fbpx
Wikipedia

Lo que el viento se llevó (película)

Lo que el viento se llevó (título original en inglés: Gone with the Wind) es una película estadounidense de los géneros épico, histórico y romántico de 1939, adaptación de la novela homónima de 1936 de Margaret Mitchell, producida por David O. Selznick y dirigida por Victor Fleming.

Gone with the Wind

Cartel del preestreno de la película.
Título Lo que el viento se llevó
Ficha técnica
Dirección
Producción David O. Selznick
Guion
Basada en Lo que el viento se llevó de Margaret Mitchell
Música Max Steiner
Fotografía
Montaje
  • Hal C. Kern
  • James E. Newcom
Vestuario Walter Plunkett
Protagonistas Clark Gable
Vivien Leigh
Leslie Howard
Olivia de Havilland
Ver todos los créditos (IMDb)
Datos y cifras
País Estados Unidos
Año 1939
Estreno 15 de diciembre de 1939 (estreno en Atlanta)
Género Épica
Histórica
Drama
Romance
Duración 238 minutos
Idioma(s) Inglés
Formato película de 35 mm
Compañías
Productora
Distribución Loew's Inc.[n 1]
Recaudación 400 176 459 $[2]
Óscar a la mejor película
Gone with the Wind
Rebecca
(1940)
Ficha en IMDb
Ficha en FilmAffinity

Situada en el sur de Estados Unidos con el telón de fondo de la Guerra de Secesión y la reconstrucción, la película narra la historia de Scarlett O'Hara (Vivien Leigh), la resuelta hija de los propietarios de una plantación de Georgia, desde su romántica persecución de Ashley Wilkes (Leslie Howard), prometido con su prima, Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), hasta su matrimonio con Rhett Butler (Clark Gable).

La producción fue difícil desde el principio. El rodaje se retrasó durante dos años por la determinación de Selznick por asegurar a Gable para el papel de Rhett Butler, y por la búsqueda de la actriz protagonista para el papel de Scarlett, llegando a entrevistar a 1400 mujeres antes de tomar la decisión. El guion original fue obra de Sidney Howard, pero sufrió numerosas revisiones en un intento de reducir el metraje. El director original, George Cukor, fue despedido poco después de iniciarse el rodaje y fue reemplazado por Fleming, quien a su vez fue sustituido brevemente por Sam Wood, mientras que Fleming se tomó un tiempo de descanso a causa del agotamiento.

La película recibió críticas positivas tras su estreno en diciembre de 1939, aunque algunos la encontraron carente de dramatismo y de duración excesiva. El reparto recibió numerosos elogios y muchos críticos cinematográficos consideraron a Leigh especialmente adaptada a su papel como Scarlett. En la 12.ª edición de los Premios Óscar, de sus trece nominaciones recibió diez galardones (ocho competitivos, dos honorarios), incluidos los de mejor película, mejor director (Fleming), mejor guion adaptado (otorgado póstumamente a Sidney Howard, fallecido seis meses antes de la ceremonia), mejor actriz (Leigh) y mejor actriz de reparto (Hattie McDaniel, convirtiéndose en la primera afrodescendiente en ganar un Óscar), estableciendo récords por el número total de galardones y nominaciones en aquel momento. La película fue inmensamente popular, convirtiéndose en la película más rentable hasta aquel momento, manteniendo esa posición durante más de un cuarto de siglo. Si se ajustan sus ingresos de acuerdo a la inflación, sigue siendo la película de mayor éxito en taquilla de la historia.

Ha sido criticada por el revisionismo histórico por alabar la esclavitud, aunque también se le ha atribuido el haber provocado cambios en la forma en que los personajes de raza negra se representan en el cine. Fue reestrenada en numerosas ocasiones desde su estreno y tiene gran arraigo en la cultura popular, siendo probablemente el largometraje más famoso del Hollywood Clásico. Está considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos; aparece entre las diez primeras de la lista del American Film Institute de las 100 mejores películas estadounidenses desde su creación en 1998; en 1989 la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Argumento

Primera parte

En vísperas del inicio de la Guerra de Secesión en 1861, la joven Scarlett O'Hara vive con sus padres y dos hermanas en «Tara», la plantación de algodón de su familia en Georgia. Scarlett se entera de que Ashley Wilkes, del que está enamorada en secreto, se va a casar con su prima Melanie Hamilton y que el compromiso será anunciado al día siguiente en una barbacoa que se va a celebrar en la casa de Ashley, la cercana plantación «Los doce robles».

