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Stanley Kubrick

Septiembre 06, 2021

Stanley Kubrick (Manhattan, Nueva York, 26 de julio de 1928-St Albans, Reino Unido, 7 de marzo de 1999) fue un director de cine, guionista, productor y fotógrafo estadounidense nacionalizado británico. Es considerado por muchos como uno de los cineastas más influyentes del siglo XX. Destacó tanto por su precisión técnica como por la gran estilización de sus películas y su marcado simbolismo.[1]​

Stanley Kubrick

Stanley Kubrick en 1964.
Información personal
Nacimiento 26 de julio de 1928
Nueva York, Estados Unidos
Fallecimiento 7 de marzo de 1999 (70 años)
Saint Albans, Reino Unido
Causa de muerte Infarto agudo de miocardio
Sepultura Childwickbury Manor
Nacionalidad Estadounidense
Británico
Religión Ateísmo
Familia
Cónyuge Toba Etta Metz (1948–1951)
Ruth Sobotka (1954–1957)
Christiane Kubrick (1958–1999)
Hijos 3
Educación
Educado en
  • City College of New York
  • William Howard Taft High School
Información profesional
Ocupación Fotógrafo, director de cine, guionista, productor, editor
Años activo 1951-1999
Premios artísticos
Premios Óscar Mejores efectos visuales
1968 2001: A Space Odyssey
Globos de Oro Mejor película - Drama
1961 Spartacus
Premios BAFTA Mejor película
1964 Dr. Strangelove
Mejor película británica
1964 Dr. Strangelove
Mejor director
1975 Barry Lyndon
BAFTA Honorífico
2000 Premio a la trayectoria profesional
Otros premios

Premio David de Donatello a la mejor película extranjera
1969 2001: A Space Odyssey
1988 Full Metal Jacket
National Board of Review al mejor director
1975 Barry Lyndon

León de Oro Honorífico
1997 • Premio a la Trayectoria Profesional
Carrera deportiva
Deporte Ajedrez
Distinciones
Firma
Web
Sitio web
www.kubrickfilms.com
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Comenzó a trabajar en el cine a partir de 1951, año en el que se estrenó su primer proyecto, el cortometraje documental Day of the Fight,[2]​ que fue comprado por RKO Pictures, dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico. Esta compañía también le adelantó dinero para su siguiente trabajo, un documental de nueve minutos llamado Flying Padre.[3]​ Tras realizar varias cintas como Killer´s Kiss (El beso del asesino, 1955) o The Killing (Atraco perfecto, 1956),[4]​ se estrenó Paths of Glory (Senderos de gloria, 1957), un filme antibelicista que hasta el día de hoy es considerado uno de los mejores del director.[5]​

Tras esta grabación dirigió su primera película de alto presupuesto, Espartaco (1960), que fue galardonada con cuatro Premios Óscar y elevó la carrera de Kubrick a un mayor nivel.[6]​ Tras el éxito que cosechó la cinta —incluyendo un Globo de Oro a la mejor película dramática—, Kubrick tuvo la oportunidad de dedicarse a otro proyecto, Lolita de 1962.[7]​ El largometraje protagonizada por Sue Lyon y James Mason recibió críticas mixtas, aunque causó controversias debido al contenido relacionado con la hebefilia. Sin embargo fue nominado como mejor director en los Globos de Oro y en el festival de Venecia en 1962,.[8]​ Dos años después dirigió Dr. Strangelove (¿Teléfono rojo? volamos hacia Moscú, 1963), por la cual fue candidato a varios galardones, entre ellos varios BAFTA y su primera nominación al Óscar, en las categorías Mejor director y guion adaptado.[9]​

En 1968 alcanzó la cumbre de su carrera con 2001: A Space Odyssey, filme de ciencia ficción con el que ganó su único Óscar a título personal, por el diseño de efectos especiales.[10]​ Además, la película es considerada como una de las mejores de la historia dentro de su género.[11]​ Posteriormente, Kubrick dirigió La naranja mecánica, una de las cintas más polémicas de la historia, más que nada por su poco nivel de censura.[12]​ Esta es una adaptación de la novela homónima de Anthony Burgess que muestra al personaje Alex DeLarge —interpretado por Malcolm McDowell—, un delincuente sociópata y carismático, cuyos placeres son la música clásica, la violación y la llamada ultraviolencia. El largometraje fue polémico en varios países, entre ellos Reino Unido. Por esto, Kubrick pidió a Warner Bros que lo retirara del Reino Unido, pues se encontraba bajo mucha presión e incluso llegó a recibir amenazas de muerte dirigidas hacia él y su familia.[13]​ Además, La naranja mecánica fue candidata a cuatro premios Óscar y Kubrick fue candidato a este galardón, al Globo de Oro y al BAFTA por su dirección y guion.[14]​

Posteriormente dirigió Barry Lyndon de 1975, ganadora de cuatro Óscar; Kubrick perdió como Mejor director ante Miloš Forman por One Flew Over the Cuckoo's Nest (Alguien voló sobre el nido del cuco), con Jack Nicholson. Este actor protagonizó la siguiente película de Kubrick, El resplandor, basada en la novela de Stephen King. Tras de la realización del filme, King comentó que le desagradó la versión de Kubrick.[15]​ Asimismo, dirigió Full Metal Jacket (La chaqueta metálica, 1987) y finalmente Eyes Wide Shut (1999).

Entre sus trece películas se encuentran clásicos del cine como Paths of Glory (1957), Espartaco (1960), Lolita (1962), Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (1964), 2001: A Space Odyssey (1968), La naranja mecánica (1971), Barry Lyndon (1975), El resplandor (1980), Full Metal Jacket (1987) o Eyes Wide Shut (1999).[16]​

Notas biográficas y personalidad

 
Stanley Kubrick hacia 1930 con su padre, Jack.
 
Kubrick con su cámara fotográfica en 1949.

Stanley Kubrick nació en 1928 en el seno de una familia judía acomodada residente en el barrio neoyorquino del Bronx.[17]​ Era el primogénito del matrimonio formado por Jacob Leonard Kubrick (1902-1985) y Sadie Gertrude Perveler, quienes tuvieron también a una niña llamada Barbara.

Aunque dotado de un coeficiente intelectual por encima de la media, nunca fue buen estudiante: era un alumno indisciplinado, faltaba a clase la mitad de los días lectivos[18]​ y sus notas «eran un desastre».[19]​ Él mismo se procuraría su propia educación superior.

Tres aficiones marcaron la juventud y la trayectoria profesional de Stanley: la fotografía, que practicaba con una cámara réflex que le habían regalado sus padres, la música, en especial el jazz, y el ajedrez.[20]​ De hecho, tenía solo 16 años cuando consiguió integrarse en el departamento de fotografía de la revista Look. En cuanto a la música, su melomanía le permitió a lo largo de toda su carrera poder discutir todos los aspectos relacionados con la banda sonora de sus películas. Y también decisiva habría sido su afición al ajedrez,[21]​ gracias al cual subsistió durante un período turbulento de su vida y al que homenajearía en algunas de sus películas. Es posible que cultivar este juego contribuyera a perfilar su frialdad profesional como director y el perfeccionismo que siempre se le ha atribuido. Precisamente sobre esta cuestión, sin embargo, el cineasta se manifestaba en abierto desacuerdo: «El perfeccionismo: los periodistas utilizan esta palabra para agredirme, y me parece injusto. Si intentas hacer algo, procuras que resulte lo mejor posible. Nunca desperdicio ni mi tiempo ni mi dinero; solo trato de hacer bien las cosas».[22]​

Durante su juventud, Kubrick asistía con frecuencia al cine Loew's Paradise y al Museo de Arte Moderno de Nueva York; también, ya como pasatiempo tardío, acudía a ver películas mediocres que le impulsaron a superarlas con creces. Poco a poco nació la idea de abandonar su trabajo en la revista y dedicarse a la realización de películas. Cuando aún concedía entrevistas, se refería a Max Ophüls y Serguéi Eisenstein como sus dos referencias cinematográficas más influyentes, el primero por su trabajo con la cámara y el segundo por su técnica de montaje.

A lo largo de su trayectoria ha concedido numerosas entrevistas y ha citado a varios directores que ha tenido como referentes en sus obras y en su carrera como realizador entre los que se encuentran Akira Kurosawa, Federico Fellini, Orson Welles, Charles Chaplin o Fritz Lang.

En cuanto a sus relaciones amorosas, Kubrick se casó el 29 de mayo de 1948 con su novia del instituto, Toba Metz. Se instalaron en un apartamento de Greenwich Village, pero tres años después se divorciaron. En 1952 conoció a la que sería su segunda esposa, la bailarina y escenógrafa teatral de origen austriaco Ruth Sobotka. Juntos vivieron en East Village, se casaron en enero de 1955 y en julio se trasladaron a Hollywood, donde permanecieron hasta su divorcio en 1957.[23]​ Posteriormente, Kubrick se relacionó con la actriz y bailarina Valda Setterfield.[24]​

Durante la filmación de Paths of Glory en Múnich, a principios de 1957, Kubrick conoció a la actriz alemana Christiane Harlan, que luego obtendría un pequeño (aunque significativo) papel en la película. Acabaron casándose en 1958 y estuvieron juntos durante cuarenta años, hasta la muerte del director, en 1999. Además de su hijastra, tuvieron dos hijas juntos; Anya Renata (nacida el 6 de abril de 1959) y Vivian Vanessa (nacida el 5 de agosto de 1960).[25]​

En 1961 se trasladó con su familia a Reino Unido, donde fijó su residencia definitiva. Se ha especulado que tal decisión se debió a que Kubrick detestaba Estados Unidos y la mentalidad de sus ciudadanos. Sin embargo, según algunos de sus biógrafos, eso no es exacto; lo que no le gustaba era la ciudad de Los Ángeles[26]​ y su maquinaria publicitaria.[27]​ De hecho (tras haber descartado otras opciones como Vancouver o Sídney), consideró trasladarse a Nueva York, pero finalmente decidió que, a la larga, la megalópolis le resultaría demasiado dura, violenta y cara.

Carácter

Una de las personas que más han ahondado en la personalidad del genio neoyorquino ha sido el periodista y guionista Michael Herr, quien en su obra Kubrick describe su relación personal y profesional. Así, Herr observa que, aunque, en cierto modo, a Stanley le incomodaba el contacto físico, era de natural afectuoso, de trato fraternal y habla fluida, «melodiosa incluso».[28]​ Entre quienes alababan su trato se encontraba su ama de llaves, Betty Compton, que afirmó: «siempre que no le trataras con condescendencia, era estupendo trabajar con él».[29]​

Ambicioso, con talento y confianza en sí mismo, tenía «un cerebro acerado y unas enormes pelotas de latón».[30]​ Matthew Modine le contó a Vincent LoBrutto, el biógrafo de Stanley: «Probablemente es la persona más sincera que he conocido. […] Debajo de esa apariencia hay un hombre muy cariñoso, concienzudo, a quien no le gusta el dolor, ver sufrir a los animales o a los seres humanos».[31]​

A los críticos que dicen que era misógino, les recuerda que algunas mujeres, como Jean Simmons, Susanne Christiane, Sue Lyon, Marisa Berenson y Nicole Kidman aparecían muy hermosas en sus películas y que, de hecho, por alguna de ellas «sintió tanto respeto que las hizo ser tan peligrosas como cualquiera de sus personajes masculinos».[32]​

A los que le tildan de frío, de falta de humanidad, de alejamiento de la gente, actitudes que se atribuían a sus supuestas neurosis, Herr les objeta que todas ellas no eran sino símbolos de su pureza; que no era tanto misantropía como irreverencia.[33]​ Tendía a mostrarse algo hipocondríaco y paranoico, pero no era un lunático.[34]​ Otros epítetos negativos que ha recibido son: «excéntrico, solitario y misántropo; loco, autócrata y adusto; frío, maniático y arrogante».[35]​ Cierto crítico cinematográfico llegó a retratarlo como «[ese] estrafalario maníaco lleno de fobias y obsesionado por controlarlo todo». Debido a que las ciencias psicológicas en el momento de su niñez no estaban tan desarrolladas, se imposibilitó efectuarle un diagnóstico que permitiera conocer las causas de su peculiar personalidad. Sin embargo, algunos expertos han especulado que pudo haber padecido el síndrome de Asperger o alguna condición perteneciente a los trastornos del espectro autista.[36]​

Posición ideológica

Aunque sus padres se habían casado por el rito judío, nunca trataron de inculcar en sus hijos un sentido religioso de la vida. Más aún, Kubrick profesaría durante toda su vida una visión atea del mundo.

Partidario del capitalismo como sistema económico, para él la democracia no pasaba de ser «un noble y fracasado experimento en nuestro camino evolutivo», un experimento lamentablemente devaluado por los bajos instintos, el dinero, el egoísmo y la estupidez de los seres humanos, así que nadie mejor que un «déspota benévolo» para gobernarlos.[37]​

Arte y negocio

Era un paladín del show business. Herr lo describe así:[38]​

A Stanley le excitaba el rugido de las hélices cuando la pasta gansa despegaba y comenzaba a volar a través del sistema, circulando y ramificándose para ir a parar a bolsillos cada vez menores en número pero de mayor tamaño, aun cuando esos bolsillos no fueran siempre el suyo; simplemente le gustaba saber que estaba circulando por ahí. […] Le encantaban el negocio, la industria, la acción que observaba día y noche desde su puente; aquellos actores y directores y proyectos, toda aquella energía que giraba sin parar por los estudios, y las campañas de prensa que acompañaban a cada nuevo producto; le encantaba formar parte de ello desde la distancia, y como participante en el juego no se consideraba ni menor ni peor, ni superior ni inferior a ninguno de los demás; todos jugaban juntos, jugaban al comercio y al arte, arte importante y caro y obras de arte para la caja registradora, o, como a veces pensé en su caso, películas artísticas con pretensiones taquilleras.
—Michael Herr

Según Herr, «era un buen amigo, y resultaba maravilloso trabajar con él, pero para hacer negocios era un tipo terrible, terrible. Su tacañería era proverbial [y tenía una] obsesión patológica con el dinero». En ese sentido, Kubrick solía citar al compositor Sammy Cahn, quien ante la pregunta de qué consideraba él primero, si la música o la letra, respondía: «El cheque».[39]​. Pero, si bien es cierto que Kubrick participaba en las estrategias de distribución y se interesaba por los perfiles de audiencia hasta el punto de conocer el aforo y la recaudación de cientos de salas de cine, en esencia era un hombre que hacía películas para él. «Era calculador, pero sus cálculos más exactos eran todos artísticos».[40]​

Fallecimiento

 
Mansión de Childwickbury Manor donde residió Stanley Kubrick los últimos años de su vida.

El 7 de marzo de 1999, cuatro días después de una sesión privada para su familia y actores de su último filme, Eyes Wide Shut, Stanley Kubrick murió de un "ataque cardiaco" mientras dormía; tenía 70 años.

Fue enterrado junto a su árbol favorito en los terrenos de Childwickbury Manor, en el condado de Hertfordshire (Reino Unido). En su libro dedicado a Kubrick, su esposa Christiane incluyó una cita de Oscar Wilde que el cineasta evocaba a menudo: «La tragedia de la vejez no es que uno sea viejo, sino que sigue siendo joven».[41]​

Cinco días después del fallecimiento, se ofició en su residencia el funeral por su memoria; al solemne acto asistió apenas un centenar de personas, pertenecientes a su círculo más cercano. Por petición expresa de la familia, los medios de comunicación se mantuvieron a una milla (1,6 km) de distancia de la puerta de entrada.[42]​

Carrera

Primeros proyectos

Day of the Fight sería su primera filmación a modo de documental de trece minutos, en 1951, sobre la base de un trabajo fotográfico, hecho por él mismo para Look, acerca del boxeador Walter Cartier; lo financió con su propios ahorros a los veintitrés años, aprendiendo a usar el equipo por la persona que se lo alquiló.[43]​ El documental fue comprado por RKO para incorporarlo en la serie This is America que fue proyectada en el Paramount Theatre, en Nueva York, dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico. La propia RKO le adelantó dinero para el siguiente documental de nueve minutos llamado Flying Padre (a través del cual sacó el título de piloto, aunque años más tarde se negaría a seguir volando), que narraba la vida de un sacerdote que viaja en avioneta de pueblo en pueblo en el estado de Nuevo México . El último de sus documentales que duró 30 minutos sería Los marineros (The Seafarers), su primer trabajo en color. Para esta época Kubrick ya había renunciado a su trabajo en Look y se dedicaría de lleno a la industria del cine.

 
Fotografía tomada por Kubrick, en donde se muestran las calles de Chicago. Esta sería publicada por la revista Look en 1949.

Su primer largometraje, y su primer aprendizaje formal con una cámara, fue Miedo y deseo (Fear and Desire; 1953), que financió con 13 000 dólares obtenidos de préstamos familiares (su tío, Martin Perveler, invirtió dinero en el filme con la condición de que se le acreditara como productor ejecutivo).[44]​ La película trata de un pelotón de soldados que lucha en una tierra sin nombre, y se exhibió en circuitos de salas de arte, pues era un experimento de calidad. Tras la realización de la película se separa de su primera esposa, Toba Metz.

La película tuvo escaso éxito, y perdió dinero. Ocurrió otro tanto con su siguiente trabajo, El beso del asesino (Killer's Kiss; 1955), cuyo presupuesto ascendió a 40 000 dólares, la mitad de los cuales se perdieron (con el tiempo devolvería el dinero a familiares y amigos que le habían ayudado);[45]​es una notable película de suspenso sobre un boxeador que conoce a la mujer de un mafioso y se enamora de ella. En la película aparece, en el papel de la bailarina hermana de la protagonista, la que sería su segunda esposa, Ruth Sobotka. La película contó con pocos medios, y no cobró nada. Hizo de operador, montador, ayudante de montaje, técnico de efectos especiales, además de director, y el trabajo de Kubrick con la fotografía en blanco y negro llamó la atención de James B. Harris, un productor de la NBC.

1956-1960: Primera etapa

En 1956, Kubrick y Harris se asociaron en una productora llamada "Harris-Kubrick Pictures", compañía que estuvo activa hasta 1964. De esta unión surgió Atraco Perfecto (The Killing; 1956), su primer gran filme, con un presupuesto de 320.000 dólares y un reparto de importantes actores de Hollywood, protagonizado por Sterling Hayden. Partiendo de una novela de Lionel White, y sobre un guion de Jim Thompson, Kubrick relató la historia del atraco a un hipódromo. La utilización del tiempo cinematográfico hecha por Kubrick supuso una innovación para la época. En la película se empiezan a sentar las bases del pensamiento del director: la lucha de un antihéroe en su enfrentamiento con el mundo, y su conflictivo final.

