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Historia de la escultura

Marcha 05, 2022

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La historia de la escultura es una parte de la historia del arte que estudia la evolución de la escultura, desde sus principios teniendo en cuenta las diferentes culturas del mundo y los períodos históricos que suelen coincidir con los de la propia historia del arte. A lo largo del tiempo, muchas de sus formas y herramientas utilizadas siguen siendo las mismas o similares.[1]​

El David de Miguel Ángel es una de las principales y más importantes esculturas en la historia del arte —sobre todo del Renacimiento. En contraste, la obra está hecha sobre mármol blanco y mide 4.34 metros.

Desde las civilizaciones prehistóricas hasta las actuales, la escultura ha pasado por varias fases funcionales; inicialmente, tenía un uso utilitario y era un método para representar rituales mágicos o religiosos. En ciertos momentos de la historia, debido a la aparición en algunas religiones del aniconismo —por ejemplo, en el cristianismo ortodoxo y en el islam—, la práctica de la escultura se reduce a la realización de adornos sin ninguna representación de imágenes. El rechazo de Moisés del culto al becerro de oro, que cita la Biblia, fue seguramente un acontecimiento decisivo en una parte de la historia de la escultura, ya que promovió la práctica según la cual había que evitar la existencia de imágenes sagradas o de personas religiosamente relevantes, así, permaneció restringido entre los judíos y en las religiones que han derivado. Iniciativas como ésta surgieron también en los inicios del cristianismo y del budismo, sin embargo y con el paso del tiempo, en ambas religiones se revirtió esta tendencia y la escultura alcanzó una gran relevancia, sobre todo en el budismo. Sin embargo, algunos sectores se sigue practicando la iconoclastia, como lo demuestra la destrucción de los Budas de Bāmiyān por parte de los talibanes en 2001.[2]​

Los escultores medievales y renacentistas trabajaban en colaboración con otros artesanos y solían tener grandes talleres, en estos locales podían trabajar muchos ayudantes y oficiales, y el maestro escultor era el encargado de la finalización de las obras. Por otra parte, detrás del arte han existido grandes mecenas, el patronazgo de los cuales, en algunos casos, se prolongaba durante toda su vida. Más recientemente, a partir del siglo XIX, los escultores dependen normalmente de las galerías de arte públicas y privadas donde se exponen las obras de cara a su venta, ya que los encargos para proyectos civiles son relativamente poco habituales.

La representación de la figura humana ha sido uno de los temas principales hasta el siglo XX.[3]​ Con la aparición de nuevos materiales artificiales y herramientas mecanizadas, así como con el desarrollo de los medios de comunicación, la evolución de los estilos se aceleró y, por tanto, diversificó. Los comienzos del arte experimental que dio lugar a la abstracción llegó a ser una práctica escultórica dominante durante al menos cincuenta años, después de que la tradición figurativa se impuso durante siglos. La tradición escultórica fue cuestionada tanto en el contexto mercantil como en el diseño industrial, el cambio que ocasionó tanto a nivel social como a nivel político y filosófico en el período vivido entre las dos guerras mundiales permitió que el arte abstracto, a partir de 1945, se concentrara en la expresión de las cualidades físicas de los materiales y en la búsqueda de la sensación visual.[4]​

Historiografía

Los primeros tratados sobre técnicas de escultura pertenecen a los artistas griegos y datan del siglo V a. C.. El más conocido es el Canon de Policleto, obra en la que el escultor expone las innovaciones que él mismo llevó a la práctica, como la posición del contrapposto. Según Plinio el viejo, sus indicaciones fueron adoptadas como leyes por otros artistas. Alberto Durero, durante sus últimos años de vida, se dedicó a recopilar estudios teóricos que había hecho sobre el canon humano al Tratado de las proporciones del cuerpo, editado póstumamente en 1528.[5]​ Leon Battista Alberti, que se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas —tanto teóricas como prácticas— capaces de orientar el trabajo de los artistas, llama en sus obras algunos cánones como, por ejemplo, en De statua, en la que expone las proporciones del cuerpo humano.[6]​

La Naturalis Historia de Plinio el viejo, los Mirabila de Pasiteles, datado del siglo I a. C., y otras obras contribuyeron a difundir las teorías histórico-críticas de los filósofos griegos que en el período helenístico establecían que el escultor Fidias representaba la «cima de su pasado artístico». Pensadores romanos como Cicerón y Quintiliano formularon observaciones críticas de interés sobre la escultura y la pintura pero, en conjunto, la aportación de la antigua Roma en la historiografía del arte reside en la descripción de las obras y la transmisión de las noticias y los conocimientos según los precedentes griegos perdidos. Durante la baja Edad Media, los artistas comenzaron a firmar las obras e, incluso, algunos de ellos adoptaron la idea de añadir autorretratos en sus obras, como el escultor Arnau Cadell al monasterio de Sant Cugat (c. 1190); debido a la falta de contratos, estas firmas son uno de los datos más importantes que tiene la historiografía de la escultura románica.[7]​

Durante el Quattrocento florentino se formuló una teoría y una historiografía de acuerdo con la nueva práctica y mentalidad artística. El género de las «biografías de artistas», olvidado desde la antigüedad clásica —puesto que este género fue iniciado en el siglo IV a. C. por Duris de Samos— volvió a ser cultivado: Cennino Cennini con su Libro dell'Arte y los Comentarii de Lorenzo Ghiberti son el testimonio más elocuente de la profunda renovación que el Renacimiento llevó en el plano de la literatura artística. Sin embargo, las obras de Donatello, Andrea del Verrocchio y Jacopo della Quercia demarcon el ague de este panorama artístico. En esta época es cuando se dio prácticamente la liberación de la escultura del marco arquitectónico, los relieves se realizaron con las reglas de la perspectiva y se mostraban a los personajes con expresiones de dramatismo que llevaban a la sensación de gran terribilità en los sentimientos expuestos en las esculturas. Durante el Cinquecento, Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y el propio Miguel Ángel continuaron esta tradición teórica con sus escritos y tratados; este período se caracterizó debido al parcial gusto por la grandiosidad monumental y por una influencia más «manierista». Le Vite (1550) de Giorgio Vasari constituye una obra fundamental que ejerció una enorme influencia en toda la historiografía del arte que se desarrolló posteriormente.[8]​

En el mundo griego se inició la investigación arqueológica con las excavaciones de Heinrich Schliemann entre 1868 y 1874, gracias a las cuales se descubrieron Ítaca, Troya y Micenas. Schliemann también dio nombre a la Máscara de Agamenón:

He descubierto las tumbas, que, según la tradición, corresponden a Agamenón, Casandra, Eurimedonte y sus compañeros, asesinados durante el famoso banquete para Clitemnestra y su amante Egisto.
—Heinrich Schliemann. Necrópolis de Micenas.

Pasado el tiempo, se sabe que estas tumbas pertenecen a siglos anteriores a los hechos narrados por Homero, que Schliemann tomó como guía para su trabajo. En el siglo XX fue Arthur Evans con la excavación de Cnossos quien estableció una cronología para la cultura minoica. Con todo esto y nuevas excavaciones, van cambiando las denominaciones: ya no se habla de la cultura cretense, sino de la minoica, y no del arte micénico, sino del heládico.[9]​

El libro El arte griego (1972) de Kostas Papaioannou niega que el período arcaico sea una etapa inferior y previa al proceso de la estatuaria griega en sí con tal de dar origen a una segunda etapa, según dice, la etapa del arcaísmo fue la de «presentar la realidad» y no «representarla como una copia de la realidad». Así, las figuras arcaicas de los kouroi no son atletas retratados y reproducidos de individuos concretos sino creaciones artísticas que se pueden interpretar como signos culturales y, por tanto, históricos.[10]​ Según Erwin Panofsky, el estudio concreto de las obras de arte debería constar de tres análisis: primero un análisis preiconográfico, en la que se sitúe el período y el estilo, según sus formas, en términos descriptivos; en segundo lugar, un análisis iconográfico, en la que se analicen los elementos que acompañan la obra, sus diferentes atributos o características, en relación a su función simbólica y, por último; un análisis iconológico, en la que se estudie su significado conceptual o ideológico en el contexto cultural de su época.[11]​[12]​

Escultura prehistórica

 
Vista frontal y lateral de la dama de Brassempouy en marfil.

El arte prehistórico se remonta al Paleolítico inferior, cuando el hombre cortaba el sílex golpeando el mismo contra otra piedra. De esta manera se conseguía el bifaz, una herramienta con punta y corte que utilizaban para defenderse y para descuartizar y aprovechar la carne de los animales, hacia el año 1800 aparece la primera representación de un bifaz, en una publicación inglesa de la mano de John Frere.[13]​ La mayoría de estatuillas de la edad de piedra fueron hechas de marfil o piedra blanda, sin embargo, han sido encontradas figuras de masa con forma humana y animal. Posteriormente usaron el grabado, el relieve en piedra y en huesos de animales. Aparecen representadas las primeras figuras humanas femeninas de piedra, que muestran una gran exuberancia en una exaltación a la fertilidad; hay ejemplos de entre 27.000 y 32.000 años de antigüedad.[14]​ Estas figuras se conocen con el nombre genérico de «Venus», y entre todas las que nos han llegado cabe destacar la Venus de Willendorf (24.000-22.000 a. C.) de la zona de Willendorf, la de Brassempouy y la de Lespugue.[14]​

Durante la cultura Magdaleniense se utilizaron bastones perforados y propulsores.[n. 1]​ Durante el Paleolítico superior, los ejemplos más abundantes son tallas u objetos grabados. Evolucionaron desde una fase más primitiva, con decoraciones esquemáticas, hasta llegar a la representación de figuras de animales que se adaptaban a la estructura del hueso.[15]​ En el análisis de este tipo de piezas realizado por Serguei A. Semenov se apreciaron incisiones realizadas con cuchillos de sílex y con alguna especie de buril que permitía hacer muescas, realizar determinados detalles y eliminar el material sobrante.[16]​

La arcilla también fue un material utilizado ya en la prehistoria. Se cree que el descubrimiento del proceso de cocción y endurecimiento del barro fue casual, probablemente durante el uso de algún utensilio de barro en contacto con el fuego. Las primeras piezas escultóricas que se conocen proceden de Egipto, China, India y Oriente Medio, lugares donde hacia el 4000 a. C. ya existían hornos para fabricar objetos de barro.[17]​ Más o menos por estas fechas se descubrió la fundición de los metales. Uno de los avances más importantes en la historia de la escultura fue el poder trabajar el metal —primero el bronce y después el hierro—, que sirvió para fabricar herramientas más eficientes y, además, obtener un nuevo material para realizar obras escultóricas. Las herramientas de metal permitieron mejorar la precisión y reducir el tiempo en el proceso de elaboración de las tallas, tanto de madera como de piedra. El trabajo realizado primero en arcilla y luego mediante vaciado en bronce ya se conocía en las antiguas civilizaciones griegas y romanas, y es el sistema que actualmente, en el siglo XXI, todavía se utiliza.[1]​ (Para más detalles véase el Fundición a la cera perdida).

A partir del siglo V a. C., en el último período de la Edad del Hierro, los celtas desarrollaron la cultura de La Tène, propagándose por toda Europa; la misma representó una evolución del arte conseguido durante la cultura de Hallstatt. En la decoración de todos sus objetos, espadas, escudos, broches y diademas, representaron motivos de animales, plantas y figuras humanas. A partir del siglo III a. C. acuñan las primeras monedas siguiendo los modelos helénicos, así como obras figurativas como el «Dios de Bouray», realizado en chapa de cobre repujada.[18]​

Edad Antigua

 
Estatua de veneración a un perro, proveniente de la torre sudeste de la Apadana, de Persépolis. La obra se caracteriza por tener un acabado y detalle excelso, remarcando cada aspecto del ser en un cuerpo escultórico.

La escultura sumeria, pionera de la Edad antigua, evita el desnudo, ya que se rige por convencionalismo social de no representar los individuos de manera uniforme, por las vestimentas se podía conocer el rango del personaje como también la jerarquía a la que pertenecía. En los grandes relieves se observa el uso del desnudo, pero solo para representar a los vencidos. Se han encontrado una gran variedad de esculturas —algunas del propio rey— de la época de Gudea, del 2144 a. C. al 2124 a. C. Sin llegar a considerarse dentro de la técnica del retrato, todas presentan unos rasgos comunes y muestran el nivel social mediante el turbante que les cubre la cabeza.[19]​ Debido a la escasez de canteras, la escultura de Mesopotamia se realizó fundamentalmente con arcilla, tal y como apuntan las excavaciones de Ur (4000 a. C.); en donde se han encontrado numerosas pequeñas estatuas hechas con este material. Los sumerios desarrollaron y difundieron a otras civilizaciones el uso del ladrillo grabado con un relieve y posteriormente esmaltado. Algunos ejemplos bien representativos son los relieves que adornan los palacios, las superficies sepulcrales persas del palacio de Persépolis y el Friso de los arqueros, así como una obra en ladrillo esmaltado que se encuentra en el Palacio Real de Susa (404-359 a. C.).[20]​

 
La obra conocida como Victoria alada de Samotracia, se cree que fue mandada esculpir por Demetrio Poliorcetes para conmemorar su triunfo naval en Salamina sobre la flota de Ptolomeo Sóter en el año 306 a. C., las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico de la escuela escultórica rodia, una de las más barrocas del helenismo; y fiel característica de un avance hacia el clasicismo de la escultórica griega.

En el Antiguo Egipto se emplearon materiales duraderos como la piedra. A esta civilización la caracteriza la jerarquía social establecida y una fuerte creencia religiosa en la otra vida. Como resultado, organizaron de una manera muy profesional la explotación de canteras y llegaron a realizar unas esculturas altamente perfeccionadas que permanecieron inalteradas durante muchos siglos. La escultura tallada dependía mucho del bloque cúbico del que podían disponer.[21]​ En sus obras, en general, representaron las divinidades mitológicas, los faraones y de otros personajes importantes, también realizaron, sin embargo, pequeñas piezas de figuras en las que quedaban reflejados los trabajos domésticos. Muchas de estas obras se colocaban en las cámaras sepulcrales. Las estatuas que representaban a los faraones se realizaban siempre de pie, con los brazos pegados al cuerpo o apoyados en las rodillas si estaban sentados. Cuando la representación era con la familia, los dos esposos solían estar cogidos de las manos. Otros personajes muy representados eran los «escribas» que, en la mayoría de los casos, aparecían sentados en el suelo con las piernas cruzadas y con los brazos un poco separados del cuerpo, mostrando en su composición una perfecta simetría.[22]​ A pesar de ello, algunas obras se caracterizaron por poseer ciertos grados de flojedad y redondez que hacía parecer una «signatura»; claro ejemplo de influencia asiria, pero también de originalidad, puesto que en la escultura egipcia tardía, las mayoría de las obras pertenecientes a esta época reflejaron el predominio de la actitud general del cuerpo como un modo de expresión, la desnudez del busto, los anchos collares extendidos sobre el cuerpo, la disposición de los cuadros del hombre, el talle y la forma de acomodar el cuerpo de manera vertical y sin despegar las manos de las cinturas.

Del arte púnico y grecopúnico se conservan multitud de estatuas, en general femeninas, y bustos de barro cocido, en conjunto con una diversidad de amuletos de marfil y de metal que se descubrieron en las necrópolis de Ibiza y Formentera. Se calcula que las más antiguas son obras del siglo VIII a. C., y que su fabricación tuvo continuidad hasta muy avanzada la dominación romana. Los íberos fueron un conjunto de pueblos que habitaron la costa oriental de la península ibérica como mínimo desde el siglo VI a. C. La escultura íbera fue una de las mejores manifestaciones artísticas de su cultura. Las obras encontradas, de piedra y bronce, provienen de tres grandes áreas: de Andalucía, del centro de la península ibérica y de la zona del Levante. En esta última se han descubierto las muestras más sobresalientes de arte ibérico en piedra, que actualmente forman parte de la colección de museos, como el famoso busto de la Dama de Elche, de inspiración griega, encontrado en la población de su nombre y que se expone en el Museo Arqueológico Nacional de España, ubicado en Madrid.[23]​ La escultura antigua se encargó de fijar los detalles arquitectónicos expandiendo el detalle de la escultura a las temáticas de decoración para edificios, estableciéndose en este período las órdenes arquitectónicas que redefinirían la concepción del templo y llevando consigo una reforma de la dimensión monumental. Los materiales utilizados en ese entonces fueron desde la terracota hasta el estuco, optando por colores vivos a la hora de la decoración; tal y como las esfinges, sirenas, chacales, entre otros.[24]​ Llegando a aplicarse soluciones similares en construcciones civiles.[25]​

La estatuaria arcaica griega fue principalmente religiosa. Los templos se decoraban con imágenes de los dioses, de sus hazañas y batallas, y las figuras se alejan del realismo. Las korai o kuroi no son retratos de personas concretas; a los rostros se les añadía una sonrisa «ficticia», un gesto facial conocido en el mundo del arte como «sonrisa arcaica». El Jinete de Dipilón, una muestra simple de la modelación geométrica arcaica, perteneció a una estatua colosal (solo él mide 0,44 metros), está realizado en mármol de Paros y data del siglo VI a. C. El Jinete Rampin (c. 560 a. C.) es una obra de unos años posteriores, es de tamaño natural y presenta un tratamiento mucho más cercano al naturalismo.[26]​ Son diversos los nombres registrados en la literatura antigua de los escultores del período arcaico. Datando del siglo VI a. C., los citados son Butades, siendo el primero en usar la terracota para forjar sus obras, un arte que sería perfeccionado por los etruscos por Diopos y Eugramos. Reco y su hijo Teodoro de Samos fueron acreditados por Pausanias como los inventores de la fundición del bronce, contradiciendo las fuentes modernas; en las que consideran a Glauco como el que mejoró e innovó la técnica de la soldadura[27]​ y de ser Arquemo el primero en representar a Victoria y Eros.[28]​ En un pasaje del siglo VI y V a. C. se vuelve importante la Escuela de Argos, con Agéladas como uno de sus exponentes, renombrado por realizar estatuas de atletas y ser el maestro de escultores como Fidias, Policleto y Mirón.[29]​ En esta época también aparecen otros artistas de renombre como Antenor, a quien se le atribuye Tiranicidas y una koré preservada en Atenas.[30]​

El estilo arcaico se expandió por todo el mediterráneo e inspiró a la formación de un estilo natural para la propia cultura etrusca. China, Chipre y algunas regiones de Asia Menor se adaptaron a las producciones artísticas y escultóricas pertenecientes a la propia Grecia; creando un mercado rico que mejoraría su economía. En la península de Ítaca, abundan creaciones artísticas con terracota, usadas como decoraciones arquitectónicas.[31]​ De hecho, Persia incorporó, hacia el siglo IV a. C., innovaciones de estilo con trazos griegos.[32]​ El helenismo, con su historicismo y eclecticismo, dieron lugar a un resurgimiento de tradiciones escultóricas antiguas, mismas que sirvieron para forman pequeñas escuelas de escultura arcaica para un público selecto, que incluía coleccionistas romanos, dentro de los que destaca mencionar al emperador Augusto.[33]​

Antigüedad clásica

Grecia

Artículos principales: Escultura griega, Estilo severo, Escultura griega clásica y Escultura helenística.

