soledad y desesperacion poblado de monstruos esqueletos insectos y animales horrendos con referencias explicitas al sexo donde la presencia femenina juega un rol malefico y perturbador 163 Influido por Goya Munch Ensor Redon y por su mas directo ascendiente Max Klinger su obra refleja la angustia existencial intento suicidarse pero se le encasquillo el arma y una honda desesperacion que tuvo parcial cura en la practica del arte 164 Ilustro obras de Poe Wilde Nerval y Strindberg Posteriormente se adscribio al expresionismo y fue miembro de Der Blaue Reiter asi como amigo de Franz Marc y Paul Klee 72 El simbolismo es tambien perceptible en la obra temprana de dos jovenes artistas que destacaron posteriormente en el expresionismo Egon Schiele y Oskar Kokoschka 165 Schiele fue discipulo de Klimt Su obra giro en torno a una tematica basada en la sexualidad la soledad y la incomunicacion con cierto aire de voyeurismo con obras muy explicitas por las que incluso estuvo preso acusado de pornografia Dedicado principalmente al dibujo otorgo un papel esencial a la linea con la que baso sus composiciones con figuras estilizadas inmersas en un espacio opresivo tenso Recreo una tipologia humana reiterativa con un canon alargado esquematico alejado del naturalismo con colores vivos exaltados destacando el caracter lineal el contorno 166 Kokoschka recibio la influencia de Van Gogh y del pasado clasico principalmente el Barroco Rembrandt y la escuela veneciana Tintoretto Veronese Tambien estuvo ligado a la figura de Klimt asi como del arquitecto Adolf Loos Sus primeras obras tenian un estilo medieval y simbolista cercano a los Nabis o la epoca azul de Picasso Posteriormente creo su propio estilo personal visionario y atormentado en composiciones donde el espacio cobra gran protagonismo un espacio denso sinuoso donde se ven sumergidas las figuras que flotan en el inmersas en una corriente centrifuga que produce un movimiento espiral Su tematica solia ser el amor la sexualidad y la muerte dedicandose tambien a veces al retrato y el paisaje 167 Reino Unido Editar La rueda de la fortuna 1883 de Edward Burne Jones Museo de Orsay Paris El arte simbolista ingles estuvo muy influido por la literatura de Oscar Wilde y Edgar Allan Poe Aqui tuvo gran relevancia la huella dejada por el prerrafaelismo de hecho algunos artistas prerrafaelitas se pasaron al simbolismo en su obra tardia como Edward Burne Jones 51 Partiendo del medievalismo prerrafaelita y con una especial influencia de artistas renacentistas como Leonardo Mantegna Botticelli Signorelli y Miguel Angel Burne Jones elaboro un lenguaje propio de gran inventiva formal experimentando nuevas tecnicas y formatos tuvo una especial predileccion por formatos altos y estrechos con figuras alargadas y espacios antinaturales Como en muchos otros artistas simbolistas algunas de sus figuras tienen un aspecto androgino como su Afrodita de Pigmalion Los fuegos de la divinidad 1878 Birmingham Museum and Art Gallery 168 Aubrey Vincent Beardsley fue principalmente dibujante caracterizado por un estilo de linea sinuosa muy proximo al modernismo aunque se considera simbolista por la eleccion de sus temas a menudo de fuerte contenido erotico Su dibujo estaba influido por la pintura de vasijas griegas con un estilo decorativo y algo perverso ritmico y elegante frivolo y con tendencia a lo grotesco 169 Otras de sus influencias fueron Burne Jones Whistler Mantegna Botticelli el rococo y el arte japones 170 Ejemplo prototipico de dandi sus temas favoritos fueron tambien algunos de los mas recurrentes del simbolismo la femme fatale el ciclo arturico y el universo artistico wagneriano 171 En 1891 ilustro el libro Salome de Oscar Wilde donde transformo la fealdad y la perversion en belleza y sugestion onirica aunando la linea modernista con el idealismo simbolista en una de las mejores obras del arte finisecular Segun Arthur Symons Beardsley es el satirico de una epoca que carece de convicciones propias y por ello como Baudelaire no puede pintar el infierno sin senalar a un paraiso presente como contrapartida 170 Murio de tuberculosis a los veintiseis anos 75 Caballos de Neptuno 1892 de Walter Crane Staatsgemaldesammlungen Munich Walter Crane fue pintor ilustrador tipografo y disenador de ceramica vidrieras textiles joyas y carteles Se inicio artisticamente en el estilo prerrafaelita con influencia del romantico William Blake cuyo estilo basado en lineas vibrantes y arabescos influyo poderosamente en el modernismo y simbolismo ingles Tambien fueron decisivos en su obra el Quattrocento florentino y la xilografia japonesa Estuvo involucrado en el movimiento Arts amp Crafts de cuya Sociedad de Exposiciones fue miembro de la junta directiva Tambien fue un importante teorico y su tratado La linea y la forma 1900 tuvo un gran predicamento en Reino Unido y Estados Unidos Se centro en los temas literarios y mitologicos con un lenguaje de simbolos de corte fabuloso y onirico en el que destacan las figuras metamorfoseadas y los elementos de la naturaleza mostrados en toda su potencia y esplendor como en su Caballos de Neptuno 1892 Staatsgemaldesammlungen Munich 172 Charles Ricketts fue pintor escultor grabador escenografo escritor y coleccionista de arte pero fue en sus ilustraciones donde se mostro mas claramente simbolista como en las que realizo para el poema La esfinge de Oscar Wilde 173 En sus inicios se dedico especialmente a la ilustracion y no fue hasta 1904 que empezo a dedicarse mas plenamente a la pintura 174 La esperanza 1886 de George Frederick Watts Tate Gallery Londres George Frederick Watts buscaba en sus obras una poesia pintada sobre el lienzo una pintura misteriosa influida por Dante Gabriel Rossetti Edward Burne Jones y Fernand Khnopff ademas de Tiziano y Joseph Mallord William Turner Su pretension era pintar grandes ideas buscando la concordancia entre la pintura la literatura y la musica que se reflejo en una serie de imagenes misticas y alegoricas de origen visionario con tendencia a la estetica de lo sublime Su imagen mas conocida es la alegoria de La esperanza 1886 Tate Gallery Londres en forma de muchacha vestida con tunica de aspecto prerrafaelita sentada sobre un globo terraqueo con una lira en las manos y los ojos vendados en alusion a la esperanza ciega Sin embargo la imagen melancolica de la joven provoca mas sensacion de desesperanza que de esperanza jugando con la tipica ambiguedad simbolista 175 La dama de Shalott 1888 de John William Waterhouse Tate Gallery Londres Frederic Leighton fue un pintor de factura academicista pero que en numerosas ocasiones mostro un gusto cercano al simbolismo en la eleccion de los temas Sus retratos de mujeres frias y distantes pero bellas y sensuales obtuvieron una notable fama en su tiempo Un buen ejemplo es El espiritu de la cumbre 1894 Auckland Art Gallery Toi o Tamaki Auckland en el que una bella joven vestida con una tunica clasica observa un firmamento nocturno sentada en un trono sobre una montana 176 John William Waterhouse fue tambien preferentemente academicista pero desde 1880 se acerco a un simbolismo de influencia prerrafaelita basado en temas literarios con un estilo romantico y ensonador sensual y de gran riqueza visual La dama de Shalott 1888 Tate Gallery Londres Hylas y las ninfas 1896 City Art Gallery Manchester 177 Charles Conder que vivio gran parte de su vida en Francia donde se integro en el ambiente simbolista y rosacruz y fue amigo de Bonnard y Toulouse Lautrec desarrollo una obra poderosamente influida por el pintor rococo Jean Antoine Watteau cuyo estilo Conder pretendio traducir al simbolismo elaborando una serie de obras la mayoria inspiradas en las leyendas arturicas ambientadas en las tipicas escenas de fete galante watteaunianas 178 Cabe resenar tambien la obra de las hermanas Frances y Margaret Macdonald integradas en la