La película atrajo las miradas de algunos personajes de Hollywood como Dore Schary, el jefe de producción de MGM.[43]​ Entre ellos también se encontraba Kirk Douglas, que firmó con Harris-Kubrick un contrato para cinco películas. La primera de ellas sería Senderos de gloria (Paths of Glory; 1957), basada en una novela de Humphrey Cobb, que interpretaría el propio Douglas haciendo el papel del coronel Dax, encargado de defender a sus soldados, acusados de cobardía ante el enemigo, en el marco de la guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial. Y también sería la primera polémica de Kubrick, aunque no la última. El mensaje antibelicista de la cinta hizo que en Francia, a cuyo ejército pertenecían los protagonistas, estuviera prohibida durante décadas. La película fue rodada en los estudios Geiselgasteig en Múnich, Alemania.[43]​ En el rodaje de la película conocería a Christiane Susanne Harlan, que en los créditos aparece como Susanne Christian, que se convertiría en su tercera y última mujer.

Tras la película, Kubrick estuvo trabajando junto a Marlon Brando en la preproducción de One-Eyed Jacks (1961), aunque tras varios meses sería despedido por desavenencias con el actor, quien terminó dirigiendo la película.

1960-1968: Consolidación

En esta situación lo encontró de nuevo Douglas, que buscaba un director para sustituir a Anthony Mann al frente de Espartaco (Spartacus; 1960). Kubrick aceptó, sabiendo que una película de tan alto presupuesto podía suponer un empujón a su carrera como director. Aunque apenas tuvo oportunidad de intervenir en el guion (como había hecho antes y haría después en todas sus películas), la película supuso el fin de las listas negras (debido al estratégico interés de Douglas de reducir el sueldo del guionista Dalton Trumbo, a cambio de colocar su nombre real en los créditos). La película ganó cuatro premios de la Academia y fue un éxito comercial. La carrera de Kubrick estaba definitivamente lanzada.

Kubrick y Harris lograron prolongar el contrato que les unía con Douglas por otras tres películas. Las aspiraciones artísticas y comerciales de Kubrick le llevaron a hacer Lolita (1962): fue su siguiente trabajo. Tras arduas negociaciones, convenció a Vladimir Nabokov no solo para que aceptase vender los derechos de su novela, sino para que fuese él mismo quien adaptase el guion, aunque posteriormente Kubrick solo conservó una parte de su trabajo. La película estuvo envuelta en escándalo por adaptar una historia tan controvertida para los estándares de la época, ya que narra la historia de la seducción de una menor de edad por parte de un hombre maduro, y de ahí que dirigentes conservadores exhortaran a no ver la película. Esta película cuenta la historia de Humbert Humbert, un divorciado de mediana edad interpretado por James Mason que se enamora de Lolita, una púber de catorce años (interpretada por Sue Lyon, de dieciséis, a quién Kubrick vio en The Loretta Young Show), y que para conseguirla está dispuesto a casarse con la madre de la menor. El actor Peter Sellers termina de componer el reparto como el multifacético Clare Quilty. La película no solo se centra en la relación entre Humbert y Lolita sino que posee efectivas dosis de humor, aspecto del filme soportado por el oficio de Sellers que fue animado por el director a improvisar. Kubrick nuevamente trabajó a partir de una narración no lineal, cosa que no ocurría en el libro, con el fin de darle más suspenso a la trama. Kubrick sustituyó la simple lujuria y deseo que el profesor sentía por Lolita en la novela de Nabokov, por amor, evitando así la menor injerencia posible de la censura.[46]​ El presupuesto fue de 2 millones de dólares y logró obtener buenas ganancias. Debido a aspectos financieros y legales, así como por temas de la misma censura, el rodaje se realizó en los estudios ABPC en Inglaterra, donde Kubrick finalmente se estableció definitivamente, en el condado de Hertfordshire. A pesar de vivir y trabajar en Inglaterra, al inicio por problemas coyunturales, nunca se sintió un expatriado; las circunstancias le retuvieron allí, y volvía varias veces al año a los Estados Unidos, casi siempre en barco.[47]​

Kubrick durante el tráiler del largometraje Dr. Strangelove de 1964.

Tras el éxito de Lolita, se permitió afrontar proyectos más arriesgados. Se separó de su socio y amigo Harris para producir su nueva película en solitario. Así que, en medio de la guerra fría y de la crisis de los misiles cubanos, Kubrick comenzaría a rodar Dr. Strangelove or how I learned to stop worrying and love the bomb, en 1964. El título en español para esta película fue Dr. Insólito con el que fue conocido en el mundo hispanohablante excepto en España, donde se dobló con el título de ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú.

Basada en la novela de Peter George, Red Alert, que no era un relato cómico, pero cuyo tono Kubrick cambió para conseguir verosimilitud. Aunque en un principio pretendía abordar de manera directa la novela sobre la Guerra Fría y la posibilidad de un conflicto atómico, a medida que se iba documentando encontraba aspectos cada vez más hilarantes y esperpénticos sobre la estrategia nuclear de ambos bloques, de manera que decidió realizar una comedia de humor negro conforme a las partes más ligeras del libro.[48]​ El actor británico Peter Sellers, sería el encargado de dar vida a tres personajes de la cinta, por presión de Columbia, ya que lo consideraban responsable del éxito de Lolita; completando el reparto Sterling Hayden, George C. Scott y Slim Pickens. El guion de Terry Southern, el propio Peter George y Kubrick está lleno de gags y alusiones sexuales, y narra cómo un acceso de locura del general Ripper, interpretado por Hayden que ordena a varios bombarderos intercontinentales estadounidenses B-52 atacar su objetivos en suelo ruso con armas nucleares, provoca que se haga realidad la tan temida «Destrucción Mutua Asegurada», mientras el jefe Lionel Mandrake (Sellers) busca hacerlo desistir. Por otro lado el presidente Merkin Muffley y el Sr. Strangelove (Sellers en ambos casos) debaten con el mayor Buck Turgidson (Scott) sobre una eventual solución al problema. Dentro de un B-52, el mayor T. J. King Kong (Pickens) aún no sale de su asombro junto con su tripulación por la misión encargada. Kubrick contrató al decorador Ken Adam para llevar a cabo los ambiciosos escenarios, muy adelantados a la época (la sala de guerra, la base militar, y el interior del bombardero) en los ingleses estudios Shepperton, empleando de manera novedosa la iluminación natural para darle mayor realismo a la puesta en escena.[48]​ La película encontró a un Kubrick plenamente instalado en la campiña inglesa haciendo gala de su obsesión por el detalle en función a los recursos que tenía a su alcance. Un ejemplo de esto es la escenografía que recrea el interior B-52. La fuerza aérea estadounidense no quiso colaborar con el director y este tuvo que, en función de una fotografía en una revista especializada, y los controles de un B-29, reconstruir el tablero de instrumentos del avión con enorme realismo enfatizando[49]​ el ambiente claustrofóbico de la nave. La música original es encargada a Laurie Johnson, pero dos melodías tienen especial relevancia, sentando las bases del uso que después Kubrick le daría a la música en sus cintas: Try a Little Tenderness en versión instrumental en los créditos iniciales acompañando las imágenes de los aviones acoplados para cargar combustible y el tema de Vera Lynn We'll Meet Again, sugerido por Sellers, en la escena final. En ambos casos los temas contrapesan la fuerza de las imágenes.

1968-1980: Obras cumbre

En 1968 Kubrick alcanzaría el cénit de su carrera con 2001: una odisea en el espacio (2001: A Space Odyssey). La película no solo buscó elevar el estatus de un género menor en aquel momento, la ciencia ficción, que se limitaba a alienígenas antropomórficos y platillos volantes, sino además narrar una audaz parábola sobre la evolución del hombre: una elipsis de 4 millones de años.

La película se construye sobre la base de un relato corto de Arthur C. Clarke, El centinela, que Kubrick leyó en 1964 y en ese año junto con Clarke, empezó a construir el guion inicial de la película que protagonizaron Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester y Douglas Rain como la voz del computador HAL 9000. En 1966 Kubrick ya había filmado todas las escenas con actores en los estudios Shepperton en Inglaterra. En 1968 se concluyeron los efectos especiales. El presupuesto inicial de 5,5 millones de dólares subió hasta los 10 millones.[43]​ Pero fue en la sala de edición donde Kubrick estableció los mayores cambios entre esta película y sus predecesoras: solo contiene 40 minutos de diálogo para un metraje de 141 minutos, además de ser la primera película del director sin narración alguna. Con unos efectos especiales sin precedentes (diseñados por el mismo Kubrick y ejecutados y supervisados por Douglas Trumbull), y una confianza ciega en sí mismo, Kubrick realizaría finalmente una de las películas más complejas, vanguardistas y arriesgadas de la historia del cine. La historia empieza con un grupo de homínidos en su lucha por la subsistencia y su encuentro con un monolito y luego se traslada al futuro, millones de años adelante, donde un hombre ya evolucionado a Homo sapiens explora el sistema solar en una nave controlada por un computador omnipresente. Kubrick toca diversos temas en la cinta (la inteligencia, la soledad, la muerte, la evolución, la inmortalidad, la auto-reflexión, la inteligencia artificial...) que hacen del trabajo un motivo continuo de reflexión, manteniéndola vigente a la postre. Sus efectos especiales y la recreación del viaje espacial siguen siendo apreciados por su fidelidad técnica, estableciendo un antes y un después en la innovación tecnológica de los efectos y del género en sí mismo.

Otro aspecto notable es la música, apartado donde Kubrick también ha aportado mucho. Descartó la banda sonora que originalmente había compuesto Alex North, quien se había encargado de la música en Espartaco, usando las composiciones clásicas que empleó en la sala de edición. Entre las partituras utilizadas, además de Richard Strauss o Aram Jachaturián, Kubrick empleó ampliamente la música vanguardista del compositor húngaro, György Ligeti, impulsando enormemente su fama a nivel mundial.[50]​ Con esta película Kubrick ganó su único Óscar a título personal (por el diseño de efectos especiales) y varios premios BAFTA, entre otros.

 
El guion del proyecto nunca realizado de Kubrick, Napoleón.

La historia de Napoleón, proyecto en la que pensaba recrear la vida y las batallas más importantes libradas por el dirigente francés, fue un sueño largamente ansiado por Kubrick, quien desarrolló una investigación de preproducción enorme a finales de los años sesenta,[51]​ que finalmente no se concretó debido a sus descomunales costos: necesitaba 40.000 soldados cercano a una ciudad, para alojar a 50.000 personas, un lugar adecuado como campo de batalla; además de su semejanzas con otras películas estrenadas en esas fechas Waterloo y Guerra y paz. Sin embargo leyó centenas de libros y preparó los planos minuciosamente.[52]​Le atraían tanto su épica como su vida sexual, que fue «digna de Arthur Schnitzler».[53]​

Durante aquellos años, Kubrick recibió un obsequió de Terry Southern: la novela A clockwork orange de Anthony Burgess. Kubrick leyó el libro de un tirón y pensó en Malcolm McDowell para interpretar el papel de Alex, a quién el director comparaba con Ricardo III. La historia narra a modo de sátira las correrías de Alex, un joven violento cuyas distracciones son la violación, la ultraviolencia y Beethoven como rezaba la promoción de la película. Los "Droogs", la película retoma el lenguaje empleado en el libro que usó variantes del ruso con el inglés de la calle llamado Nadsat,[54]​ causan destrozos, actos de violencia y delitos sexuales. Pero las cosas se saldrán de control y se pondrá en práctica el proceso Ludovico para buscar corregir la conducta del joven Alex. El director buscó localizaciones en Inglaterra mediante revistas de arquitectura contemporánea y solo construyó tres sets en los estudios Borehamwood: el bar Korova, la prisión y el baño en la casa del escritor. La naranja mecánica presenta algunas innovaciones en el aspecto técnico como el empleo de lentes más rápidas, cámaras ligeras de mano y los micrófonos Sennheiser Mk. 12,[55]​ que permitieron no tener que volver a grabar diálogo alguno tomado de la escena en vivo, así como el uso de nuevos equipos de iluminación como los reflectores de cuarzo Lowell de 1000 vatios, que le permitió a Kubrick girar la cámara en cualquier dirección sin preocuparse por capturar algún equipo luminotécnico en la habitación. La escena de la mujer y los gatos es un buen ejemplo.[55]​

La música fue nuevamente otro elemento destacable, por su carácter avant garde en el uso de la electrónica para adecuar las melodías a las escenas por parte de la compositora Wendy Carlos, quién recrea mediante sintetizadores la marcha de los Funerales de la Reina María, de Henry Purcell en la obertura de la película junto con la imagen de los actores, conformando una escena de carácter hipnótico y atmosférico. También se utiliza la Sinfonía N° 9 (Scherzo) de Ludwig van Beethoven como fondo para la danza de las estatuillas abrazadas de Jesucristo y la Obertura de Guillermo Tell de Gioachino Rossini para la orgía en el cuarto de Alex pero acelerada electrónicamente. Incluso se afirma que Kubrick contactó con la banda de rock progresivo Pink Floyd para utilizar pasajes del tema «Atom Heart Mother»,[56]​ pero finalmente no llegaron a un acuerdo.

Estrenada en Estados Unidos en 1971 y en Inglaterra en 1972, la película despertó una controversia nunca antes vista en el Reino Unido para un filme, en torno al contenido de la misma y sus repercusiones en los espectadores; dividió a los críticos, generó debates públicos en la prensa escrita, la televisión y la radio como lo analiza Christian Bugge en The Clockwork Orange Controversy.[57]​ A todo esto se sumó el hecho de que los delitos cometidos, incluso un asesinato, en aquella época, con mucha atención otorgada por parte de la prensa inglesa, por jóvenes que aparentemente replicaban escenas de la película o en algún caso vestían trajes similares a los protagonistas. Esto aumentó la presión en el debate y llevó a Kubrick, quién según diversas fuentes estaba sumamente preocupado, a presionar a Warner Bros., su nueva distribuidora, a cancelar cualquier exhibición pública de la película en 1973 en cualquier sala del Reino Unido. Esto duró hasta el año 2000. La película obtuvo 7 Premios BAFTA, 2 Premios Globo de oro, 4 nominaciones a los Premios Óscar, 2 Director Guild of America, entre otros. Quizá el logro más importante que obtuvo Kubrick con esta cinta fue asegurar formalmente por parte de Warner Bros., a través de un lucrativo contrato, el control total sobre sus cintas, a nivel técnico y sobre todo artístico, incluso de distribución. El éxito en taquilla del filme que sobre una inversión de 2 millones de dólares pudo ganar 40 millones[58]​ le permitió al director sustentar su contrato. Kubrick recibía además cerca del 40% de los beneficios, para lo cual creó una base de datos de salas donde este tipo de películas de autor tenían mejores opciones comerciales.

El trabajo de preproducción que había hecho para Napoleón le ayudó a establecer las bases de su siguiente producción, Barry Lyndon. Estuvo basada en la novela victoriana de William Makepeace Thackeray publicada en 1844 como The Luck of Barry Lyndon, que narra la historia de la ascensión y caída de un muchacho en la Europa del siglo XVIII, y fue protagonizada por Ryan O'Neal y Marisa Berenson en 1975. Nuevamente el extremo cuidado por el detalle de Kubrick se hace manifiesto en el proceso de la película usando libros de arte y documentos de la época para buscar localizaciones, crear objetos, coches y el vestuario que fue confeccionado usando como modelo ropa de aquel siglo, siguiendo las técnicas de costura que se emplearon originalmente y contratando a 35 sastres que trabajaron durante 6 meses.[59]​ Ante la insistencia del director, los interiores se rodaron exclusivamente con la luz de las velas, gracias a unos objetivos especiales de la casa Carl Zeiss (apertura máxima de f/0,7) que había comprado a un contacto suyo y cuyo diseño fue inicialmente realizado para la NASA. Según la actriz Marisa Berenson,[60]​ los actores, en algunas tomas de acercamiento, casi no se podían mover para no salir de foco. Las técnicas de emulsión y revelado actual hicieron obsoleta esta tecnología. La película fue filmada en Irlanda y en Inglaterra. En el primer país Kubrick recibió algunas amenazas por parte del grupo terrorista IRA debido a que los extras representaban a soldados ondeando la bandera británica sobre suelo irlandés.

La música que se empleó fue el resultado de la recopilación de todas las grabaciones conteniendo composiciones del siglo XVIII que Kubrick consiguió. Pero al ver que el carácter de la misma era mayormente festiva recurrió también a Franz Schubert y su Piano Trio Nº2 en Mi Bemol, compuesto en 1828 y adicionalmente agregó score grabado por Leonard Rosenman para suplir el pedido del director.[59]​ Precedida de gran expectación debido a sus dos títulos anteriores y su efecto en el público, la película fue recibida con críticas mixtas a mediados de los setentas, y falló en la recaudación de taquilla inicial a pesar de los 4 premios Óscar que obtuvo en 1975. Desde entonces, la película ha ganado estatura dentro del legado del director por sus logros técnicos y artísticos.[61]​

La novela del escritor multi-ventas de finales de los años setenta Stephen King y un género con buen tirón en aquel momento, el terror, motivaron a Kubrick por su siguiente película. A partir de la novela El resplandor del escritor estadounidense reescribió el guion junto a Diane Johnson, y el resultado fue una de las mejores adaptaciones cinematográficas de alguna obra de King. En El resplandor (The Shining; 1980), la versión de Kubrick es una variación sobre la versión del libro, especialmente en el carácter del protagonista y sus motivaciones. La película, filmada en los estudios Elstree en Borehamwood para los interiores haciendo tomas exteriores del Timberline Lodge, en Portland, Oregón, para recrear el Hotel Overlook, muestra la transformación del personaje de Jack Torrance (interpretado por el oscarizado Jack Nicholson), que cuida el hotel durante los intermedios de temporada, presentándolo como un ser temperamental y con una progresiva perturbación que afecta finalmente la seguridad de su propia familia. Kubrick hizo uso extensivo de una innovación reciente, el Steadicam,[62]​ un giroscopio estabilizador que permitía a la cámara desplazarse a través del espacio sin vibraciones, lo cual le permite filmar de manera efectiva al hijo de Torrance, interpretado por Danny Lloyd, sobre su triciclo de plástico a través de los corredores del hotel o a Nicholson caminando por el laberinto del jardín. La música nuevamente recae en manos de Wendy Carlos, quién modifica nuevamente a través de la electrónica música original; una adaptación del compositor Hector Berlioz, del tema medieval Dies Irae. Otros compositores cuyas piezas son utilizadas son György Ligeti, Béla Bártok, Krzysztof Penderecki y temas de bandas pertenecientes al primer cuarto del siglo XX.[63]​ La película obtuvo buena respuesta del público y taquilla, pero la crítica volvió a dividirse en torno este trabajo del director estadounidense. A juicio del autor de la novela, Stephen King, quién inicialmente estuvo halagado con la idea de la adaptación por parte de Kubrick, el filme no profundiza en el verdadero tema de la novela que incluso posee tintes autobiográficos.[64]​ Este primero hace una nueva adaptación para la televisión de su libro, en 1997. La hija de Kubrick, Vivian, realizó un documental sobre la filmación de la película en 1980.