Se suele fijar el período clásico de la Antigua Grecia hacia el siglo V a. C., entre el período arcaico y el período helenístico. Se ha dicho que la escultura griega alcanzó un elevado grado de perfección, calidad que venía impulsada por la búsqueda de una mejor expresión de la belleza de la figura humana, llegando a establecer un determinado canon y unas proporciones consideradas «perfectas». Desgraciadamente, el Auriga de Delfos, la pareja de los Bronces de Riace y el Dios del cabo Artemisio forman parte de las pocas esculturas griegas en bronce que se conservan completas.[34]​ Tanto el escultor Policleto como Fidias y Mirón son considerados los padres del estilo clásico griego. Uno de los artistas más significativos del periodo clásico, con su magnífico Hermes con el niño Dioniso, fue Praxíteles, el cual era de la misma época que Lisipo y Escopas de Paros. Durante el período helénico observa que en la creación de esculturas hay una clara intención de intensificar el movimiento y acentuar las emociones, el mejor ejemplo es el conjunto escultórico de Laocoonte y sus hijos.[35]​

Desde el período Severo los artistas se esforzaron por la obtención de una verosimilitud en las formas escultóricas con relación al modelo vivo; procurando esa transición con tal de mantener y poder expresar las virtudes internas. Para los griegos antiguos la belleza física estaba identificada con la propia perfección moral, bajo un concepto denominado kalokagathia. Una importante contribución a esta rama fue hecha por el propio Pitágoras quien incluyó sus conocimientos matemáticos al campo de la música y la psicología; que posteriormente se aplicarían al propio arte con la inducción de «estados psicológicos y comportamientos definidos»; tiempo después influenciando al propio Platón que aplicaría esto en la estética.[36]​ Años más tarde, esta importancia por la verosimilitud comenzaría a ser un tema de mayor relevancia puesto que los escultores griegos buscarían un mayor control por el acabado de los detalles y el interés de estos artistas ya no solo residió en la expresión total del cuerpo; sino que se extendió a la representación única e interesante de la indumentaria que estos tenían, con tal de recalcar el cuerpo y describir los efectos del viento con mayor fluidez y ritmo, de modo que recurrieron al uso de materiales plásticos para obtener mejores efectos de luz y sombra. Platón reafirmaría el sentido de la belleza y la virtud, al ser localizados en los sentidos físicos, evitando atribuir al escultor la capacidad de retratar la naturaleza con absoluta fidelidad, tal y como Galeno apuntaba:

No reside en la simetría de los elementos del cuerpo, pero sí en la proporción adecuada de las partes, como por ejemplo el de un dedo con el otro dedos, ambos dedos en conjunto para las manos y el pulso, estos para el antebrazo, de ahí el brazo, y el todo con el todo, así como lo especifica el canon de Policleto. Después de haber enseñado en este tratado todas las especificaciones de simetría del cuerpo, Policleto ratificó su texto como una obra, teniendo de hecho la estatua de un hombre de acuerdo a los postulados de su propio tratado, llamando en sí a la estatua, al igual que al tratado, Canon. Desde entonces todos los filósofos y doctores afirman que la belleza reside en la proporción de las partes del cuerpo.[37]​

Se podría pensar que las aportaciones de Platón pudieron resultar negativas para la propia escultura, pero no lo fue así. Desde siempre los griegos tuvieron conciencia de la imposibilidad de visualización de los dioses en su forma divina, por lo que deberían aceptar la representación de su forma parcial e incompleta. De hecho, la ambientación con árboles, piedras y otros lugares pueden ser consideradas como espectáculos de los propios dioses. La enfatización por el naturalismo en estas estatuas provocaron interesantes consecuencias. No era interesante que se reflejaran aspectos relevante como el amor o la pasión, porque incluso muchas esculturas representaran temas eróticos o sexuales. De cualquier forma la presencia de la escultura clásica fue determinante; las objeciones contra el legado del elitismo y el dogmatismo estético e ideológico que recibieron de forma creciente en tiempos recientes contribuyen para evidenciar su destacada posición y confirmar que es una fuerza activa en el centenario cultura moderno. La escultura griega se expandió por los pueblos griegos del Mediterráneo y el Mar Negro gracias a las conquistas de Alejandro Magno, dejando como legado el hecho de representar la estética, belleza y el valor del hombre por medio de modelos y prototipos ideales que, «son merecederos de aplausos y respeto», puesto que con el tiempo terminaron por inspirar obras de épocas más tardías.[38]​

Los pintores y escultores, escogieron entre las bellezas más elegantes del mundo natural, perfeccionaron la idea, e incluso sus trabajos superaron y se mantuvieron por encima de los estándares de la naturaleza [...] Esto originó la veneración y el asombro que hoy en día tenemos por los hombres y el respeto por las estatuas y pinturas, y dio como recompensa gran honra a los artistas; de ahí donde emana la gloria de Timantes, Apeles, Fidias y Lisipo, y de muchos otros renombrados por la fama, todos los que, se elevaron encima de formas humanas, y consiguieron con sus ideas y formas una representación admirable. Esta idea puede nombrarse, en sí, perfección de la naturaleza, milagro del arte, clarividencia del intelecto, ejemplo de mente, luz de imaginación, el sol naciente, que desde el este inspira a la estatua de Mirón, e inflama el dichoso monumento de Prometeo.

Entre los usos de la escultura estaba la realización de monumentos funerarios, que en general comparten las características de la escultura decorativa de los templos y edificios públicos. La tradición de la construcción de monumentos a los muertos existía desde la época arcaica, puesto que los kurós cumplían esta función. Se ha creído siempre que estos monumentos eran prerrogativa de personajes ricos. Sin embargo, este arte también se limitaba a los objetos decorativos y pequeñas estatuillas de consumo popular, representando actores especialmente cómicos, animales y tipos de personas comunes del pueblo, pero por lo general, sin mucho refinamiento técnico y que repetían toscamente los principios formales de la escultura de gran tamaño.

Escultura de la Antigüedad clásica
 
Auriga de Delfos, hecha para conmemorar la victoria del tirano Polyzalos de Gela en la carrera de cuádrigas de los Juegos Píticos.
 
Los Bronces de Riace, conocidos también como Los Guerreros de Riace, son una pareja de estatuas griegas del siglo V a. C.
 
El dios del cabo Artemisio es una estatua griega de bronce, perteneciente al llamado estilo severo.
 
Hermes con el niño Dioniso es una escultura griega de mármol con una altura de 213 centímetros que se atribuye al escultor Praxíteles.
 
La obra de Laocoonte y sus hijos es de un tamaño algo mayor al natural, de 2,45 m de altura y está ejecutado en mármol blanco.
La escultura durante el clasicismo griego ha sido considerado como el punto de mayor esplendor de la propia escultura griega. Durante esta etapa se lograron eclipsar los distintos estilos que anteriormente habían forjado el arte de representar la belleza y la magnificencia del cuerpo humano; con moldes y cánones que representaran un arte perfecto. Estos valores, junto a la ya tradicional asociación de la virtud y la belleza, encontraron en la escultura del período clásico, un importante y descomunal retrato del ser humano, un vínculo allegado de manera especial con la expresión, y del mismo modo; un eficiente instrumento de educación cívica y ética, como también estética.

Cultura etrusca

Artículo principal: Escultura etrusca

La escultura fue una de las expresiones artísticas más importantes del pueblo etrusco, un arte que tuvo su influencia y esplendor gracias a las aportaciones griegas. Desde el surgimiento o adopción de este arte en la cultura etrusca, se caracterizó por la expansión y refinamiento de la metalurgia y por un arte que empleaba a menudo motivos geométricos simples dispuestos en patrones complejos, manifiestándose en la creación de diminutas figuras de animales en bronce, pero no solo reservándose a esto, sino también empleándose el estilo en objeto como arneses para los caballos, cascos, puntas de flechas y lanzas, cántaros, pulseras, collares, así como calderos y sartenes y otros utensilios de utilidad desconocida, junto con recipientes de cerámica de todo tipo: vasijas, jarras y platos.[39]​ La gran demanda que esto produjo, hizo que fuera necesaria la creación de talleres locales en los que se desarrollaban las iconografías del mundo griego oriental, dando como resultado la producción de figurillas antropomorfas, muy estilizadas y esquemáticas pero de gran vivacidad.[40]​

La escultura etrusca evolucionó, con el tiempo, adoptando también uno tono aún más maduro: las tumbas se hicieron más grandes y más complejas, con varias cámaras, pasillos y una gran cubierta abovedada en la parte superior, formada con anillos concéntricos de bloques que avanzaban gradualmente, a veces con una pilastra central que contribuía a sostener la cubierta. Los entierros eran a menudo de lujo, incluyendo una profusión de objetos tanto decorativos como sagrados, los príncipes guerreros, invertían en comprar bienes suntuarios a semejanza de las pompas y tipologías orientales.[41]​ Los motivos decorativos como las hojas de palmera, el loto y el león se volvieron frecuentes, debiendo todo ello la necesidad de satisfacer los deseos de una élite que se había organizado, enriquecido y ennoblecido.[42]​ Con el paso del tiempo, se optó por el uso de materiales alternativos para la construcción de templos u otras obras, mostrando diferentes divisiones en los espacios, en su distribución y diseño y con el uso de muchos detalles decorativos en terracota policromada, como frisos, acroteras, antefijas y placas con escenas narrativas o con motivos ornamentales diversos.[43]​ Cambios similares se produjeron en la construcción de las tumbas, haciéndolas más complejas y mayores, con varias habitaciones decoradas de acuerdo con sus funciones como si fueran casas y decoradas con elementos escultóricos, como pedestales, columnas y capiteles, y relieves de diversos tipos.[44]​

Sin embargo, la escultura etrusca comenzó a entrar en un periodo de decadencia durante la etapa helenística. A pesar de que los sarcófagos y urnas aún continuaban siendo piezas muy decoradas, las esculturas de los muertos reflejaron un carácter aún más esquemático y genérico. La calidad de las obras durante esta etapa empezó a decaer; faltando el detalle y la belleza que tiempo antes había tenido; ejemplos importantes de esta etapa son el frontón de Talamone de Luni o El orador, una estatua en bronce exenta. A diferencia de la escultura proveniente de otras culturas, la etrusca contiene pocos ejemplos de esculturas de piedra caliza suave, alabastro o toba; e incluso el mármol, que es aún más raro de localizar. El marfil, la madera y el bronce también fueron materiales excepcionales para las grandes estatuas, siendo este último el material más privilegiado y el más usado durante los finales de la etapa escultórica helenística de la cultura etrusca; Horacio alababa sus técnicas y su estilo único.[44]​

Imperio romano

Artículo principal: Escultura de la Antigua Roma

En origen derivado de la escultura griega, principalmente a través de la herencia de la escultura etrusca, y luego directamente, por contacto con las colonias de la Magna Grecia y la propia Grecia, durante el periodo helenístico, se desarrolló, teniendo como foco central la metrópolis, entre los siglos VI a. C. y V, el arte escultórico en Roma; pero contradiciendo una creencia antigua y extendida de que los romanos eran solo meros copistas, ahora se reconoce que no solo fueron capaces de asimilar y desarrollar sus fuentes con maestría, sino también aportar una contribución original e importante a esta tradición, visible especialmente en el retrato, género en el que consiguió un gran prestigio y que dejó ejemplos singulares de gran técnica y de alta expresividad, y en la escultura decorativa de los grandes monumentos públicos, donde desarrolló un estilo narrativo de gran fuerza y carácter típicamente romano.[45]​

Durante los últimos siglos del imperio (siglo III al siglo V) se vio el nacimiento de un contexto cultural totalmente nuevo e innovador. A veces esta fase de transformación ha sido vista como una decadencia artística, pero el canon griego fue el resultado de una época y un contexto determinado, y aunque dio forma a los orígenes artísticos de Roma y a gran parte de su trayectoria, los tiempos y el territorio se habían transformado, de modo que el clasicismo estaba empezando a convertirse en una reliquia del pasado y una referencia simbólica o del historicismo en lugar de una realidad viva. Ahora Roma tenía su propia historia, y entraba en un período de intensos intercambios con grandes culturas antiguas del Oriente Próximo, cuyo cuerpo de ideas, religiones, arte y aspiraciones se volvían parte de la cultura romana. Del mismo modo, las numerosas provincias imperiales, que se extendían desde Hispania, Galia y Britania a Persia, Arabia, Cáucaso y Norte de África, desarrollaban estilos sincréticos con sus propias tradiciones locales, creando obras que fueron aceptadas tanto para la visión metropolitana como para la provincial, aunque interpretados de manera diferente para cada lugar.

Sin embargo y a diferencia del arte escultórico en la Antigua Grecia, el prestigio de estatuas paganas continuó en alza hasta el siglo VI, ni siquiera la aparición del cristianismo y el destierro del antiguo culto por Teodosio I en 391 provocó una inmediata destrucción de las imágenes religiosas y decorativas. Prudencio, a finales del siglo IV de nuestra era, también recomendó mantener las estatuas de los ídolos paganos como «ejemplos de la capacidad de los grandes artistas, y cómo espléndido ornato de nuestras ciudades». Con todo, poco después de la política del papado y del imperio cambió, y los monumentos de la antigüedad comenzaron a ser saqueados con el fin de retirar el material para su uso en otras obras mediante el estímulo de una ola asombrosa de iconoclasta por todo el imperio que decretó la desaparición de la gran mayoría de la fabulosa colección de obras de arte acumuladas durante siglos.[46]​ Los romanos fueron los primeros en estar orgullosos de florecer en la sombra de una cultura extranjera. Virgilio en su Eneida, toma las palabras de Anquises donde declara que Roma, aún por nacer, estaría en las artes y las ciencias siempre por debajo de los griegos, pero que la superaría en la guerra y en la administración pública. Sin embargo, esto no pudo impedir que sus escultores desarrollaran algunos rasgos evidentes de originalidad, reconocidos por otros críticos.[47]​ De hecho, como complemento del trabajo de la talla de la piedra o el bronce fundido, el efecto final de la pieza de la escultura era modificado con la adición de policromía en la superficie, una práctica heredada de los griegos y realizada comúnmente.

Un aspecto fundamental de la escultura romana fueron los retratos;[48]​ una contribución que ha madurado mucho antes que en otros tipos de esculturas, dando una total preferencia por el busto y la cabeza, que creó un enorme mercado en toda la cuenca mediterránea. De hecho, la identidad específica del sujeto, establecida por los rasgos particulares de la cabeza, era hasta ese entonces un apéndice simbólico que no podía tomarse en cuenta como parte de la integridad del cuerpo. Puesto que para algunos de los escultores la creación de las cabezas o bustos era la clave principal para la identificación, y esto se insertó como un buen concepto. Asimismo, innumerables estatuas sin cabeza que sobreviven de la antigüedad son similares a los escenarios sin actores, especialmente cuando el cuerpo fue hecho por los ayudantes con anticipación, esperando que la cabeza fuera tallada por el maestro escultor. Algunos de los retratos más importantes fueron los hechos a Marco Aurelio o Constantino el Grande; que datan de la edad de oro de la escultura romana.[49]​[50]​

Retratos romanos
 
Busto de Marco Aurelio.
 