llamada Escuela de Glasgow un circulo modernista dedicado preferentemente a la arquitectura y las artes decorativas liderado por el arquitecto Charles Rennie Mackintosh marido de Margaret Sus disenos estaban encaminados mas bien a la decoracion pero son reflejo de un simbolismo de tendencia abstractizante que denota la influencia de Jan Toorop 179 Paises escandinavos Editar El grito 1893 de Edvard Munch Galeria Nacional de Noruega Oslo Como en el resto de paises la interrelacion entre literatura y arte en Escandinavia fue intensa y escritores como Bjornstjerne Bjornson Henrik Ibsen y August Strindberg fueron claros referentes del simbolismo escandinavo 142 El principal exponente nordico del simbolismo fue el noruego Edvard Munch que creo en su obra un universo personal que refleja sus angustias existenciales en las que se denota la influencia de la filosofia nietzscheana Su obra gira en torno a sus obsesiones personales respecto al amor y el sexo asi como su concepcion de la sociedad como un medio hostil y opresivo Tras unos inicios en el naturalismo y el impresionismo su cuadro La nina enferma 1885 inicia su andadura mas personal marcada por la expresion de los mas profundos sentimientos en una ocasion comento que su objetivo era disecar el alma En un viaje a Paris en 1889 recibio el influjo de Van Gogh Gauguin Redon y Toulouse Lautrec al tiempo que la vision de una gran ciudad de avenidas rectilineas le inspiro una serie de obras sobre la soledad del ser humano en medio de grandes multitudes de gente Atardecer en la calle Karl Johan 1892 Bergen Kunstmuseum Bergen El grito 1893 Galeria Nacional de Noruega Oslo Ansiedad 1894 Museo Munch Oslo Poco a poco se fue encerrando mas en sus obsesiones erotismo soledad muerte y se fue alejando de la representacion realista para transcribir sus sentimientos en imagenes en las que el color ya no describe sino que simboliza se convierte en un lenguaje de expresion interior la linea es a veces curva ritmica y ondulante a veces excesivamente recta y la atmosfera se transforma en violentos torbellinos que envuelven las figuras para remarcar su soledad La imagen femenina en sus obras parte del influjo prerrafaelita pero mas abstractizada en la que mas que la descripcion fisica le preocupa la introspeccion psicologica Pubertad 1886 Galeria Nacional de Noruega Oslo La obra de Munch entronco con el expresionismo de principios del siglo XX del que fue considerado uno de sus principales maestros 180 En Noruega destacaron tambien Halfdan Egedius y Harald Sohlberg Egedius fue un talento precoz que murio a los veintidos anos Se centro basicamente en escenas de la vida campesina y en las sagas nordicas 181 Sohlberg se centro en paisajes de tono misterioso que evocan la soledad humana 182 Polillas de polvo bailando en rayos de sol 1900 de Vilhelm Hammershoi Ordrupgaard Museum Copenhague En Dinamarca destacaron Vilhelm Hammershoi y Jens Ferdinand Willumsen Hammershoi fue un virtuoso en el manejo de la luz a la que consideraba el principal protagonista de sus obras La mayoria de sus cuadros se ubicaban en espacios interiores con luces filtradas a traves de puertas o ventanas con figuras generalmente de espaldas 183 Willumsen evoluciono desde el realismo al simbolismo y finalmente el expresionismo 184 Desarrollo un estilo personal partiendo de la influencia de Gauguin con gusto por los colores brillantes como en Tras la tormenta 1905 Galeria Nacional de Noruega Oslo una marina con un sol deslumbrante que parece estallar en el cielo 185 La leyenda de Aino 1891 de Akseli Gallen Kallela Ateneumin Taidemuseo Helsinki En Finlandia la figura principal fue Akseli Gallen Kallela formado en la Escuela de Bellas Artes de Helsinki y en la parisina Academie Julian donde fue alumno de Fernand Cormon En la capital francesa conocio la obra de Puvis de Chavannes y de Jules Bastien Lepage que le impresionaron profundamente De regreso a su tierra desarrollo una obra de estilo naturalista basada en la tradicion y leyendas epicas del folclore finlandes como la epopeya Kalevala Su estilo aunaba decorativismo y expresividad con contornos marcados y colores planos 186 Discipulo de Gallen Kallela fue Hugo Simberg quien recibio tambien la influencia de Bocklin y Burne Jones Su obra poblada de animales extranos y espiritus malignos se centra en la muerte a la que suele representar realizando tareas cotidianas como cuidar un jardin El jardin de la muerte 1896 Ateneumin Taidemuseo Helsinki 187 Otro artista finlandes fue Magnus Enckell quien recibio durante una estancia en Paris la influencia de Manet Carriere y Puvis de Chavannes asi como de Peladan y Edouard Schure en el terreno espiritual Posteriormente viajo por Italia Alemania y Suiza donde recibio el influjo de Bocklin Con el cambio de siglo rompio con el simbolismo 100 En Suecia destaco Ernst Abraham Josephson Se inicio en la pintura academicista pero desde 1881 quiza debido a una enfermedad psiquica su obra se adentro en el simbolismo generalmente de tendencia mistica y algo paranoica 188 Instalado en Bretana realizo practicas espiritistas en las que creia comunicarse con el mistico sueco Emanuel Swedenborg 152 Posteriormente vivio en Estocolmo retirado de la vida publica Realizo retratos paisajes y cuadros inspirados en las leyendas nordicas y en la mitologia clasica como los cuadros dedicados a las ondinas Su estilo se caracteriza por un cromatismo muy contrastado que influyo en el fauvismo y el expresionismo 189 Fue el lider del movimiento secesionista Konstnarforbundet 182 Carl Fredrik Hill se inicio en el impresionismo tras instalarse en Paris en 1873 Sin embargo en 1878 fue diagnosticado de esquizofrenia y ya de vuelta a su pais natal su estilo dio un gran viraje y su produccion especialmente en el dibujo se centro en visiones fantasticas y alucinatorias como paisajes irreales arquitecturas imaginarias animales extranos y visiones apocalipticas Casi desconocido en vida una exposicion en Lund en 1911 lo revelo como uno de los artistas suecos mas dotados de su tiempo 190 Cabria citar igualmente a August Strindberg insigne escritor y dramaturgo que tambien incursiono en la pintura Sus primeras obras estaban cercanas a las escuelas de Dusseldorf y Barbizon pero tras un periodo de inactividad entre 1890 1895 y 1900 1907 se acerco al simbolismo con una tematica centrada frecuentemente en el mar y una tecnica que preludia el tachismo de los anos 1940 1950 191 Italia Editar El Amor en las fuentes de la vida Las fuentes de la juventud 1896 de Giovanni Segantini Galleria Civica d Arte Moderna Milan Como en otros paises el arte italiano de la epoca se vinculo con escritores como Gabriele D Annunzio y revistas como Il Convito 51 El mayor centro de difusion del arte simbolista fue Milan un importante centro industrial y comercial del norte del pais 192 Giovanni Segantini fue un pintor de dificil clasificacion de factura neoimpresionista pero con una eleccion de temas frecuentemente relacionados con el simbolismo en los que se percibe la huella prerrafaelita 193 Estaba interesado en la literatura y la filosofia entre sus autores favoritos estaban Goethe Nietzsche Maeterlinck y D Annunzio y estaba interesado en la filosofia oriental especialmente la hindu 192 Su etapa mas simbolista se inicio en 1891 con una serie de obras alegoricas marcadas por una espiritualidad decadentista El angel de la vida 1894 Galleria Civica d Arte Moderna Milan En 1894 se retiro a la alta montana alpina en busca de una relacion mas personal con la naturaleza asi como el deseo de soledad y meditacion Su tecnica se hizo divisionista pero su tematica se volvio mas simbolica buscando en la naturaleza una religiosidad latente Triptico de los Alpes la naturaleza la vida y la muerte 1896 1899 Museo Segantini Saint Moritz 194 Maternidad 1891 de Gaetano Previati Banco Popular de Novara Gaetano Previati desarrollo