1987-1999: Etapa final; la caída y el regreso

Tienen que transcurrir siete años hasta que aparezca su siguiente película, Full Metal Jacket, en 1987, donde vuelve a tocar el tema bélico, esta vez la Guerra de Vietnam y nuevamente es un adaptación de una novela. En este caso es Gustav Hasford y su libro The Short-Timers. La película tiene dos partes claramente diferenciadas: la preparación de los soldados en la base de Marines de Parris Island en Carolina del Sur, Estados Unidos y la guerra en sí, ubicada en la ciudad vietnamita de Huế. Durante el rodaje Kubrick reescribía el guion sobre la marcha, modificando las escenas originales. La película se rodó entre 1985 y 1986 en Inglaterra, en la base del ejército británico en Bassingbourne, los estudios en Enfield, y el gasífero de Beckton, al este de Londres, cuyo proceso de demolición fue utilizado para recrear la ciudad modernista de Huế, hasta donde se llevaron 66 palmeras.[65]​ La película es protagonizada por Matthew Modine, Vincent D'Onofrio, Adam Baldwin y Lee Ermey. La música fue escrita por Abigail Mead, un alias que utilizó Vivian Kubrick, empleando un sintetizador. Para las canciones, Kubrick recurre a las listas de éxitos del periodo 1962 – 1968, incluyendo éxitos de Johnny Wright, The Rolling Stones, Nancy Sinatra, The Trashmen, entre otros. A pesar de que el filme se estrenó poco después del hit Platoon (1986) de Oliver Stone, obtuvo buenas críticas y buena taquilla durante su exhibición.[66]​

Tras esta película Kubrick comenzó a evaluar nuevos proyectos. En primer lugar, Inteligencia Artificial, la historia de un niño robot abandonado por su madre. Kubrick siempre había querido adaptar el relato de Brian W. Aldiss, pero no fue hasta que vio Parque Jurásico (1993), del director estadounidense Steven Spielberg, que supo que la tecnología necesaria para filmar la película estaba por fin a su alcance. También estaba interesado en The Aryan Papers, basada en el libro Wartime lies de Louis Begley, una película sobre dos refugiados judíos durante la persecución nazi que iba a ser protagonizada por Jodie Foster y Joseph Mazzello, el niño de Parque jurásico. Sin embargo, el mismo Spielberg se adelantaría con el filme La lista de Schindler (1993), debido fundamentalmente a la dificultad que supuso para Kubrick el encaje cinematográfico del Holocausto judío, según su propio criterio. La semejanza de la película de Spielberg con su propio proyecto y problemas de diversa índole le harían desistir.[67]​

Finalmente Kubrick realizó Eyes Wide Shut (1999), basada en la novela Relato soñado, de Arthur Schnitzler, que había elogiado años antes. La historia original está situada en la Viena del siglo XIX pero la película se ubica en la Nueva York de finales de siglo XX, narrando la vida una pareja de neoyorquinos de clase alta que viven aparentemente una feliz vida en común, pero que los sueños y fantasías sexuales manifestados en un momento de intimidad empiezan a desestabilizar su relación. La película contó con una pareja en la vida real de las estrellas de Hollywood de aquel momento, Tom Cruise y Nicole Kidman, como los Harford, contando con Sydney Pollack y Marie Richardson como roles secundarios.

La película, como en sus anteriores filmes desde Lolita, fue filmada en Inglaterra incluso en las tomas exteriores, con solo algunas tomas generales hechas en Nueva York. El trabajo final es un despliegue del habitual virtuosismo de Kubrick para filmar y componer, jugando intensamente con los colores y la luz, especialmente la artificial para reforzar ciertas sensaciones, llegando incluso a forzar el revelado de las cintas para darle a la imagen el aura buscada. El score fue muy variado compuesto para la ocasión por Jocelyn Pook incluyendo al mismo trabajos de György Ligeti, Franz Liszt, Chris Isaak o Dmitri Shostakóvich. Después de casi 12 años, Kubrick volvía con una película, generando una fuerte expectación en el público, en parte por los rumores que circularon en la prensa sobre su hábitos de vida, especialmente su misantropía, lo cual fue desmentido por el director en sendas entrevistas durante su vida. La película nuevamente generó una cierta polémica en torno a la censura que recibió la cinta en la versión para los Estados Unidos, donde digitalmente se taparon las zonas genitales a ciertos actores extras durante una orgía, por lo demás bastante pudorosa para ser tal. El filme, de gran calidad narrativa, fue recibido con cierta tibieza por parte de un sector de la crítica en un inicio, y con entusiasmo por otros sectores, especialmente la crítica francesa que incluso le dio el premio a la mejor película extranjera del año.[68]​ El presupuesto del filme ascendió a 65 millones de dólares.

Estilo de dirección

Pensamiento de fondo

Interpretación de las obras

 
HAL 9000, la computadora de 2001: Una odisea del espacio

Para algunos, las películas de Stanley Kubrick suelen mostrar expresiones de una lucha interior que es examinada desde diferentes perspectivas.[69]​ No obstante, el propio Kubrick tenía especial cuidado y procuraba no ofrecer sus propias perspectivas sobre el significado de sus obras, con el fin de dejarlas abiertas a la libre interpretación. En una entrevista de 1960, realizada por Robert Emmett Ginna, Kubrick explicó: .

"Una de las cosas que siempre encuentro difíciles, una vez que la obra está terminada, es cuando un periodista o un crítico pregunta: «¿qué estabas intentando decir en la película?» Sin intentar parecer demasiado presuntuoso con esta analogía, me gusta responder lo que T.S. Eliot dijo a alguien que le había hecho esa pregunta. Creo que era acerca de The waste land, una pregunta sobre qué quería decir con el poema. Él respondió: «quise dar a entender lo que dije». Si pudiera decir lo mismo de manera diferente, lo habría hecho".[70]​

Según Herr, «Kubrick siempre se refería a las películas como sueños, sueños acerca de sueños, incluyendo las ensoñaciones diurnas y las pesadillas […]; nunca hizo distinción —y […] eso caracteriza su peculiar materialismo— entre sueño y visión».[71]​ Sostenía que las reacciones emocionales evocadas por las películas eran mucho más potentes que otras formas artísticas que implicaran la palabra y el diálogo. Por esta razón dejaba Kubrick largos periodos de sus películas sin diálogos, poniendo el énfasis en las imágenes y el sonido.[70]​

También buscó que sus películas pudieran compararse con la música popular, ya que en esta no importa el intelecto o el trasfondo cultural de una persona para que una obra —por ejemplo, una canción de los Beatles— pueda ser entendida tanto por un camionero de Alabama como por un intelectual de Cambridge. Según él, «las emociones y el subconsciente de cada uno son más semejantes que su intelecto».

En una entrevista para la revista Time en 1975, Kubrick:

"La esencia de las artes escénicas es permitir que una idea llegue a la gente sin que la idea se explique claramente. Si algo se dice directamente, deja de ser tan potente como cuando dejas que la gente lo descubra por su cuenta".[72]​

También aseveró que "el realismo es probablemente la mejor forma para escenificar argumentos e ideas. La fantasía puede tratar mejor con temas que se basan en un fondo inconsciente".[73]​

Elección de temas para las películas

Diane Johnson, quien escribió el guion de El resplandor junto a Kubrick, remarcó que él "siempre decía que era mejor adaptar un libro que escribir un guion original y que para ello era preferible elegir un texto que no fuera una obra maestra, de tal forma que siempre se pudiera mejorar. Eso es lo que siempre hizo, a excepción de Lolita".[74]​ Cuando Stanley Kubrick buscaba un tema para una película, siempre buscaba ciertos aspectos, tratando de hacer cintas que atrajeran a todo tipo de espectador, independientemente de sus expectativas acerca de la misma.[75]​

Según el productor Jan Harlan, Kubrick "buscaba hacer películas sobre temas relevantes, que no tuvieran solo forma, sino también sustancia".[76]​ El propio Kubrick también creía que a los espectadores les atraen los "enigmas y alegorías" y evitan los filmes donde todo es explicado claramente.[77]​

Algunos han querido mostrar que Kubrick trataba de confundir las expectativas de la audiencia, con ambientes radicalmente diferentes entre una película y la siguiente, como si estuviera "obsesionado con contradecirse a sí mismo, haciendo de cada obra suya una crítica a la anterior".[78]​ Sin embargo, Kubrick afirmó que "no hay ningún patrón intencionado sobre qué historias llevar a la pantalla. El único aspecto que trato de mantener en cada obra es intentar no repetirme a mí mismo".[79]​

Sexualidad

Aunque en sus películas no hay personajes que realicen actos sexuales, la sexualidad en las películas de Kubrick suele ser representada fuera del matrimonio, en situaciones hostiles. Para el biógrafo John Baxter, el director neoyorquino explora "los caminos furtivos y violentos de la experiencia sexual: voyeurismo, dominación, esclavitud y violación" en sus películas.[80]​ Más aún, señala que películas como La naranja mecánica son "potencialmente homoeróticas", desde Álex caminando frente a sus padres con un ojo "maquillado con pestañas postizas", hasta su inocente aceptación de los avances sexuales de su asesor.[81]​

Visión acerca del mal

Por otra parte, el crítico británico Adrian Turner se percató de que en las películas de Kubrick parece haber cierta "preocupación con cuestiones sobre el mal universal". Mientras, Malcolm McDowell se refirió al humor de Kubrick como "negro como el carbón", sospechando de su visión acerca del ser humano.[82]​ En efecto, algunas de sus películas son claramente sátiras y comedias negras, como Lolita o Dr. Strangelove; mientras que otras contienen trazos menos evidentes de sátira e ironía. Sus películas son consideradas impredecibles, llevando a examen "la dualidad y las contradicciones que existen en cada uno de nosotros".[83]​ Por otra parte, hay que considerar que Kubrick era a menudo malinterpretado por la crítica; solo una vez esta fue unánimemente positiva, con la película Senderos de gloria.[84]​

Guion y puesta en escena

 
El túnel que aparece en La naranja mecánica

Kubrick se basaba en la teoría de autor, en la que el director acaba funcionando como guionista. Permite así la colaboración e improvisación con los actores durante el rodaje.[85]​ McDowell recuerda el énfasis que Kubrick ponía en la colaboración y en la posibilidad de improvisar una escena, señalando que "había un guion y nosotros lo seguíamos, pero él sabía cuándo no estaba funcionando y nos hacía seguir ensayando hasta el aburrimiento".[86]​

Kubrick no se ocupaba de los aspectos visuales del rodaje hasta tener plena confianza en la puesta en escena y las interpretaciones de los actores. Entonces se ocupaba de los efectos de cámara y la iluminación. Walker opina que Kubrick fue "uno de los pocos directos capaces de indicar a sus directores de fotografía el efecto preciso que buscaba".[87]​ Se ha llegado a sostener que Kubrick estaba influido por sus predecesores, manteniendo una perspectiva europea acerca del cine y ligada a su admiración por Richard Strauss.[88]​

Por otro lado, el crítico Gilbert Adair ha comentado, a propósito de La chaqueta metálica, que "la aproximación al lenguaje de Kubrick ha sido siempre de carácter reduccionista e intransigentemente determinista. Él parece verlo como un mero producto del condicionamiento ambiental, solo marginalmente influido por elementos de la subjetividad y los caprichos, sombras y modulaciones de la expresión personal".[89]​ En cambio, otros críticos apuntan a que, pese a que Kubrick era un "cineasta visual", no por ello descuidaba los diálogos. Más aún, Kubrick ha llegado a ser comparado con un escritor por la forma en que se acercaba al texto y a las historias mismas.[90]​ Kubrick trataba de tener el guion a punto antes de comenzar el rodaje, sin que esto le impidiera realizar cambios durante la filmación de la película. Su objetivo primordial era, al fin y al cabo, "evitar el bloqueo durante la puesa en escena".[87]​

Tal como Kubrick le comentó a Robert E. Ginna:

"Creo que es necesario ver todo el problema que supone llevar una historia a la pantalla. El problema comienza con la elección del lugar; continúa con la creación de la historia, las tomas, los vestidos, la fotografía y la actuación. Y cuando la película está rodada, está sólo parcialmente acabada. Creo que la postproducción es sólo la continuación de la dirección de una película. Creo que el uso de los efectos audiovisuales y los títulos principales son parte de la forma de contar la historia. Creo que la fragmentación de este trabajo, que sea llevado a cabo por diferentes personas, es algo perjudicial."[91]​

Kubrick también señaló:

"Pienso que la mejor trama es que no haya trama. Prefiero un comienzo tranquilo, que se vaya metiendo en la piel de los espectadores y que los envuelva de tal forma que puedan apreciar las notas de gracia y los tonos suaves, para que no tengan que ser golpeados con giros en la trama o herramientas de suspense".[92]​

Relación con sus guionistas

Kubrick se mostraba impaciente con sus colaboradores: «Necesito esta escena acabada echando leches»; «No quiero que esté bien, quiero que esté el martes»; «Michael, estas páginas que me has enviado hoy son de número 10; de hecho, creo que podrían ser de número 12».[33]​

Por su parte, Frederic Raphael, que había trabajado intensamente con él como guionista de Eyes Wide Shut, hablaba de «Stanley el tirano, Stanley el obseso perfeccionista, Stanley el hombre de hielo, Stanley el hermético, Stanley el que solo piensa en sí mismo, y de un nuevo Stanley: el judío que se odiaba a sí mismo.[93]​

El escritor Gustav Hasford lo describió gráficamente con una analogía del mundo animal: «Era una tijereta: se te metía por un oído y no salía por el otro hasta que te había corroído el cerebro».[94]​

Incluso el sosegado Herr llegaba a perder la paciencia. Durante la preparación del guion para Full Metal Jacket, recibía «de tres a treinta» llamadas suyas, generalmente después de las diez de la noche; «sometido» a largos interrogatorios nocturnos, monólogos y, también, a ciertos alardes de sabiduría por parte del genio neoyorquino, Herr pensaba para sí: «¿Es que este tipo no se cansa nunca?».[95]​

Pero no todo eran críticas: Diane Johnson, que escribió el guion El resplandor junto con Kubrick, ha hablado de «pura y rigurosa concepción del arte» del director; en esta misma película también participó el inventor de la steadicam, Garrett Brown, quien luego recordaría las largas conversaciones que ambos mantenían acerca de la «esquiva cualidad de la perfección».[96]​

Dirección y trato con los actores

Es legendario el estilo de dirección de actores de Kubrick, entre otras razones por la gran cantidad de veces —hasta cincuenta, según Jack Nicholson[97]​— que les hacía repetir una misma escena. Para la actriz Nicole Kidman, el propósito del cineasta era que el actor acabara por perder el control de su «sentido del yo», la parte de la mente que observa internamente la propia actuación, y dejara de «censurarse» a sí mismo.[98]​ Este rasgo de la dirección de Kubrick fue incluso considerada por los críticos como «irracional»; sin embargo, él consideraba que los actores mostraban su mejor versión de esta forma, debido a las emociones intensas que se generaban.[99]​ En este aspecto, en cierta ocasión afirmó:

Los actores son principalmente generadores de emociones, y mientras que algunos están siempre afinados y listos, otros llegarán a un nivel óptimo solo en una toma que nunca volverán a realizar de la misma forma, independientemente de cuánto lo intenten.[100]​

Y también:

Cuando ruedas una película, lleva varios días adaptarse al personal con el que estás, porque es como desnudarse en frente de cincuenta personas. Una vez que ya te has acostumbrado, la presencia de otra persona en el montaje es disonante y crea autoconciencia en los actores.[101]​

Entre los actores que trabajaron con él parece haber cierto consenso en que, a la hora del montaje final, una extraña e irresistible exigencia de alejar a sus actores lo más posible de un estilo «naturalista» llevaba al cineasta neoyoriquino a seleccionar las tomas donde se los veía más histriónicos, incómodos y emocionalmente confusos. Las tensiones en el plató llevaron a que el actor Kirk Douglas despotricara, a raíz del tormentoso rodaje de Espartaco: «Stanley es una mierda llena de talento».[102]​ Por su parte, George C. Scott se quejó públicamente de que el director no solo le hacía sacar su vena más histriónica, sino que al final eligió las tomas más exageradas. En ese sentido, Herr especula en Kubrick que la interpretación de Jack Nicholson convirtió a El resplandor en una obra en gran medida «fallida como película de género, pero que resulta inolvidable allí donde tanto da que haya o no una gran estrella de cine y un gran actor en el decorado. “Eso ha sido mucho más real”, le decía el director después de una toma, “pero no ha sido interesante”. […] O: “Eso ha estado magnífico. Hagámoslo otra vez”».[103]​

Desde el punto de vista del propio Kubrick:

No importa que los actores no sepan sus líneas o que no las conozcan bien. Un actor sólo puede hacer una cosa cada vez. Incluso cuando sabe sus líneas lo suficientemente bien como para decirlas mientras piensa sobre ellas, siempre se encontrará con que tiene que lidiar con las emociones que marcan la toma. En una escena con fuerte carga emocional, siempre es mejor poder rodar tomas completas para permitir al actor mantener una emoción continua, y es raro que un actor llegue a este punto más de una o dos veces. Hay, empero, escenas que se benefician de las tomas extra, pero incluso en estas no estoy seguro de que las primeras tomas no sean más que ensayos a los que se les añade la adrenalina de estar siendo grabado por la cámara.[104]​

Kubrick dedicaba los descansos en el rodaje para discutir con los actores. Entre los que valoraban la atención del director se encontraba Tony Curtis, quien se refirió al neoyorquino como su director favorito, agregando que «tenía su mayor virtud en la relación con los actores».[105]​ Más aún, añadió que el director «tenía su propia manera de hacer películas. Quería ver las caras de los actores; no buscaba cámaras que rodaran a diez metros de distancia, quería primeros planos, mantener la cámara en movimiento. Ese era su estilo».[106]​ En el mismo sentido, Malcolm McDowell llamó la atención sobre las largas charlas que mantuvo con él para desarrollar su personaje en La naranja mecánica, charlas que la permitieron sentirse desinhibido y libre durante el rodaje.[97]​

Pero Kubrick también permitía de vez en cuando que los actores improvisaran y «rompieran las reglas», especialmente a Peter Sellers en Lolita. Esta supuso un punto de inflexión en su carrera que le permitió trabajar de una forma más creativa durante el rodaje.[107]​

Durante una entrevista, Ryan O'Neal recordaba así su estilo de dirección: «Te hacía trabajar duro. Te movía, te empujaba, te ayudaba, se enfadaba contigo […] pero, sobre todo, te enseñaba el valor de un buen director. Stanley sacó de mi actuación aspectos que habían estado aletargados. […] Tenía la sospecha de que estaba metido en algo grande».[108]​ También señaló que trabajar con Kubrick era «una experiencia impactante» de la cual nunca llegó a recuperarse.[109]​