Busto de matrona de la dinastía Flavia, caracterizado por el uso de una técnica de perforación en el peinado.
 
Busto de Augusto portando la corona cívica.
Los retratos de la escultura romana sirvieron a los emperadores como un modo de inmortalizar y refrendar su poder. A menudo, los bustos sobre los que tallaban sus rostros eran apoyados por leyendas; lo que vino a convertirse en una tradición. De hecho, estas máscaras estaban orgullosamente guardadas en el santuario familiar, el lararium, junto con bustos en bronce, terracota o mármol.

Edad Media

 
Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela, del Maestro Mateo, que inicia la transición del hieratismo románico a la sensibilidad del gótico ya en la segunda mitad del siglo XII (1168 - 1188).

Las obras escultóricas más destacadas del Imperio Bizantino son los trabajos ornamentales de los capiteles, con motivos vegetales y animales enfrentados. Hay buenos ejemplos en San Vidal de Rávena o los sarcófagos de la misma ciudad donde están representados temas del Buen Pastor. Se han conservado pocas obras escultóricas exentas: las más numerosas son relieves en marfil aplicados a cofres, dípticos o la célebre Cátedra del obispo Maximiliano, una obra tallada hacia el año 550. Durante el período del arte otoniano lo que se produjeron no fueron obras de grandes dimensiones sino pequeñas esculturas en marfil y bronce en las que se añadían incrustaciones de piedras preciosas. Tal y como destacan las puertas de la iglesia de San Miguel de Hildesheim, hechas de bronce y que es una obra muy relacionada con el arte bizantino y el arte carolingio. Otro material empleado fue la madera, con la que se realizaron imágenes recubiertas de oro que se usaban como relicario, entre ellas, destaca el Crucifijo de Gero de la catedral de Colonia, una obra del siglo X realizada en madera policromada.[51]​

Durante esta etapa, además de la producción arquitectónica (las demás artes plásticas tienen un desarrollo menor al no permitirse la representación de figuras) cubre una amplia variedad de artesanías incluyendo manuscritos ilustrados, textil, cerámica, trabajo en metales y cristal, destacando enormemente las fuertes influencias clásicas y germánicas; obteniendo un arte cristiano, así como el estilo animal y el estilo polícromo. Los edificios se caracterizaron por sus macizos muros y contrafuertes para sostener una robusta bóveda de cañón, basada en el arco de medio punto. Las estructuras son de escasa altura y con pocos vanos, lo que implica una menor entrada de luz, que se intenta compensar con el abocinamiento de las arquivoltas de pórticos y ventanales. Esto añadido al soporte arquitectónico y la profusa decoración escultórica (capiteles, tímpanos), de líneas muy marcadas y colores planos, formas geometrizantes y hieráticas, convertía a los templos en verdaderos evangelios de los iletrados.

Escultura románica

Artículo principal: Escultura románica

El arte románico se expandió por toda Europa entre los siglos XI y XIII. La escultura aplicada a la arquitectura fue tomando una forma más monumental bajo el impulso de una iglesia que en esa época estaba orientada, por un lado, por las directrices de la Orden de Cluny y, por otro, por el incremento de las rutas de peregrinaje, principalmente las de la Catedral de Santiago de Compostela o la abadía de Santa Fe de Concas.[52]​ Varias partes de las iglesias —tímpanos, portadas y capiteles con historias sobre temas bíblicos— eran tratadas por los escultores con un gran realismo. El Maiestas Domini y el Juicio Final fueron los temas iconográficos más representados.[53]​ Dejando de lado los relicarios chapados con metales, el material más empleado fue la madera, que era usada para la elaboración de imágenes de devoción. Las «madres de Dios con el niño» fueron muy representadas por toda Cataluña y por el sur de Francia aunque, en cuanto al valor iconográfico, la imagen más importante del románico fue el Cristo Majestad. Entre los numerosos ejemplos destacan el Cristo que hay en Santa Faz de Lucca, el de la Catedral de Milán, el Cristo de Mijaran y la Majestad de Batlló.[54]​

En tanto, la aplicación escultórica a la arquitectura se ejecutó en la parte delantera de las fachadas, especialmente en las portadas de los templos. Se utilizó el relevo como la mejor técnica para la narración de escenas impresionantes, donde el volumen ayudaba a crear una mayor sensación de realismo que las simples superficies pintadas, retratando escenas como la Visión del Apocalipsis y esculpiendo en cada una el espíritu del concepto de Dios vengativo presente en el Antiguo Testamento, también se llenaron no solo de figuras bíblicas como los evangelistas, apóstoles y ángeles, sino con series de criaturas monstruosas, que ante su visión no olvidaban: demonios y criaturas compuestas de cuerpos desproporcionados y horribles que daban temor de la tortura del infierno.[55]​ La escultura pequeña existía también, pero en número reducido, realizada en marfil o madera, y podía estar cubierta de oro o de plata (crucifijos y pequeñas imágenes). La obra en bronce fue de especial importancia en las piezas litúrgicas, las puertas de las iglesias, pilas bautismales y lápidas de tumbas. Para la parte superior de las tumbas, una nueva tipología se fue extendiendo desde el norte de Francia a mediados del siglo XII: la aplicación de la figura del difunto sobre el ataúd en posición yacente. Una de las primeras tumbas con la efigie del difunto con carácter románico fue la del abad Isarn de la abadía de San Víctor de Marsella.

Escultura gótica

Artículo principal: Escultura gótica

El período entre los siglos XIII y XV fue escenario de un importante desarrollo económico en toda la Europa occidental. Aunque la escultura sigue enmarcada dentro de los grandes edificios religiosos, las formas son mucho más naturales y también se aplica en sepulcros, sillerías del coro y retablos. Las portadas presentan santos o apóstoles con un carácter casi exento, con formas más dinámicas y alargadas, y quedan ubicados bajo doseles que presentan pináculos.[56]​ La puerta de la Catedral de Chartres (1145) es uno de los primeros ejemplos de escultura gótica: están representados animales fabulosos que dan forma a las gárgolas, recurso con el que el artista consiguió un gran efecto plástico.

 
Claro ejemplar de una gárgola, localizada en la Catedral de Lincoln, Inglaterra, y que data de entre 1185 y 1311. Un dato curioso de este tipo de esculturas es que se utilizaron para el desagüe de los tejados, además de representar un estilo vanguardista y descomunal en el período gótico. De igual forma, cabe destacar que era una especie de espantapájaros usado para alejar los espíritus malignos.

La escultura gótica se conformó de cuatro períodos; el primero, el gótico primitivo se mantuvo esencialmente como un fenómeno francés, concentrado en la región de París, y el primer edificio importante que incorporó esculturas fue la Basílica de Saint-Denis. Entre 1137 y 1144, Suger, su abad, impulsó la reforma de un edificio románico existente y lo decoró con una gran riqueza. Saint-Denis es especialmente importante porque es la necrópolis de los reyes de Francia, es un monumento de la dinastía carolingia y, al mismo tiempo, se convirtió en el símbolo de la consolidación de la monarquía francesa, un proceso en el que Suger tuvo un destacado papel en su calidad de consejero del rey y regente de Francia durante la Segunda Cruzada.[57]​[58]​ El estilo original se transformó impulsado por el creciente interés por el naturalismo, dando paso a la segunda etapa de la evolución del gótico, llamada Alto gótico.[59]​ En esta transición tuvieron un papel importante los artistas del valle del Mosa, y de forma especial Nicolás de Verdún y Renier de Huy, los primeros grandes maestros de la historia de la escultura gótica, que destacaron por sus trabajos de orfebrería y bronce. El llamado gótico internacional comprende el periodo entre mediados del siglo XIV hasta mediados del siglo XV, con su punto álgido hacia el año 1400, que fue cuando el estilo se convirtió en la lengua vehicular del arte europeo, con un gran movimiento de artistas y de intercambios entre las escuelas regionales. Pero cuando se habla de internacional no implica que el estilo se convirtiera en homogéneo. Por el contrario, la aparición de grandes centros urbanos en varios países, todos con tradiciones propias, generó un panorama de gran diversidad, además, la existencia de clientes ricos permitió el cultivo de una amplia gama de nuevas posibilidades artísticas.[60]​ El gótico tardío es la fase final del estilo gótico, pero no fue una etapa de decadencia. La transición se produjo de una manera suave y gradual, y fue en esta etapa cuando se realizan algunas de las obras góticas más ricas y complejas. Finalmente el estilo desaparece para dejar paso al renacimiento y al manierismo. El gótico tardío se desarrolla aproximadamente entre mediados del siglo XV y mediados del XVI, y, en relación al naturalismo y el internacionalismo, representa el coronamiento de lo conseguido en la fase anterior. Otra tendencia evidente del periodo fue desarrollar un gusto por la complejo y máxima sofisticación, la cual es notable y evidente en los grandes retablos con varias escenas yuxtapuestas, que sustituyeron a las portadas de la fachada, como forma de ilustración didáctica de la doctrina en un gran panel narrativo, la propia estructura de los retablos, que enmarcaban las escenas en estructuras arquitectónicas, a menudo recordando una fachada de iglesia. La mayor parte de los retablos poseían paneles desplegables ubicados en los laterales, que se abrían en las grandes solemnidades religiosas, junto a la representación de Cristo, los ángeles y los santos, estaban también las figuras del pueblo y de la jerarquía civil.[61]​

Otros claros y notables ejemplos de este estilo son las obras de Aloi de Montbrai, quien realizó el Retablo de los Sastres de la Catedral de Tarragona y Pere Moragues, quien esculpió el sepulcro de Fernández de Luna, pieza que se encuentra en la Catedral de San Salvador de Zaragoza. También cabe destacar el relieve de San Jorge del Palacio de la Generalidad de Cataluña, ejecutado por Pedro Juan.[62]​ El flamenco Claus Sluter dejó una de sus mejores obras en la cartuja de Champmol, situada cerca de Dijon (Francia), donde además de la portada realizó el pedestal del pozo hexagonal del claustro, conocido como el Pozo de Moisés. En Italia, en Pisa y Siena los escultores Nicola Pisano y su hijo Giovanni Pisano dejaron obras de gran calidad en las que anuncian el paso hacia una nuevo tipo de escultura.[63]​[62]​

Edad Moderna

Hay disparidad de criterios para fijar el inicio de la edad moderna: algunos autores la relacionan con la caída de Constantinopla (1453), y otros la sitúan en el año del descubrimiento de América (1492). Hay más consenso con la fecha de finalización, la que vendría dada por el estallido de la Revolución Francesa (1789). Los historiadores de arte consideran que la escultura renacentista se inició con el concurso convocado el año 1401 para realizar las puertas del Baptisterio de San Juan de la ciudad de Florencia, una prueba en la que se presentaron los escultores Filippo Brunelleschi y Lorenzo Ghiberti.[64]​ Por eso, deben tomarse todas estas fechas con un criterio más bien pedagógico. La edad moderna transcurre más o menos desde mediados del siglo XV a finales del siglo XVIII.

Renacimiento

Artículo principal: Escultura del renacimiento

La nueva forma artística del Renacimiento plantaba raíces en la escultura de la antigüedad clásica, buscando una total exaltación de la belleza. La matemática se convirtió en su principal ayuda, aplicando a todas las artes determinados principios y leyes como, por ejemplo, la perspectiva. Surgieron grandes mecenas como los Médicis de Florencia y los papas de Roma, así como varios cardenales, príncipes y también gremios. En esta época la escultura que se produjo prácticamente quedó liberada del marco arquitectónico, y los personajes mostraban expresiones llenas de dramatismo: transmitían la sensación de una gran terribilità.

Nicola Pisano alrededor del 1260 esculpió un púlpito para el Baptisterio de Pisa que es considerada la manifestación precursora del Renacimiento en la escultura. En contraste con este acontecimiento, su hijo Giovanni Pisano acarrearía un estilo aún más maduro y dominaría la escena en Florencia durante el primer tercio del siglo, y se volvería uno de los introductores del nuevo género, el de los cruxifixi dolorosi, de gran dramatismo y que fijarían una larga influencia. Su talento versátil daría origen a otras obras de suma elegancia y austeridad, como el retrato de Enrico Scrovegni. Este etapa también mezcló los elementos góticos, dándole un nuevo sentido a la percepción y el espacio.[65]​[66]​ Contemporáneos como Tino di Camaino continuaron con la misma línea de trabajo, siendo esto característico durante la etapa del Trecento.[67]​ A mediados del siglo Andrea Pisano se volvería uno de los principales escultores de Italia, autor de los relevos de la puerta sur del Baptisterio de Florencia y siendo nombrado el arquitecto de la Catedral de Orvieto.[68]​ Fue maestre de Orcagna y Giovanni di Balducci, autor de un complejo monumento funerario en la Capela Portinari de Milán.[69]​[70]​

A pesar de los avances de los maestres del Trecento, su trabajo aún seguía reflejando la fricción entre las tendencias antiguas y modernas, así como la clara influencia de los elementos góticos. Para finales del Trecento, surgió en Florencia la figura de Lorenzo Ghiberti, autor de relevos en el Baptisterio de San Juan, donde los modelos clásicos fueron recuperados por completo. Posteriormente Donatello comenzó los avances en varios frentes. En sus obras principales figuran estatuas de los profetas del Antiguo Testamento. De ellos, quizá Habacuc sea la más impresionante, una imagen cuyo porte recuerda la imagen de un romano con su toga, la cual fue extraída directamente de los retrato de la República de Roma. Innovó también la estatuaria ecuestre, creando el monumento a Gattamelata, la obra más importante en su género desde la hecha a Marco Aurelio; destacando en cada una de sus obras una imagen de austeridad y transfiguración, reintroduciendo las esquemáticas del helenismo.[71]​

En la generación siguiente, Verrocchio se destaca por la teatralidad y el dinamismo de sus composiciones. Su Cristo y Santo Tomás contienen gran realismo y poesía. Creó Un joven con un delfín para la fuente de Neptuno en Florencia, que es el prototipo de la figura serpentinata, que sería el modelo formal más prestigioso para el Manierismo y el Barroco. Su obra más importante, el monumento ecuestre a Bartolommeo Colleoni es una expresión de poder y fuerza aún más impresionante que el Gattamelata. Desiderio da Settignano y Antonio Rosselino también crearon obras de renombre. Florencia continuó siendo el centro de la evolución hasta la aparición del Michelangelo, que trabajó en Roma para los papas —y también en Florencia paralos Médici— y fue el mayor nombre de la escultura desde el Alto Renacimiento hasta mediados del Cinquecento. Su obra pasó del clasicismo puro del David, del Baco, y llegó al Manierismo, expresado en obras vehementos como Los esclavos, el Moisés, y los frescos hechos en la Capilla Sixtina. Artistas como Baccio Bandinelli, Agostino di Duccio y Tullio Lombardo también dejaron obras de gran maestrías, como el Adán de este último. El ciclo renacentista fue cerrado por Giambologna, Francesco da Sangallo, Jacopo Sansovino y Benvenuto Cellini, con un estilo que poseía un mayor dinamismo y expresividad, notable en Rapto de las Sabinas, de Giambologna. Artistas importantes en otros países de Europa iniciaron a trabajar en las mismas líneas claramente italianas, como Adriaen de Vries en el norte y Germain Pilon en Francia, la difusión del estilo italiano por una extensa zona geográfica dio lugar a varias fórmulas sincréticas con las escuelas regionales.

 
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Manierismo y Barroco

Artículos principales: Manierismo y Escultura barroca.