un estilo alegorico y sentimental muy admirado por los futuristas 61 Iniciado en la Scapigliatura lo que le oriento hacia los temas romanticos desde 1890 su tecnica se volvio divisionista pero sus tematicas se volvieron mas idealistas y cercanas al simbolismo con cierta influencia de Rops y Redon 195 Su obra Maternidad 1891 Banco Popular de Novara causo una gran polemica en su pais pero le valio para ser invitado al Salon de la Rose Croix de Paris 192 Su estilo se caracteriza por un cromatismo vivaz de intensa luminosidad y aspecto antinaturalista Triptico del dia 1907 Camara de Comercio de Milan La caida de los angeles 1912 1913 Galeria Nacional de Arte Moderno Roma 195 El sol naciente 1903 1904 de Giuseppe Pellizza da Volpedo Galeria Nacional de Arte Moderno Roma Giuseppe Pellizza da Volpedo formado en el ambiente divisionista evoluciono a un estilo personal marcado por una luz intensa y vibrante cuyo punto de partida es su obra Esperanzas perdidas 1894 coleccion Ponti Grun Roma 196 En El sol naciente 1903 1904 Galeria Nacional de Arte Moderno Roma retrato una luz de amanecer refulgente que asoma sobre un horizonte montanoso y parece estallar en una miriada de rayos que se esparcen en todas direcciones con una lectura simbolica que apunta al compromiso social y politico del artista ya que el sol naciente fue tomado por el socialismo como una metafora de la nueva sociedad a la que aspiraba esta ideologia 197 Relampagos 1910 de Luigi Russolo Galeria Nacional de Arte Moderno Roma Alberto Martini fue sobre todo ilustrador considerado el mejor dibujante del simbolismo italiano Influido por Durero Cranach Moreau y Redon sus tematicas se centraban en lo fantastico grotesco y macabro Ilustro obras de Dante Boccaccio Edgar Allan Poe Mallarme Verlaine y Rimbaud Su obra de corte onirico e introspeccion psicologica influyo en el surrealismo cuyos artistas le consideraban un precursor 198 Giulio Aristide Sartorio fue alumno de Mariano Fortuny Estuvo vinculado al movimiento In Arte Libertas fundado por Nino Costa de tendencia prerrafaelita En su produccion destaca la representacion de la mujer fatal en obras como Diana de Efeso 1895 1899 Galeria Nacional de Arte Moderno Roma y La Gorgona y los heroes 1897 Galeria Nacional de Arte Moderno Roma 199 Otros representantes del simbolismo italiano de menor relevancia fueron Felice Casorati Luigi Bonazza Vittorio Zecchin y Guido Cadorin 200 Cabria mencionar asimismo a un grupo de jovenes pintores que posteriormente serian representantes destacados del futurismo que al comienzo de su carrera pasaron una fase simbolista como Umberto Boccioni Giacomo Balla y Luigi Russolo Boccioni se formo en el divisionismo En 1907 conocio en Milan a Previati quien le transmitio su interes por la psicologia de la imagen tambien recibio el influjo de la Sezession y de Edvard Munch El luto 1910 coleccion particular 201 Balla partio igualmente del divisionismo mientras que posteriormente recibio la influencia de Segantini Pellizza y Previati se centro en los aspectos sociales reflejo de sus ideales socialistas y humanitarios 202 Russolo tambien se formo en el divisionismo pero por influencia de Previati y Boccioni desarrollo una serie de obras centradas en el ambito urbano y la era industrial interpretadas en clave simbolista Los relampagos 1909 1910 Galeria Nacional de Arte Moderno Roma 203 En ultima instancia seria conveniente recordar la etapa simbolista de Giorgio De Chirico quien seria posteriormente el principal exponente de la pintura metafisica Estudio en Munich donde entro en contacto con la filosofia de Nietzsche y Schopenhauer y la pintura de Bocklin y Max Klinger Sus obras estaban inspiradas en el mundo clasico grecorromano con cierta apariencia de escenografia El centauro herido 1909 coleccion particular 204 Espana Editar Tristan e Isolda La muerte 1910 de Rogelio de Egusquiza Museo de Bellas Artes de Bilbao El panorama artistico en la Espana finisecular estaba monopolizado por la pintura academica que tenia como plataforma las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes refractarias a fomentar cualquier novedad artistica al contrario que los salones parisienses 205 Pese a todo algunos artistas mantenian contactos con el arte europeo especialmente a traves de Francia por lo que pudieron desarrollar un estilo mas moderno ligado sobre todo al impresionismo como se denota en la obra de Aureliano de Beruete y Agustin Riancho o al llamado luminismo valenciano representado por Joaquin Sorolla Sin embargo los ejemplos de pintura simbolista fueron mas bien escasos y circunscritos a la obra de algunos artistas individuales 206 Dario de Regoyos vivio un tiempo en Belgica y fue miembro fundador del grupo Les Vingt Tambien frecuento a los impresionistas en Paris y al circulo modernista barcelones de Els Quatre Gats en 1910 se instalo definitivamente en Barcelona Su estilo era mas bien cercano al impresionismo pincelada corta paleta clara pero algunas de sus tematicas se acercan al simbolismo por su interes por los temas marginales como se denota en su serie de ilustraciones La Espana Negra procedentes de un viaje realizado por la peninsula en 1888 junto al poeta belga Emile Verhaeren en las que desarrollo una serie de imagenes de tono amargo y en ocasiones algo tetrico de la Espana del momento 207 El pecado 1913 de Julio Romero de Torres Museo Julio Romero de Torres Cordoba Ignacio Zuloaga tambien fue interprete de esa vision de una Espana atavica y tremendista que plasmo en sus viajes a Las Hurdes o la sierra de Gredos con el doctor Gregorio Maranon Vivio un tiempo en Francia e Italia y fue admirador de Goya y el Greco Su obra destaca por un realismo descarnado de paleta gris y sombria con una tematica centrada en las escenas populares espanolas 208 Rogelio de Egusquiza fue un pintor singular que evoluciono desde el academicismo y una breve fase de influencia fortunyista hasta un simbolismo decorativista y exuberante fuertemente influido por la obra de Wagner muchos de cuyos argumentos y personajes recreo en sus pinturas 209 Brujas yendo al Sabbath 1878 de Luis Ricardo Falero Julio Romero de Torres desarrollo un estilo de factura realista con cierta tendencia arcaizante en que partiendo de escenas del costumbrismo tipico otorga a estas tematicas una mayor trascendencia alegorica que las aparta del manido pintoresquismo de la pintura decimononica espanola para convertirlas en escenas de evocacion casi mistica En su obra destaca la presencia de la mujer andaluza en representaciones que aglutinan misticismo y erotismo envueltas en un halo misterioso generalmente en paisajes desolados que se pierden en el infinito que anteceden algunos de los paisajes surrealistas 210 Cercano al estilo romeriano esta Miquel Viladrich catalan formado en Madrid y Paris que triunfo sobre todo en Estados Unidos Argentina y Marruecos Practico como Romero un realismo arcaizante pero de aspecto mas naif de raiz mas popular y con un tono mas tetrico 211 Eduardo Chicharro auno el arabesco modernista con el idealismo simbolista como en su triptico Los amores de Armida y Reinaldo 1904 Museo de Jaen que denota la influencia prerrafaelita Tambien realizo obras de tipo costumbrista cercanas al estilo de Zuloaga 212 Luis Ricardo Falero de tecnica mas bien academicista trato especialmente el desnudo femenino generalmente hadas y ninfas a veces con un toque orientalista asi como temas magicos astronomicos y de brujeria Vivio gran parte de su vida en Londres por lo que no es muy conocido en Espana pais en el que no se conserva ninguna obra suya 213 Cabe citar en ultimo lugar a Nestor Martin Fernandez de la Torre mas conocido simplemente como Nestor un pintor a caballo entre el modernismo y el simbolismo Entre 1904 y 1907 viajo por Francia Belgica y Reino Unido donde recibio la influencia de Whistler y los prerrafaelitas Su