Fotografía y uso de efectos

 
Montaje de la Sala de Guerra de Dr. Strangelove

Kubrick atribuyó su habilidad en el tratamiento de la fotografía de las escenas a sus primeros años como fotógrafo.[110]​ Sus guiones no solían incluir instrucciones de cámaras. Prefería ocuparse de eso cuando la escena estaba ideada, ya que los aspectos visuales de una película no eran una complicación para él.[111]​ Incluso para decidir los ajustes y los accesorios que se usarían, Kubrick prestaba una atención al detalle muy meticulosa, que buscaba agregar todo el material posible de una forma que él mismo llegó a describir como "detectivesca".[112]​ John Alcott, quien fue director de fotografía en cuatro películas de Stanley Kubrick, señaló que el cineasta "lo cuestionaba todo"[113]​ y se involucraba en los aspectos técnicos de la producción, incluidos la posición de la cámara, la composición de la escena, la selección de lentes... e incluso llegaba a operar él mismo la cámara. Alcott llegó a decir de Kubrick que era "la cosa más parecida a un genio con la que he trabajado nunca, con todos los problemas que un genio conlleva".[114]​

Algunos críticos han destacado el uso que Kubrick hacía de la perspectiva frontal con un único punto de fuga. Esta perspectiva lleva al espectador a fijarse en un único punto de fuga que da la sensación de estar yéndose. El uso que Kubrick hacía de esta técnica era acompañado también por una simetría visual agresiva que utilizaba líneas paralelas que llegaban a converger en el punto de fuga, dando la sensación de alejamiento. Combinado con los movimientos de cámara, esta técnica podía generar unos efectos visuales que algunos han descrito como "hipnóticos y emocionantes".[115]​

 
Cámara utilizada por Stanley Kubrick, probablemente en Barry Lyndon

Entre las grandes innovaciones técnicas que Kubrick llevó al cine se encuentran los efectos especiales. Un ejemplo es la película "2001", donde utilizó, entre otros, los efectos slit-scan y el efecto de proyección frontal, que le llevaron a ganar un Oscar. Además, El resplandor fue una de las primeras seis películas en utilizar el entonces revolucionario sistema de la steadicam. Kubrick llevó este método a su máxima expresión, que dio a la audiencia un movimiento suave y sosegado de la cámara. Kubrick describió a la steadicam como una "alfombra mágica" que permitía movimientos rápidos y fluidos de cámara que, en el laberinto de El resplandor habrían sido imposibles de otra manera.[116]​

Stanley Kubrick fue a su vez uno de los pioneros en el uso de video assist durante el rodaje. Cuando comenzó a usarlo en 1966, el video assist se consideraba una tecnología de vanguardia, por lo que Kubrick tuvo que buscar su propia manera de emplearlo. Sin embargo, este método dio sus frutos y ya a partir de la película 2001 fue capaz de observar una toma inmediatamente después de grabarla.[117]​ En algunas cintas —por ejemplo, Barry Lyndon—utilizaba sus propias lentes personalizadas, que le permitían comenzar una escena con un primer plano e ir alejando lentamente la cámara hasta captar todo el panorama, así como grabar tomas largas cambiando las condiciones lumínicas alternando distintos ajustes de la cámara. Esta habilidad técnica de Kubrick con las lentes llegó a impresionar incluso a los fabricantes, que hallaron en él a alguien sin precedentes entre los cineastas.[118]​

Para la película Barry Lyndon, Kubrick utilizó unas lentes especiales adaptadas a la alta velocidad, inicialmente diseñadas para la NASA, lo que le permitió grabar numerosas escenas cuya iluminación provenía exclusivamente de la luz de las velas. El actor Steven Berkoff recalcó que el director quería escenas de este tipo y que, al rodarlas, Kubrick realizó "una contribución única al cine que lo llevaba casi de vuelta a la pintura... Era como posar para un retrato".[119]​ LoBrutto ha señalado que diversos directores se han interesado por el tipo de lentes que utilizaba Kubrick, lentes que, por otro lado, le hicieron parecer "legendario" como camarógrafo.[120]​

Música y edición

 
György Ligeti, cuya música utilizó Kubrick para 2001, El resplandor y Eyes Wide Shut

Stanley Kubrick pasaba largas horas editando, a menudo trabajando los siete días de la semana y cada vez más horas a medida que se acercaban los plazos de entrega.[121]​ Para Kubrick, el guion era un elemento que había que contrastar con la puesta en escena, la música y, especialmente, la postproducción. Inspirado por el tratado de Pudovkin, Kubrick se percató de que era posible rodar una película en el plató y luego "re-dirigirla". A propósito de esto expresó: "Me encanta la edición. Creo que me gusta más que cualquier otra fase del proceso. La edición es la única parte del cine que no se parece a ninguna de las otras artes y es un punto tan importante que no se puede subestimar... puede hacer o deshacer una película".[121]​ El biógrafo John Baxter incluso ha señalado que "en lugar de buscar la columna vertebral de una película en el guion antes de empezar a rodar, Kubrick empezaba a saber lo que buscaba en la versión final al grabar cada escena desde muchos ángulos distintos y exigiendo distintas tomas de cada línea de guion... Luego él organizaba y reorganizaba miles de fragmentos para que se ajustaran a una determinada versión que solo empezaba a emerger en la edición".[122]​

Otro de los rasgos que han destacado el perfeccionismo de Kubrick ha sido la música y su atención a los detalles más nimios. Su esposa Christiane Harlan atribuyó esto a cierta adicción a la música. En sus últimas seis películas, Stanley Kubrick elegía música ya compuesta, especialmente composiciones clásicas. Prefería música ya grabada en lugar de música específica para cada película, bajo la creencia de que un compositor contratado no podría tener una repercusión tan efectiva como el de los compositores clásicos ya conocidos por el público. Además, sostenía que componer escenas a partir de grandes piezas contribuía a crear "grandes escenas" para las mejores películas.[123]​

En una ocasión, para una escena de Barry Lyndon, Kubrick estuvo cuarenta y dos días trabajando en la edición. En ese tiempo, escuchó "todas las grabaciones disponibles de música de los siglos XVII y XVIII, adquiriendo además miles de grabaciones para encontrar la versión exacta de la Zarabanda de Handel que buscaba".[124]​ A su vez, Jack Nicholson destacó la atención que Kubrick prestaba a la música de sus películas, señalando que el director "escuchaba música constantemente hasta que encontraba algo que él sentía que le emocionada de la manera adecuada".[84]​

Se le atribuye a Kubrick el haber introducido al compositor húngaro György Ligeti a una amplia audiencia occidental, incluyendo su música en 2001, El resplandor y Eyes wide shut. Según Baxter, la música en 2001 era uno de los aspectos fundamentales para Kubrick cuando concibió la película.[125]​ Durante las primeras proyecciones, Kubrick probó a utilizar música de Mendelssohn —concretamente, habría hecho sonar el scherzo de El sueño de una noche de verano—, aunque también habría escuchado, junto con Clarke, música de Vaughan Williams e incluso Carmina Burana de Carl Orff. Sin embargo, al final Kubrick se decantó por El Danubio azul de Johann Strauss tras haber escuchado la pieza.[126]​}} La música de Ligeti utilizaba un nuevo estilo con micropolifonías, basada en acordes disonantes que cambiaban lentamente. Su presentación en la película fue también una forma de dar a conocer a Ligeti al gran público, al haberlo puesto junto a otros clásicos como Richard Strauss o Johann Strauss.[127]​

Además de Ligeti, Kubrick también colaboró con la compositora Wendy Carlos, cuyo álbum de 1968 Switched-On Bach —en el que se reinterpretaba música barroca utilizando sintetizadores moog— despertó su interés. En 1971, Carlos compuso y grabó música para la banda sonora de La naranja mecánica. Además, las pistas que finalmente no se utilizaron en la película fueron publicadas un año después en un álbum aparte, llamado Wendy Carlos's Clockwork Orange. Kubrick volvió a colaborar con Carlos en El resplandor en 1980. Para la introducción de esta obra, en la que la cámara sigue el vehículo de Jack Torrance a través de las montañas hasta el Hotel Overlook, Kubrick utiliza la interpretación del Dies irae de la Sinfonía fantástica de Hector Berlioz realizada por la misma Wendy Carlos.[128]​

Legado

Kubrick fue uno de los directores más influyentes en la historia del cine.[129]​[130]​ Su influencia en el cine contemporáneo es enorme y difícil de definir en su real dimensión. No solo por la gran cantidad de libros dedicados a su persona y a su trabajo, las compilaciones que lo sitúan entre los más importantes de la historia, así como documentales televisivos sobre su vida y ensayos publicados en diversos medios de comunicación, sino también por los logros fílmicos que alcanzó en vida y el aporte que realizó al statu quo de rol del director dentro la industria cinematográfica.

Kubrick luchó y logró el tan ansiado control total sobre sus películas, con el fin de que su visión fílmica no se viera afectada más que por lo que él entendía como coherencia artística. Sin estudios formales de cine, participó en cada etapa de la producción de una cinta, aprendiendo las técnicas y el oficio, llegando a aportar innovadores procedimientos técnicos (efectos especiales, sistema de filmación, nuevas cámaras, focos, luces y lentes) y narrativos que le permitieron a la industria en general avanzar varios años.

Otro apartado donde fue decisivo fue en el empleo de la banda sonora en las cintas que dirigió, anticipándose a varias tendencias, incorporando tanto la enciclopédica revisión de la música perteneciente a la época en la que se ambientaba la película de turno, así como también emplear los aportes de la electrónica cuando esta se aplicaba mayormente en el campo experimental. Kubrick revolucionó la forma en la que la música y el sonido, interactúan, complementan y unifican, las imágenes. Su película 2001: A Space Odyssey, es su película más influyente en cuanto a la banda sonora de las películas ,[131]​ y aunque la mayoría de las obras musicales no fueron creadas para la película, sino que el director las eligió con el fin de dar el énfasis que cada escena necesitaba; algo que inspiró a varias películas que han sido creadas en los últimos años.

Sus películas no dejaban de incorporar sus propios intereses intelectuales y la reflexiones sobre el hombre y su lucha constante con su entorno, ya sea físico, social, psicológico o metafísico. Su observación del ser humano siempre guardaba una distancia prudente, que en vez de frialdad (como lo tachaban algunos críticos), podría más bien leerse un verdadero interés y abierta curiosidad por entender el proceder del personaje como pieza dentro de un engranaje más complejo que lo puramente cultural. Él busca aquellos códigos dentro de cada ser humano que lo empujan a accionar de una manera en particular, tanto en la intimidad como en la odiseas titánicas que modifican el curso la historia. Creando en el proceso imágenes tan sobresalientes y atemporales que se han convertido en parte de la cultura popular.

Un tema final podría ser su obsesión con los detalles y la calidad del producto. Pocos directores hicieron de esto un tema mayor: entender el filme como acto de aprendizaje extremo del entorno del personaje, sobre la base de una sólida investigación que llevó, junto a su perfeccionismo, a dilatar sus rodajes y aumentar el aura mítica que proyectaba en la prensa. Otro aspecto curioso de su modo de trabajar era su negativa a mostrar los metrajes de sus películas que descartaba. En Stanley Kubrick A Life in a Picture, se cuenta como el director guardaba todo material en un cuarto de su casa apilando horas y horas de metraje no usado. Kubrick tenía armado un salón de edición en su casa. Su cuñado lo ayudaba a quemar todo este material. Es por esta razón por la que no se conoce escenas extras en las ediciones de DVD.

Además, Kubrick inspiró a directores como Martin Scorsese, Steven Spielberg, James Cameron, Woody Allen, Terry Gilliam, los Hermanos Coen, Ridley Scott, Christopher Nolan y George A. Romero. Incluso, Orson Welles comentó: «Entre los que yo llamaría "la generación joven", Kubrick me parece un gigante».[132]​

Debido al impacto que logró tener Kubrick en el cine y principalmente en el Siglo XX, la gente pide conocer más de él y de sus obras. Desde el año 2004 una exposición suya, creada por Hans Peter Reichmann, se ha estado presentado en lugares como París, Monterrey, Berlín, Toronto, Los Ángeles y Fráncfort.[133]​ El recorrido lleva al espectador a ambientarse en los filmes y a conocer un poco más sobre el director estadounidense. Aquí nos presentan una colección de sus obras, entre lo que vemos hay: guiones, vestuarios, cámaras, lentes, fotografías y diferentes piezas emblemáticas.[134]​

Filmografía

Artículo principal: Anexo:Filmografía de Stanley Kubrick

Clasificación

Se pueden apreciar en la obra de Kubrick dos etapas bien diferenciadas, dejando aparte, como él mismo quiso, sus trabajos tempranos (Flying Padre, Day of the Fight, The Seafarers, El beso del asesino y Fear and Desire).

La Primera Etapa, denominada, según el criterio: "Etapa Clásica", "Período en Blanco y Negro" o "Etapa de Juventud", incluye The Killing, Paths of Glory, Espartaco, Lolita y Dr. Strangelove.

La Segunda Etapa, denominada "Etapa Renovadora", "Período en Color" o "Etapa de madurez", incluye 2001: A Space Odyssey, La naranja mecánica, Barry Lyndon, El resplandor, Full Metal Jacket y Eyes Wide Shut.

Las etapas se distinguen observando su estructura dramática (más tradicional en su primera etapa y experimental e innovadora en su segunda etapa) o la coloración del metraje (pero, a modo de excepción, Espartaco -de su primera etapa- está en color, aunque no por decisión de Kubrick).

Así, tras el salto temporal de unos cuatro años que separa Dr. Strangelove de 2001, se aprecia un gran cambio en el planteamiento de su obra, si bien permanecen ciertos paralelismos argumentales (la sexualidad en Lolita y Eyes Wide Shut, la dureza de la guerra en Paths of Glory y Full Metal Jacket, la ascensión social con el fracaso final en Espartaco y Barry Lyndon,...)

Recepción y crítica

Película Rotten Tomatoes Metacritic IMDb
Todas Top
Fear and Desire 83%[136]​ 100%[136]​ - 5.6[137]​
El beso del asesino 83%[138]​ 100%[138]​ - 6.7[139]​
The Killing 97%[140]​ 100%[140]​ - 8.0[141]​
Paths of Glory 94%[142]​ 82%[142]​ - 8.5[143]​
Espartaco 96%[144]​ 83%[144]​ 87 7.9[145]​
Lolita 98%[146]​ 100%[146]​ - 7.7[147]​
Dr. Strangelove 99%[148]​ 100%[148]​ 97[149]​ 8.5[150]​
2001: A Space Odyssey 95%[151]​ 80%[151]​ 82[152]​ 8.3[153]​
La naranja mecánica 89%[154]​ 60%[154]​ 80[155]​ 8.4[156]​
Barry Lyndon 96%[157]​ 100%[157]​ 89[158]​ 8.1[159]​
El resplandor 88%[160]​ 63%[160]​ 66[161]​ 8.4[162]​
Full Metal Jacket 94%[163]​ 87%[163]​ 78[164]​ 8.3[165]​
Eyes Wide Shut 77%[166]​ 66%[166]​ 68[167]​ 7.3[168]​
Media 92% 86% 79 7.8

Premios

Artículo principal: Anexo:Premios y nominaciones de Stanley Kubrick
Premios Óscar
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
1975 Mejor película - Drama Barry Lyndon Nominado
1975 Mejor director Barry Lyndon Nominado
1971 Mejor película - Drama La naranja mecánica Nominado
1971 Mejor director La naranja mecánica Nominado
1962 Mejor director Lolita Nominado
1961 Mejor película - Drama Espartaco Ganador
1961 Mejor director Espartaco Nominado
Premios BAFTA
Año Categoría Película Resultado
2000 BAFTA Honorífico Ganador
1975 Mejor película Barry Lyndon Nominado
1975 Mejor director Barry Lyndon Ganador
1971 Mejor película La naranja mecánica Nominado
1971 Mejor director La naranja mecánica Nominado
1971 Mejor guion adaptado La naranja mecánica Nominado
1968 Mejor película 2001: A Space Odyssey Nominado
1964 Mejor película Dr. Strangelove Ganador
1964 Mejor película de cualquier fuente Dr. Strangelove Ganador
1964 Mejor guion británico Dr. Strangelove Nominado
1961 Mejor película de cualquier fuente Espartaco Nominado
1957 Mejor película de cualquier fuente Paths of Glory Nominado
1956 Mejor película de cualquier fuente The Killing Nominado
Premios Saturn
Año Categoría Película Resultado
1980 Mejor director El resplandor Nominado
1980 Mejor película de terror El resplandor Nominado

Premios Razzie

Año Categoría Película Resultado
1980 Peor director El resplandor Nominado
Premios César
Año Categoría Película Resultado
2000 Mejor película extranjera Eyes Wide Shut Nominado
1977 Mejor película extranjera Barry Lyndon Nominado
Premio Bodil
Año Categoría Película Resultado
2000 Mejor película norteamericana Eyes Wide Shut Nominado
1964 Mejor película norteamericana Dr. Strangelove Ganador
Premio David de Donatello
Año Categoría Película Resultado
1988 Mejor producción extranjera Full Metal Jacket Ganador
1988 Luchino Visconti Ganador
1988 Mejor película extranjera Full Metal Jacket Nominado
1988 Mejor director extranjero Full Metal Jacket Nominado
1977 Premio David Europeo Barry Lyndon Ganador
1969 Mejor producción extranjera 2001: A Space Odyssey Ganador
Festival Internacional de Cine de Moscú
Año Categoría Película Resultado
1968 Mejor película 2001: A Space Odyssey Nominado
1968 Mejor director 2001: A Space Odyssey Nominado
Festival de Venecia
Año Categoría Película Resultado
1999 Premio Bastone Bianco Eyes Wide Shut Ganador
1997 León de Oro Honorífico Ganador
1962 León de oro Lolita Nominado
Chicago Film Critics Association
Año Categoría Película Resultado
2000 Mejor película Eyes Wide Shut Nominado
2000 Mejor director Eyes Wide Shut Nominado
2000 Mejor fotografía Eyes Wide Shut Nominado
New York Film Critics Circle
Año Categoría Película Resultado
1975 Mejor película Barry Lyndon Nominado
1975 Mejor director Barry Lyndon Nominado
1971 Mejor película La naranja mecánica Ganador
1971 Mejor director La naranja mecánica Ganador
1964 Mejor película Dr. Strangelove Nominado
1964 Mejor director Dr. Strangelove Ganador
1964 Mejor guion Dr. Strangelove Nominado
Festival de Cine de Sitges
Año Categoría Película Resultado
2008 Gran Premio Honorífico Ganador

Otros reconocimientos y galardones

Año Categoría Premio[174]​ Película Resultado
2000 Lifetime Achievement Award Directors Guild of Great Britain Por su trayectoria Ganador
2000 Critics Award French Syndicate of Cinema Critics Por su trayectoria Ganador
1997 D.W. Griffith Lifetime Achievement Award Directors Guild of America Awards Por su trayectoria Ganador
1975 Mejor director National Board of Review Barry Lyndon Ganador
1959 Mejor director Festival Internacional de Cine de Locarno El beso del asesino Ganador