La escultura del Manierismo tuvo sus precursores en Michelangelo, Jacopo Sansovino y Benvenuto Cellini. El estilo es tipificado por un modelo formal predominante, la figura serpentinata, una forma básicamente espiral que tiene su obra prima en el Rapto de las Sabinas, de Giambologna. La idea no era nueva, puesto que se remonta a los antiguos griegos, considerando una línea devanada como el mejor vínculo para la expresión del movimiento, inspirando en la forma en que el fuego crepita y mantiene su versatilidad. En el Alto Renacimiento, este concepto fue remotado por Leonardo da Vinci y Michelangelo, que lo tranferirían hacia la figura humana, considerando que en torsión esta poseía más gracia y belleza. El término fue usado por primera vez por Lomazzo al analizar la producción de Michelangelo en el terreno escultórico. El escultor cierta vez declaró que una buena composición debería ser piramidal y serpentinada, como el aspecto de llamas en pleno incendio, acreditándose que esta forma apenas podría ser considerado como un tipo de belleza. Con ello, el modelo se multiplica en las esculturas de la época, adaptándose a la pintura y la arquitectura, en este caso las escaleras en espiral se volvieron un tanto comunes.[72]​ La figura serpentinata estaba acarreada de simbología. En tanto las espirales simples, en un único sentido, era una imagen de eternidad, trascendencia, de los ciclos y la metamorfosis; la doble espiral en su caso, con dos sentidos, era su opuesto, y significaba la mortalidad y el conflicto.[73]​

Las artes ornamentales, durante el Manierismo, continuaron en gran evolución, siguiendo la idea de Alberti; donde constituía «una forma de luz auxiliar y como complemento de belleza», modificando el concepto de que la belleza es abstracta, en tanto el ornamento es material, estableciendo así un punto imprescindible entre la idea y el fenómeno, entre la belleza y las imperfecciones de la materia.[74]​ En este sentido, la escultura también se aplica a una enorme cantidad de retábulos, púlpitos, altares y otros elementos decorativos de las iglesias, a los frisos y estucos de los edificios profanos, y también en la joyería. Merece especial atención en España el denominado estilo plateresco de la escultura y decoración arquitectónica, que dejó obras de extraordinaria riqueza y carácter monumental. De los escultores del Manierismo se citan algunos de los más conocidos: Michelangelo en su fase final, Benvenuto Cellini, Bartolomeo Ammannati y Giambologna en Italia; Jean Goujon, Francesco Primaticcio, Pierre Franqueville y Germain Pilon en Francia; Alonso Berruguete, Juan de Juni y Diego de Siloé en España, y Adriaen de Vries en el norte.[75]​

La contrarreforma dio una especial atención a la imagen sacra, una antigua tradición que afirmaba que las imágenes de santos, pintadas o esculpidas, eran intermediarias para la comunicación de los hombres con el mundo espiritual. San Juan de la Cruz afirmaba que había una relación recíproca entre Dios y los fieles que era mediada por las imágenes, posición apoyada por otros religiosos católicos como San Carlos Borromeo y Roberto Bellarmino quienes reiteraban la importancia de este culto, que había sido negado y criticado por los protestantes, lo que desencadenó grandes movimientos iconoclastas en varias regiones protestantes que provocaron la destrucción de innumerables obras de arte. Por tanto, la imagen sacra volvió a ser vista como un elemento central en el culto católico, como un conjunto de instrumentos usados por la iglesia para invocar emociones específicas en los fieles y les concendía la meditación espiritual. En un tratado teórico sobre el tema, Gabriele Paleotti las defendió a partir de la idea de que estas ofrecerían para el fiel pagano una espece de biblia visual, la Biblia pauperum, enfatizando su función pedagógica y su paralelo como el sermón verbal. También consideró la función de la excitatio, la posibilidad de jugar con la imaginación y las emociones de las personas, transfiriendo al arte sacra la tipología de la retórica. Las imágenes deberían de cumplir el requisito de ser instructivas y moralmente ejemplares para los fieles, buscando también la persuasión. A través de la transmisión «correcta» de fe a los fieles, el artista adquiría el papel teologizante, volviendo también al espectador en movimiento por la iglesia parte del paisaje de este «teatro de la fe».[76]​ Tal y como afirma Jens Baumgarten:

El teorema jesuítico postridentino y su nueva concepción de la imagen en sí, los modelos romanos, la representación del poder y la liturgia se encuentran fundadas en una síntesis. Sin la imagen perfecta no hay fe correcta. El nuevo énfasis dado a las imágenes se une a una nueva visión de la sociedad. Los cambios ocurridos hasta 1600 llevaríam a la construcción de una nueva perspectiva eclesiástica e iconográfica que acabó desembocando en el ilusionismo perspectivista, uniendo elementos de emocionalidad irracional con las transformaciones plásticas de conceptos teológicos intransigentes.[76]​

Durante estos años, la escultura decayó en desarrollar un género de composición grupal denominado «sacro monte», concebido por la propia iglesia y rápidamente difundido en otros países. Tratándose de un arte que intentaba reproducir la Pasión de Cristo y otras escenas piadosas, con figuras policromas en actos tanto realistas como dramáticos y destinados a conmover al público.[77]​ Dando paso a una conceptualización meramente teatral, de modo que este instrumento pegagógio católico formaba parte de la construcción de escenarios que proporcionasen una mayor ilusión de la realidad. Estas obras se crearon con tal de ser transportadas y trasladadas, dando origen a una nueva categoría escultórica, la de las estatuas de roca en madera. Con tal de aumentar el efecto mimético muchas poseían miembros articulados, para que se fuesen manipuladas como marionetas, asumiendo así una gestualidad eficiente y evocativa, variando de acuerdo con el progreso de la acción escénica.Prendas recibidas que imitaban los de las personas, y la pintura que se parecían a la carne humana. Y para los ojos más grande ilusión podrían ser de vidrio o cristal, pelucas naturales, lágrimas brillantes de resina, dientes y uñas de marfil o de hueso, y la preciosidad de la sangre de las heridas de los mártires y el Cristo azotado podría ser enfatizado con aplicación de rubíes. Así, nada mejor para coronar la participación del público devoto en la re-creación de la realidad mística de permitir que la acción desenrolasse espacio abierto, en la procesión, donde el movimiento físico de los fieles a lo largo de la ruta de acceso podría proporcionar la estimulación de la persona como en su conjunto, a diferencia de la contemplación estática antes de una imagen en un altar. Cuando la "colina sagrada" se debe tomar a la calle, fue por lo general simplificado a una sugerencia de la roca o en una cueva. Como ocasión, la cueva o roca podrían representar el monte Sinaí, el Monte Tabor, el Monte de los Olivos, la Gruta de la Natividad, la Tentación roca de Cristo o de otros lugares impregnados de sentido. A veces, el paisaje rocoso fue sustituido por otro de arquitectura, sobre todo después de la obra de Andrea Pozzo, la perspectiva arquitectónica ilusionista codificador que fue ampliamente utilizado en la decoración de las iglesias católicas. Con los mismos fines prácticos, para aliviar el peso del conjunto, las imágenes fueron talladas solo parcialmente terminado solo en las partes que deben ser vistos por el público, como las manos, la cabeza y los pies, y el resto del cuerpo consistía en una estructura simple listón o marco hueco cubierto por tela de la ropa. 

Recebiam roupagens que imitavam as de pessoas vivas, e pintura que assemelhava à carne humana. E para maior ilusão seus olhos podiam ser de vidro ou cristal, as cabeleiras naturais, as lágrimas de resina brilhante, os dentes e unhas de marfim ou osso, e a preciosidade do sangue das chagas dos mártires e do Cristo flagelado podía ser enfatizada com a aplicação de rubis. Assim, nada melhor para coroar a participação do público devoto na re-criação da realidade mística do que permitir que a ação se desenrolasse em espaço aberto, na procissão, onde a movimentação física do fiel ao longo do trajeto poderia propiciar a estimulação da pessoa como um todo, diferentemente da contemplação estática diante de uma imagem em um altar. Nos casos em que o "sacro monte" deveria ser levado às ruas, usualmente era simplificado a uma sugestão de rochas ou numa gruta. Conforme a ocasião, a gruta ou rocha poderiam representar o Monte Sinai, o Monte Tabor, o Monte das Oliveiras, a Gruta da Natividade, a rocha da Tentação de Cristo ou outros locais impregnados de significado. Algumas vezes o cenário rochoso era substituido por outro arquitetônico, especialmente após o trabalho de Andrea Pozzo, codificador da perspectiva ilusionística arquitetônica que foi largamente empregada na decoração de templos católicos. Com os mesmos fins práticos, para aliviar o peso do conjunto, as imagens eram entalhadas apenas parcialmente, com acabamento só nas partes que deveriam ser vistas pelo público, como as mãos, cabeça e pés, e o restante do corpo consistía em uma simples estrutura de ripas ou armação oca coberta pela roupa de tecido.[78]​
 
Copia del Mercurio cabalgando a Pegaso hecha por Antoine Coysevox, encontrada en París. Al contrario del Renacimiento, durante el Barroco; con sus esculturas, pinturas y cualquier manifestación de arte, se trató de buscar y crear a través del arte un mundo de formas idealizadas, puras de sus imperfecciones e idiosincrasias individuales, dentro de la concepción fija del universo, acatando la mutabilidad de las formas y de la naturaleza, así como el dinamismo de cada uno de los elementos.

Escultura moderna y contemporánea

En el siglo XX, los escultores participan activamente en la renovación estética iniciada por las grandes corrientes artísticas de principios de siglo, como Expresionismo (Ernst Barlach, Wilhelm Lehmbruck, Käthe Kollwitz), Futurismo, Cubismo (Pablo Picasso, Jacques Lipchitz, Henri Laurens, Ossip Zadkine, Pablo Gargallo ], Duchamp-Villon), Constructivismo (Alexander Archipenko, Anton Pevsner, Naum Gabo), Dada (Man Ray, Kurt Schwitters), Simbolismo (Giannino Castiglioni), Surrealismo (Max Ernst , Alberto Giacometti).

La escultura abstracta está representada por Brancusi, Hans Arp, Henry Moore o Calder y renueva o inicia cuestiones como la eliminación de la base, el equilibrio Volúmenes, la relación entre lleno y vacío, movimiento (escultura cinética), etc.

Escultura africana

La escultura africana ha sido esencialmente de carácter religioso, del tipo animismo y por tanto su veneración ha sido la creencia en espíritus de la naturaleza y veneración a sus muertos, la muerte no supone su fin sino que vive en el reino de los espíritus. Esta creencia en la presencia de los espíritus hace que se realicen rituales, donde las obras de arte hacen de médium. Estas obras en general son máscaras, esculturas exentas antropomórficas u otros objetos de culto. Los objetos de madera se realizaban a partir de un tronco o rama de árbol con la técnica de la talla directa, es decir, de una pieza cilíndrica que con herramientas primitivas iban rebajando y cortante. También han utilizado la arcilla en Nigeria la cultura nok, cerca de 500 a. C., la piedra o el marfil. Por casi todo el continente se hacen máscaras, los «baga» que ocupan la parte de Guinea usan una máscara con cabeza de cocodrilo y largos cuernos rayadas. Hay máscaras recubiertas de una costra formada por sangre seca, tierra y zumo de semillas trituradas, máscaras con una gran nariz que se alarga hasta formar un pico; hay con adornos de petxinetes y cristales. En Ife y Benín, los yoruba trabajaron la terracota y el bronce para sus reyes desde el siglo XIII, en placas con relieves o en fines de tamaño natural. En Costa de Marfil los baulé además de esculturas exentas y máscaras, cortaban los dinteles de las puertas de sus casas con motivos geométricos.[79]​

Asia

Escultura de la India

La historia de la escultura india se inició hacia el 2500 a. C. en una zona a lo largo de 1500 kilómetros sobre las cuencas de los ríos Ravi y Sutlej, donde estaba establecida la cultura del valle del Indo. Sus principales poblaciones fueron Harappa y Mohenjo-Daro, donde en excavaciones arqueológicas del siglo XIX, se encontraron gran variedad de esculturas en terracota representando figuras humanas con símbolos relacionados con la fertilidad, así como una pequeña bailarina en bronce y un Busto de un rey-sacerdote en esteatita.[80]​ Hacia el 1500 a. C. la cultura del Indo se extinguió y durante un largo tiempo se entró en un período sin manifestaciones artísticas conocidas, hasta el siglo III a. C., cuando se forma el imperio Maurya y se construyeron grandes columnas, algunas todavía in situ, de manera escultórica remataban en un capitel que sostenía una escultura de algún tema animal, la más famosa es el Capitel de los leones en Sarnath. De esta misma época hay esculturas con representaciones de divinidades masculinas y femeninas, entre las que destaca la Yaksi del museo de Patna, que presenta una gran exuberancia de los pechos, amplias caderas y estrecha cintura, unos rasgos que se repiten en la demostración del ideal de la belleza femenina en la cultura india.[81]​

Durante el imperio Kushan hubo un gran desarrollo cultural y se sumaron las tradiciones del budismo y el hinduismo en la región de Gandhara, el arte de la que se denomina «grecobúdico» por la influencia de la Grecia clásica a las imágenes de Buda realizadas en este período.[82]​ El imperio Gupta se convirtió en un «arte clásico» donde se consiguieron líneas puras y formas de armonioso equilibrio, se representaron las divinidades Brahma, Vishnú y Shiva. En la escultura del sur de la India, se encuentran en Mahabalipuram, templos excavados en la roca decorados con relieves magníficos, entre ellos el Descenso del Ganges de la época de la dinastía de los Pal·lava. Desde el siglo VIII el erotismo es tema principal de las escenas de muchos templos, donde se representa ilustraciones del Kama Sutra. A pesar de la conquista musulmana, en la parte sur del país continuó la tradición de su escultura que se fue transformando poco a poco en una fase clara de barroquismo vigente hasta el siglo XVIII.[83]​

Escultura en China

Durante la dinastía Tang (618-907) los chinos fabricaron gran cantidad de terracotas realizadas a presión por medio de moldes. En China hacia el 200 a. C. se moldearon siete mil guerreros en tamaño natural de la dinastía Qin, que aunque las caras son todas diferentes, y por tanto modeladas a mano, para los cuerpos parece que se utilizó un molde; este verdadero ejército permaneció enterrado hasta ser descubierto a fines del siglo XX.[84]​ Cuando el budismo se introdujo en China, surgió la necesidad de realizar representaciones escultóricas. La más antigua que se conoce es una de bronce dorado fechada en el año 338 y se cree que fue una réplica de una de Gandhara. Se fueron construyendo santuarios con estatuas colosales de Buda en las grutas de Yungang en la ciudad de Datong.

En la última etapa de la dinastía Tang las obras de figuritas de cerámica con variados temas, hacen tener una nueva visión a la escultura distinta y distante de la budista. A partir de aquí la escultura entra en una clara decadencia, aunque a la dinastía Ming, en sus obras arquitectónicas se instalan imágenes de grandes dimensiones como «guardianes» de las puertas de los grandes palacios o complejos funerarios, aunque siguen siendo las pequeñas esculturas de jade o cerámica donde pueden encontrarse las mejores representaciones. En el siglo XX y por transformaciones ideológicas de sus dirigentes, la escultura monumental se volvió a realizar con marcado estilo realista para exaltar las hazañas de la Revolución China.[85]​

Escultura de Oceanía

El arte de los nativos australianos está restringido a sus tradiciones y los materiales que disponen, como la madera, corteza de árbol y punta de sílex, los escudos los decoran con líneas geométricas, realizan las «churingas» constituidas por piedras planas de carácter totémico donde graban motivos con relación a sus antepasados.

La creación de obras por parte de los melanesios tiene una gran variedad de estilos y formas. Nueva Guinea se destaca por los diseños de sus objetos, hay algunos de carácter sagrado que solo pueden ser vistos por los «iniciados», existen unas casas para uso exclusivo de los hombres donde todos los troncos que forman los pilares que sostienen el techo están cortados representando seres totémicos, en estas casas se guardan las tallas que representan sus antepasados, máscaras, asientos completamente grabados con decoraciones de figuras humanas o animales.[86]​

En las Nuevas Hébridas la escultura está relacionada con las ceremonias religiosas, las estatuas representan figuras de sus muertos y las máscaras son utilizadas para ceremonias funerarias. En Nueva Irlanda existe una gran abundancia de objetos, también de madera tallada donde se insertan conchas, cortezas de otros árboles y piedras, que están relacionados con actos rituales. En las islas Salomón, aunque realizan máscaras, lo más destacado son las figuras humanas o de animales. En las islas Marquesas, se llegó a un gran virtuosismo en la construcción de canoas donde la proa y la popa estaban adornadas con profusión de tallas, en estas islas antiguamente se cortaban imágenes con piedra volcánica en las islas Cook las imágenes veneradas mostraban unos rostros con grandes ojos y boca y el resto del cuerpo con una proporción muy pequeña.[87]​

Los maoríes de Nueva Zelanda, construyeron casas con un gran frontón completamente decorado con figuras antropomorfas de expresión amenazadora, así como colgantes de nefrita cortada (hei tiki). En la isla de Pascua se encuentran las moai, enormes figuras antropomorfas de 4 a 5 metros de altura, realizadas en toba volcánica procedente del volcán Rano Raraku, donde se encuentran algunas figuras en diferentes etapas de construcción, por lo que se cree que se trabajaban in situ, y desde allí se supone que eran arrastradas utilizando cuerdas siendo distribuidas a los diversos puntos de la isla.[88]​

Véase también

Notas

  1. El propulsor es un arma que mediante un efecto de palanca ayuda a propulsar con mayor fuerza venablos o azagayas. Dichos proyectiles no alcanzan ni la misma potencia ni el mismo alcance cuando son lanzados directamente a mano, sin ayuda del propulsor. El arco y las flechas reemplazaron progresivamente el uso de los propulsores en los períodos posteriores al Magdaleniense, principalmente durante el Mesolítico.