especialidad fueron los cuadros fantasticos en medios acuaticos con escenas con monstruos marinos en lucha con jovenes efebos desnudos como alegoria de las fuerzas elementales que solo se superan con esfuerzo Sus composiciones eran ampulosas recargadas dinamicas y de intenso colorido acercandose en ocasiones al kitsch Un buen ejemplo es La noche poema del Atlantico 1917 1918 Museo Nestor Las Palmas de Gran Canaria Tras su muerte su obra cayo en el olvido pero su figura fue recuperada por Salvador Dali 214 Modernismo catalan Editar Articulo principal Modernismo catalan La morfina 1894 de Santiago Rusinol Museo Cau Ferrat Sitges En Cataluna se desarrollo entre finales del siglo XIX y comienzos del xx el llamado modernismo catalan un estilo ligado al modernismo art nouveau internacional pero que aqui tuvo unas caracteristicas propias ligadas al renacer de la cultura catalana Renaixenca Destaco especialmente en arquitectura con figuras de gran renombre como Antoni Gaudi Lluis Domenech i Montaner y Josep Puig i Cadafalch pero tambien en pintura y escultura Fue un movimiento heterogeneo que agrupo en su seno varias tendencias estilisticas segun una clasificacion de Joan Ainaud de Lasarte El Modernismo en Espana 1969 el modernismo catalan podria dividirse entre modernismo simbolista impresionista y postimpresionista 215 El primero seria el mas cercano al simbolismo internacional con influencias procedentes del Romanticismo y el prerrafaelismo aunque tambien del naturalismo y otros estilos lo que proporciono una gran amalgama y complejidad que se tradujo de distinta manera en cada artista En su produccion se percibe un idealismo que otorga una gran relevancia a la iconografia y que se traduce en la expresion en los personajes de ideas o sentimientos con especial predileccion por la figura femenina 216 Sus caracteristicas principales fueron la asimetria la bidimensionalidad la linea sinuosa el gusto por la decoracion floral una cierta tendencia medievalizante y especialmente en lo que atane al simbolismo la predileccion por la alegoria y la tematica simbolica 217 Uno de los maximos representantes de este movimiento fue Santiago Rusinol establecido en 1890 en Paris junto a Ramon Casas donde se adentraron en el movimiento impresionista con una especial influencia de Manet y Degas es decir del impresionismo de mayor base tradicional de pincelada larga y difusa frente a la corta y suelta del impresionismo mas vanguardista 218 Sin embargo hacia 1893 1894 Rusinol evoluciono hacia un estilo mas plenamente simbolista abandono el realismo y encamino su obra hacia un tono mas mitico y estetizante casi evasionista como se denota en sus plafones decorativos para el Cau Ferrat de Sitges de 1896 La Pintura La Poesia La Musica 219 Con el comienzo del siglo XX se encamino mas hacia el paisajismo todavia con un cierto sello simbolista pero con mayor tendencia hacia el realismo 220 Composicion con ninfa alada al amanecer 1887 de Alexandre de Riquer Museo Nacional de Arte de Cataluna Barcelona Alexandre de Riquer fue pintor grabador decorador ilustrador y cartelista ademas de poeta y teorico del arte Vivio un tiempo en Londres donde recibio el influjo del prerrafaelismo y del movimiento Arts amp Crafts Destaco especialmente en la ilustracion de libros Crisantemes 1899 Anyoranses 1902 y en el diseno de ex libris genero que elevo a cotas de gran calidad 221 Ensueno 1897 de Joan Brull Museo Nacional de Arte de Cataluna Barcelona Joan Llimona fundador del Circulo Artistico de San Lucas se decanto hacia un misticismo de fuerte religiosidad como se denota en sus pinturas para la cupula del camarin de la iglesia del monasterio de Montserrat 1898 o los murales del comedor de la casa Recolons de Barcelona 1905 219 Formado en la Escuela de la Lonja amplio sus estudios en Italia durante cuatro anos Sus primeras obras fueron de genero costumbrista pero hacia 1890 su pintura se centro en la religion con composiciones que aunan realismo formal con el idealismo de los temas con un estilo comparado a veces con Millet y Puvis de Chavannes 222 Joan Brull estudio en Barcelona con Simo Gomez y en Paris con Raphael Collin Su etapa mas simbolista se centro entre 1898 y 1900 223 En su obra destaca la representacion de la figura femenina con muchachas de eterea belleza que a menudo cobran la forma de hadas o ninfas como en Calipso 1896 Museo Nacional de Arte de Cataluna Barcelona o Ensueno 1897 Museo Nacional de Arte de Cataluna Barcelona 219 Josep Maria Tamburini desarrollo una estetica parecida de idealizadas figuras femeninas como en Armonias del bosque 1896 Museo Nacional de Arte de Cataluna Barcelona 224 Iniciado en el academicismo en el que mostro una gran perfeccion tecnica posteriormente fue uno de los pintores modernistas mas afin al simbolismo especialmente por su tematica de contenido romantico 225 Sebastia Junyent fue un artista inquieto iniciado en el impresionismo parisino al tiempo que Casas y Rusinol pero que fue desarrollando una obra personal en que su fase mas simbolista se encuentra entre 1899 ano de su Clorosis de influencia whistleriana y 1903 fecha en que realizo una Anunciacion que ya senalaba un estilo mas arcaizante Su mejor obra en estos anos fue Ave Maria 1902 coleccion Junyent Barcelona que muestra un idealismo cercano a Henri Martin 226 Pudo haber influido en Pablo Picasso con el que compartio estudio en Barcelona y al que acompano a Paris 227 Entre los mas jovenes estaban Adria Gual y Lluis Masriera Gual fue ademas de pintor dramaturgo escenografo director teatral y pionero del cine Iniciado en el realismo efectuo un viraje radical hacia un modernismo de tendencia simbolista en 1896 con su libro ilustrado Nocturno Andante moderado Su mejor obra es El rocio 1897 Museo Nacional de Arte de Cataluna Barcelona Masriera destaco mas como orfebre que como pintor pero tambien desarrollo una obra de notable contenido simbolista de tono refinado y decorativo 228 Otros artistas dentro de esta corriente fueron Aleix Clapes Lluis Graner Laurea Barrau Joaquim Vancells Ramon Pichot y Josep Maria Xiro 229 Picasso Editar Articulo principal Pablo Picasso Timbre postal sovietico de 1971 conmemorando la obra de Pablo Picasso titulada Acrobata sobre bola realizada durante el periodo rosa del pintor El cuadro original esta en el Museo Pushkin Moscu Por ultimo cabe senalar el periodo simbolista de Pablo Picasso Tras una formacion academica y un primer contacto con el arte moderno durante su estancia en Barcelona donde se integro en el circulo modernista entre 1901 y 1907 se decanto por un estilo cercano al simbolismo que se tradujo en los denominados periodos azul 1901 1904 y rosa 1904 1907 del artista malagueno 66 En el ambiente artistico literario de la barcelonesa cerveceria Els Quatre Gats Picasso entro en contacto con el impresionismo los Nabis los simbolistas ingleses Burne Jones Whistler Beardsley la filosofia de Nietzsche y Schopenhauer la literatura de Ibsen Strindberg y Maeterlinck y la musica de Wagner 230 Todas estas influencias coadyuvaron a un periodo animico en el que imperaba en el artista la tristeza y la melancolia aumentada por el suicidio de su amigo Carles Casagemas en 1901 que se tradujo en su periodo azul Para entonces habia efectuado su primer viaje a Paris en 1900 donde recibio la influencia de Toulouse Lautrec Carriere Daumier y Theophile Steinlen Tambien se denota en esta etapa la influencia de Isidre Nonell especialmente en el modelado y los contornos simplificados Sus obras de este periodo se centran en la pobreza y la soledad asi como la maternidad y la ancianidad La vida 1903 Cleveland Museum of Art Desamparados 1903 Museo Picasso de Barcelona Su principal rasgo estilistico es el predominio del color azul probablemente por influencia de los Nocturnos de Whistler los tonos azul verdosos de las ultimas obras de Burne Jones y el cuadro