Referencias

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Enlaces externos

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Septiembre 06, 2021
stanley, kubrick, manhattan, nueva, york, julio, 1928, albans, reino, unido, marzo, 1999, director, cine, guionista, productor, fotógrafo, estadounidense, nacionalizado, británico, considerado, muchos, como, cineastas, más, influyentes, siglo, destacó, tanto, . Stanley Kubrick Manhattan Nueva York 26 de julio de 1928 St Albans Reino Unido 7 de marzo de 1999 fue un director de cine guionista productor y fotografo estadounidense nacionalizado britanico Es considerado por muchos como uno de los cineastas mas influyentes del siglo XX Destaco tanto por su precision tecnica como por la gran estilizacion de sus peliculas y su marcado simbolismo 1 Stanley KubrickStanley Kubrick en 1964 Informacion personalNacimiento26 de julio de 1928Nueva York Estados UnidosFallecimiento7 de marzo de 1999 70 anos Saint Albans Reino UnidoCausa de muerteInfarto agudo de miocardioSepulturaChildwickbury ManorNacionalidadEstadounidense BritanicoReligionAteismoFamiliaConyugeToba Etta Metz 1948 1951 Ruth Sobotka 1954 1957 Christiane Kubrick 1958 1999 Hijos3EducacionEducado enCity College of New YorkWilliam Howard Taft High SchoolInformacion profesionalOcupacionFotografo director de cine guionista productor editorAnos activo1951 1999Premios artisticosPremios oscarMejores efectos visuales1968 2001 A Space OdysseyGlobos de OroMejor pelicula Drama1961 SpartacusPremios BAFTAMejor pelicula1964 Dr StrangeloveMejor pelicula britanica1964 Dr StrangeloveMejor director1975 Barry LyndonBAFTA Honorifico2000 Premio a la trayectoria profesionalOtros premiosPremio David de Donatello a la mejor pelicula extranjera 1969 2001 A Space Odyssey 1988 Full Metal JacketNational Board of Review al mejor director1975 Barry Lyndon Leon de Oro Honorifico1997 Premio a la Trayectoria ProfesionalCarrera deportivaDeporteAjedrezDistincionesNational Board of Review por Mejor PeliculaComendador de las Artes y las Letras 1995 Leon de Oro por la carrera 1997 Science Fiction and Fantasy Hall of Fame 2014 FirmaWebSitio webwww kubrickfilms com editar datos en Wikidata Comenzo a trabajar en el cine a partir de 1951 ano en el que se estreno su primer proyecto el cortometraje documental Day of the Fight 2 que fue comprado por RKO Pictures dandole a Kubrick un pequeno beneficio economico Esta compania tambien le adelanto dinero para su siguiente trabajo un documental de nueve minutos llamado Flying Padre 3 Tras realizar varias cintas como Killer s Kiss El beso del asesino 1955 o The Killing Atraco perfecto 1956 4 se estreno Paths of Glory Senderos de gloria 1957 un filme antibelicista que hasta el dia de hoy es considerado uno de los mejores del director 5 Tras esta grabacion dirigio su primera pelicula de alto presupuesto Espartaco 1960 que fue galardonada con cuatro Premios oscar y elevo la carrera de Kubrick a un mayor nivel 6 Tras el exito que cosecho la cinta incluyendo un Globo de Oro a la mejor pelicula dramatica Kubrick tuvo la oportunidad de dedicarse a otro proyecto Lolita de 1962 7 El largometraje protagonizada por Sue Lyon y James Mason recibio criticas mixtas aunque causo controversias debido al contenido relacionado con la hebefilia Sin embargo fue nominado como mejor director en los Globos de Oro y en el festival de Venecia en 1962 8 Dos anos despues dirigio Dr Strangelove Telefono rojo volamos hacia Moscu 1963 por la cual fue candidato a varios galardones entre ellos varios BAFTA y su primera nominacion al oscar en las categorias Mejor director y guion adaptado 9 En 1968 alcanzo la cumbre de su carrera con 2001 A Space Odyssey filme de ciencia ficcion con el que gano su unico oscar a titulo personal por el diseno de efectos especiales 10 Ademas la pelicula es considerada como una de las mejores de la historia dentro de su genero 11 Posteriormente Kubrick dirigio La naranja mecanica una de las cintas mas polemicas de la historia mas que nada por su poco nivel de censura 12 Esta es una adaptacion de la novela homonima de Anthony Burgess que muestra al personaje Alex DeLarge interpretado por Malcolm McDowell un delincuente sociopata y carismatico cuyos placeres son la musica clasica la violacion y la llamada ultraviolencia El largometraje fue polemico en varios paises entre ellos Reino Unido Por esto Kubrick pidio a Warner Bros que lo retirara del Reino Unido pues se encontraba bajo mucha presion e incluso llego a recibir amenazas de muerte dirigidas hacia el y su familia 13 Ademas La naranja mecanica fue candidata a cuatro premios oscar y Kubrick fue candidato a este galardon al Globo de Oro y al BAFTA por su direccion y guion 14 Posteriormente dirigio Barry Lyndon de 1975 ganadora de cuatro oscar Kubrick perdio como Mejor director ante Milos Forman por One Flew Over the Cuckoo s Nest Alguien volo sobre el nido del cuco con Jack Nicholson Este actor protagonizo la siguiente pelicula de Kubrick El resplandor basada en la novela de Stephen King Tras de la realizacion del filme King comento que le desagrado la version de Kubrick 15 Asimismo dirigio Full Metal Jacket La chaqueta metalica 1987 y finalmente Eyes Wide Shut 1999 Entre sus trece peliculas se encuentran clasicos del cine como Paths of Glory 1957 Espartaco 1960 Lolita 1962 Dr Strangelove or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb 1964 2001 A Space Odyssey 1968 La naranja mecanica 1971 Barry Lyndon 1975 El resplandor 1980 Full Metal Jacket 1987 o Eyes Wide Shut 1999 16 Indice 1 Notas biograficas y personalidad 1 1 Caracter 1 2 Posicion ideologica 1 3 Arte y negocio 1 4 Fallecimiento 2 Carrera 2 1 Primeros proyectos 2 2 1956 1960 Primera etapa 2 3 1960 1968 Consolidacion 2 4 1968 1980 Obras cumbre 2 5 1987 1999 Etapa final la caida y el regreso 3 Estilo de direccion 3 1 Pensamiento de fondo 3 1 1 Interpretacion de las obras 3 1 2 Eleccion de temas para las peliculas 3 1 3 Sexualidad 3 1 4 Vision acerca del mal 3 2 Guion y puesta en escena 3 2 1 Relacion con sus guionistas 3 3 Direccion y trato con los actores 3 4 Fotografia y uso de efectos 3 5 Musica y edicion 4 Legado 5 Filmografia 6 Clasificacion 7 Recepcion y critica 8 Premios 8 1 Premios Razzie 8 2 Otros reconocimientos y galardones 9 Referencias 10 Bibliografia 11 Enlaces externosNotas biograficas y personalidad Editar Stanley Kubrick hacia 1930 con su padre Jack Kubrick con su camara fotografica en 1949 Stanley Kubrick nacio en 1928 en el seno de una familia judia acomodada residente en el barrio neoyorquino del Bronx 17 Era el primogenito del matrimonio formado por Jacob Leonard Kubrick 1902 1985 y Sadie Gertrude Perveler quienes tuvieron tambien a una nina llamada Barbara Aunque dotado de un coeficiente intelectual por encima de la media nunca fue buen estudiante era un alumno indisciplinado faltaba a clase la mitad de los dias lectivos 18 y sus notas eran un desastre 19 El mismo se procuraria su propia educacion superior Tres aficiones marcaron la juventud y la trayectoria profesional de Stanley la fotografia que practicaba con una camara reflex que le habian regalado sus padres la musica en especial el jazz y el ajedrez 20 De hecho tenia solo 16 anos cuando consiguio integrarse en el departamento de fotografia de la revista Look En cuanto a la musica su melomania le permitio a lo largo de toda su carrera poder discutir todos los aspectos relacionados con la banda sonora de sus peliculas Y tambien decisiva habria sido su aficion al ajedrez 21 gracias al cual subsistio durante un periodo turbulento de su vida y al que homenajearia en algunas de sus peliculas Es posible que cultivar este juego contribuyera a perfilar su frialdad profesional como director y el perfeccionismo que siempre se le ha atribuido Precisamente sobre esta cuestion sin embargo el cineasta se manifestaba en abierto desacuerdo El perfeccionismo los periodistas utilizan esta palabra para agredirme y me parece injusto Si intentas hacer algo procuras que resulte lo mejor posible Nunca desperdicio ni mi tiempo ni mi dinero solo trato de hacer bien las cosas 22 Durante su juventud Kubrick asistia con frecuencia al cine Loew s Paradise y al Museo de Arte Moderno de Nueva York tambien ya como pasatiempo tardio acudia a ver peliculas mediocres que le impulsaron a superarlas con creces Poco a poco nacio la idea de abandonar su trabajo en la revista y dedicarse a la realizacion de peliculas Cuando aun concedia entrevistas se referia a Max Ophuls y Serguei Eisenstein como sus dos referencias cinematograficas mas influyentes el primero por su trabajo con la camara y el segundo por su tecnica de montaje A lo largo de su trayectoria ha concedido numerosas entrevistas y ha citado a varios directores que ha tenido como referentes en sus obras y en su carrera como realizador entre los que se encuentran Akira Kurosawa Federico Fellini Orson Welles Charles Chaplin o Fritz Lang En cuanto a sus relaciones amorosas Kubrick se caso el 29 de mayo de 1948 con su novia del instituto Toba Metz Se instalaron en un apartamento de Greenwich Village pero tres anos despues se divorciaron En 1952 conocio a la que seria su segunda esposa la bailarina y escenografa teatral de origen austriaco Ruth Sobotka Juntos vivieron en East Village se casaron en enero de 1955 y en julio se trasladaron a Hollywood donde permanecieron hasta su divorcio en 1957 23 Posteriormente Kubrick se relaciono con la actriz y bailarina Valda Setterfield 24 Durante la filmacion de Paths of Glory en Munich a principios de 1957 Kubrick conocio a la actriz alemana Christiane Harlan que luego obtendria un pequeno aunque significativo papel en la pelicula Acabaron casandose en 1958 y estuvieron juntos durante cuarenta anos hasta la muerte del director en 1999 Ademas de su hijastra tuvieron dos hijas juntos Anya Renata nacida el 6 de abril de 1959 y Vivian Vanessa nacida el 5 de agosto de 1960 25 En 1961 se traslado con su familia a Reino Unido donde fijo su residencia definitiva Se ha especulado que tal decision se debio a que Kubrick detestaba Estados Unidos y la mentalidad de sus ciudadanos Sin embargo segun algunos de sus biografos eso no es exacto lo que no le gustaba era la ciudad de Los Angeles 26 y su maquinaria publicitaria 27 De hecho tras haber descartado otras opciones como Vancouver o Sidney considero trasladarse a Nueva York pero finalmente decidio que a la larga la megalopolis le resultaria demasiado dura violenta y cara Caracter Editar Una de las personas que mas han ahondado en la personalidad del genio neoyorquino ha sido el periodista y guionista Michael Herr quien en su obra Kubrick describe su relacion personal y profesional Asi Herr observa que aunque en cierto modo a Stanley le incomodaba el contacto fisico era de natural afectuoso de trato fraternal y habla fluida melodiosa incluso 28 Entre quienes alababan su trato se encontraba su ama de llaves Betty Compton que afirmo siempre que no le trataras con condescendencia era estupendo trabajar con el 29 Ambicioso con talento y confianza en si mismo tenia un cerebro acerado y unas enormes pelotas de laton 30 Matthew Modine le conto a Vincent LoBrutto el biografo de Stanley Probablemente es la persona mas sincera que he conocido Debajo de esa apariencia hay un hombre muy carinoso concienzudo a quien no le gusta el dolor ver sufrir a los animales o a los seres humanos 31 A los criticos que dicen que era misogino les recuerda que algunas mujeres como Jean Simmons Susanne Christiane Sue Lyon Marisa Berenson y Nicole Kidman aparecian muy hermosas en sus peliculas y que de hecho por alguna de ellas sintio tanto respeto que las hizo ser tan peligrosas como cualquiera de sus personajes masculinos 32 A los que le tildan de frio de falta de humanidad de alejamiento de la gente actitudes que se atribuian a sus supuestas neurosis Herr les objeta que todas ellas no eran sino simbolos de su pureza que no era tanto misantropia como irreverencia 33 Tendia a mostrarse algo hipocondriaco y paranoico pero no era un lunatico 34 Otros epitetos negativos que ha recibido son excentrico solitario y misantropo loco autocrata y adusto frio maniatico y arrogante 35 Cierto critico cinematografico llego a retratarlo como ese estrafalario maniaco lleno de fobias y obsesionado por controlarlo todo Debido a que las ciencias psicologicas en el momento de su ninez no estaban tan desarrolladas se imposibilito efectuarle un diagnostico que permitiera conocer las causas de su peculiar personalidad Sin embargo algunos expertos han especulado que pudo haber padecido el sindrome de Asperger o alguna condicion perteneciente a los trastornos del espectro autista 36 Posicion ideologica Editar Aunque sus padres se habian casado por el rito judio nunca trataron de inculcar en sus hijos un sentido religioso de la vida Mas aun Kubrick profesaria durante toda su vida una vision atea del mundo Partidario del capitalismo como sistema economico para el la democracia no pasaba de ser un noble y fracasado experimento en nuestro camino evolutivo un experimento lamentablemente devaluado por los bajos instintos el dinero el egoismo y la estupidez de los seres humanos asi que nadie mejor que un despota benevolo para gobernarlos 37 Arte y negocio Editar Era un paladin del show business Herr lo describe asi 38 A Stanley le excitaba el rugido de las helices cuando la pasta gansa despegaba y comenzaba a volar a traves del sistema circulando y ramificandose para ir a parar a bolsillos cada vez menores en numero pero de mayor tamano aun cuando esos bolsillos no fueran siempre el suyo simplemente le gustaba saber que estaba circulando por ahi Le encantaban el negocio la industria la accion que observaba dia y noche desde su puente aquellos actores y directores y proyectos toda aquella energia que giraba sin parar por los estudios y las campanas de prensa que acompanaban a cada nuevo producto le encantaba formar parte de ello desde la distancia y como participante en el juego no se consideraba ni menor ni peor ni superior ni inferior a ninguno de los demas todos jugaban juntos jugaban al comercio y al arte arte importante y caro y obras de arte para la caja registradora o como a veces pense en su caso peliculas artisticas con pretensiones taquilleras Michael HerrSegun Herr era un buen amigo y resultaba maravilloso trabajar con el pero para hacer negocios era un tipo terrible terrible Su tacaneria era proverbial y tenia una obsesion patologica con el dinero En ese sentido Kubrick solia citar al compositor Sammy Cahn quien ante la pregunta de que consideraba el primero si la musica o la letra respondia El cheque 39 Pero si bien es cierto que Kubrick participaba en las estrategias de distribucion y se interesaba por los perfiles de audiencia hasta el punto de conocer el aforo y la recaudacion de cientos de salas de cine en esencia era un hombre que hacia peliculas para el Era calculador pero sus calculos mas exactos eran todos artisticos 40 Fallecimiento Editar Mansion de Childwickbury Manor donde residio Stanley Kubrick los ultimos anos de su vida El 7 de marzo de 1999 cuatro dias despues de una sesion privada para su familia y actores de su ultimo filme Eyes Wide Shut Stanley Kubrick murio de un ataque cardiaco mientras dormia tenia 70 anos Fue enterrado junto a su arbol favorito en los terrenos de Childwickbury Manor en el condado de Hertfordshire Reino Unido En su libro dedicado a Kubrick su esposa Christiane incluyo una cita de Oscar Wilde que el cineasta evocaba a menudo La tragedia de la vejez no es que uno sea viejo sino que sigue siendo joven 41 Cinco dias despues del fallecimiento se oficio en su residencia el funeral por su memoria al solemne acto asistio apenas un centenar de personas pertenecientes a su circulo mas cercano Por peticion expresa de la familia los medios de comunicacion se mantuvieron a una milla 1 6 km de distancia de la puerta de entrada 42 Carrera EditarPrimeros proyectos Editar Day of the Fight seria su primera filmacion a modo de documental de trece minutos en 1951 sobre la base de un trabajo fotografico hecho por el mismo para Look acerca del boxeador Walter Cartier lo financio con su propios ahorros a los veintitres anos aprendiendo a usar el equipo por la persona que se lo alquilo 43 El documental fue comprado por RKO para incorporarlo en la serie This is America que fue proyectada en el Paramount Theatre en Nueva York dandole a Kubrick un pequeno beneficio economico La propia RKO le adelanto dinero para el siguiente documental de nueve minutos llamado Flying Padre a traves del cual saco el titulo de piloto aunque anos mas tarde se negaria a seguir volando que narraba la vida de un sacerdote que viaja en avioneta de pueblo en pueblo en el estado de Nuevo Mexico El ultimo de sus documentales que duro 30 minutos seria Los marineros The Seafarers su primer trabajo en color Para esta epoca Kubrick ya habia renunciado a su trabajo en Look y se dedicaria de lleno a la industria del cine Fotografia tomada por Kubrick en donde se muestran las calles de Chicago Esta seria publicada por la revista Look en 1949 Su primer largometraje y su primer aprendizaje formal con una camara fue Miedo y deseo Fear and Desire 1953 que financio con 13 000 dolares obtenidos de prestamos familiares su tio Martin Perveler invirtio dinero en el filme con la condicion de que se le acreditara como productor ejecutivo 44 La pelicula trata de un peloton de soldados que lucha en una tierra sin nombre y se exhibio en circuitos de salas de arte pues era un experimento de calidad Tras la realizacion de la pelicula se separa de su primera esposa Toba Metz La pelicula tuvo escaso exito y perdio dinero Ocurrio otro tanto con su siguiente trabajo El beso del asesino Killer s Kiss 1955 cuyo presupuesto ascendio a 40 000 dolares la mitad de los cuales se perdieron con el tiempo devolveria el dinero a familiares y amigos que le habian ayudado 45 es una notable pelicula de suspenso sobre un boxeador que conoce a la mujer de un mafioso y se enamora de ella En la pelicula aparece en el papel de la bailarina hermana de la protagonista la que seria su segunda esposa Ruth Sobotka La pelicula conto con pocos medios y no cobro nada Hizo de operador montador ayudante de montaje tecnico de efectos especiales ademas de director y el trabajo de Kubrick con la fotografia en blanco y negro llamo la atencion de James B Harris un productor de la NBC 1956 1960 Primera etapa Editar En 1956 Kubrick y Harris se asociaron en una productora llamada Harris Kubrick Pictures compania que estuvo activa hasta 1964 De esta union surgio Atraco Perfecto The Killing 1956 su primer gran filme con un presupuesto de 320 000 dolares y un reparto de importantes actores de Hollywood protagonizado por Sterling Hayden Partiendo de una novela de Lionel White y sobre un guion de Jim Thompson Kubrick relato la historia del atraco a un hipodromo La utilizacion del tiempo cinematografico hecha por Kubrick supuso una innovacion para la epoca En la pelicula se empiezan a sentar las bases del pensamiento del director la lucha de un antiheroe en su enfrentamiento con el mundo y su conflictivo final La pelicula atrajo las miradas de algunos personajes de Hollywood como Dore Schary el jefe de produccion de MGM 43 Entre ellos tambien se encontraba Kirk Douglas que firmo con Harris Kubrick un contrato