Referencias

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Enlaces externos

  • del Sweet Briar College, Departamento de Historia del Arte
  • Centro Internacional de Escultura
  • de the-artists.org
  • Escultores.com Videos y fotografías de esculturas
  • [8] Sitio sobre escultura del renacimiento
  • Galería Giust, Réplicas de esculturas clásicas
  • Esta obra contiene una traducción derivada de «Història de l'escultura» de Wikipedia en catalán, concretamente de esta versión, publicada por sus editores bajo la Licencia de documentación libre de GNU y la Licencia Creative Commons Atribución-CompartirIgual 3.0 Unported.
  •   Datos: Q2713770
  •   Multimedia: Sculptures by period

Marcha 05, 2022
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Este articulo o seccion se encuentra desactualizado La informacion suministrada ha quedado obsoleta o es insuficiente Uso de esta plantilla sust Desactualizado tema del articulo La historia de la escultura es una parte de la historia del arte que estudia la evolucion de la escultura desde sus principios teniendo en cuenta las diferentes culturas del mundo y los periodos historicos que suelen coincidir con los de la propia historia del arte A lo largo del tiempo muchas de sus formas y herramientas utilizadas siguen siendo las mismas o similares 1 El David de Miguel Angel es una de las principales y mas importantes esculturas en la historia del arte sobre todo del Renacimiento En contraste la obra esta hecha sobre marmol blanco y mide 4 34 metros Desde las civilizaciones prehistoricas hasta las actuales la escultura ha pasado por varias fases funcionales inicialmente tenia un uso utilitario y era un metodo para representar rituales magicos o religiosos En ciertos momentos de la historia debido a la aparicion en algunas religiones del aniconismo por ejemplo en el cristianismo ortodoxo y en el islam la practica de la escultura se reduce a la realizacion de adornos sin ninguna representacion de imagenes El rechazo de Moises del culto al becerro de oro que cita la Biblia fue seguramente un acontecimiento decisivo en una parte de la historia de la escultura ya que promovio la practica segun la cual habia que evitar la existencia de imagenes sagradas o de personas religiosamente relevantes asi permanecio restringido entre los judios y en las religiones que han derivado Iniciativas como esta surgieron tambien en los inicios del cristianismo y del budismo sin embargo y con el paso del tiempo en ambas religiones se revirtio esta tendencia y la escultura alcanzo una gran relevancia sobre todo en el budismo Sin embargo algunos sectores se sigue practicando la iconoclastia como lo demuestra la destruccion de los Budas de Bamiyan por parte de los talibanes en 2001 2 Los escultores medievales y renacentistas trabajaban en colaboracion con otros artesanos y solian tener grandes talleres en estos locales podian trabajar muchos ayudantes y oficiales y el maestro escultor era el encargado de la finalizacion de las obras Por otra parte detras del arte han existido grandes mecenas el patronazgo de los cuales en algunos casos se prolongaba durante toda su vida Mas recientemente a partir del siglo XIX los escultores dependen normalmente de las galerias de arte publicas y privadas donde se exponen las obras de cara a su venta ya que los encargos para proyectos civiles son relativamente poco habituales La representacion de la figura humana ha sido uno de los temas principales hasta el siglo XX 3 Con la aparicion de nuevos materiales artificiales y herramientas mecanizadas asi como con el desarrollo de los medios de comunicacion la evolucion de los estilos se acelero y por tanto diversifico Los comienzos del arte experimental que dio lugar a la abstraccion llego a ser una practica escultorica dominante durante al menos cincuenta anos despues de que la tradicion figurativa se impuso durante siglos La tradicion escultorica fue cuestionada tanto en el contexto mercantil como en el diseno industrial el cambio que ocasiono tanto a nivel social como a nivel politico y filosofico en el periodo vivido entre las dos guerras mundiales permitio que el arte abstracto a partir de 1945 se concentrara en la expresion de las cualidades fisicas de los materiales y en la busqueda de la sensacion visual 4 Indice 1 Historiografia 2 Escultura prehistorica 3 Edad Antigua 4 Antiguedad clasica 4 1 Grecia 4 2 Cultura etrusca 4 3 Imperio romano 5 Edad Media 5 1 Escultura romanica 5 2 Escultura gotica 6 Edad Moderna 6 1 Renacimiento 6 2 Manierismo y Barroco 7 Escultura moderna y contemporanea 8 Escultura africana 9 Asia 9 1 Escultura de la India 9 2 Escultura en China 10 Escultura de Oceania 11 Vease tambien 12 Notas 13 Referencias 14 Bibliografia 15 Enlaces externosHistoriografia EditarLos primeros tratados sobre tecnicas de escultura pertenecen a los artistas griegos y datan del siglo V a C El mas conocido es el Canon de Policleto obra en la que el escultor expone las innovaciones que el mismo llevo a la practica como la posicion del contrapposto Segun Plinio el viejo sus indicaciones fueron adoptadas como leyes por otros artistas Alberto Durero durante sus ultimos anos de vida se dedico a recopilar estudios teoricos que habia hecho sobre el canon humano al Tratado de las proporciones del cuerpo editado postumamente en 1528 5 Leon Battista Alberti que se mostro constantemente interesado por la busqueda de reglas tanto teoricas como practicas capaces de orientar el trabajo de los artistas llama en sus obras algunos canones como por ejemplo en De statua en la que expone las proporciones del cuerpo humano 6 La Naturalis Historia de Plinio el viejo los Mirabila de Pasiteles datado del siglo I a C y otras obras contribuyeron a difundir las teorias historico criticas de los filosofos griegos que en el periodo helenistico establecian que el escultor Fidias representaba la cima de su pasado artistico Pensadores romanos como Ciceron y Quintiliano formularon observaciones criticas de interes sobre la escultura y la pintura pero en conjunto la aportacion de la antigua Roma en la historiografia del arte reside en la descripcion de las obras y la transmision de las noticias y los conocimientos segun los precedentes griegos perdidos Durante la baja Edad Media los artistas comenzaron a firmar las obras e incluso algunos de ellos adoptaron la idea de anadir autorretratos en sus obras como el escultor Arnau Cadell al monasterio de Sant Cugat c 1190 debido a la falta de contratos estas firmas son uno de los datos mas importantes que tiene la historiografia de la escultura romanica 7 Durante el Quattrocento florentino se formulo una teoria y una historiografia de acuerdo con la nueva practica y mentalidad artistica El genero de las biografias de artistas olvidado desde la antiguedad clasica puesto que este genero fue iniciado en el siglo IV a C por Duris de Samos volvio a ser cultivado Cennino Cennini con su Libro dell Arte y los Comentarii de Lorenzo Ghiberti son el testimonio mas elocuente de la profunda renovacion que el Renacimiento llevo en el plano de la literatura artistica Sin embargo las obras de Donatello Andrea del Verrocchio y Jacopo della Quercia demarcon el ague de este panorama artistico En esta epoca es cuando se dio practicamente la liberacion de la escultura del marco arquitectonico los relieves se realizaron con las reglas de la perspectiva y se mostraban a los personajes con expresiones de dramatismo que llevaban a la sensacion de gran terribilita en los sentimientos expuestos en las esculturas Durante el Cinquecento Leonardo da Vinci Rafael Sanzio y el propio Miguel Angel continuaron esta tradicion teorica con sus escritos y tratados este periodo se caracterizo debido al parcial gusto por la grandiosidad monumental y por una influencia mas manierista Le Vite 1550 de Giorgio Vasari constituye una obra fundamental que ejercio una enorme influencia en toda la historiografia del arte que se desarrollo posteriormente 8 En el mundo griego se inicio la investigacion arqueologica con las excavaciones de Heinrich Schliemann entre 1868 y 1874 gracias a las cuales se descubrieron Itaca Troya y Micenas Schliemann tambien dio nombre a la Mascara de Agamenon He descubierto las tumbas que segun la tradicion corresponden a Agamenon Casandra Eurimedonte y sus companeros asesinados durante el famoso banquete para Clitemnestra y su amante Egisto Heinrich Schliemann Necropolis de Micenas Pasado el tiempo se sabe que estas tumbas pertenecen a siglos anteriores a los hechos narrados por Homero que Schliemann tomo como guia para su trabajo En el siglo XX fue Arthur Evans con la excavacion de Cnossos quien establecio una cronologia para la cultura minoica Con todo esto y nuevas excavaciones van cambiando las denominaciones ya no se habla de la cultura cretense sino de la minoica y no del arte micenico sino del heladico 9 El libro El arte griego 1972 de Kostas Papaioannou niega que el periodo arcaico sea una etapa inferior y previa al proceso de la estatuaria griega en si con tal de dar origen a una segunda etapa segun dice la etapa del arcaismo fue la de presentar la realidad y no representarla como una copia de la realidad Asi las figuras arcaicas de los kouroi no son atletas retratados y reproducidos de individuos concretos sino creaciones artisticas que se pueden interpretar como signos culturales y por tanto historicos 10 Segun Erwin Panofsky el estudio concreto de las obras de arte deberia constar de tres analisis primero un analisis preiconografico en la que se situe el periodo y el estilo segun sus formas en terminos descriptivos en segundo lugar un analisis iconografico en la que se analicen los elementos que acompanan la obra sus diferentes atributos o caracteristicas en relacion a su funcion simbolica y por ultimo un analisis iconologico en la que se estudie su significado conceptual o ideologico en el contexto cultural de su epoca 11 12 Escultura prehistorica Editar Vista frontal y lateral de la dama de Brassempouy en marfil El arte prehistorico se remonta al Paleolitico inferior cuando el hombre cortaba el silex golpeando el mismo contra otra piedra De esta manera se conseguia el bifaz una herramienta con punta y corte que utilizaban para defenderse y para descuartizar y aprovechar la carne de los animales hacia el ano 1800 aparece la primera representacion de un bifaz en una publicacion inglesa de la mano de John Frere 13 La mayoria de estatuillas de la edad de piedra fueron hechas de marfil o piedra blanda sin embargo han sido encontradas figuras de masa con forma humana y animal Posteriormente usaron el grabado el relieve en piedra y en huesos de animales Aparecen representadas las primeras figuras humanas femeninas de piedra que muestran una gran exuberancia en una exaltacion a la fertilidad hay ejemplos de entre 27 000 y 32 000 anos de antiguedad 14 Estas figuras se conocen con el nombre generico de Venus y entre todas las que nos han llegado cabe destacar la Venus de Willendorf 24 000 22 000 a C de la zona de Willendorf la de Brassempouy y la de Lespugue 14 Durante la cultura Magdaleniense se utilizaron bastones perforados y propulsores n 1 Durante el Paleolitico superior los ejemplos mas abundantes son tallas u objetos grabados Evolucionaron desde una fase mas primitiva con decoraciones esquematicas hasta llegar a la representacion de figuras de animales que se adaptaban a la estructura del hueso 15 En el analisis de este tipo de piezas realizado por Serguei A Semenov se apreciaron incisiones realizadas con cuchillos de silex y con alguna especie de buril que permitia hacer muescas realizar determinados detalles y eliminar el material sobrante 16 La arcilla tambien fue un material utilizado ya en la prehistoria Se cree que el descubrimiento del proceso de coccion y endurecimiento del barro fue casual probablemente durante el uso de algun utensilio de barro en contacto con el fuego Las primeras piezas escultoricas que se conocen proceden de Egipto China India y Oriente Medio lugares donde hacia el 4000 a C ya existian hornos para fabricar objetos de barro 17 Mas o menos por estas fechas se descubrio la fundicion de los metales Uno de los avances mas importantes en la historia de la escultura fue el poder trabajar el metal primero el bronce y despues el hierro que sirvio para fabricar herramientas mas eficientes y ademas obtener un nuevo material para realizar obras escultoricas Las herramientas de metal permitieron mejorar la precision y reducir el tiempo en el proceso de elaboracion de las tallas tanto de madera como de piedra El trabajo realizado primero en arcilla y luego mediante vaciado en bronce ya se conocia en las antiguas civilizaciones griegas y romanas y es el sistema que actualmente en el siglo XXI todavia se utiliza 1 Para mas detalles vease el Fundicion a la cera perdida A partir del siglo V a C en el ultimo periodo de la Edad del Hierro los celtas desarrollaron la cultura de La Tene propagandose por toda Europa la misma represento una evolucion del arte conseguido durante la cultura de Hallstatt En la decoracion de todos sus objetos espadas escudos broches y diademas representaron motivos de animales plantas y figuras humanas A partir del siglo III a C acunan las primeras monedas siguiendo los modelos helenicos asi como obras figurativas como el Dios de Bouray realizado en chapa de cobre repujada 18 Edad Antigua Editar Estatua de veneracion a un perro proveniente de la torre sudeste de la Apadana de Persepolis La obra se caracteriza por tener un acabado y detalle excelso remarcando cada aspecto del ser en un cuerpo escultorico La escultura sumeria pionera de la Edad antigua evita el desnudo ya que se rige por convencionalismo social de no representar los individuos de manera uniforme por las vestimentas se podia conocer el rango del personaje como tambien la jerarquia a la que pertenecia En los grandes relieves se observa el uso del desnudo pero solo para representar a los vencidos Se han encontrado una gran variedad de esculturas algunas del propio rey de la epoca de Gudea del 2144 a C al 2124 a C Sin llegar a considerarse dentro de la tecnica del retrato todas presentan unos rasgos comunes y muestran el nivel social mediante el turbante que les cubre la cabeza 19 Debido a la escasez de canteras la escultura de Mesopotamia se realizo fundamentalmente con arcilla tal y como apuntan las excavaciones de Ur 4000 a C en donde se han encontrado numerosas pequenas estatuas hechas con este material Los sumerios desarrollaron y difundieron a otras civilizaciones el uso del ladrillo grabado con un relieve y posteriormente esmaltado Algunos ejemplos bien representativos son los relieves que adornan los palacios las superficies sepulcrales persas del palacio de Persepolis y el Friso de los arqueros asi como una obra en ladrillo esmaltado que se encuentra en el Palacio Real de Susa 404 359 a C 20 La obra conocida como Victoria alada de Samotracia se cree que fue mandada esculpir por Demetrio Poliorcetes para conmemorar su triunfo naval en Salamina sobre la flota de Ptolomeo Soter en el ano 306 a C las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo esta vez gozoso tan caracteristico de la escuela escultorica rodia una de las mas barrocas del helenismo y fiel caracteristica de un avance hacia el clasicismo de la escultorica griega En el Antiguo Egipto se emplearon materiales duraderos como la piedra A esta civilizacion la caracteriza la jerarquia social establecida y una fuerte creencia religiosa en la otra vida Como resultado organizaron de una manera muy profesional la explotacion de canteras y llegaron a realizar unas esculturas altamente perfeccionadas que permanecieron inalteradas durante muchos siglos La escultura tallada dependia mucho del bloque cubico del que podian disponer 21 En sus obras en general representaron las divinidades mitologicas los faraones y de otros personajes importantes tambien realizaron sin embargo pequenas piezas de figuras en las que quedaban reflejados los trabajos domesticos Muchas de estas obras se colocaban en las camaras sepulcrales Las estatuas que representaban a los faraones se realizaban siempre de pie con los brazos pegados al cuerpo o apoyados en las rodillas si estaban sentados Cuando la representacion era con la familia los dos esposos solian estar cogidos de las manos Otros personajes muy representados eran los escribas que en la mayoria de los casos aparecian sentados en el suelo con las piernas cruzadas y con los brazos un poco separados del cuerpo mostrando en su composicion una perfecta simetria 22 A pesar de ello algunas obras se caracterizaron por poseer ciertos grados de flojedad y redondez que hacia parecer una signatura claro ejemplo de influencia asiria pero tambien de originalidad puesto que en la escultura egipcia tardia las mayoria de las obras pertenecientes a esta epoca reflejaron el predominio de la actitud general del cuerpo como un modo de expresion la desnudez del busto los anchos collares extendidos sobre el cuerpo la disposicion de los cuadros del hombre el talle y la forma de acomodar el cuerpo de manera vertical y sin despegar las manos de las cinturas Del arte punico y grecopunico se conservan multitud de estatuas en general femeninas y bustos de barro cocido en conjunto con una diversidad de amuletos de marfil y de metal que se descubrieron en las necropolis de Ibiza y Formentera Se calcula que las mas antiguas son obras del siglo VIII a C y que su fabricacion tuvo continuidad hasta muy avanzada la dominacion romana Los iberos fueron un conjunto de pueblos que habitaron la costa oriental de la peninsula iberica como minimo desde el siglo VI a C La escultura ibera fue una de las mejores manifestaciones artisticas de su cultura Las obras encontradas de piedra y bronce provienen de tres grandes areas de Andalucia del centro de la peninsula iberica y de la zona del Levante En esta ultima se han descubierto las muestras mas sobresalientes de arte iberico en piedra que actualmente forman parte de la coleccion de museos como el famoso busto de la Dama de Elche de inspiracion griega encontrado en la poblacion de su nombre y que se expone en el Museo Arqueologico Nacional de Espana ubicado en Madrid 23 La escultura antigua se encargo de fijar los detalles arquitectonicos expandiendo el detalle de la escultura a las tematicas de decoracion para edificios estableciendose en este periodo las ordenes arquitectonicas que redefinirian la concepcion del templo y llevando consigo una reforma de la dimension monumental Los materiales utilizados en ese entonces fueron desde la terracota hasta el