La vigilia de santa Genoveva de Puvis de Chavannes de un azul casi monocromatico asi como la asociacion simbolica de este color con la espiritualidad y en la obra de Verlaine y Mallarme con la decadencia En 1904 ya instalado en Paris se percibe la influencia de artistas manieristas y barrocos espanoles como el Greco Velazquez y Zurbaran 231 En el periodo rosa paso de la tristeza a la alegria con temas mas joviales centrados en figuras circenses acrobatas bailarines y saltimbanquis El acrobata de la bola 1905 Museo Pushkin Moscu Saltimbanqui sentado con muchacho 1906 Kunsthaus Zurich Ello se reflejo tambien en su paleta centrada en los tonos pastel con preferencia por el rosa asi como por el gris 232 Instalado en Paris conocio a personajes relevantes del arte y la cultura como Serguei Shchukin Daniel Henry Kahnweiler Leo y Gertrude Stein Henri Matisse y Guillaume Apollinaire 233 El mayor exito en su carrera y su relacion con Fernande Olivier le llevaron a un mayor optimismo lo que se tradujo en temas mas amables y de colorido mas suave con imagenes plagadas de ternura y cierta nostalgia Aun asi en ocasiones se vislumbra el dramatismo de la etapa anterior con personajes tristes y melancolicos y escenas con cierto misterio como en La familia de saltimbanquis 1905 National Gallery of Art Washington D C 234 Europa del este Editar La profetisa Libuse 1893 de Karel Vitezslav Masek Museo de Orsay Paris Uno de los paises donde mas se desarrollo el simbolismo fue Bohemia actual Republica Checa perteneciente hasta 1918 al Imperio austrohungaro y por tanto inmersa en el ambito artistico occidental especialmente el germanico 235 Uno de sus mejores exponentes fue Frantisek Kupka discipulo del pintor nazareno Frantisek Sequens que para pagarse las clases trabajo como medium espiritista En 1895 viajo a Paris donde recibio la influencia de Ensor y Toulouse Lautrec Interesado en el ocultismo realizo obras de un misticismo decorativo fantastico y dramatico La mujer y el dinero 1899 Narodni Galerie Praga Balada de Epona Las alegrias 1900 Narodni Galerie Praga El principio de la vida 1900 1903 Centre Georges Pompidou Paris Desde los anos 1910 su obra se encamino hacia la abstraccion 235 Primavera 1896 de Alfons Mucha coleccion privada Alfons Mucha fue un artista a medio camino entre el modernismo y el simbolismo Vivio y trabajo en Viena y Munich antes de establecerse en Paris en 1887 donde estudio en la Academie Julian Posteriormente vivio varios anos en Estados Unidos 1904 1911 hasta que regreso a su patria donde se dedico al formato monumental Fue pintor grabador dibujante cartelista fotografo y disenador de joyas Trabajo como ilustrador para el periodico La plume y cosecho un gran exito en la confeccion de carteles teatrales especialmente los realizados para Sarah Bernhardt 236 Sus composiciones se basaban frecuentemente en la fotografia con un estilo ligero y elegante en el que destaca la imagen femenina dotada de una belleza sobrenatural asi como el gusto por el arabesco y la decoracion floral 78 Jan Preisler representaba por lo general temas espirituales estados animicos convertidos en algo tangible en los que el propio artista exponia sus intenciones en la obra Tiene aqui un elemento en comun con Edvard Munch artista al que admiraba Preisler 61 Recibio la influencia de Hans von Marees Maurice Denis y Puvis de Chavannes Su obra muestra la preocupacion por el ser humano en todas las facetas de la vida desde las sentimentales hasta la fantasia de cuentos y mitos y apunta en buena medida hacia el expresionismo 237 Frenesi de exaltaciones 1893 de Wladyslaw Podkowinski Museo Nacional de Cracovia Karel Vitezslav Masek fue pintor y arquitecto En una estancia en Paris donde fue alumno de Alphonse Osbert y Henri Martin adopto el puntillismo de Seurat para decantarse luego por el simbolismo Su obra muestra un fuerte decorativismo no en vano fue profesor en la Escuela de Artes Decorativas de Praga 145 En ocasiones utilizo mosaicos de colores luminiscentes como Klimt 238 Otros representantes del simbolismo checo son Jakub Schikaneder Max Svabinsky Antonin Slavicek y Ludvik Kuba 237 Polonia pasaba en esta epoca una dificil situacion con su territorio dividido en tres partes entre Rusia Prusia y el Imperio austrohungaro y su idioma y cultura proscritos en los ambitos ruso y prusiano en el lado austriaco centrado en Cracovia menos represivo fue donde mas se desarrollo la cultura polaca 236 En relacion al simbolismo un factor esencial fue la obra del escritor Stanislaw Przybyszewski poeta y teorico del arte un personaje provocador partidario del satanismo que difundio el simbolismo en su pais 239 Junto con Stanislaw Wyspianski fundo la revista Zycie Vida que fue el organo de una asociacion artistica denominada Mloda Polska Joven Polonia que promovio un simbolismo de tono decadentista asi como el neorromanticismo el impresionismo y el modernismo 240 Wyspianski fue pintor poeta y dramaturgo Alumno del academicista Jan Matejko estudio tambien literatura e historia del arte Amplio sus estudios en la parisiense Academie Colarossi entre 1890 y 1894 De regreso a su pais introdujo el decorativismo secesionista en el panorama artistico lo que ayudo a su renovacion 241 Destaco como retratista e ilustrador y diseno tambien vidrieras como las de la iglesia de los Franciscanos de Cracovia 242 La muerte 1902 de Jacek Malczewski Museo Nacional de Varsovia Como el anterior Jozef Mehoffer fue alumno de Jan Matejko y estudio en la Academie Colarossi de Paris donde trabo amistad con Gauguin y Mucha 243 Realizo ilustraciones para las revistas Zycie y Chimera Tambien diseno vidrieras como las de la iglesia de San Nicolas de Friburgo 74 Jacek Malczewski fue alumno tambien de Jan Matejko de quien tomo el gusto por los temas historicos asi como los mitologicos y religiosos 244 Pinto numerosos autorretratos con diversos disfraces en ocasiones en interrelacion con una hermosa mujer que representa la muerte Preocupado por la situacion de su pais en su Hamlet polaco 1903 Museo Nacional de Varsovia pinto dos mujeres una con las manos atadas y otra que rompe sus cadenas representando la antigua y la nueva Polonia 145 Eloe 1892 de Witold Pruszkowski Muzeum Narodowe Wroclaw Jozef Pankiewicz se inicio en el impresionismo y tuvo tambien contactos con el secesionismo vienes pero posteriormente recibio el influjo del simbolismo con preferencia por el genero del nocturno Cisnes en el jardin de Sajonia 1896 Museo de Cracovia 245 Fue miembro de la sociedad Sztuka Arte fundada en Cracovia en 1897 con el objetivo de impulsar el arte contrario al academicismo y fomentar el circuito de exposiciones en Polonia Los miembros de este grupo mostraban tendencias artisticas que iban desde el impresionismo y simbolismo hasta el expresionismo 246 Witold Wojtkiewicz se centro en el mundo de la infancia y el circo con un estilo que combina lo lirico y lo grotesco y que se acerca al expresionismo y el surrealismo Murio a los treinta anos 241 Otros exponentes del simbolismo polaco fueron Bruno Schulz Wladyslaw Slewinski Wojciech Weiss Wladyslaw Podkowinski y Witold Pruszkowski 247 En Hungria destaco Jozsef Rippl Ronai Discipulo del academicista Mihaly Munkacsy se traslado a Paris y contacto con el ambiente simbolista de esa ciudad tambien visito la colonia artistica de Pont Aven frecuento a los Nabis y trabo amistad con Whistler y Carriere En 1897 el marchante Samuel Bing organizo una exposicion de su obra con 130 cuadros suyos En 1902 regreso a su pais natal Su obra muestra una cierta monumentalidad y un aire solemne con tendencia a la monocromia y a sintetizar la forma y el color y una paleta clara y amable 248 Janos Vaszary recibio la influencia de Puvis de Chavannes lo que se denota en su gusto por la pintura mural especialmente en paisajes de composicion estilizada con contornos de fina linea