para cinco peliculas La primera de ellas seria Senderos de gloria Paths of Glory 1957 basada en una novela de Humphrey Cobb que interpretaria el propio Douglas haciendo el papel del coronel Dax encargado de defender a sus soldados acusados de cobardia ante el enemigo en el marco de la guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial Y tambien seria la primera polemica de Kubrick aunque no la ultima El mensaje antibelicista de la cinta hizo que en Francia a cuyo ejercito pertenecian los protagonistas estuviera prohibida durante decadas La pelicula fue rodada en los estudios Geiselgasteig en Munich Alemania 43 En el rodaje de la pelicula conoceria a Christiane Susanne Harlan que en los creditos aparece como Susanne Christian que se convertiria en su tercera y ultima mujer Tras la pelicula Kubrick estuvo trabajando junto a Marlon Brando en la preproduccion de One Eyed Jacks 1961 aunque tras varios meses seria despedido por desavenencias con el actor quien termino dirigiendo la pelicula 1960 1968 Consolidacion Editar En esta situacion lo encontro de nuevo Douglas que buscaba un director para sustituir a Anthony Mann al frente de Espartaco Spartacus 1960 Kubrick acepto sabiendo que una pelicula de tan alto presupuesto podia suponer un empujon a su carrera como director Aunque apenas tuvo oportunidad de intervenir en el guion como habia hecho antes y haria despues en todas sus peliculas la pelicula supuso el fin de las listas negras debido al estrategico interes de Douglas de reducir el sueldo del guionista Dalton Trumbo a cambio de colocar su nombre real en los creditos La pelicula gano cuatro premios de la Academia y fue un exito comercial La carrera de Kubrick estaba definitivamente lanzada Kubrick y Harris lograron prolongar el contrato que les unia con Douglas por otras tres peliculas Las aspiraciones artisticas y comerciales de Kubrick le llevaron a hacer Lolita 1962 fue su siguiente trabajo Tras arduas negociaciones convencio a Vladimir Nabokov no solo para que aceptase vender los derechos de su novela sino para que fuese el mismo quien adaptase el guion aunque posteriormente Kubrick solo conservo una parte de su trabajo La pelicula estuvo envuelta en escandalo por adaptar una historia tan controvertida para los estandares de la epoca ya que narra la historia de la seduccion de una menor de edad por parte de un hombre maduro y de ahi que dirigentes conservadores exhortaran a no ver la pelicula Esta pelicula cuenta la historia de Humbert Humbert un divorciado de mediana edad interpretado por James Mason que se enamora de Lolita una puber de catorce anos interpretada por Sue Lyon de dieciseis a quien Kubrick vio en The Loretta Young Show y que para conseguirla esta dispuesto a casarse con la madre de la menor El actor Peter Sellers termina de componer el reparto como el multifacetico Clare Quilty La pelicula no solo se centra en la relacion entre Humbert y Lolita sino que posee efectivas dosis de humor aspecto del filme soportado por el oficio de Sellers que fue animado por el director a improvisar Kubrick nuevamente trabajo a partir de una narracion no lineal cosa que no ocurria en el libro con el fin de darle mas suspenso a la trama Kubrick sustituyo la simple lujuria y deseo que el profesor sentia por Lolita en la novela de Nabokov por amor evitando asi la menor injerencia posible de la censura 46 El presupuesto fue de 2 millones de dolares y logro obtener buenas ganancias Debido a aspectos financieros y legales asi como por temas de la misma censura el rodaje se realizo en los estudios ABPC en Inglaterra donde Kubrick finalmente se establecio definitivamente en el condado de Hertfordshire A pesar de vivir y trabajar en Inglaterra al inicio por problemas coyunturales nunca se sintio un expatriado las circunstancias le retuvieron alli y volvia varias veces al ano a los Estados Unidos casi siempre en barco 47 Reproducir contenido multimedia Kubrick durante el trailer del largometraje Dr Strangelove de 1964 Tras el exito de Lolita se permitio afrontar proyectos mas arriesgados Se separo de su socio y amigo Harris para producir su nueva pelicula en solitario Asi que en medio de la guerra fria y de la crisis de los misiles cubanos Kubrick comenzaria a rodar Dr Strangelove or how I learned to stop worrying and love the bomb en 1964 El titulo en espanol para esta pelicula fue Dr Insolito con el que fue conocido en el mundo hispanohablante excepto en Espana donde se doblo con el titulo de Telefono rojo volamos hacia Moscu Basada en la novela de Peter George Red Alert que no era un relato comico pero cuyo tono Kubrick cambio para conseguir verosimilitud Aunque en un principio pretendia abordar de manera directa la novela sobre la Guerra Fria y la posibilidad de un conflicto atomico a medida que se iba documentando encontraba aspectos cada vez mas hilarantes y esperpenticos sobre la estrategia nuclear de ambos bloques de manera que decidio realizar una comedia de humor negro conforme a las partes mas ligeras del libro 48 El actor britanico Peter Sellers seria el encargado de dar vida a tres personajes de la cinta por presion de Columbia ya que lo consideraban responsable del exito de Lolita completando el reparto Sterling Hayden George C Scott y Slim Pickens El guion de Terry Southern el propio Peter George y Kubrick esta lleno de gags y alusiones sexuales y narra como un acceso de locura del general Ripper interpretado por Hayden que ordena a varios bombarderos intercontinentales estadounidenses B 52 atacar su objetivos en suelo ruso con armas nucleares provoca que se haga realidad la tan temida Destruccion Mutua Asegurada mientras el jefe Lionel Mandrake Sellers busca hacerlo desistir Por otro lado el presidente Merkin Muffley y el Sr Strangelove Sellers en ambos casos debaten con el mayor Buck Turgidson Scott sobre una eventual solucion al problema Dentro de un B 52 el mayor T J King Kong Pickens aun no sale de su asombro junto con su tripulacion por la mision encargada Kubrick contrato al decorador Ken Adam para llevar a cabo los ambiciosos escenarios muy adelantados a la epoca la sala de guerra la base militar y el interior del bombardero en los ingleses estudios Shepperton empleando de manera novedosa la iluminacion natural para darle mayor realismo a la puesta en escena 48 La pelicula encontro a un Kubrick plenamente instalado en la campina inglesa haciendo gala de su obsesion por el detalle en funcion a los recursos que tenia a su alcance Un ejemplo de esto es la escenografia que recrea el interior B 52 La fuerza aerea estadounidense no quiso colaborar con el director y este tuvo que en funcion de una fotografia en una revista especializada y los controles de un B 29 reconstruir el tablero de instrumentos del avion con enorme realismo enfatizando 49 el ambiente claustrofobico de la nave La musica original es encargada a Laurie Johnson pero dos melodias tienen especial relevancia sentando las bases del uso que despues Kubrick le daria a la musica en sus cintas Try a Little Tenderness en version instrumental en los creditos iniciales acompanando las imagenes de los aviones acoplados para cargar combustible y el tema de Vera Lynn We ll Meet Again sugerido por Sellers en la escena final En ambos casos los temas contrapesan la fuerza de las imagenes 1968 1980 Obras cumbre Editar En 1968 Kubrick alcanzaria el cenit de su carrera con 2001 una odisea en el espacio 2001 A Space Odyssey La pelicula no solo busco elevar el estatus de un genero menor en aquel momento la ciencia ficcion que se limitaba a alienigenas antropomorficos y platillos volantes sino ademas narrar una audaz parabola sobre la evolucion del hombre una elipsis de 4 millones de anos La pelicula se construye sobre la base de un relato corto de Arthur C Clarke El centinela que Kubrick leyo en 1964 y en ese ano junto con Clarke empezo a construir el guion inicial de la pelicula que protagonizaron Keir Dullea Gary Lockwood William Sylvester y Douglas Rain como la voz del computador HAL 9000 En 1966 Kubrick ya habia filmado todas las escenas con actores en los estudios Shepperton en Inglaterra En 1968 se concluyeron los efectos especiales El presupuesto inicial de 5 5 millones de dolares subio hasta los 10 millones 43 Pero fue en la sala de edicion donde Kubrick establecio los mayores cambios entre esta pelicula y sus predecesoras solo contiene 40 minutos de dialogo para un metraje de 141 minutos ademas de ser la primera pelicula del director sin narracion alguna Con unos efectos especiales sin precedentes disenados por el mismo Kubrick y ejecutados y supervisados por Douglas Trumbull y una confianza ciega en si mismo Kubrick realizaria finalmente una de las peliculas mas complejas vanguardistas y arriesgadas de la historia del cine La historia empieza con un grupo de hominidos en su lucha por la subsistencia y su encuentro con un monolito y luego se traslada al futuro millones de anos adelante donde un hombre ya evolucionado a Homo sapiens explora el sistema solar en una nave controlada por un computador omnipresente Kubrick toca diversos temas en la cinta la inteligencia la soledad la muerte la evolucion la inmortalidad la auto reflexion la inteligencia artificial que hacen del trabajo un motivo continuo de reflexion manteniendola vigente a la postre Sus efectos especiales y la recreacion del viaje espacial siguen siendo apreciados por su fidelidad tecnica estableciendo un antes y un despues en la innovacion tecnologica de los efectos y del genero en si mismo Otro aspecto notable es la musica apartado donde Kubrick tambien ha aportado mucho Descarto la banda sonora que originalmente habia compuesto Alex North quien se habia encargado de la musica en Espartaco usando las composiciones clasicas que empleo en la sala de edicion Entre las partituras utilizadas ademas de Richard Strauss o Aram Jachaturian Kubrick empleo ampliamente la musica vanguardista del compositor hungaro Gyorgy Ligeti impulsando enormemente su fama a nivel mundial 50 Con esta pelicula Kubrick gano su unico oscar a titulo personal por el diseno de efectos especiales y varios premios BAFTA entre otros El guion del proyecto nunca realizado de Kubrick Napoleon La historia de Napoleon proyecto en la que pensaba recrear la vida y las batallas mas importantes libradas por el dirigente frances fue un sueno largamente ansiado por Kubrick quien desarrollo una investigacion de preproduccion enorme a finales de los anos sesenta 51 que finalmente no se concreto debido a sus descomunales costos necesitaba 40 000 soldados cercano a una ciudad para alojar a 50 000 personas un lugar adecuado como campo de batalla ademas de su semejanzas con otras peliculas estrenadas en esas fechas Waterloo y Guerra y paz Sin embargo leyo centenas de libros y preparo los planos minuciosamente 52 Le atraian tanto su epica como su vida sexual que fue digna de Arthur Schnitzler 53 Durante aquellos anos Kubrick recibio un obsequio de Terry Southern la novela A clockwork orange de Anthony Burgess Kubrick leyo el libro de un tiron y penso en Malcolm McDowell para interpretar el papel de Alex a quien el director comparaba con Ricardo III La historia narra a modo de satira las correrias de Alex un joven violento cuyas distracciones son la violacion la ultraviolencia y Beethoven como rezaba la promocion de la pelicula Los Droogs la pelicula retoma el lenguaje empleado en el libro que uso variantes del ruso con el ingles de la calle llamado Nadsat 54 causan destrozos actos de violencia y delitos sexuales Pero las cosas se saldran de control y se pondra en practica el proceso Ludovico para buscar corregir la conducta del joven Alex El director busco localizaciones en Inglaterra mediante revistas de arquitectura contemporanea y solo construyo tres sets en los estudios Borehamwood el bar Korova la prision y el bano en la casa del escritor La naranja mecanica presenta algunas innovaciones en el aspecto tecnico como el empleo de lentes mas rapidas camaras ligeras de mano y los microfonos Sennheiser Mk 12 55 que permitieron no tener que volver a grabar dialogo alguno tomado de la escena en vivo asi como el uso de nuevos equipos de iluminacion como los reflectores de cuarzo Lowell de 1000 vatios que le permitio a Kubrick girar la camara en cualquier direccion sin preocuparse por capturar algun equipo luminotecnico en la habitacion La escena de la mujer y los gatos es un buen ejemplo 55 La musica fue nuevamente otro elemento destacable por su caracter avant garde en el uso de la electronica para adecuar las melodias a las escenas por parte de la compositora Wendy Carlos quien recrea mediante sintetizadores la marcha de los Funerales de la Reina Maria de Henry Purcell en la obertura de la pelicula junto con la imagen de los actores conformando una escena de caracter hipnotico y atmosferico Tambien se utiliza la Sinfonia N 9 Scherzo de Ludwig van Beethoven como fondo para la danza de las estatuillas abrazadas de Jesucristo y la Obertura de Guillermo Tell de Gioachino Rossini para la orgia en el cuarto de Alex pero acelerada electronicamente Incluso se afirma que Kubrick contacto con la banda de rock progresivo Pink Floyd para utilizar pasajes del tema Atom Heart Mother 56 pero finalmente no llegaron a un acuerdo Estrenada en Estados Unidos en 1971 y en Inglaterra en 1972 la pelicula desperto una controversia nunca antes vista en el Reino Unido para un filme en torno al contenido de la misma y sus repercusiones en los espectadores dividio a los criticos genero debates publicos en la prensa escrita la television y la radio como lo analiza Christian Bugge en The Clockwork Orange Controversy 57 A todo esto se sumo el hecho de que los delitos cometidos incluso un asesinato en aquella epoca con mucha atencion otorgada por parte de la prensa inglesa por jovenes que aparentemente replicaban escenas de la pelicula o en algun caso vestian trajes similares a los protagonistas Esto aumento la presion en el debate y llevo a Kubrick quien segun diversas fuentes estaba sumamente preocupado a presionar a Warner Bros su nueva distribuidora a cancelar cualquier exhibicion publica de la pelicula en 1973 en cualquier sala del Reino Unido Esto duro hasta el ano 2000 La pelicula obtuvo 7 Premios BAFTA 2 Premios Globo de oro 4 nominaciones a los Premios oscar 2 Director Guild of America entre otros Quiza el logro mas importante que obtuvo Kubrick con esta cinta fue asegurar formalmente por parte de Warner Bros a traves de un lucrativo contrato el control total sobre sus cintas a nivel tecnico y sobre todo artistico incluso de distribucion El exito en taquilla del filme que sobre una inversion de 2 millones de dolares pudo ganar 40 millones 58 le permitio al director sustentar su contrato Kubrick recibia ademas cerca del 40 de los beneficios para lo cual creo una base de datos de salas donde este tipo de peliculas de autor tenian mejores opciones comerciales El trabajo de preproduccion que habia hecho para Napoleon le ayudo a establecer las bases de su siguiente produccion Barry Lyndon Estuvo basada en la novela victoriana de William Makepeace Thackeray publicada en 1844 como The Luck of Barry Lyndon que narra la historia de la ascension y caida de un muchacho en la Europa del siglo XVIII y fue protagonizada por Ryan O Neal y Marisa Berenson en 1975 Nuevamente el extremo cuidado por el detalle de Kubrick se hace manifiesto en el proceso de la pelicula usando libros de arte y documentos de la epoca para buscar localizaciones crear objetos coches y el vestuario que fue confeccionado usando como modelo ropa de aquel siglo siguiendo las tecnicas de costura que se emplearon originalmente y contratando a 35 sastres que trabajaron durante 6 meses 59 Ante la insistencia del director los interiores se rodaron exclusivamente con la luz de las velas gracias a unos objetivos especiales de la casa Carl Zeiss apertura maxima de f 0 7 que habia comprado a un contacto suyo y cuyo diseno fue inicialmente realizado para la NASA Segun la actriz Marisa Berenson 60 los actores en algunas tomas de acercamiento casi no se podian mover para no salir de foco Las tecnicas de emulsion y revelado actual hicieron obsoleta esta tecnologia La pelicula fue filmada en Irlanda y en Inglaterra En el primer pais Kubrick recibio algunas amenazas por parte del grupo terrorista IRA debido a que los extras representaban a soldados ondeando la bandera britanica sobre suelo irlandes La musica que se empleo fue el resultado de la recopilacion de todas las grabaciones conteniendo composiciones del siglo XVIII que Kubrick consiguio Pero al ver que el caracter de la misma era mayormente festiva recurrio tambien a Franz Schubert y su Piano Trio Nº2 en Mi Bemol compuesto en 1828 y adicionalmente agrego score grabado por Leonard Rosenman para suplir el pedido del director 59 Precedida de gran expectacion debido a sus dos titulos anteriores y su efecto en el publico la pelicula fue recibida con criticas mixtas a mediados de los setentas y fallo en la recaudacion de taquilla inicial a pesar de los 4 premios oscar que obtuvo en 1975 Desde entonces la pelicula ha ganado estatura dentro del legado del director por sus logros tecnicos y artisticos 61 La novela del escritor multi ventas de finales de los anos setenta Stephen King y un genero con buen tiron en aquel momento el terror motivaron a Kubrick por su siguiente pelicula A partir de la novela El resplandor del escritor estadounidense reescribio el guion junto a Diane Johnson y el resultado fue una de las mejores adaptaciones cinematograficas de alguna obra de King En El resplandor The Shining 1980 la version de Kubrick es una variacion sobre la version del libro especialmente en el caracter del protagonista y sus motivaciones La pelicula filmada en los estudios Elstree en Borehamwood para los interiores haciendo tomas exteriores del Timberline Lodge en Portland Oregon para recrear el Hotel Overlook muestra la transformacion del personaje de Jack Torrance interpretado por el oscarizado Jack Nicholson que cuida el hotel durante los intermedios de temporada presentandolo como un ser temperamental y con una progresiva perturbacion que afecta finalmente la seguridad de su propia familia Kubrick hizo uso extensivo de una innovacion reciente el Steadicam 62 un giroscopio estabilizador que permitia a la camara desplazarse a traves del espacio sin vibraciones lo cual le permite filmar de manera efectiva al hijo de Torrance interpretado por Danny Lloyd sobre su triciclo de plastico a traves de los corredores del hotel o a Nicholson caminando por el laberinto del jardin La musica nuevamente recae en manos de Wendy Carlos quien modifica nuevamente a traves de la electronica musica original una adaptacion del compositor Hector Berlioz del tema medieval Dies Irae Otros compositores cuyas piezas son utilizadas son Gyorgy Ligeti Bela Bartok Krzysztof Penderecki y temas de bandas pertenecientes al primer cuarto del siglo XX 63 La pelicula obtuvo buena respuesta del publico y taquilla pero la critica volvio a dividirse en torno este trabajo del director estadounidense A juicio del autor de la novela Stephen King quien inicialmente estuvo halagado con la idea de la adaptacion por parte de Kubrick el filme no profundiza en el verdadero tema de la novela que incluso posee tintes autobiograficos 64 Este primero hace una nueva