estuco optando por colores vivos a la hora de la decoracion tal y como las esfinges sirenas chacales entre otros 24 Llegando a aplicarse soluciones similares en construcciones civiles 25 La estatuaria arcaica griega fue principalmente religiosa Los templos se decoraban con imagenes de los dioses de sus hazanas y batallas y las figuras se alejan del realismo Las korai o kuroi no son retratos de personas concretas a los rostros se les anadia una sonrisa ficticia un gesto facial conocido en el mundo del arte como sonrisa arcaica El Jinete de Dipilon una muestra simple de la modelacion geometrica arcaica pertenecio a una estatua colosal solo el mide 0 44 metros esta realizado en marmol de Paros y data del siglo VI a C El Jinete Rampin c 560 a C es una obra de unos anos posteriores es de tamano natural y presenta un tratamiento mucho mas cercano al naturalismo 26 Son diversos los nombres registrados en la literatura antigua de los escultores del periodo arcaico Datando del siglo VI a C los citados son Butades siendo el primero en usar la terracota para forjar sus obras un arte que seria perfeccionado por los etruscos por Diopos y Eugramos Reco y su hijo Teodoro de Samos fueron acreditados por Pausanias como los inventores de la fundicion del bronce contradiciendo las fuentes modernas en las que consideran a Glauco como el que mejoro e innovo la tecnica de la soldadura 27 y de ser Arquemo el primero en representar a Victoria y Eros 28 En un pasaje del siglo VI y V a C se vuelve importante la Escuela de Argos con Ageladas como uno de sus exponentes renombrado por realizar estatuas de atletas y ser el maestro de escultores como Fidias Policleto y Miron 29 En esta epoca tambien aparecen otros artistas de renombre como Antenor a quien se le atribuye Tiranicidas y una kore preservada en Atenas 30 El estilo arcaico se expandio por todo el mediterraneo e inspiro a la formacion de un estilo natural para la propia cultura etrusca China Chipre y algunas regiones de Asia Menor se adaptaron a las producciones artisticas y escultoricas pertenecientes a la propia Grecia creando un mercado rico que mejoraria su economia En la peninsula de Itaca abundan creaciones artisticas con terracota usadas como decoraciones arquitectonicas 31 De hecho Persia incorporo hacia el siglo IV a C innovaciones de estilo con trazos griegos 32 El helenismo con su historicismo y eclecticismo dieron lugar a un resurgimiento de tradiciones escultoricas antiguas mismas que sirvieron para forman pequenas escuelas de escultura arcaica para un publico selecto que incluia coleccionistas romanos dentro de los que destaca mencionar al emperador Augusto 33 Antiguedad clasica EditarGrecia Editar Articulos principales Escultura griega Estilo severo Escultura griega clasicay Escultura helenistica Se suele fijar el periodo clasico de la Antigua Grecia hacia el siglo V a C entre el periodo arcaico y el periodo helenistico Se ha dicho que la escultura griega alcanzo un elevado grado de perfeccion calidad que venia impulsada por la busqueda de una mejor expresion de la belleza de la figura humana llegando a establecer un determinado canon y unas proporciones consideradas perfectas Desgraciadamente el Auriga de Delfos la pareja de los Bronces de Riace y el Dios del cabo Artemisio forman parte de las pocas esculturas griegas en bronce que se conservan completas 34 Tanto el escultor Policleto como Fidias y Miron son considerados los padres del estilo clasico griego Uno de los artistas mas significativos del periodo clasico con su magnifico Hermes con el nino Dioniso fue Praxiteles el cual era de la misma epoca que Lisipo y Escopas de Paros Durante el periodo helenico observa que en la creacion de esculturas hay una clara intencion de intensificar el movimiento y acentuar las emociones el mejor ejemplo es el conjunto escultorico de Laocoonte y sus hijos 35 Desde el periodo Severo los artistas se esforzaron por la obtencion de una verosimilitud en las formas escultoricas con relacion al modelo vivo procurando esa transicion con tal de mantener y poder expresar las virtudes internas Para los griegos antiguos la belleza fisica estaba identificada con la propia perfeccion moral bajo un concepto denominado kalokagathia Una importante contribucion a esta rama fue hecha por el propio Pitagoras quien incluyo sus conocimientos matematicos al campo de la musica y la psicologia que posteriormente se aplicarian al propio arte con la induccion de estados psicologicos y comportamientos definidos tiempo despues influenciando al propio Platon que aplicaria esto en la estetica 36 Anos mas tarde esta importancia por la verosimilitud comenzaria a ser un tema de mayor relevancia puesto que los escultores griegos buscarian un mayor control por el acabado de los detalles y el interes de estos artistas ya no solo residio en la expresion total del cuerpo sino que se extendio a la representacion unica e interesante de la indumentaria que estos tenian con tal de recalcar el cuerpo y describir los efectos del viento con mayor fluidez y ritmo de modo que recurrieron al uso de materiales plasticos para obtener mejores efectos de luz y sombra Platon reafirmaria el sentido de la belleza y la virtud al ser localizados en los sentidos fisicos evitando atribuir al escultor la capacidad de retratar la naturaleza con absoluta fidelidad tal y como Galeno apuntaba No reside en la simetria de los elementos del cuerpo pero si en la proporcion adecuada de las partes como por ejemplo el de un dedo con el otro dedos ambos dedos en conjunto para las manos y el pulso estos para el antebrazo de ahi el brazo y el todo con el todo asi como lo especifica el canon de Policleto Despues de haber ensenado en este tratado todas las especificaciones de simetria del cuerpo Policleto ratifico su texto como una obra teniendo de hecho la estatua de un hombre de acuerdo a los postulados de su propio tratado llamando en si a la estatua al igual que al tratado Canon Desde entonces todos los filosofos y doctores afirman que la belleza reside en la proporcion de las partes del cuerpo 37 Se podria pensar que las aportaciones de Platon pudieron resultar negativas para la propia escultura pero no lo fue asi Desde siempre los griegos tuvieron conciencia de la imposibilidad de visualizacion de los dioses en su forma divina por lo que deberian aceptar la representacion de su forma parcial e incompleta De hecho la ambientacion con arboles piedras y otros lugares pueden ser consideradas como espectaculos de los propios dioses La enfatizacion por el naturalismo en estas estatuas provocaron interesantes consecuencias No era interesante que se reflejaran aspectos relevante como el amor o la pasion porque incluso muchas esculturas representaran temas eroticos o sexuales De cualquier forma la presencia de la escultura clasica fue determinante las objeciones contra el legado del elitismo y el dogmatismo estetico e ideologico que recibieron de forma creciente en tiempos recientes contribuyen para evidenciar su destacada posicion y confirmar que es una fuerza activa en el centenario cultura moderno La escultura griega se expandio por los pueblos griegos del Mediterraneo y el Mar Negro gracias a las conquistas de Alejandro Magno dejando como legado el hecho de representar la estetica belleza y el valor del hombre por medio de modelos y prototipos ideales que son merecederos de aplausos y respeto puesto que con el tiempo terminaron por inspirar obras de epocas mas tardias 38 Los pintores y escultores escogieron entre las bellezas mas elegantes del mundo natural perfeccionaron la idea e incluso sus trabajos superaron y se mantuvieron por encima de los estandares de la naturaleza Esto origino la veneracion y el asombro que hoy en dia tenemos por los hombres y el respeto por las estatuas y pinturas y dio como recompensa gran honra a los artistas de ahi donde emana la gloria de Timantes Apeles Fidias y Lisipo y de muchos otros renombrados por la fama todos los que se elevaron encima de formas humanas y consiguieron con sus ideas y formas una representacion admirable Esta idea puede nombrarse en si perfeccion de la naturaleza milagro del arte clarividencia del intelecto ejemplo de mente luz de imaginacion el sol naciente que desde el este inspira a la estatua de Miron e inflama el dichoso monumento de Prometeo Entre los usos de la escultura estaba la realizacion de monumentos funerarios que en general comparten las caracteristicas de la escultura decorativa de los templos y edificios publicos La tradicion de la construccion de monumentos a los muertos existia desde la epoca arcaica puesto que los kuros cumplian esta funcion Se ha creido siempre que estos monumentos eran prerrogativa de personajes ricos Sin embargo este arte tambien se limitaba a los objetos decorativos y pequenas estatuillas de consumo popular representando actores especialmente comicos animales y tipos de personas comunes del pueblo pero por lo general sin mucho refinamiento tecnico y que repetian toscamente los principios formales de la escultura de gran tamano Escultura de la Antiguedad clasica Auriga de Delfos hecha para conmemorar la victoria del tirano Polyzalos de Gela en la carrera de cuadrigas de los Juegos Piticos Los Bronces de Riace conocidos tambien como Los Guerreros de Riace son una pareja de estatuas griegas del siglo V a C El dios del cabo Artemisio es una estatua griega de bronce perteneciente al llamado estilo severo Hermes con el nino Dioniso es una escultura griega de marmol con una altura de 213 centimetros que se atribuye al escultor Praxiteles La obra de Laocoonte y sus hijos es de un tamano algo mayor al natural de 2 45 m de altura y esta ejecutado en marmol blanco La escultura durante el clasicismo griego ha sido considerado como el punto de mayor esplendor de la propia escultura griega Durante esta etapa se lograron eclipsar los distintos estilos que anteriormente habian forjado el arte de representar la belleza y la magnificencia del cuerpo humano con moldes y canones que representaran un arte perfecto Estos valores junto a la ya tradicional asociacion de la virtud y la belleza encontraron en la escultura del periodo clasico un importante y descomunal retrato del ser humano un vinculo allegado de manera especial con la expresion y del mismo modo un eficiente instrumento de educacion civica y etica como tambien estetica Cultura etrusca Editar Articulo principal Escultura etrusca La escultura fue una de las expresiones artisticas mas importantes del pueblo etrusco un arte que tuvo su influencia y esplendor gracias a las aportaciones griegas Desde el surgimiento o adopcion de este arte en la cultura etrusca se caracterizo por la expansion y refinamiento de la metalurgia y por un arte que empleaba a menudo motivos geometricos simples dispuestos en patrones complejos manifiestandose en la creacion de diminutas figuras de animales en bronce pero no solo reservandose a esto sino tambien empleandose el estilo en objeto como arneses para los caballos cascos puntas de flechas y lanzas cantaros pulseras collares asi como calderos y sartenes y otros utensilios de utilidad desconocida junto con recipientes de ceramica de todo tipo vasijas jarras y platos 39 La gran demanda que esto produjo hizo que fuera necesaria la creacion de talleres locales en los que se desarrollaban las iconografias del mundo griego oriental dando como resultado la produccion de figurillas antropomorfas muy estilizadas y esquematicas pero de gran vivacidad 40 Detalle de Carro etrusco de Monteleone claro ejemplo de la etapa arcaica de la escultura etrusca La escultura etrusca evoluciono con el tiempo adoptando tambien uno tono aun mas maduro las tumbas se hicieron mas grandes y mas complejas con varias camaras pasillos y una gran cubierta abovedada en la parte superior formada con anillos concentricos de bloques que avanzaban gradualmente a veces con una pilastra central que contribuia a sostener la cubierta Los entierros eran a menudo de lujo incluyendo una profusion de objetos tanto decorativos como sagrados los principes guerreros invertian en comprar bienes suntuarios a semejanza de las pompas y tipologias orientales 41 Los motivos decorativos como las hojas de palmera el loto y el leon se volvieron frecuentes debiendo todo ello la necesidad de satisfacer los deseos de una elite que se habia organizado enriquecido y ennoblecido 42 Con el paso del tiempo se opto por el uso de materiales alternativos para la construccion de templos u otras obras mostrando diferentes divisiones en los espacios en su distribucion y diseno y con el uso de muchos detalles decorativos en terracota policromada como frisos acroteras antefijas y placas con escenas narrativas o con motivos ornamentales diversos 43 Cambios similares se produjeron en la construccion de las tumbas haciendolas mas complejas y mayores con varias habitaciones decoradas de acuerdo con sus funciones como si fueran casas y decoradas con elementos escultoricos como pedestales columnas y capiteles y relieves de diversos tipos 44 Sin embargo la escultura etrusca comenzo a entrar en un periodo de decadencia durante la etapa helenistica A pesar de que los sarcofagos y urnas aun continuaban siendo piezas muy decoradas las esculturas de los muertos reflejaron un caracter aun mas esquematico y generico La calidad de las obras durante esta etapa empezo a decaer faltando el detalle y la belleza que tiempo antes habia tenido ejemplos importantes de esta etapa son el fronton de Talamone de Luni o El orador una estatua en bronce exenta A diferencia de la escultura proveniente de otras culturas la etrusca contiene pocos ejemplos de esculturas de piedra caliza suave alabastro o toba e incluso el marmol que es aun mas raro de localizar El marfil la madera y el bronce tambien fueron materiales excepcionales para las grandes estatuas siendo este ultimo el material mas privilegiado y el mas usado durante los finales de la etapa escultorica helenistica de la cultura etrusca Horacio alababa sus tecnicas y su estilo unico 44 Imperio romano Editar Articulo principal Escultura de la Antigua Roma En origen derivado de la escultura griega principalmente a traves de la herencia de la escultura etrusca y luego directamente por contacto con las colonias de la Magna Grecia y la propia Grecia durante el periodo helenistico se desarrollo teniendo como foco central la metropolis entre los siglos VI a C y V el arte escultorico en Roma pero contradiciendo una creencia antigua y extendida de que los romanos eran solo meros copistas ahora se reconoce que no solo fueron capaces de asimilar y desarrollar sus fuentes con maestria sino tambien aportar una contribucion original e importante a esta tradicion visible especialmente en el retrato genero en el que consiguio un gran prestigio y que dejo ejemplos singulares de gran tecnica y de alta expresividad y en la escultura decorativa de los grandes monumentos publicos donde desarrollo un estilo narrativo de gran fuerza y caracter tipicamente romano 45 Durante los ultimos siglos del imperio siglo III al siglo V se vio el nacimiento de un contexto cultural totalmente nuevo e innovador A veces esta fase de transformacion ha sido vista como una decadencia artistica pero el canon griego fue el resultado de una epoca y un contexto determinado y aunque dio forma a los origenes artisticos de Roma y a gran parte de su trayectoria los tiempos y el territorio se habian transformado de modo que el clasicismo estaba empezando a convertirse en una reliquia del pasado y una referencia simbolica o del historicismo en lugar de una realidad viva Ahora Roma tenia su propia historia y entraba en un periodo de intensos intercambios con grandes culturas antiguas del Oriente Proximo cuyo cuerpo de ideas religiones arte y aspiraciones se volvian parte de la cultura romana Del mismo modo las numerosas provincias imperiales que se extendian desde Hispania Galia y Britania a Persia Arabia Caucaso y Norte de Africa desarrollaban estilos sincreticos con sus propias tradiciones locales creando obras que fueron aceptadas tanto para la vision metropolitana como para la provincial aunque interpretados de manera diferente para cada lugar Sin embargo y a diferencia del arte escultorico en la Antigua Grecia el prestigio de estatuas paganas continuo en alza hasta el siglo VI ni siquiera la aparicion del cristianismo y el destierro del antiguo culto por Teodosio I en 391 provoco una inmediata destruccion de las imagenes religiosas y decorativas Prudencio a finales del siglo IV de nuestra era tambien recomendo mantener las estatuas de los idolos paganos como ejemplos de la capacidad de los grandes artistas y como esplendido ornato de nuestras ciudades Con todo poco despues de la politica del papado y del imperio cambio y los monumentos de la antiguedad comenzaron a ser saqueados con el fin de retirar el material para su uso en otras obras mediante el estimulo de una ola asombrosa de iconoclasta por todo el imperio que decreto la desaparicion de la gran mayoria de la fabulosa coleccion de obras de arte acumuladas durante siglos 46 Los romanos fueron los primeros en estar orgullosos de florecer en la sombra de una cultura extranjera Virgilio en su Eneida toma las palabras de Anquises donde declara que Roma aun por nacer estaria en las artes y las ciencias siempre por debajo de los griegos pero que la superaria en la guerra y en la administracion publica Sin embargo esto no pudo impedir que sus escultores desarrollaran algunos rasgos evidentes de originalidad reconocidos por otros criticos 47 De hecho como complemento del trabajo de la talla de la piedra o el bronce fundido el efecto final de la pieza de la escultura era modificado con la adicion de policromia en la superficie una practica heredada de los griegos y realizada comunmente Un aspecto fundamental de la escultura romana fueron los retratos 48 una contribucion que ha madurado mucho antes que en otros tipos de esculturas dando una total preferencia por el busto y la cabeza que creo un enorme mercado en toda la cuenca mediterranea De hecho la identidad especifica del sujeto establecida por los rasgos particulares de la cabeza era hasta ese entonces un apendice simbolico que no podia tomarse en cuenta como parte de la integridad del cuerpo Puesto que para algunos de los escultores la creacion de las cabezas o bustos era la clave principal para la identificacion y esto se inserto como un buen concepto Asimismo innumerables estatuas sin cabeza que sobreviven de la antiguedad son similares a los escenarios sin actores especialmente cuando el cuerpo fue hecho por los ayudantes