negra con figuras naturalistas de correcto dibujo anatomico 248 Otro representante fue Aladar Korosfoi Kriesch de estilo semejante al anterior en su contraste de formas planas y figuras bien definidas anatomicamente con cierta influencia de Gustav Klimt y del nazareno Melchior Lechter Su obra denota cierto clasicismo con un cromatismo frio que contrasta con su gusto por el color dorado 248 Diseno de bailarina para El pajaro de fuego 1910 de Lev Bakst En Rusia el simbolismo se desarrollo en amplia interrelacion con la literatura de Tolstoi y Dostoyevski y la musica de Rimski Korsakov 51 En 1898 Alexandre Benois y Serguei Diaguilev fundaron en San Petersburgo el grupo Mir Iskusstva Mundo del arte con el objetivo de renovar el panorama artistico ruso y desmarcarse del academicismo Entre sus influencias ademas del modernismo y el simbolismo se encontraban el arte popular y medieval asi como el dibujo infantil y el arte primitivo de los que extrajeron su preferencia por la simplificacion formal y los colores brillantes dos de sus principales senas de identidad Al igual que los Nabis tenian el objetivo de lograr una sintesis de las artes por lo que se preocuparon por igual de la pintura y la escultura que de la ceramica o la madera y tambien incursionaron en las artes escenograficas como se manifiesta en los Ballets Rusos de Diaguilev En 1900 se incorporo al grupo Lev Bakst pintor escenografo y disenador de vestuario influido por el modernismo y el arte oriental El grupo edito una revista de su mismo nombre Mir Iskusstva y organizo exposiciones de artistas occidentales La primera tuvo lugar en San Petersburgo en 1899 con obras de Degas Monet Moreau Bocklin Puvis de Chavannes y Whistler La ultima en 1906 supuso el debut de algunos artistas vanguardistas como Mijail Larionov Natalia Goncharova y Aleksei von Jawlensky Ese mismo ano Diaguilev organizo una muestra de arte ruso en el Salon d Autumne de Paris Tras la misma se disolvio el grupo Entre 1910 y 1924 fue utilizado su nombre como sociedad expositiva pero centrada ya en el arte vanguardista 249 Los Ballets Rusos fue una compania de ballet creada en 1909 por Diaguilev integrada principalmente por bailarines del Ballet Imperial del Teatro Mariinski de San Petersburgo entre los que destacaba Vaslav Nijinsky Estuvo afincada sucesivamente en Paris Montecarlo de nuevo Paris y Londres Ademas de por la musica y el ballet destaco especialmente por sus escenografias decorados y vestuarios disenados sobre todo por Benois y Bakst asi como otros artistas como Nikolai Roerich Konstantin Korovin y Aleksandr Golovin Alexandre Benois de ascendencia francesa fue pintor escenografo historiador y critico de arte En sus escenografias combino el arte tradicional ruso con algunos elementos del rococo frances 250 Lev Bakst estudio en la parisiense Academie Julian y fue alumno de Jean Leon Gerome 75 Combino el arte popular ruso con el arte frances moderno con un estilo colorista que destaca por su sentido del ritmo 251 Entre las principales producciones de la compania se encuentran Danzas polovtsianas de El principe Igor con decorados y vestuario de Roerich 1909 El festin con decorados de Korovin y vestuario de Korovin Bakst y Benois 1909 Los jardines de Armida de Benois 1909 Cleopatra de Bakst 1909 Las silfides de Benois 1909 El pajaro de fuego de Golovin 1910 Scheherezade de Bakst 1910 Petrushka de Benois 1911 El Espectro de la rosa de Bakst 1911 La siesta de un fauno de Bakst 1912 y La leyenda de Jose 1914 de Bakst y Josep Maria Sert Desde 1914 los ballets se alejaron del estilo simbolista La compania se disolvio en 1929 tras la muerte de Diaguilev 252 El demonio caido 1901 de Mijail Vrubel Museo Pushkin Moscu Fuera de este grupo destaca la obra de Mijail Vrubel Estudio derecho antes de iniciarse en la pintura a los veinticuatro anos y dedico cinco anos a la restauracion de los frescos de la iglesia de San Cirilo de Kiev para posteriormente instalarse en Moscu e iniciar su andadura personal Sus temas preferidos fueron los retratos las escenas de ballet y las representaciones mitologicas y alegoricas Realizo durante quince anos varias obras inspiradas en El demonio de Lermontov en el que un demonio se enamora de una joven y para poseerla mata a su novio cuando la joven se recluye en un convento la seduce pero ella muere y el demonio se queda solo En la obra de Vrubel el demonio evoluciona de un ser de belleza sobrehumana a un ser aplastado y desesperado A los treinta y seis anos empezo a tener sintomas de demencia a los cuarenta perdio la vista y murio a los cuarenta y cuatro anos Apodado el Cezanne ruso por Naum Gabo su obra influyo en Malevich y Kandinski 253 Sadko 1876 de Ilia Repin Museo Estatal Ruso San Petersburgo El simbolismo influyo tambien en la obra madura de Ilia Repin un pintor realista miembro del grupo Peredvizhniki Ambulantes con un estilo melodramatico de introspeccion psicologica En 1890 se integro en el circulo de Mir Iskusstva y atraveso una fase simbolista 61 Fue miembro del comite redactor de la revista y participo en varias exposiciones organizadas por Diaguilev Sin embargo pronto se separo del grupo al que consideraba diletante y continuo con su estilo realista 254 Kuzma Petrov Vodkin estudio en Moscu y Paris y viajo por Francia Italia Grecia y Africa Recibio la influencia de Puvis de Chavannes Hodler y Denis Su obra se centra en conceptos ideales como la belleza el amor y la felicidad 66 Su estilo inspirado a menudo en los iconos tradicionales rusos se caracteriza por los fuertes contrastes cromaticos y el uso de perspectivas de arriba abajo En su ultima etapa evoluciono hacia el realismo 255 Valentin Serov fue alumno de Repin y amplio sus estudios en Paris y Monaco Fue un destacado retratista que realizo imagenes de Nicolas II Maksim Gorki y Nikolai Rimski Korsakov entre otros Fue miembro de Mir Iskusstva y colaborador de Diaguilev 73 Evoluciono desde un cierto impresionismo hacia un simbolismo influido por el arte tradicional ruso y el arte clasico griego 256 Otros exponentes del simbolismo ruso fueron Viktor Zamiraylo Konstantin Somov Viktor Borisov Musatov y Viktor Vasnetsov 257 Pareja de jinetes 1907 de Vasili Kandinski En Rusia cabe citar tambien la fase simbolista de dos jovenes artistas que luego destacarian en el arte de vanguardia Vasili Kandinski y Kasimir Malevich Kandinski estudio derecho economia y politica antes de pasarse al arte En 1899 se instalo en Munich donde estudio con Anton Azbe y Franz von Stuck Entre 1903 y 1907 viajo por Italia Francia y Africa Entre 1907 y 1914 vivio entre Berlin y Munich Tras unos anos de vuelta a Rusia en 1922 regreso a Alemania y en 1933 se instalo en Francia La primera fase de su obra puede enmarcarse en el simbolismo en la que su fuente de inspiracion fueron los cuentos y leyendas eslavas asi como elementos de la religiosidad ortodoxa y de cierta tendencia al ocultismo perceptible por ejemplo en la transcripcion simbolica de sus colores En 1911 se adhirio al grupo expresionista Der Blaue Reiter y fue decantandose hacia la abstraccion de la que fue uno de sus pioneros 152 Malevich futuro fundador del suprematismo tuvo en sus inicios una fase simbolista caracterizada por el erotismo aunado con cierto misticismo de corte esoterico con un estilo tendente a la monocromia con predominio del rojo y el amarillo Mujer cogiendo flores 1908 coleccion privada Encina y driadas 1908 coleccion privada 258 Fue alumno de Borisov Musatov quien a su vez habia sido alumno de Moreau 145 Influido por Maurice Denis su dibujo tenia cierta tendencia al primitivismo 259 Cabe citar en ultimo lugar al lituano Mikalojus Konstantinas Ciurlionis pintor y compositor un artista innovador con tendencia hacia la abstraccion Interesado en la mitologia lituana y la filosofia de Nietzsche y Rudolf Steiner su estilo se movio entre el simbolismo y la abstraccion