adaptacion para la television de su libro en 1997 La hija de Kubrick Vivian realizo un documental sobre la filmacion de la pelicula en 1980 1987 1999 Etapa final la caida y el regreso Editar Tienen que transcurrir siete anos hasta que aparezca su siguiente pelicula Full Metal Jacket en 1987 donde vuelve a tocar el tema belico esta vez la Guerra de Vietnam y nuevamente es un adaptacion de una novela En este caso es Gustav Hasford y su libro The Short Timers La pelicula tiene dos partes claramente diferenciadas la preparacion de los soldados en la base de Marines de Parris Island en Carolina del Sur Estados Unidos y la guerra en si ubicada en la ciudad vietnamita de Huế Durante el rodaje Kubrick reescribia el guion sobre la marcha modificando las escenas originales La pelicula se rodo entre 1985 y 1986 en Inglaterra en la base del ejercito britanico en Bassingbourne los estudios en Enfield y el gasifero de Beckton al este de Londres cuyo proceso de demolicion fue utilizado para recrear la ciudad modernista de Huế hasta donde se llevaron 66 palmeras 65 La pelicula es protagonizada por Matthew Modine Vincent D Onofrio Adam Baldwin y Lee Ermey La musica fue escrita por Abigail Mead un alias que utilizo Vivian Kubrick empleando un sintetizador Para las canciones Kubrick recurre a las listas de exitos del periodo 1962 1968 incluyendo exitos de Johnny Wright The Rolling Stones Nancy Sinatra The Trashmen entre otros A pesar de que el filme se estreno poco despues del hit Platoon 1986 de Oliver Stone obtuvo buenas criticas y buena taquilla durante su exhibicion 66 Tras esta pelicula Kubrick comenzo a evaluar nuevos proyectos En primer lugar Inteligencia Artificial la historia de un nino robot abandonado por su madre Kubrick siempre habia querido adaptar el relato de Brian W Aldiss pero no fue hasta que vio Parque Jurasico 1993 del director estadounidense Steven Spielberg que supo que la tecnologia necesaria para filmar la pelicula estaba por fin a su alcance Tambien estaba interesado en The Aryan Papers basada en el libro Wartime lies de Louis Begley una pelicula sobre dos refugiados judios durante la persecucion nazi que iba a ser protagonizada por Jodie Foster y Joseph Mazzello el nino de Parque jurasico Sin embargo el mismo Spielberg se adelantaria con el filme La lista de Schindler 1993 debido fundamentalmente a la dificultad que supuso para Kubrick el encaje cinematografico del Holocausto judio segun su propio criterio La semejanza de la pelicula de Spielberg con su propio proyecto y problemas de diversa indole le harian desistir 67 Finalmente Kubrick realizo Eyes Wide Shut 1999 basada en la novela Relato sonado de Arthur Schnitzler que habia elogiado anos antes La historia original esta situada en la Viena del siglo XIX pero la pelicula se ubica en la Nueva York de finales de siglo XX narrando la vida una pareja de neoyorquinos de clase alta que viven aparentemente una feliz vida en comun pero que los suenos y fantasias sexuales manifestados en un momento de intimidad empiezan a desestabilizar su relacion La pelicula conto con una pareja en la vida real de las estrellas de Hollywood de aquel momento Tom Cruise y Nicole Kidman como los Harford contando con Sydney Pollack y Marie Richardson como roles secundarios La pelicula como en sus anteriores filmes desde Lolita fue filmada en Inglaterra incluso en las tomas exteriores con solo algunas tomas generales hechas en Nueva York El trabajo final es un despliegue del habitual virtuosismo de Kubrick para filmar y componer jugando intensamente con los colores y la luz especialmente la artificial para reforzar ciertas sensaciones llegando incluso a forzar el revelado de las cintas para darle a la imagen el aura buscada El score fue muy variado compuesto para la ocasion por Jocelyn Pook incluyendo al mismo trabajos de Gyorgy Ligeti Franz Liszt Chris Isaak o Dmitri Shostakovich Despues de casi 12 anos Kubrick volvia con una pelicula generando una fuerte expectacion en el publico en parte por los rumores que circularon en la prensa sobre su habitos de vida especialmente su misantropia lo cual fue desmentido por el director en sendas entrevistas durante su vida La pelicula nuevamente genero una cierta polemica en torno a la censura que recibio la cinta en la version para los Estados Unidos donde digitalmente se taparon las zonas genitales a ciertos actores extras durante una orgia por lo demas bastante pudorosa para ser tal El filme de gran calidad narrativa fue recibido con cierta tibieza por parte de un sector de la critica en un inicio y con entusiasmo por otros sectores especialmente la critica francesa que incluso le dio el premio a la mejor pelicula extranjera del ano 68 El presupuesto del filme ascendio a 65 millones de dolares Estilo de direccion EditarPensamiento de fondo Editar Interpretacion de las obras Editar HAL 9000 la computadora de 2001 Una odisea del espacio Para algunos las peliculas de Stanley Kubrick suelen mostrar expresiones de una lucha interior que es examinada desde diferentes perspectivas 69 No obstante el propio Kubrick tenia especial cuidado y procuraba no ofrecer sus propias perspectivas sobre el significado de sus obras con el fin de dejarlas abiertas a la libre interpretacion En una entrevista de 1960 realizada por Robert Emmett Ginna Kubrick explico Una de las cosas que siempre encuentro dificiles una vez que la obra esta terminada es cuando un periodista o un critico pregunta que estabas intentando decir en la pelicula Sin intentar parecer demasiado presuntuoso con esta analogia me gusta responder lo que T S Eliot dijo a alguien que le habia hecho esa pregunta Creo que era acerca de The waste land una pregunta sobre que queria decir con el poema El respondio quise dar a entender lo que dije Si pudiera decir lo mismo de manera diferente lo habria hecho 70 Segun Herr Kubrick siempre se referia a las peliculas como suenos suenos acerca de suenos incluyendo las ensonaciones diurnas y las pesadillas nunca hizo distincion y eso caracteriza su peculiar materialismo entre sueno y vision 71 Sostenia que las reacciones emocionales evocadas por las peliculas eran mucho mas potentes que otras formas artisticas que implicaran la palabra y el dialogo Por esta razon dejaba Kubrick largos periodos de sus peliculas sin dialogos poniendo el enfasis en las imagenes y el sonido 70 Tambien busco que sus peliculas pudieran compararse con la musica popular ya que en esta no importa el intelecto o el trasfondo cultural de una persona para que una obra por ejemplo una cancion de los Beatles pueda ser entendida tanto por un camionero de Alabama como por un intelectual de Cambridge Segun el las emociones y el subconsciente de cada uno son mas semejantes que su intelecto En una entrevista para la revista Time en 1975 Kubrick La esencia de las artes escenicas es permitir que una idea llegue a la gente sin que la idea se explique claramente Si algo se dice directamente deja de ser tan potente como cuando dejas que la gente lo descubra por su cuenta 72 Tambien asevero que el realismo es probablemente la mejor forma para escenificar argumentos e ideas La fantasia puede tratar mejor con temas que se basan en un fondo inconsciente 73 Eleccion de temas para las peliculas Editar Diane Johnson quien escribio el guion de El resplandor junto a Kubrick remarco que el siempre decia que era mejor adaptar un libro que escribir un guion original y que para ello era preferible elegir un texto que no fuera una obra maestra de tal forma que siempre se pudiera mejorar Eso es lo que siempre hizo a excepcion de Lolita 74 Cuando Stanley Kubrick buscaba un tema para una pelicula siempre buscaba ciertos aspectos tratando de hacer cintas que atrajeran a todo tipo de espectador independientemente de sus expectativas acerca de la misma 75 Segun el productor Jan Harlan Kubrick buscaba hacer peliculas sobre temas relevantes que no tuvieran solo forma sino tambien sustancia 76 El propio Kubrick tambien creia que a los espectadores les atraen los enigmas y alegorias y evitan los filmes donde todo es explicado claramente 77 Algunos han querido mostrar que Kubrick trataba de confundir las expectativas de la audiencia con ambientes radicalmente diferentes entre una pelicula y la siguiente como si estuviera obsesionado con contradecirse a si mismo haciendo de cada obra suya una critica a la anterior 78 Sin embargo Kubrick afirmo que no hay ningun patron intencionado sobre que historias llevar a la pantalla El unico aspecto que trato de mantener en cada obra es intentar no repetirme a mi mismo 79 Sexualidad Editar Aunque en sus peliculas no hay personajes que realicen actos sexuales la sexualidad en las peliculas de Kubrick suele ser representada fuera del matrimonio en situaciones hostiles Para el biografo John Baxter el director neoyorquino explora los caminos furtivos y violentos de la experiencia sexual voyeurismo dominacion esclavitud y violacion en sus peliculas 80 Mas aun senala que peliculas como La naranja mecanica son potencialmente homoeroticas desde Alex caminando frente a sus padres con un ojo maquillado con pestanas postizas hasta su inocente aceptacion de los avances sexuales de su asesor 81 Vision acerca del mal Editar Por otra parte el critico britanico Adrian Turner se percato de que en las peliculas de Kubrick parece haber cierta preocupacion con cuestiones sobre el mal universal Mientras Malcolm McDowell se refirio al humor de Kubrick como negro como el carbon sospechando de su vision acerca del ser humano 82 En efecto algunas de sus peliculas son claramente satiras y comedias negras como Lolita o Dr Strangelove mientras que otras contienen trazos menos evidentes de satira e ironia Sus peliculas son consideradas impredecibles llevando a examen la dualidad y las contradicciones que existen en cada uno de nosotros 83 Por otra parte hay que considerar que Kubrick era a menudo malinterpretado por la critica solo una vez esta fue unanimemente positiva con la pelicula Senderos de gloria 84 Guion y puesta en escena Editar El tunel que aparece en La naranja mecanica Kubrick se basaba en la teoria de autor en la que el director acaba funcionando como guionista Permite asi la colaboracion e improvisacion con los actores durante el rodaje 85 McDowell recuerda el enfasis que Kubrick ponia en la colaboracion y en la posibilidad de improvisar una escena senalando que habia un guion y nosotros lo seguiamos pero el sabia cuando no estaba funcionando y nos hacia seguir ensayando hasta el aburrimiento 86 Kubrick no se ocupaba de los aspectos visuales del rodaje hasta tener plena confianza en la puesta en escena y las interpretaciones de los actores Entonces se ocupaba de los efectos de camara y la iluminacion Walker opina que Kubrick fue uno de los pocos directos capaces de indicar a sus directores de fotografia el efecto preciso que buscaba 87 Se ha llegado a sostener que Kubrick estaba influido por sus predecesores manteniendo una perspectiva europea acerca del cine y ligada a su admiracion por Richard Strauss 88 Por otro lado el critico Gilbert Adair ha comentado a proposito de La chaqueta metalica que la aproximacion al lenguaje de Kubrick ha sido siempre de caracter reduccionista e intransigentemente determinista El parece verlo como un mero producto del condicionamiento ambiental solo marginalmente influido por elementos de la subjetividad y los caprichos sombras y modulaciones de la expresion personal 89 En cambio otros criticos apuntan a que pese a que Kubrick era un cineasta visual no por ello descuidaba los dialogos Mas aun Kubrick ha llegado a ser comparado con un escritor por la forma en que se acercaba al texto y a las historias mismas 90 Kubrick trataba de tener el guion a punto antes de comenzar el rodaje sin que esto le impidiera realizar cambios durante la filmacion de la pelicula Su objetivo primordial era al fin y al cabo evitar el bloqueo durante la puesa en escena 87 Tal como Kubrick le comento a Robert E Ginna Creo que es necesario ver todo el problema que supone llevar una historia a la pantalla El problema comienza con la eleccion del lugar continua con la creacion de la historia las tomas los vestidos la fotografia y la actuacion Y cuando la pelicula esta rodada esta solo parcialmente acabada Creo que la postproduccion es solo la continuacion de la direccion de una pelicula Creo que el uso de los efectos audiovisuales y los titulos principales son parte de la forma de contar la historia Creo que la fragmentacion de este trabajo que sea llevado a cabo por diferentes personas es algo perjudicial 91 Kubrick tambien senalo Pienso que la mejor trama es que no haya trama Prefiero un comienzo tranquilo que se vaya metiendo en la piel de los espectadores y que los envuelva de tal forma que puedan apreciar las notas de gracia y los tonos suaves para que no tengan que ser golpeados con giros en la trama o herramientas de suspense 92 Relacion con sus guionistas Editar Kubrick se mostraba impaciente con sus colaboradores Necesito esta escena acabada echando leches No quiero que este bien quiero que este el martes Michael estas paginas que me has enviado hoy son de numero 10 de hecho creo que podrian ser de numero 12 33 Por su parte Frederic Raphael que habia trabajado intensamente con el como guionista de Eyes Wide Shut hablaba de Stanley el tirano Stanley el obseso perfeccionista Stanley el hombre de hielo Stanley el hermetico Stanley el que solo piensa en si mismo y de un nuevo Stanley el judio que se odiaba a si mismo 93 El escritor Gustav Hasford lo describio graficamente con una analogia del mundo animal Era una tijereta se te metia por un oido y no salia por el otro hasta que te habia corroido el cerebro 94 Incluso el sosegado Herr llegaba a perder la paciencia Durante la preparacion del guion para Full Metal Jacket recibia de tres a treinta llamadas suyas generalmente despues de las diez de la noche sometido a largos interrogatorios nocturnos monologos y tambien a ciertos alardes de sabiduria por parte del genio neoyorquino Herr pensaba para si Es que este tipo no se cansa nunca 95 Pero no todo eran criticas Diane Johnson que escribio el guion El resplandor junto con Kubrick ha hablado de pura y rigurosa concepcion del arte del director en esta misma pelicula tambien participo el inventor de la steadicam Garrett Brown quien luego recordaria las largas conversaciones que ambos mantenian acerca de la esquiva cualidad de la perfeccion 96 Direccion y trato con los actores Editar Es legendario el estilo de direccion de actores de Kubrick entre otras razones por la gran cantidad de veces hasta cincuenta segun Jack Nicholson 97 que les hacia repetir una misma escena Para la actriz Nicole Kidman el proposito del cineasta era que el actor acabara por perder el control de su sentido del yo la parte de la mente que observa internamente la propia actuacion y dejara de censurarse a si mismo 98 Este rasgo de la direccion de Kubrick fue incluso considerada por los criticos como irracional sin embargo el consideraba que los actores mostraban su mejor version de esta forma debido a las emociones intensas que se generaban 99 En este aspecto en cierta ocasion afirmo Los actores son principalmente generadores de emociones y mientras que algunos estan siempre afinados y listos otros llegaran a un nivel optimo solo en una toma que nunca volveran a realizar de la misma forma independientemente de cuanto lo intenten 100 Y tambien Cuando ruedas una pelicula lleva varios dias adaptarse al personal con el que estas porque es como desnudarse en frente de cincuenta personas Una vez que ya te has acostumbrado la presencia de otra persona en el montaje es disonante y crea autoconciencia en los actores 101 Entre los actores que trabajaron con el parece haber cierto consenso en que a la hora del montaje final una extrana e irresistible exigencia de alejar a sus actores lo mas posible de un estilo naturalista llevaba al cineasta neoyoriquino a seleccionar las tomas donde se los veia mas histrionicos incomodos y emocionalmente confusos Las tensiones en el plato llevaron a que el actor Kirk Douglas despotricara a raiz del tormentoso rodaje de Espartaco Stanley es una mierda llena de talento 102 Por su parte George C Scott se quejo publicamente de que el director no solo le hacia sacar su vena mas histrionica sino que al final eligio las tomas mas exageradas En ese sentido Herr especula en Kubrick que la interpretacion de Jack Nicholson convirtio a El resplandor en una obra en gran medida fallida como pelicula de genero pero que resulta inolvidable alli donde tanto da que haya o no una gran estrella de cine y un gran actor en el decorado Eso ha sido mucho mas real le decia el director despues de una toma pero no ha sido interesante O Eso ha estado magnifico Hagamoslo otra vez 103 Desde el punto de vista del propio Kubrick No importa que los actores no sepan sus lineas o que no las conozcan bien Un actor solo puede hacer una cosa cada vez Incluso cuando sabe sus lineas lo suficientemente bien como para decirlas mientras piensa sobre ellas siempre se encontrara con que tiene que lidiar con las emociones que marcan la toma En una escena con fuerte carga emocional siempre es mejor poder rodar tomas completas para permitir al actor mantener una emocion continua y es raro que un actor llegue a este punto mas de una o dos veces Hay empero escenas que se benefician de las tomas extra pero incluso en estas no estoy seguro de que las primeras tomas no sean mas que ensayos a los que se les anade la adrenalina de estar siendo grabado por la camara 104 Kubrick dedicaba los descansos en el rodaje para discutir con los actores Entre los que valoraban la atencion del director se encontraba Tony Curtis quien se refirio al neoyorquino como su director favorito agregando que tenia su mayor virtud en la relacion con los actores 105 Mas aun anadio que el director tenia su propia manera de hacer peliculas Queria ver las caras de los actores no buscaba camaras que rodaran a diez metros de distancia queria primeros planos mantener la camara en movimiento Ese era su estilo 106 En el mismo sentido Malcolm McDowell llamo la atencion sobre las largas charlas que mantuvo con el para desarrollar su personaje en La naranja mecanica charlas que la permitieron sentirse desinhibido y libre durante el rodaje 97 Pero Kubrick tambien permitia de vez en cuando que los actores improvisaran y rompieran las reglas especialmente a Peter Sellers en Lolita Esta supuso un punto de inflexion en su carrera que le permitio trabajar de una forma mas creativa durante el rodaje 107 Durante una entrevista Ryan O Neal recordaba asi su estilo de direccion Te hacia trabajar duro Te movia te empujaba te ayudaba se enfadaba contigo pero sobre todo te ensenaba el valor de un buen director Stanley saco de mi actuacion aspectos que habian estado aletargados Tenia la sospecha de que estaba metido en algo grande 108 Tambien senalo que trabajar con Kubrick era una experiencia impactante de la cual nunca llego a recuperarse 109 Fotografia y uso de efectos Editar Montaje de la Sala de Guerra de Dr Strangelove Kubrick atribuyo su habilidad en el tratamiento de la fotografia de las escenas a sus primeros anos como fotografo 110 Sus guiones no solian incluir instrucciones de camaras Preferia ocuparse de eso cuando la escena estaba ideada ya