con anticipacion esperando que la cabeza fuera tallada por el maestro escultor Algunos de los retratos mas importantes fueron los hechos a Marco Aurelio o Constantino el Grande que datan de la edad de oro de la escultura romana 49 50 Retratos romanos Busto de Marco Aurelio Busto de matrona de la dinastia Flavia caracterizado por el uso de una tecnica de perforacion en el peinado Busto de Augusto portando la corona civica Los retratos de la escultura romana sirvieron a los emperadores como un modo de inmortalizar y refrendar su poder A menudo los bustos sobre los que tallaban sus rostros eran apoyados por leyendas lo que vino a convertirse en una tradicion De hecho estas mascaras estaban orgullosamente guardadas en el santuario familiar el lararium junto con bustos en bronce terracota o marmol Edad Media Editar Portico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela del Maestro Mateo que inicia la transicion del hieratismo romanico a la sensibilidad del gotico ya en la segunda mitad del siglo XII 1168 1188 Las obras escultoricas mas destacadas del Imperio Bizantino son los trabajos ornamentales de los capiteles con motivos vegetales y animales enfrentados Hay buenos ejemplos en San Vidal de Ravena o los sarcofagos de la misma ciudad donde estan representados temas del Buen Pastor Se han conservado pocas obras escultoricas exentas las mas numerosas son relieves en marfil aplicados a cofres dipticos o la celebre Catedra del obispo Maximiliano una obra tallada hacia el ano 550 Durante el periodo del arte otoniano lo que se produjeron no fueron obras de grandes dimensiones sino pequenas esculturas en marfil y bronce en las que se anadian incrustaciones de piedras preciosas Tal y como destacan las puertas de la iglesia de San Miguel de Hildesheim hechas de bronce y que es una obra muy relacionada con el arte bizantino y el arte carolingio Otro material empleado fue la madera con la que se realizaron imagenes recubiertas de oro que se usaban como relicario entre ellas destaca el Crucifijo de Gero de la catedral de Colonia una obra del siglo X realizada en madera policromada 51 Durante esta etapa ademas de la produccion arquitectonica las demas artes plasticas tienen un desarrollo menor al no permitirse la representacion de figuras cubre una amplia variedad de artesanias incluyendo manuscritos ilustrados textil ceramica trabajo en metales y cristal destacando enormemente las fuertes influencias clasicas y germanicas obteniendo un arte cristiano asi como el estilo animal y el estilo policromo Los edificios se caracterizaron por sus macizos muros y contrafuertes para sostener una robusta boveda de canon basada en el arco de medio punto Las estructuras son de escasa altura y con pocos vanos lo que implica una menor entrada de luz que se intenta compensar con el abocinamiento de las arquivoltas de porticos y ventanales Esto anadido al soporte arquitectonico y la profusa decoracion escultorica capiteles timpanos de lineas muy marcadas y colores planos formas geometrizantes y hieraticas convertia a los templos en verdaderos evangelios de los iletrados Escultura romanica Editar Articulo principal Escultura romanica El arte romanico se expandio por toda Europa entre los siglos XI y XIII La escultura aplicada a la arquitectura fue tomando una forma mas monumental bajo el impulso de una iglesia que en esa epoca estaba orientada por un lado por las directrices de la Orden de Cluny y por otro por el incremento de las rutas de peregrinaje principalmente las de la Catedral de Santiago de Compostela o la abadia de Santa Fe de Concas 52 Varias partes de las iglesias timpanos portadas y capiteles con historias sobre temas biblicos eran tratadas por los escultores con un gran realismo El Maiestas Domini y el Juicio Final fueron los temas iconograficos mas representados 53 Dejando de lado los relicarios chapados con metales el material mas empleado fue la madera que era usada para la elaboracion de imagenes de devocion Las madres de Dios con el nino fueron muy representadas por toda Cataluna y por el sur de Francia aunque en cuanto al valor iconografico la imagen mas importante del romanico fue el Cristo Majestad Entre los numerosos ejemplos destacan el Cristo que hay en Santa Faz de Lucca el de la Catedral de Milan el Cristo de Mijaran y la Majestad de Batllo 54 En tanto la aplicacion escultorica a la arquitectura se ejecuto en la parte delantera de las fachadas especialmente en las portadas de los templos Se utilizo el relevo como la mejor tecnica para la narracion de escenas impresionantes donde el volumen ayudaba a crear una mayor sensacion de realismo que las simples superficies pintadas retratando escenas como la Vision del Apocalipsis y esculpiendo en cada una el espiritu del concepto de Dios vengativo presente en el Antiguo Testamento tambien se llenaron no solo de figuras biblicas como los evangelistas apostoles y angeles sino con series de criaturas monstruosas que ante su vision no olvidaban demonios y criaturas compuestas de cuerpos desproporcionados y horribles que daban temor de la tortura del infierno 55 La escultura pequena existia tambien pero en numero reducido realizada en marfil o madera y podia estar cubierta de oro o de plata crucifijos y pequenas imagenes La obra en bronce fue de especial importancia en las piezas liturgicas las puertas de las iglesias pilas bautismales y lapidas de tumbas Para la parte superior de las tumbas una nueva tipologia se fue extendiendo desde el norte de Francia a mediados del siglo XII la aplicacion de la figura del difunto sobre el ataud en posicion yacente Una de las primeras tumbas con la efigie del difunto con caracter romanico fue la del abad Isarn de la abadia de San Victor de Marsella Escultura gotica Editar Articulo principal Escultura gotica El periodo entre los siglos XIII y XV fue escenario de un importante desarrollo economico en toda la Europa occidental Aunque la escultura sigue enmarcada dentro de los grandes edificios religiosos las formas son mucho mas naturales y tambien se aplica en sepulcros sillerias del coro y retablos Las portadas presentan santos o apostoles con un caracter casi exento con formas mas dinamicas y alargadas y quedan ubicados bajo doseles que presentan pinaculos 56 La puerta de la Catedral de Chartres 1145 es uno de los primeros ejemplos de escultura gotica estan representados animales fabulosos que dan forma a las gargolas recurso con el que el artista consiguio un gran efecto plastico Claro ejemplar de una gargola localizada en la Catedral de Lincoln Inglaterra y que data de entre 1185 y 1311 Un dato curioso de este tipo de esculturas es que se utilizaron para el desague de los tejados ademas de representar un estilo vanguardista y descomunal en el periodo gotico De igual forma cabe destacar que era una especie de espantapajaros usado para alejar los espiritus malignos La escultura gotica se conformo de cuatro periodos el primero el gotico primitivo se mantuvo esencialmente como un fenomeno frances concentrado en la region de Paris y el primer edificio importante que incorporo esculturas fue la Basilica de Saint Denis Entre 1137 y 1144 Suger su abad impulso la reforma de un edificio romanico existente y lo decoro con una gran riqueza Saint Denis es especialmente importante porque es la necropolis de los reyes de Francia es un monumento de la dinastia carolingia y al mismo tiempo se convirtio en el simbolo de la consolidacion de la monarquia francesa un proceso en el que Suger tuvo un destacado papel en su calidad de consejero del rey y regente de Francia durante la Segunda Cruzada 57 58 El estilo original se transformo impulsado por el creciente interes por el naturalismo dando paso a la segunda etapa de la evolucion del gotico llamada Alto gotico 59 En esta transicion tuvieron un papel importante los artistas del valle del Mosa y de forma especial Nicolas de Verdun y Renier de Huy los primeros grandes maestros de la historia de la escultura gotica que destacaron por sus trabajos de orfebreria y bronce El llamado gotico internacional comprende el periodo entre mediados del siglo XIV hasta mediados del siglo XV con su punto algido hacia el ano 1400 que fue cuando el estilo se convirtio en la lengua vehicular del arte europeo con un gran movimiento de artistas y de intercambios entre las escuelas regionales Pero cuando se habla de internacional no implica que el estilo se convirtiera en homogeneo Por el contrario la aparicion de grandes centros urbanos en varios paises todos con tradiciones propias genero un panorama de gran diversidad ademas la existencia de clientes ricos permitio el cultivo de una amplia gama de nuevas posibilidades artisticas 60 El gotico tardio es la fase final del estilo gotico pero no fue una etapa de decadencia La transicion se produjo de una manera suave y gradual y fue en esta etapa cuando se realizan algunas de las obras goticas mas ricas y complejas Finalmente el estilo desaparece para dejar paso al renacimiento y al manierismo El gotico tardio se desarrolla aproximadamente entre mediados del siglo XV y mediados del XVI y en relacion al naturalismo y el internacionalismo representa el coronamiento de lo conseguido en la fase anterior Otra tendencia evidente del periodo fue desarrollar un gusto por la complejo y maxima sofisticacion la cual es notable y evidente en los grandes retablos con varias escenas yuxtapuestas que sustituyeron a las portadas de la fachada como forma de ilustracion didactica de la doctrina en un gran panel narrativo la propia estructura de los retablos que enmarcaban las escenas en estructuras arquitectonicas a menudo recordando una fachada de iglesia La mayor parte de los retablos poseian paneles desplegables ubicados en los laterales que se abrian en las grandes solemnidades religiosas junto a la representacion de Cristo los angeles y los santos estaban tambien las figuras del pueblo y de la jerarquia civil 61 Otros claros y notables ejemplos de este estilo son las obras de Aloi de Montbrai quien realizo el Retablo de los Sastres de la Catedral de Tarragona y Pere Moragues quien esculpio el sepulcro de Fernandez de Luna pieza que se encuentra en la Catedral de San Salvador de Zaragoza Tambien cabe destacar el relieve de San Jorge del Palacio de la Generalidad de Cataluna ejecutado por Pedro Juan 62 El flamenco Claus Sluter dejo una de sus mejores obras en la cartuja de Champmol situada cerca de Dijon Francia donde ademas de la portada realizo el pedestal del pozo hexagonal del claustro conocido como el Pozo de Moises En Italia en Pisa y Siena los escultores Nicola Pisano y su hijo Giovanni Pisano dejaron obras de gran calidad en las que anuncian el paso hacia una nuevo tipo de escultura 63 62 Edad Moderna EditarHay disparidad de criterios para fijar el inicio de la edad moderna algunos autores la relacionan con la caida de Constantinopla 1453 y otros la situan en el ano del descubrimiento de America 1492 Hay mas consenso con la fecha de finalizacion la que vendria dada por el estallido de la Revolucion Francesa 1789 Los historiadores de arte consideran que la escultura renacentista se inicio con el concurso convocado el ano 1401 para realizar las puertas del Baptisterio de San Juan de la ciudad de Florencia una prueba en la que se presentaron los escultores Filippo Brunelleschi y Lorenzo Ghiberti 64 Por eso deben tomarse todas estas fechas con un criterio mas bien pedagogico La edad moderna transcurre mas o menos desde mediados del siglo XV a finales del siglo XVIII Renacimiento Editar Articulo principal Escultura del renacimiento La nueva forma artistica del Renacimiento plantaba raices en la escultura de la antiguedad clasica buscando una total exaltacion de la belleza La matematica se convirtio en su principal ayuda aplicando a todas las artes determinados principios y leyes como por ejemplo la perspectiva Surgieron grandes mecenas como los Medicis de Florencia y los papas de Roma asi como varios cardenales principes y tambien gremios En esta epoca la escultura que se produjo practicamente quedo liberada del marco arquitectonico y los personajes mostraban expresiones llenas de dramatismo transmitian la sensacion de una gran terribilita Nicola Pisano alrededor del 1260 esculpio un pulpito para el Baptisterio de Pisa que es considerada la manifestacion precursora del Renacimiento en la escultura En contraste con este acontecimiento su hijo Giovanni Pisano acarrearia un estilo aun mas maduro y dominaria la escena en Florencia durante el primer tercio del siglo y se volveria uno de los introductores del nuevo genero el de los cruxifixi dolorosi de gran dramatismo y que fijarian una larga influencia Su talento versatil daria origen a otras obras de suma elegancia y austeridad como el retrato de Enrico Scrovegni Este etapa tambien mezclo los elementos goticos dandole un nuevo sentido a la percepcion y el espacio 65 66 Contemporaneos como Tino di Camaino continuaron con la misma linea de trabajo siendo esto caracteristico durante la etapa del Trecento 67 A mediados del siglo Andrea Pisano se volveria uno de los principales escultores de Italia autor de los relevos de la puerta sur del Baptisterio de Florencia y siendo nombrado el arquitecto de la Catedral de Orvieto 68 Fue maestre de Orcagna y Giovanni di Balducci autor de un complejo monumento funerario en la Capela Portinari de Milan 69 70 A pesar de los avances de los maestres del Trecento su trabajo aun seguia reflejando la friccion entre las tendencias antiguas y modernas asi como la clara influencia de los elementos goticos Para finales del Trecento surgio en Florencia la figura de Lorenzo Ghiberti autor de relevos en el Baptisterio de San Juan donde los modelos clasicos fueron recuperados por completo Posteriormente Donatello comenzo los avances en varios frentes En sus obras principales figuran estatuas de los profetas del Antiguo Testamento De ellos quiza Habacuc sea la mas impresionante una imagen cuyo porte recuerda la imagen de un romano con su toga la cual fue extraida directamente de los retrato de la Republica de Roma Innovo tambien la estatuaria ecuestre creando el monumento a Gattamelata la obra mas importante en su genero desde la hecha a Marco Aurelio destacando en cada una de sus obras una imagen de austeridad y transfiguracion reintroduciendo las esquematicas del helenismo 71 En la generacion siguiente Verrocchio se destaca por la teatralidad y el dinamismo de sus composiciones Su Cristo y Santo Tomas contienen gran realismo y poesia Creo Un joven con un delfin para la fuente de Neptuno en Florencia que es el prototipo de la figura serpentinata que seria el modelo formal mas prestigioso para el Manierismo y el Barroco Su obra mas importante el monumento ecuestre a Bartolommeo Colleoni es una expresion de poder y fuerza aun mas impresionante que el Gattamelata Desiderio da Settignano y Antonio Rosselino tambien crearon obras de renombre Florencia continuo siendo el centro de la evolucion hasta la aparicion del Michelangelo que trabajo en Roma para los papas y tambien en Florencia paralos Medici y fue el mayor nombre de la escultura desde el Alto Renacimiento hasta mediados del Cinquecento Su obra paso del clasicismo puro del David del Baco y llego al Manierismo expresado en obras vehementos como Los esclavos el Moises y los frescos hechos en la Capilla Sixtina Artistas como Baccio Bandinelli Agostino di Duccio y Tullio Lombardo tambien dejaron obras de gran maestrias como el Adan de este ultimo El ciclo renacentista fue cerrado por Giambologna Francesco da Sangallo Jacopo Sansovino y Benvenuto Cellini con un estilo que poseia un mayor dinamismo y expresividad notable en Rapto de las Sabinas de Giambologna Artistas importantes en otros paises de Europa iniciaron a trabajar en las mismas lineas claramente italianas como Adriaen de Vries en el norte y Germain Pilon en Francia la difusion del estilo italiano por una extensa zona geografica dio lugar a varias formulas sincreticas con las escuelas regionales Nicola Pisano Adan pulpito del Baptisterio de Pisa Giovanni Pisano Retrato de Enrico Scrovegni Capilla Scrovegni Copia del Museo Pushkin Agostino di Duccio Madonna siglo XV Museo dell Opera di Santa Maria del Fiore Ghiberti La historia de Jose panel de la Puerta del Paraiso Baptisterio de San Juan Donatello Habacuc Museo dell Opera del Duomo Verrocchio San Tomas y Cristo 1466 83 Orsanmichele Florencia Michelangelo Baco Museo del Bargello Giambologna El rapto de las Sabinas 1581 82 Loggia dei Lanzi Florencia El texto que sigue es una traduccion defectuosa Si quieres colaborar con Wikipedia busca el articulo original y mejora esta traduccion Copia y pega el siguiente codigo en la pagina de discusion del autor de este articulo subst Aviso mal traducido Historia de la escultura Manierismo y Barroco Editar Articulos principales Manierismoy Escultura barroca La escultura del Manierismo tuvo sus precursores en Michelangelo Jacopo Sansovino y Benvenuto Cellini El estilo es tipificado por un modelo formal predominante la figura serpentinata una forma basicamente espiral que tiene su obra prima en el Rapto de las Sabinas de Giambologna La idea no era nueva puesto que se remonta a los antiguos griegos considerando una linea devanada como el mejor vinculo para la expresion del movimiento inspirando en la forma en que el fuego crepita y mantiene su versatilidad En el Alto Renacimiento este concepto fue remotado por Leonardo da Vinci y Michelangelo que lo tranferirian hacia la figura humana considerando que en torsion esta poseia mas gracia y belleza El termino fue usado por primera vez por Lomazzo al analizar la produccion de Michelangelo en el terreno escultorico El escultor cierta vez declaro que una buena composicion deberia ser piramidal y serpentinada como el aspecto de llamas en pleno incendio acreditandose que esta forma apenas podria ser considerado como un tipo de belleza Con ello el modelo se multiplica en las esculturas de la epoca adaptandose a la pintura y la arquitectura en este caso las escaleras en espiral se volvieron un tanto comunes 72 La figura serpentinata estaba acarreada de simbologia En tanto las espirales simples en un unico sentido era una imagen de eternidad trascendencia de los ciclos y la metamorfosis la doble espiral en su caso con dos sentidos era su opuesto y significaba la mortalidad y el conflicto 73 Las artes ornamentales durante el Manierismo continuaron en gran evolucion siguiendo la idea de Alberti donde constituia una forma de luz auxiliar y como complemento de belleza modificando el concepto de que la belleza es abstracta en tanto el ornamento