en el que se denota una fuerte inspiracion en la musica 68 Entre 1906 y 1908 realizo una serie de abstracciones musicales Composicion Sonata del mar Sonata piramidal que pretendian transcibir al ambito pictorico los ritmos musicales en unas obras de tendencia abstractizante que buscaban reflejar en lineas simplificadas las energias cosmicas que pretendia captar con su obra 260 Murio pobre a los treinta y seis anos 261 Estados Unidos Editar La copa de la muerte 1885 de Elihu Vedder Virginia Museum of Fine Arts Richmond En Estados Unidos el simbolismo tuvo escasa implantacion pero fue practicado por unos pocos artistas que lo habian conocido en viajes a Europa Al igual que en Reino Unido con el prerrafaelismo en el pais norteamericano se suele considerar como un precedente la obra desarrollada por la Escuela del rio Hudson y especialmente por Thomas Cole un pintor de origen britanico autor de paisajes de tono alegorico y romantico como El viaje de la vida 1842 National Gallery of Art Washington D C una serie de cuatro lienzos que representan el ciclo de la vida humana infancia juventud madurez y vejez en forma de un viajero que surca en barca un rio la Vida guiado por un angel custodio 262 El panorama artistico estadounidense era mas bien hostil al simbolismo ya que por su idiosincrasia era mas tendente al realismo alli aun predominaba el positivismo cientificista y se tenia una viva idea del progreso especialmente en el terreno economico ya que no en vano este pais es junto con Reino Unido la cuna del capitalismo Asi se veia con recelo alguno de los aspectos de la cultura finisecular europea especialmente en lo tendente al decadentismo que chocaba frontalmente con el fundamentalismo religioso propiciado por el protestantismo En este pais incluso el arte y la poesia eran consideradas actividades femeninas 263 Pese a todo se produjeron diversos vestigios de arte simbolista practicado por artistas de formacion europea como Albert Pinkham Ryder Arthur Bowen Davies Elihu Vedder Maurice Prendergast y John White Alexander 264 Siegfried y las doncellas del Rhin 1888 1891 de Albert Pinkham Ryder National Gallery of Art Washington D C De formacion autodidacta Ryder elaboro paisajes y marinas dos generos no muy tratados por los simbolistas pero con un aire visionario que los convertia segun sus propias palabras en algo mejor que la naturaleza que vibraba con la emocion de una nueva creacion Inspirado en la obra de Shakespeare Byron Wagner y Poe asi como la Biblia y la mitologia sus obras expresan una tematica relativa a la maldad y la muerte 120 Davies tambien elaboro paisajes de tipo alegorico que denotan la influencia simbolista por su predileccion por la tematica onirica y sensual asi como lo romantico y decorativo Fue uno de los organizadores del Armory Show que presento en Estados Unidos las obras de los artistas simbolistas asi como impresionistas fauvistas y cubistas 120 Recibio la influencia de Bocklin y el prerrafaelismo 68 Instalado en Roma desde 1867 desde donde regreso ocasionalmente a su tierra Vedder recibio la influencia del prerrafaelismo y de Odilon Redon y aunque a menudo eligio temas historicos y religiosos asi como paisajes los reinterpreto al modo simbolista en imagenes fantasticas y alegoricas en las que la figuracion detallista se subordina al contenido simbolico como en La copa de la muerte 1885 Virginia Museum of Fine Arts Richmond 265 Visiones de gloria 1896 de Arthur Bowen Davies Coleccion Phillips Washington D C Alexander fue pintor e ilustrador formado en Munich Florencia y Venecia entre 1877 y 1881 Tras una estancia en Nueva York en que destaco como retratista vivio en Paris entre 1890 y 1901 donde frecuento a Whistler Rodin Mallarme y Henry James Fue director de la National Academy of Design Destaco especialmente en el retrato femenino 75 Maurice Prendergast fue tambien un artista bastante vinculado a Europa entre 1891 y 1894 estudio en las academias Julian y Colarossi y recibio la influencia especialmente de Manet Whistler Seurat Toulouse Lautrec y los Nabis Durante la transicion de siglo su obra estuvo mas cercana al impresionismo y fue a mediados de la decada de 1910 que se aproximo mas al simbolismo en obras como The promenade 1914 1915 Detroit Institute of Arts En la ultima fase de su obra se acerco al fauvismo matissiano 266 El simbolismo influyo tambien por un tiempo a John Singer Sargent un pintor clasicista que destaco como retratista social cercano en ocasiones al impresionismo En 1895 recibio el encargo para decorar la Biblioteca Publica de Boston para la que desarrollo un ciclo mural basado en El progreso de la religion que denota la influencia simbolista especialmente en las deidades paganas de Proximo Oriente 267 Conviene citar en ultimo lugar a James Abbott McNeill Whistler un pintor estadounidense afincado en el Reino Unido que aunque ligado sobre todo al impresionismo se le relaciona en ocasiones con el simbolismo por su concepcion idealista del arte al que consideraba una divinidad de esencia delicada 264 Permanecio un tiempo en Francia donde estudio en la Ecole des Beaux Arts con Charles Gleyre Alli conocio a Legros y Fantin Latour con quienes fundo la Societe des Trois En 1859 se instalo en Londres aunque siguio viajando frecuentemente a Francia Fue un eminente dandi y defensor de l art pour l art y rechazo en la pintura cualquier componente narrativo o moral segun el si la musica es la pintura del oido la pintura debe serlo del ojo Su estilo era ligero de colores simples y tonalidades algo abstractas 268 Whistler se aleja del simbolismo por su ausencia de contenido metafisico pero aporto importantes conceptos a la teoria simbolista como la autonomia del arte respecto a cualquier concepto moral Tambien influyo en el simbolismo su gusto por el arte japones su decoracion mediante pautas inspiradas en plumas de pavo real y su tendencia a titular sus obras con conceptos musicales como nocturno arreglo y sinfonia 269 Vease tambien EditarHistoria de la pintura Cuadros del Simbolismo Esteticismo Decadentismo Arte por el arte Fin de siecleReferencias Editar Chilvers 2007 p 888 a b c d e f Enciclopedia del Arte Garzanti p 894 Chilvers 2007 pp 888 889 Chilvers 2007 p 889 Chilvers 2007 p 61 a b c Diccionario Larousse de la Pintura p 1856 Dobai y Coradeschi 1981 p 5 Fernandez Polanco 1989 p 6 Wolf 2009 pp 8 9 Buendia y Gallego 2003 p 641 a b c Dempsey 2002 p 41 Fernandez Polanco 1989 p 40 Fernandez Polanco 1989 pp 10 12 Wolf 2009 p 7 a b c Lemaire 1997 p 6 a b Lemaire 1997 p 7 Fernandez Polanco 1989 pp 38 40 Wolf 2009 p 18 Fernandez Polanco 1989 pp 12 13 Wolf 2009 pp 19 20 Lucie Smith 1991 pp 12 20 Wolf 2009 p 9 a b Lucie Smith 1991 p 23 Diccionario Larousse de la Pintura pp 1856 1847 Fernandez Polanco 1989 p 32 Fernandez Polanco 1989 pp 8 10 Dempsey 2002 p 31 Fernandez Polanco 1989 p 10 a b c Dempsey 2002 p 43 Wolf 2009 p 16 a b Diccionario Larousse de la Pintura p 1857 Wolf 2009 p 12 Eco 2004 p 329 Beardsley y Hospers 1990 p 70 Eco 2004 p 333 Honour y Fleming 2002 p 680 Fahr Becker 2008 pp 25 26 Givone 2001 p 114 Eco 2004 p 340 a b Fahr Becker 2008 p 71 Fernandez Polanco 1989 p 68 Dempsey 2002 pp 30 31 Eco 2004 pp 336 337 Wolf 2009 pp 12 13 Fernandez Polanco 1989 pp 40 41 Wolf 2009 p 20 Fahr Becker 2008 p 90 Fernandez Polanco 1989 p 13 a b Gibson 2006 p 33 Gibson 2006 pp 45 49 a b c d Diccionario Larousse de la Pintura p 1860 Gibson 2006 p 31 Chilvers 2007 p 649 Enciclopedia del Arte Garzanti p 662 Fernandez Polanco 1989 p 44 Aguilera 1972 pp 296 297 Gibson 2006 p 36 Chilvers 2007 p 773 Pijoan y Gaya Nuno 1967 p 167 Pijoan y Gaya Nuno 1967 p 168 a b c d e f Gibson 2006 p 240 Hamilton 1989 p 83 Chilvers 2007 pp 789 790 Fernandez Polanco 1989 p 45 Hamilton 1989 p 85 a b c d Gibson 2006 p 239 Diccionario Larousse de la Pintura p 1478 a b c Gibson 2006 p 230 Lucie Smith 1991 p 87 a b c