que los aspectos visuales de una pelicula no eran una complicacion para el 111 Incluso para decidir los ajustes y los accesorios que se usarian Kubrick prestaba una atencion al detalle muy meticulosa que buscaba agregar todo el material posible de una forma que el mismo llego a describir como detectivesca 112 John Alcott quien fue director de fotografia en cuatro peliculas de Stanley Kubrick senalo que el cineasta lo cuestionaba todo 113 y se involucraba en los aspectos tecnicos de la produccion incluidos la posicion de la camara la composicion de la escena la seleccion de lentes e incluso llegaba a operar el mismo la camara Alcott llego a decir de Kubrick que era la cosa mas parecida a un genio con la que he trabajado nunca con todos los problemas que un genio conlleva 114 Algunos criticos han destacado el uso que Kubrick hacia de la perspectiva frontal con un unico punto de fuga Esta perspectiva lleva al espectador a fijarse en un unico punto de fuga que da la sensacion de estar yendose El uso que Kubrick hacia de esta tecnica era acompanado tambien por una simetria visual agresiva que utilizaba lineas paralelas que llegaban a converger en el punto de fuga dando la sensacion de alejamiento Combinado con los movimientos de camara esta tecnica podia generar unos efectos visuales que algunos han descrito como hipnoticos y emocionantes 115 Camara utilizada por Stanley Kubrick probablemente en Barry Lyndon Entre las grandes innovaciones tecnicas que Kubrick llevo al cine se encuentran los efectos especiales Un ejemplo es la pelicula 2001 donde utilizo entre otros los efectos slit scan y el efecto de proyeccion frontal que le llevaron a ganar un Oscar Ademas El resplandor fue una de las primeras seis peliculas en utilizar el entonces revolucionario sistema de la steadicam Kubrick llevo este metodo a su maxima expresion que dio a la audiencia un movimiento suave y sosegado de la camara Kubrick describio a la steadicam como una alfombra magica que permitia movimientos rapidos y fluidos de camara que en el laberinto de El resplandor habrian sido imposibles de otra manera 116 Stanley Kubrick fue a su vez uno de los pioneros en el uso de video assist durante el rodaje Cuando comenzo a usarlo en 1966 el video assist se consideraba una tecnologia de vanguardia por lo que Kubrick tuvo que buscar su propia manera de emplearlo Sin embargo este metodo dio sus frutos y ya a partir de la pelicula 2001 fue capaz de observar una toma inmediatamente despues de grabarla 117 En algunas cintas por ejemplo Barry Lyndon utilizaba sus propias lentes personalizadas que le permitian comenzar una escena con un primer plano e ir alejando lentamente la camara hasta captar todo el panorama asi como grabar tomas largas cambiando las condiciones luminicas alternando distintos ajustes de la camara Esta habilidad tecnica de Kubrick con las lentes llego a impresionar incluso a los fabricantes que hallaron en el a alguien sin precedentes entre los cineastas 118 Para la pelicula Barry Lyndon Kubrick utilizo unas lentes especiales adaptadas a la alta velocidad inicialmente disenadas para la NASA lo que le permitio grabar numerosas escenas cuya iluminacion provenia exclusivamente de la luz de las velas El actor Steven Berkoff recalco que el director queria escenas de este tipo y que al rodarlas Kubrick realizo una contribucion unica al cine que lo llevaba casi de vuelta a la pintura Era como posar para un retrato 119 LoBrutto ha senalado que diversos directores se han interesado por el tipo de lentes que utilizaba Kubrick lentes que por otro lado le hicieron parecer legendario como camarografo 120 Musica y edicion Editar Gyorgy Ligeti cuya musica utilizo Kubrick para 2001 El resplandor y Eyes Wide Shut Stanley Kubrick pasaba largas horas editando a menudo trabajando los siete dias de la semana y cada vez mas horas a medida que se acercaban los plazos de entrega 121 Para Kubrick el guion era un elemento que habia que contrastar con la puesta en escena la musica y especialmente la postproduccion Inspirado por el tratado de Pudovkin Kubrick se percato de que era posible rodar una pelicula en el plato y luego re dirigirla A proposito de esto expreso Me encanta la edicion Creo que me gusta mas que cualquier otra fase del proceso La edicion es la unica parte del cine que no se parece a ninguna de las otras artes y es un punto tan importante que no se puede subestimar puede hacer o deshacer una pelicula 121 El biografo John Baxter incluso ha senalado que en lugar de buscar la columna vertebral de una pelicula en el guion antes de empezar a rodar Kubrick empezaba a saber lo que buscaba en la version final al grabar cada escena desde muchos angulos distintos y exigiendo distintas tomas de cada linea de guion Luego el organizaba y reorganizaba miles de fragmentos para que se ajustaran a una determinada version que solo empezaba a emerger en la edicion 122 Otro de los rasgos que han destacado el perfeccionismo de Kubrick ha sido la musica y su atencion a los detalles mas nimios Su esposa Christiane Harlan atribuyo esto a cierta adiccion a la musica En sus ultimas seis peliculas Stanley Kubrick elegia musica ya compuesta especialmente composiciones clasicas Preferia musica ya grabada en lugar de musica especifica para cada pelicula bajo la creencia de que un compositor contratado no podria tener una repercusion tan efectiva como el de los compositores clasicos ya conocidos por el publico Ademas sostenia que componer escenas a partir de grandes piezas contribuia a crear grandes escenas para las mejores peliculas 123 En una ocasion para una escena de Barry Lyndon Kubrick estuvo cuarenta y dos dias trabajando en la edicion En ese tiempo escucho todas las grabaciones disponibles de musica de los siglos XVII y XVIII adquiriendo ademas miles de grabaciones para encontrar la version exacta de la Zarabanda de Handel que buscaba 124 A su vez Jack Nicholson destaco la atencion que Kubrick prestaba a la musica de sus peliculas senalando que el director escuchaba musica constantemente hasta que encontraba algo que el sentia que le emocionada de la manera adecuada 84 Se le atribuye a Kubrick el haber introducido al compositor hungaro Gyorgy Ligeti a una amplia audiencia occidental incluyendo su musica en 2001 El resplandor y Eyes wide shut Segun Baxter la musica en 2001 era uno de los aspectos fundamentales para Kubrick cuando concibio la pelicula 125 Durante las primeras proyecciones Kubrick probo a utilizar musica de Mendelssohn concretamente habria hecho sonar el scherzo de El sueno de una noche de verano aunque tambien habria escuchado junto con Clarke musica de Vaughan Williams e incluso Carmina Burana de Carl Orff Sin embargo al final Kubrick se decanto por El Danubio azul de Johann Strauss tras haber escuchado la pieza 126 La musica de Ligeti utilizaba un nuevo estilo con micropolifonias basada en acordes disonantes que cambiaban lentamente Su presentacion en la pelicula fue tambien una forma de dar a conocer a Ligeti al gran publico al haberlo puesto junto a otros clasicos como Richard Strauss o Johann Strauss 127 Ademas de Ligeti Kubrick tambien colaboro con la compositora Wendy Carlos cuyo album de 1968 Switched On Bach en el que se reinterpretaba musica barroca utilizando sintetizadores moog desperto su interes En 1971 Carlos compuso y grabo musica para la banda sonora de La naranja mecanica Ademas las pistas que finalmente no se utilizaron en la pelicula fueron publicadas un ano despues en un album aparte llamado Wendy Carlos s Clockwork Orange Kubrick volvio a colaborar con Carlos en El resplandor en 1980 Para la introduccion de esta obra en la que la camara sigue el vehiculo de Jack Torrance a traves de las montanas hasta el Hotel Overlook Kubrick utiliza la interpretacion del Dies irae de la Sinfonia fantastica de Hector Berlioz realizada por la misma Wendy Carlos 128 Legado EditarKubrick fue uno de los directores mas influyentes en la historia del cine 129 130 Su influencia en el cine contemporaneo es enorme y dificil de definir en su real dimension No solo por la gran cantidad de libros dedicados a su persona y a su trabajo las compilaciones que lo situan entre los mas importantes de la historia asi como documentales televisivos sobre su vida y ensayos publicados en diversos medios de comunicacion sino tambien por los logros filmicos que alcanzo en vida y el aporte que realizo al statu quo de rol del director dentro la industria cinematografica Kubrick lucho y logro el tan ansiado control total sobre sus peliculas con el fin de que su vision filmica no se viera afectada mas que por lo que el entendia como coherencia artistica Sin estudios formales de cine participo en cada etapa de la produccion de una cinta aprendiendo las tecnicas y el oficio llegando a aportar innovadores procedimientos tecnicos efectos especiales sistema de filmacion nuevas camaras focos luces y lentes y narrativos que le permitieron a la industria en general avanzar varios anos Otro apartado donde fue decisivo fue en el empleo de la banda sonora en las cintas que dirigio anticipandose a varias tendencias incorporando tanto la enciclopedica revision de la musica perteneciente a la epoca en la que se ambientaba la pelicula de turno asi como tambien emplear los aportes de la electronica cuando esta se aplicaba mayormente en el campo experimental Kubrick revoluciono la forma en la que la musica y el sonido interactuan complementan y unifican las imagenes Su pelicula 2001 A Space Odyssey es su pelicula mas influyente en cuanto a la banda sonora de las peliculas 131 y aunque la mayoria de las obras musicales no fueron creadas para la pelicula sino que el director las eligio con el fin de dar el enfasis que cada escena necesitaba algo que inspiro a varias peliculas que han sido creadas en los ultimos anos Sus peliculas no dejaban de incorporar sus propios intereses intelectuales y la reflexiones sobre el hombre y su lucha constante con su entorno ya sea fisico social psicologico o metafisico Su observacion del ser humano siempre guardaba una distancia prudente que en vez de frialdad como lo tachaban algunos criticos podria mas bien leerse un verdadero interes y abierta curiosidad por entender el proceder del personaje como pieza dentro de un engranaje mas complejo que lo puramente cultural El busca aquellos codigos dentro de cada ser humano que lo empujan a accionar de una manera en particular tanto en la intimidad como en la odiseas titanicas que modifican el curso la historia Creando en el proceso imagenes tan sobresalientes y atemporales que se han convertido en parte de la cultura popular Un tema final podria ser su obsesion con los detalles y la calidad del producto Pocos directores hicieron de esto un tema mayor entender el filme como acto de aprendizaje extremo del entorno del personaje sobre la base de una solida investigacion que llevo junto a su perfeccionismo a dilatar sus rodajes y aumentar el aura mitica que proyectaba en la prensa Otro aspecto curioso de su modo de trabajar era su negativa a mostrar los metrajes de sus peliculas que descartaba En Stanley Kubrick A Life in a Picture se cuenta como el director guardaba todo material en un cuarto de su casa apilando horas y horas de metraje no usado Kubrick tenia armado un salon de edicion en su casa Su cunado lo ayudaba a quemar todo este material Es por esta razon por la que no se conoce escenas extras en las ediciones de DVD Ademas Kubrick inspiro a directores como Martin Scorsese Steven Spielberg James Cameron Woody Allen Terry Gilliam los Hermanos Coen Ridley Scott Christopher Nolan y George A Romero Incluso Orson Welles comento Entre los que yo llamaria la generacion joven Kubrick me parece un gigante 132 Debido al impacto que logro tener Kubrick en el cine y principalmente en el Siglo XX la gente pide conocer mas de el y de sus obras Desde el ano 2004 una exposicion suya creada por Hans Peter Reichmann se ha estado presentado en lugares como Paris Monterrey Berlin Toronto Los Angeles y Francfort 133 El recorrido lleva al espectador a ambientarse en los filmes y a conocer un poco mas sobre el director estadounidense Aqui nos presentan una coleccion de sus obras entre lo que vemos hay guiones vestuarios camaras lentes fotografias y diferentes piezas emblematicas 134 Filmografia EditarArticulo principal Anexo Filmografia de Stanley Kubrick 1951 Day of the Fight 2 cortometraje documental 1951 Flying Padre 3 documental de nueve minutos 1953 Fear and Desire 1953 The Seafarers documental de treinta minutos 1955 Killer s Kiss El beso del asesino 1956 The Killing Atraco perfecto 135 1957 Paths of Glory Senderos de gloria 5 1960 Spartacus Espartaco fue su primera pelicula de alto presupuesto 6 1962 Lolita 7 1964 Dr Strangelove Telefono rojo volamos hacia Moscu 9 1968 2001 A Space Odyssey 2001 Una odisea del espacio 10 1971 Clockwork Orange La naranja mecanica 12 1975 Barry Lyndon 1980 The Shining El resplandor 1987 Full Metal Jacket La chaqueta metalica 1999 Eyes Wide ShutClasificacion EditarSe pueden apreciar en la obra de Kubrick dos etapas bien diferenciadas dejando aparte como el mismo quiso sus trabajos tempranos Flying Padre Day of the Fight The Seafarers El beso del asesino y Fear and Desire La Primera Etapa denominada segun el criterio Etapa Clasica Periodo en Blanco y Negro o Etapa de Juventud incluye The Killing Paths of Glory Espartaco Lolita y Dr Strangelove La Segunda Etapa denominada Etapa Renovadora Periodo en Color o Etapa de madurez incluye 2001 A Space Odyssey La naranja mecanica Barry Lyndon El resplandor Full Metal Jacket y Eyes Wide Shut Las etapas se distinguen observando su estructura dramatica mas tradicional en su primera etapa y experimental e innovadora en su segunda etapa o la coloracion del metraje pero a modo de excepcion Espartaco de su primera etapa esta en color aunque no por decision de Kubrick Asi tras el salto temporal de unos cuatro anos que separa Dr Strangelove de 2001 se aprecia un gran cambio en el planteamiento de su obra si bien permanecen ciertos paralelismos argumentales la sexualidad en Lolita y Eyes Wide Shut la dureza de la guerra en Paths of Glory y Full Metal Jacket la ascension social con el fracaso final en Espartaco y Barry Lyndon Recepcion y critica EditarPelicula Rotten Tomatoes Metacritic IMDbTodas TopFear and Desire 83 136 100 136 5 6 137 El beso del asesino 83 138 100 138 6 7 139 The Killing 97 140 100 140 8 0 141 Paths of Glory 94 142 82 142 8 5 143 Espartaco 96 144 83 144 87 7 9 145 Lolita 98 146 100 146 7 7 147 Dr Strangelove 99 148 100 148 97 149 8 5 150 2001 A Space Odyssey 95 151 80 151 82 152 8 3 153 La naranja mecanica 89 154 60 154 80 155 8 4 156 Barry Lyndon 96 157 100 157 89 158 8 1 159 El resplandor 88 160 63 160 66 161 8 4 162 Full Metal Jacket 94 163 87 163 78 164 8 3 165 Eyes Wide Shut 77 166 66 166 68 167 7 3 168 Media 92 86 79 7 8Premios EditarArticulo principal Anexo Premios y nominaciones de Stanley Kubrick Premios oscarAno Categoria Pelicula Resultado1965 169 Mejor pelicula Dr Strangelove NominadoMejor director NominadoMejor guion adaptado Nominado1987 Mejor guion adaptado Full Metal Jacket Nominado 170 1975 Mejor pelicula Barry Lyndon Nominado 171 1975 Mejor director Barry Lyndon Nominado1975 Mejor guion adaptado Barry Lyndon Nominado1971 Mejor pelicula La naranja mecanica Nominado 172 1971 Mejor director La naranja mecanica Nominado1971 Mejor guion adaptado La naranja mecanica Nominado1968 Mejor director 2001 A Space Odyssey Nominado 173 1968 Mejor guion original 2001 A Space Odyssey Nominado1968 Mejores efectos visuales 2001 A Space Odyssey GanadorPremios Globo de OroAno Categoria Pelicula Resultado1975 Mejor pelicula Drama Barry Lyndon Nominado1975 Mejor director Barry Lyndon Nominado1971 Mejor pelicula Drama La naranja mecanica Nominado1971 Mejor director La naranja mecanica Nominado1962 Mejor director Lolita Nominado1961 Mejor pelicula Drama Espartaco Ganador1961 Mejor director Espartaco NominadoPremios BAFTAAno Categoria Pelicula Resultado2000 BAFTA Honorifico Ganador1975 Mejor pelicula Barry Lyndon Nominado1975 Mejor director Barry Lyndon Ganador1971 Mejor pelicula La naranja mecanica Nominado1971 Mejor director La naranja mecanica Nominado1971 Mejor guion adaptado La naranja mecanica Nominado1968 Mejor pelicula 2001 A Space Odyssey Nominado1964 Mejor pelicula Dr Strangelove Ganador1964 Mejor pelicula de cualquier fuente Dr Strangelove Ganador1964 Mejor guion britanico Dr Strangelove Nominado1961 Mejor pelicula de cualquier fuente Espartaco Nominado1957 Mejor pelicula de cualquier fuente Paths of Glory Nominado1956 Mejor pelicula de cualquier fuente The Killing NominadoPremios SaturnAno Categoria Pelicula Resultado1980 Mejor director El resplandor Nominado1980 Mejor pelicula de terror El resplandor NominadoPremios Razzie Editar Ano Categoria Pelicula Resultado1980 Peor director El resplandor NominadoPremios CesarAno Categoria Pelicula Resultado2000 Mejor pelicula extranjera Eyes Wide Shut Nominado1977 Mejor pelicula extranjera Barry Lyndon NominadoPremio BodilAno Categoria Pelicula Resultado2000 Mejor pelicula norteamericana Eyes Wide Shut Nominado1964 Mejor pelicula norteamericana Dr Strangelove GanadorPremio David de DonatelloAno Categoria Pelicula Resultado1988 Mejor produccion extranjera Full Metal Jacket Ganador1988 Luchino Visconti Ganador1988 Mejor pelicula extranjera Full Metal Jacket Nominado1988 Mejor director extranjero Full Metal Jacket Nominado1977 Premio David Europeo Barry Lyndon Ganador1969 Mejor produccion extranjera 2001 A Space Odyssey GanadorFestival Internacional de Cine de MoscuAno Categoria Pelicula Resultado1968 Mejor pelicula 2001 A Space Odyssey Nominado1968 Mejor director 2001 A Space Odyssey NominadoFestival de VeneciaAno Categoria Pelicula Resultado1999 Premio Bastone Bianco Eyes Wide Shut Ganador1997 Leon de Oro Honorifico Ganador1962 Leon de oro Lolita NominadoChicago Film Critics AssociationAno Categoria Pelicula Resultado2000 Mejor pelicula Eyes Wide Shut Nominado2000 Mejor director Eyes Wide Shut Nominado2000 Mejor fotografia Eyes Wide Shut NominadoNew York Film Critics CircleAno Categoria Pelicula Resultado1975 Mejor pelicula Barry Lyndon Nominado1975 Mejor director Barry Lyndon Nominado1971 Mejor pelicula La naranja mecanica Ganador1971 Mejor director La naranja mecanica Ganador1964 Mejor pelicula Dr Strangelove Nominado1964 Mejor director Dr Strangelove Ganador1964 Mejor guion Dr Strangelove NominadoFestival de Cine de SitgesAno Categoria Pelicula Resultado2008 Gran Premio Honorifico GanadorOtros reconocimientos y galardones Editar Ano Categoria Premio 174 Pelicula Resultado2000 Lifetime Achievement Award Directors Guild of Great Britain Por su trayectoria Ganador2000 Critics Award French Syndicate of Cinema Critics Por su trayectoria Ganador1997 D W Griffith Lifetime Achievement Award Directors Guild of America Awards Por su trayectoria Ganador1975 Mejor director National Board of Review Barry Lyndon Ganador1959 Mejor director Festival Internacional de Cine de Locarno El beso del asesino GanadorReferencias Editar Dirks Tim Greatest Film Directors and Their Best Films en ingles Filmsite Consultado el 15 de mayo de 2010 a b Watch Stanley Kubrick first film 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español

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