es material estableciendo asi un punto imprescindible entre la idea y el fenomeno entre la belleza y las imperfecciones de la materia 74 En este sentido la escultura tambien se aplica a una enorme cantidad de retabulos pulpitos altares y otros elementos decorativos de las iglesias a los frisos y estucos de los edificios profanos y tambien en la joyeria Merece especial atencion en Espana el denominado estilo plateresco de la escultura y decoracion arquitectonica que dejo obras de extraordinaria riqueza y caracter monumental De los escultores del Manierismo se citan algunos de los mas conocidos Michelangelo en su fase final Benvenuto Cellini Bartolomeo Ammannati y Giambologna en Italia Jean Goujon Francesco Primaticcio Pierre Franqueville y Germain Pilon en Francia Alonso Berruguete Juan de Juni y Diego de Siloe en Espana y Adriaen de Vries en el norte 75 Benvenuto Cellini Saleiro de Francisco I 1540 1543 Kunsthistorisches Museum Pierre Franqueville David vencedor de Goliat Louvre Michelangelo Piedad de Florencia 1550 Museo dell Opera del Duomo Francesco Primaticcio Relevos de la Escalera del Rey en el Palacio de Fontainebleau Juan de Juni El santo entierro Museo Nacional de Escultura de Valladolid Adriaen de Vries Mercurio acarreando a Psique hacia el Olimpo 1593 Louvre Juan de Beaugrant Retablo de la Iglesia de Santa Maria Mayor La contrarreforma dio una especial atencion a la imagen sacra una antigua tradicion que afirmaba que las imagenes de santos pintadas o esculpidas eran intermediarias para la comunicacion de los hombres con el mundo espiritual San Juan de la Cruz afirmaba que habia una relacion reciproca entre Dios y los fieles que era mediada por las imagenes posicion apoyada por otros religiosos catolicos como San Carlos Borromeo y Roberto Bellarmino quienes reiteraban la importancia de este culto que habia sido negado y criticado por los protestantes lo que desencadeno grandes movimientos iconoclastas en varias regiones protestantes que provocaron la destruccion de innumerables obras de arte Por tanto la imagen sacra volvio a ser vista como un elemento central en el culto catolico como un conjunto de instrumentos usados por la iglesia para invocar emociones especificas en los fieles y les concendia la meditacion espiritual En un tratado teorico sobre el tema Gabriele Paleotti las defendio a partir de la idea de que estas ofrecerian para el fiel pagano una espece de biblia visual la Biblia pauperum enfatizando su funcion pedagogica y su paralelo como el sermon verbal Tambien considero la funcion de la excitatio la posibilidad de jugar con la imaginacion y las emociones de las personas transfiriendo al arte sacra la tipologia de la retorica Las imagenes deberian de cumplir el requisito de ser instructivas y moralmente ejemplares para los fieles buscando tambien la persuasion A traves de la transmision correcta de fe a los fieles el artista adquiria el papel teologizante volviendo tambien al espectador en movimiento por la iglesia parte del paisaje de este teatro de la fe 76 Tal y como afirma Jens Baumgarten El teorema jesuitico postridentino y su nueva concepcion de la imagen en si los modelos romanos la representacion del poder y la liturgia se encuentran fundadas en una sintesis Sin la imagen perfecta no hay fe correcta El nuevo enfasis dado a las imagenes se une a una nueva vision de la sociedad Los cambios ocurridos hasta 1600 llevariam a la construccion de una nueva perspectiva eclesiastica e iconografica que acabo desembocando en el ilusionismo perspectivista uniendo elementos de emocionalidad irracional con las transformaciones plasticas de conceptos teologicos intransigentes 76 Durante estos anos la escultura decayo en desarrollar un genero de composicion grupal denominado sacro monte concebido por la propia iglesia y rapidamente difundido en otros paises Tratandose de un arte que intentaba reproducir la Pasion de Cristo y otras escenas piadosas con figuras policromas en actos tanto realistas como dramaticos y destinados a conmover al publico 77 Dando paso a una conceptualizacion meramente teatral de modo que este instrumento pegagogio catolico formaba parte de la construccion de escenarios que proporcionasen una mayor ilusion de la realidad Estas obras se crearon con tal de ser transportadas y trasladadas dando origen a una nueva categoria escultorica la de las estatuas de roca en madera Con tal de aumentar el efecto mimetico muchas poseian miembros articulados para que se fuesen manipuladas como marionetas asumiendo asi una gestualidad eficiente y evocativa variando de acuerdo con el progreso de la accion escenica Prendas recibidas que imitaban los de las personas y la pintura que se parecian a la carne humana Y para los ojos mas grande ilusion podrian ser de vidrio o cristal pelucas naturales lagrimas brillantes de resina dientes y unas de marfil o de hueso y la preciosidad de la sangre de las heridas de los martires y el Cristo azotado podria ser enfatizado con aplicacion de rubies Asi nada mejor para coronar la participacion del publico devoto en la re creacion de la realidad mistica de permitir que la accion desenrolasse espacio abierto en la procesion donde el movimiento fisico de los fieles a lo largo de la ruta de acceso podria proporcionar la estimulacion de la persona como en su conjunto a diferencia de la contemplacion estatica antes de una imagen en un altar Cuando la colina sagrada se debe tomar a la calle fue por lo general simplificado a una sugerencia de la roca o en una cueva Como ocasion la cueva o roca podrian representar el monte Sinai el Monte Tabor el Monte de los Olivos la Gruta de la Natividad la Tentacion roca de Cristo o de otros lugares impregnados de sentido A veces el paisaje rocoso fue sustituido por otro de arquitectura sobre todo despues de la obra de Andrea Pozzo la perspectiva arquitectonica ilusionista codificador que fue ampliamente utilizado en la decoracion de las iglesias catolicas Con los mismos fines practicos para aliviar el peso del conjunto las imagenes fueron talladas solo parcialmente terminado solo en las partes que deben ser vistos por el publico como las manos la cabeza y los pies y el resto del cuerpo consistia en una estructura simple liston o marco hueco cubierto por tela de la ropa Recebiam roupagens que imitavam as de pessoas vivas e pintura que assemelhava a carne humana E para maior ilusao seus olhos podiam ser de vidro ou cristal as cabeleiras naturais as lagrimas de resina brilhante os dentes e unhas de marfim ou osso e a preciosidade do sangue das chagas dos martires e do Cristo flagelado podia ser enfatizada com a aplicacao de rubis Assim nada melhor para coroar a participacao do publico devoto na re criacao da realidade mistica do que permitir que a acao se desenrolasse em espaco aberto na procissao onde a movimentacao fisica do fiel ao longo do trajeto poderia propiciar a estimulacao da pessoa como um todo diferentemente da contemplacao estatica diante de uma imagem em um altar Nos casos em que o sacro monte deveria ser levado as ruas usualmente era simplificado a uma sugestao de rochas ou numa gruta Conforme a ocasiao a gruta ou rocha poderiam representar o Monte Sinai o Monte Tabor o Monte das Oliveiras a Gruta da Natividade a rocha da Tentacao de Cristo ou outros locais impregnados de significado Algumas vezes o cenario rochoso era substituido por outro arquitetonico especialmente apos o trabalho de Andrea Pozzo codificador da perspectiva ilusionistica arquitetonica que foi largamente empregada na decoracao de templos catolicos Com os mesmos fins praticos para aliviar o peso do conjunto as imagens eram entalhadas apenas parcialmente com acabamento so nas partes que deveriam ser vistas pelo publico como as maos cabeca e pes e o restante do corpo consistia em uma simples estrutura de ripas ou armacao oca coberta pela roupa de tecido 78 Copia del Mercurio cabalgando a Pegaso hecha por Antoine Coysevox encontrada en Paris Al contrario del Renacimiento durante el Barroco con sus esculturas pinturas y cualquier manifestacion de arte se trato de buscar y crear a traves del arte un mundo de formas idealizadas puras de sus imperfecciones e idiosincrasias individuales dentro de la concepcion fija del universo acatando la mutabilidad de las formas y de la naturaleza asi como el dinamismo de cada uno de los elementos Escultura moderna y contemporanea EditarEn el siglo XX los escultores participan activamente en la renovacion estetica iniciada por las grandes corrientes artisticas de principios de siglo como Expresionismo Ernst Barlach Wilhelm Lehmbruck Kathe Kollwitz Futurismo Cubismo Pablo Picasso Jacques Lipchitz Henri Laurens Ossip Zadkine Pablo Gargallo Duchamp Villon Constructivismo Alexander Archipenko Anton Pevsner Naum Gabo Dada Man Ray Kurt Schwitters Simbolismo Giannino Castiglioni Surrealismo Max Ernst Alberto Giacometti La escultura abstracta esta representada por Brancusi Hans Arp Henry Moore o Calder y renueva o inicia cuestiones como la eliminacion de la base el equilibrio Volumenes la relacion entre lleno y vacio movimiento escultura cinetica etc Escultura africana EditarLa escultura africana ha sido esencialmente de caracter religioso del tipo animismo y por tanto su veneracion ha sido la creencia en espiritus de la naturaleza y veneracion a sus muertos la muerte no supone su fin sino que vive en el reino de los espiritus Esta creencia en la presencia de los espiritus hace que se realicen rituales donde las obras de arte hacen de medium Estas obras en general son mascaras esculturas exentas antropomorficas u otros objetos de culto Los objetos de madera se realizaban a partir de un tronco o rama de arbol con la tecnica de la talla directa es decir de una pieza cilindrica que con herramientas primitivas iban rebajando y cortante Tambien han utilizado la arcilla en Nigeria la cultura nok cerca de 500 a C la piedra o el marfil Por casi todo el continente se hacen mascaras los baga que ocupan la parte de Guinea usan una mascara con cabeza de cocodrilo y largos cuernos rayadas Hay mascaras recubiertas de una costra formada por sangre seca tierra y zumo de semillas trituradas mascaras con una gran nariz que se alarga hasta formar un pico hay con adornos de petxinetes y cristales En Ife y Benin los yoruba trabajaron la terracota y el bronce para sus reyes desde el siglo XIII en placas con relieves o en fines de tamano natural En Costa de Marfil los baule ademas de esculturas exentas y mascaras cortaban los dinteles de las puertas de sus casas con motivos geometricos 79 Asia EditarEscultura de la India Editar La historia de la escultura india se inicio hacia el 2500 a C en una zona a lo largo de 1500 kilometros sobre las cuencas de los rios Ravi y Sutlej donde estaba establecida la cultura del valle del Indo Sus principales poblaciones fueron Harappa y Mohenjo Daro donde en excavaciones arqueologicas del siglo XIX se encontraron gran variedad de esculturas en terracota representando figuras humanas con simbolos relacionados con la fertilidad asi como una pequena bailarina en bronce y un Busto de un rey sacerdote en esteatita 80 Hacia el 1500 a C la cultura del Indo se extinguio y durante un largo tiempo se entro en un periodo sin manifestaciones artisticas conocidas hasta el siglo III a C cuando se forma el imperio Maurya y se construyeron grandes columnas algunas todavia in situ de manera escultorica remataban en un capitel que sostenia una escultura de algun tema animal la mas famosa es el Capitel de los leones en Sarnath De esta misma epoca hay esculturas con representaciones de divinidades masculinas y femeninas entre las que destaca la Yaksi del museo de Patna que presenta una gran exuberancia de los pechos amplias caderas y estrecha cintura unos rasgos que se repiten en la demostracion del ideal de la belleza femenina en la cultura india 81 Durante el imperio Kushan hubo un gran desarrollo cultural y se sumaron las tradiciones del budismo y el hinduismo en la region de Gandhara el arte de la que se denomina grecobudico por la influencia de la Grecia clasica a las imagenes de Buda realizadas en este periodo 82 El imperio Gupta se convirtio en un arte clasico donde se consiguieron lineas puras y formas de armonioso equilibrio se representaron las divinidades Brahma Vishnu y Shiva En la escultura del sur de la India se encuentran en Mahabalipuram templos excavados en la roca decorados con relieves magnificos entre ellos el Descenso del Ganges de la epoca de la dinastia de los Pal lava Desde el siglo VIII el erotismo es tema principal de las escenas de muchos templos donde se representa ilustraciones del Kama Sutra A pesar de la conquista musulmana en la parte sur del pais continuo la tradicion de su escultura que se fue transformando poco a poco en una fase clara de barroquismo vigente hasta el siglo XVIII 83 Escultura en China Editar Durante la dinastia Tang 618 907 los chinos fabricaron gran cantidad de terracotas realizadas a presion por medio de moldes En China hacia el 200 a C se moldearon siete mil guerreros en tamano natural de la dinastia Qin que aunque las caras son todas diferentes y por tanto modeladas a mano para los cuerpos parece que se utilizo un molde este verdadero ejercito permanecio enterrado hasta ser descubierto a fines del siglo XX 84 Cuando el budismo se introdujo en China surgio la necesidad de realizar representaciones escultoricas La mas antigua que se conoce es una de bronce dorado fechada en el ano 338 y se cree que fue una replica de una de Gandhara Se fueron construyendo santuarios con estatuas colosales de Buda en las grutas de Yungang en la ciudad de Datong En la ultima etapa de la dinastia Tang las obras de figuritas de ceramica con variados temas hacen tener una nueva vision a la escultura distinta y distante de la budista A partir de aqui la escultura entra en una clara decadencia aunque a la dinastia Ming en sus obras arquitectonicas se instalan imagenes de grandes dimensiones como guardianes de las puertas de los grandes palacios o complejos funerarios aunque siguen siendo las pequenas esculturas de jade o ceramica donde pueden encontrarse las mejores representaciones En el siglo XX y por transformaciones ideologicas de sus dirigentes la escultura monumental se volvio a realizar con marcado estilo realista para exaltar las hazanas de la Revolucion China 85 Escultura de Oceania EditarEl arte de los nativos australianos esta restringido a sus tradiciones y los materiales que disponen como la madera corteza de arbol y punta de silex los escudos los decoran con lineas geometricas realizan las churingas constituidas por piedras planas de caracter totemico donde graban motivos con relacion a sus antepasados La creacion de obras por parte de los melanesios tiene una gran variedad de estilos y formas Nueva Guinea se destaca por los disenos de sus objetos hay algunos de caracter sagrado que solo pueden ser vistos por los iniciados existen unas casas para uso exclusivo de los hombres donde todos los troncos que forman los pilares que sostienen el techo estan cortados representando seres totemicos en estas casas se guardan las tallas que representan sus antepasados mascaras asientos completamente grabados con decoraciones de figuras humanas o animales 86 En las Nuevas Hebridas la escultura esta relacionada con las ceremonias religiosas las estatuas representan figuras de sus muertos y las mascaras son utilizadas para ceremonias funerarias En Nueva Irlanda existe una gran abundancia de objetos tambien de madera tallada donde se insertan conchas cortezas de otros arboles y piedras que estan relacionados con actos rituales En las islas Salomon aunque realizan mascaras lo mas destacado son las figuras humanas o de animales En las islas Marquesas se llego a un gran virtuosismo en la construccion de canoas donde la proa y la popa estaban adornadas con profusion de tallas en estas islas antiguamente se cortaban imagenes con piedra volcanica en las islas Cook las imagenes veneradas mostraban unos rostros con grandes ojos y boca y el resto del cuerpo con una proporcion muy pequena 87 Los maories de Nueva Zelanda construyeron casas con un gran fronton completamente decorado con figuras antropomorfas de expresion amenazadora asi como colgantes de nefrita cortada hei tiki En la isla de Pascua se encuentran las moai enormes figuras antropomorfas de 4 a 5 metros de altura realizadas en toba volcanica procedente del volcan Rano Raraku donde se encuentran algunas figuras en diferentes etapas de construccion por lo que se cree que se trabajaban in situ y desde alli se supone que eran arrastradas utilizando cuerdas siendo distribuidas a los diversos puntos de la isla 88 Vease tambien EditarEscultura Estatua Escultura ecuestre Vidrio soplado Petroglifo Historia del arte Historia del desnudo artisticoNotas Editar El propulsor es un arma que mediante un efecto de palanca ayuda a propulsar con mayor fuerza venablos o azagayas Dichos proyectiles no alcanzan ni la misma potencia ni el mismo alcance cuando son lanzados directamente a mano sin ayuda del propulsor El arco y las flechas reemplazaron progresivamente el uso de los propulsores en los periodos posteriores al Magdaleniense principalmente durante el Mesolitico Referencias Editar a b Midgley 1982 p 13 elmundo es ed Los taliban destruyen por completo los budas de Bamiyan Consultado el 18 de diciembre de 2010 Maltese 2001 p 16 Midgley 1982 p 14 Sureda 1988 p 56 Sureda 1988 p 356 Sureda 1988 Vol IV p 29 Historia Universal del Arte 8 1984 p 1129 Bozal 1983 p 103 Bozal 1983 p 114 Leon Mariscal Rocio Conocer el metodo iconografico e iconologico Archivado desde el original el 29 de abril de 2009 Consultado el 18 de diciembre de 2010 Kalipedia ed Teoria 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2 Enlaces externos EditarEnsayos sobre escultura del Sweet Briar College Departamento de Historia del Arte Centro Internacional de Escultura Lista de escultores de the artists org Escultores com Videos y fotografias de esculturas 8 Sitio sobre escultura del renacimiento Galeria Giust Replicas de esculturas clasicas Esta obra contiene una traduccion derivada de Historia de l escultura de Wikipedia en catalan concretamente de esta version publicada por sus editores bajo la Licencia de documentacion libre de GNU y la Licencia Creative Commons Atribucion CompartirIgual 3 0 Unported Datos Q2713770 Multimedia Sculptures by period Obtenido de https es wikipedia org w index php title Historia de la escultura amp oldid 141558884, wikipedia, wiki, leyendo, leer, libro, biblioteca,

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