Gibson 2006 p 232 Diccionario Larousse de la Pintura p 617 a b Gibson 2006 p 235 a b c Gibson 2006 p 242 a b c Gibson 2006 p 237 a b c d Gibson 2006 p 228 Hofstatter 1981 p 106 Gaston Bussiere Biography en ingles Consultado el 21 de octubre de 2018 a b c Gibson 2006 p 238 a b c d Gibson 2006 p 233 Enciclopedia del Arte Garzanti p 851 a b Gibson 2006 p 241 Buendia y Gallego 2003 p 656 Tazartes 1999 p 32 Buendia y Gallego 2003 p 664 Chilvers 2007 p 753 Enciclopedia del Arte Garzanti p 768 Fernandez Polanco 1989 p 29 a b c Fernandez Polanco 1989 p 30 Dempsey 2002 p 49 a b Dempsey 2002 p 50 a b Dempsey 2002 p 53 Lucie Smith 1991 p 114 Dempsey 2002 p 55 a b Chilvers 2007 p 669 Pijoan y Gaya Nuno 1967 p 310 Fernandez Polanco 1989 pp 32 33 Gibson 2006 p 49 Dempsey 2002 p 51 Hofstatter 1981 pp 95 96 a b Gibson 2006 p 231 Hofstatter 1981 pp 93 95 a b c d Gibson 2006 p 243 Hofstatter 1981 p 98 Chilvers 2007 p 128 Chilvers 2007 p 1002 Fahr Becker 2008 p 409 Hofstatter 1981 pp 96 97 Fernandez Polanco 1989 p 46 Gibson 2006 p 56 a b c Fernandez Polanco 1989 p 48 Dempsey 2002 p 56 Fahr Becker 2008 p 131 Tarabra 2009 p 300 Diccionario Larousse de la Pintura p 1858 Dempsey 2002 p 25 Dempsey 2002 pp 25 26 Gibson 2006 p 87 Chilvers 2007 p 826 a b Fernandez Polanco 1989 p 149 a b c Dempsey 2002 p 44 Enciclopedia del Arte Garzanti p 501 a b Gibson 2006 p 94 Fernandez Polanco 1989 p 49 Gibson 2006 p 104 Fernandez Polanco 1989 pp 50 52 Diccionario Larousse de la Pintura p 492 Gibson 2006 pp 108 110 Gibson 2006 pp 242 243 Gibson 2006 p 109 Diccionario Larousse de la Pintura p 731 Gibson 2006 p 103 Gibson 2006 pp 110 111 Gibson 2006 p 111 Hofstatter 1981 p 154 Enciclopedia del Arte Garzanti p 946 Gibson 2006 pp 111 115 Fahr Becker 2008 p 165 Lucie Smith 1991 p 172 Gibson 2006 p 226 Chilvers 2007 p 642 Enciclopedia del Arte Garzanti p 654 a b Diccionario Larousse de la Pintura p 1859 Gibson 2006 p 125 Dobai y Coradeschi 1981 p 11 a b c d Gibson 2006 p 236 Gibson 2006 pp 234 235 Chilvers 2007 p 517 Fernandez Polanco 1989 p 57 Gibson 2006 p 131 Gibson 2006 p 136 Enciclopedia del Arte Garzanti p 418 a b c d Gibson 2006 p 234 Enciclopedia del Arte Garzanti p 587 Chilvers 2007 p 123 Fernandez Polanco 1989 pp 49 50 Chilvers 2007 p 471 Fernandez Polanco 1989 p 50 Hofstatter 1981 pp 111 112 Chilvers 2007 p 516 Gibson 2006 pp 138 139 Dobai y Coradeschi 1981 p 87 Dobai y Coradeschi 1981 pp 97 104 Gibson 2006 p 140 Gibson 2006 p 139 Lucie Smith 1991 p 198 Garcia Felguera 1993 p 50 Garcia Felguera 1993 p 49 Lucie Smith 1991 pp 127 129 Gibson 2006 pp 78 80 a b Fahr Becker 2008 p 50 Lucie Smith 1991 p 134 Fahr Becker 2008 pp 43 46 Lucie Smith 1991 p 135 Chilvers 2007 p 807 Wolf 2009 p 54 Wolf 2009 p 70 Chilvers 2007 p 1008 Lucie Smith 1991 p 139 Lucie Smith 1991 pp 136 137 Fernandez Polanco 1989 p 56 Gibson 2006 p 152 a b Buendia y Gallego 2003 p 682 Asuncion 2002 p 15 Gibson 2006 p 149 Chilvers 2007 p 1020 Fahr Becker 2008 p 400 Gibson 2006 pp 152 153 Wolf 2009 p 48 Diccionario Larousse de la Pintura p 1040 Diccionario Larousse de la Pintura p 917 Diccionario Larousse de la Pintura p 1900 a b c Gibson 2006 p 197 Wolf 2009 p 52 Enciclopedia del Arte Garzanti p 883 a b Enciclopedia del Arte Garzanti p 785 Enciclopedia del Arte Garzanti p 738 Eco y Calabrese 1987 p 186 Gibson 2006 pp 198 200 Buendia y Gallego 2003 p 685 Gibson 2006 pp 199 203 Enciclopedia del Arte Garzanti p 122 Diccionario Larousse de la Pintura p 141 Enciclopedia del Arte Garzanti p 857 Enciclopedia del Arte Garzanti p 263 Hofstatter 1981 p 253 Hofstatter 1981 pp 270 271 Hofstatter 1981 p 254 Hofstatter 1981 p 255 Hofstatter 1981 p 268 Hofstatter 1981 pp 272 273 Hofstatter 1981 p 274 Hofstatter 1981 p 271 Luis Ricardo Falero Consultado el 23 de octubre de 2018 Wolf 2009 p 90 Socias 1987 p 28 Socias 1987 pp 31 33 Hofstatter 1981 p 256 Hofstatter 1981 p 249 a b c Hofstatter 1981 p 257 Socias 1987 p 45 Hofstatter 1981 pp 256 257 Socias 1987 pp 39 41 Gibson 2006 p 229 Hofstatter 1981 p 260 Socias 1987 p 38 Hofstatter 1981 pp 260 261 Socias 1987 p 50 Hofstatter 1981 p 262 Socias 1987 pp 34 61 Hamilton 1989 p 147 Hamilton 1989 pp 147 148 Hamilton 1989 p 150 Enciclopedia del Arte Garzanti p 749 Mas Marques 2000 pp 32 a b Gibson 2006 p 155 a b Gibson 2006 p 156 a b Hofstatter 1981 p 236 Gibson 2006 p 167 Gibson 2006 pp 157 158 Diccionario Larousse de la Pintura p 1607 a b Gibson 2006 p 245 Gibson 2006 p 158 Gibson 2006 p 159 Gibson 2006 pp 159 161 Diccionario Larousse de la Pintura p 1510 Diccionario Larousse de la Pintura p 1920 Gibson 2006 pp 157 164 a b c Hofstatter 1981 p 235 Dempsey 2002 pp 62 63 Chilvers 2007 p 103 Enciclopedia del Arte Garzanti p 68 Enciclopedia del Arte Garzanti p 142 Gibson 2006 pp 176 179 Diccionario Larousse de la Pintura p 1686 Diccionario Larousse de la Pintura p 1571 Diccionario Larousse de la Pintura p 1834 Gibson 2006 pp 177 189 Gibson 2006 p 181 Gibson 2006 p 191 Hamilton 1989 p 145 Gibson 2006 p 189 Gibson 2006 p 82 Gibson 2006 p 83 a b Gibson 2006 p 84 Wolf 2009 p 34 Diccionario Larousse de la Pintura p 1639 Lucie Smith 1991 p 144 Gibson 2006 p 244 Lucie Smith 1991 p 140 Bibliografia EditarAguilera Emiliano M 1972 El desnudo en las artes Madrid Giner Beardsley Monroe C Hospers John 1990 Estetica Historia y fundamentos Madrid Catedra ISBN 84 376 0085 5 Buendia J Rogelio Gallego Julian 2003 Summa Artis XXXIV Arte europeo y norteamericano del siglo XIX Madrid Espasa Calpe ISBN 84 239 5276 2 Chilvers Ian 2007 Diccionario de arte Madrid Alianza Editorial ISBN 978 84 206 6170 4 Dempsey Amy 2002 Estilos escuelas y movimientos Barcelona Blume ISBN 84 89396 86 8 Diccionario Larousse de la Pintura Barcelona Planeta Agostini 1988 ISBN 84 395 0976 6 Dobai Johannes Coradeschi Sergio 1981 La obra pictorica completa de Klimt Barcelona Noguer ISBN 84 279 8768 4 Eco Umberto 2004 Historia de la belleza Barcelona Lumen ISBN 84 264 1468 0 Eco Umberto Calabrese Omar 1987 El tiempo en la pintura Madrid Mondadori ISBN 84 397 1143 3 Enciclopedia del Arte Garzanti Madrid Ediciones B 1991 ISBN 84 406 2261 9 Fahr Becker Gabriele 2008 El modernismo Potsdam Ullmann ISBN 978 3 8331 6377 7 Fernandez Polanco Aurora 1989 Fin de siglo Simbolismo y Art Nouveau Madrid Historia 16 Garcia Felguera Maria de los Santos 1993 Las vanguardias historicas 2 Madrid Historia 16 Gibson Michael 2006 El simbolismo Colonia Taschen ISBN 978 3 8228 5030 5 Givone Sergio 2001 Historia de la estetica Madrid Tecnos ISBN 84 309 1897 3 Hamilton George Heard 1989 Pintura y escultura en Europa 1880 1940 Madrid Catedra ISBN 84 376 0230 0 Hofstatter Hans H 1981 Historia de la pintura modernista europea Barcelona Blume ISBN 84 7031 286 3 Honour Hugh Fleming John 2002 Historia mundial del arte Madrid Akal ISBN 84 460 2092 0 Lemaire Gerard Georges 1997 Simbolismo Barcelona Poligrafa ISBN 84 343 0836 3 Lucie Smith Edward 1991 El arte simbolista Barcelona Destino ISBN 84 233 2032 4 Mas Marques Maria Jose 2000 Picasso Madrid Susaeta ISBN 978 84 677 4077 6 Pijoan Jose Gaya Nuno Juan Antonio 1967 Summa Artis XXIII Arte europeo de los siglos XIX y XX Madrid Espasa Calpe Socias Jaume 1987 Modernisme a Catalunya Pintura en catalan Barcelona Nou Art Thor ISBN 84 7327 149 1 Tarabra Daniela 2009 Los estilos del arte Milan Electa ISBN 978 8156 89396 471 6 Tazartes Maurizia 1999 Rousseau Barcelona Planeta DeAgostini ISBN 84 395 7437 1 Wolf Norbert 2009 Simbolismo Koln Taschen ISBN 978 3 8228 5480 8 Enlaces externos Editar Wikimedia Commons alberga una categoria multimedia sobre Pintura simbolista Datos Q10349903 Multimedia Symbolist paintingsObtenido de https es wikipedia org w index php title Pintura simbolista amp oldid 136707229, wikipedia, wiki, leyendo, leer, libro, biblioteca,

español

, española, descargar, gratis, descargar gratis, mp3, video, mp4, 3gp, jpg, jpeg, gif, png, imagen, música, canción, película, libro, juego, juegos