En la fiesta en «Los doce robles», Scarlett declara privadamente sus sentimientos a Ashley, pero él la rechaza respondiendo que él y Melanie son más compatibles. Scarlett se enoja cuando descubre que otro invitado, Rhett Butler, ha oído su conversación. La celebración se ve interrumpida al anunciarse la declaración de guerra y los hombres se apresuran a alistarse. Mientras Scarlett ve a Ashley besar a Melanie, el hermano menor de Melanie, Charles, le propone matrimonio y, aunque ella no lo ama, Scarlett consiente y se casan antes de que él se vaya al frente.

 
Póster con Scarlett y Rhett en el baile benéfico.

Scarlett queda viuda cuando Charles muere de un episodio de pulmonía y de sarampión mientras sirve en el ejército confederado. La madre de Scarlett la envía a la casa de Hamilton en Atlanta para alegrarla, aunque la franca criada de los O'Hara, Mammy, le dice a Scarlett que sabe que solo va con la idea de esperar el regreso de Ashley. Scarlett, que no debe asistir a una fiesta mientras está de luto, de todas formas asiste a una fiesta benéfica en Atlanta con Melanie, donde se encuentra de nuevo con Rhett, que ahora es un contrabandista que utiliza una pequeña flota de barcos para burlar el bloqueo naval al que han sido sometidos los confederados por parte de la Armada de los Estados Unidos. Celebrando una reciente victoria y recaudando fondos para el esfuerzo bélico confederado, los caballeros son invitados a hacer una oferta para que las señoras bailen con ellos. Rhett hace una oferta excesivamente generosa por Scarlett y, a pesar de la desaprobación de los huéspedes, ella acepta.

El curso de la guerra se vuelve contra la Confederación tras la Batalla de Gettysburg, en la que mueren muchos de los hombres de la ciudad de Scarlett. Scarlett hace otra petición sin éxito a Ashley mientras él está de visita durante una licencia de servicio navideña, aunque comparten un apasionado beso en privado el día de Navidad, justo antes de que él vuelva a la guerra.

Ocho meses más tarde, mientras la ciudad está sitiada por el Ejército de la Unión durante la Campaña de Atlanta, Scarlett y su joven sirvienta Prissy deben asistir a Melanie sin ayuda médica cuando a ella entra en parto prematuro. Después, Scarlett pide a Rhett que la lleve a su casa en Tara con Melanie, el bebé y Prissy; los recoge en un carro tirado por caballos, pero una vez que sale de la ciudad, decide irse al frente, dejando a Scarlett y el grupo para que sigan ellos solos. Al regresar a casa, Scarlett encuentra Tara desierta, excepto por su padre, sus hermanas y dos antiguos esclavos: Mammy y Pork. Scarlett se entera de que su madre acaba de morir de fiebre tifoidea y su padre se ha vuelto mentalmente incapaz. Con Tara saqueada por las tropas de la Unión y los campos desatendidos, Scarlett promete que hará cualquier cosa por la supervivencia de la familia y de sí misma.

Segunda parte

Mientras los O'Hara trabajan en los campos de algodón, el padre de Scarlett muere al caerse del caballo mientras intenta arrojar a un scalawag de sus tierras. Tras la derrota de la Confederación, Ashley regresa, pero ve que es de poca ayuda en Tara. Cuando Scarlett le ruega que huya con ella, Ashley confiesa su deseo hacia ella y la besa apasionadamente, pero dice que no puede dejar a Melanie. Incapaz de pagar los impuestos sobre Tara implementados por las leyes de Reconstrucción, Scarlett engaña al prometido de su hermana menor Suellen, Frank Kennedy, hombre de mediana edad y rico empresario, para que se case con ella, diciéndole que Suellen se cansó de esperar y se casó con otro pretendiente.

Frank, Ashley, Rhett y otros cómplices hacen una incursión nocturna en un pueblo de chabolas después de que Scarlett fuera atacada mientras conducía sola través de él. En la incursión muere Frank; apenas terminado el funeral, Rhett le propone matrimonio a Scarlett y ella acepta. Tienen una hija a la que Rhett pone el nombre de Bonnie Blue, pero Scarlett, que sigue añorando a Ashley y se siente asustada por la pérdida de su figura, le hace saber a Rhett que no quiere más hijos y que ya no compartirán lecho.

Un día, India, la hermana de Ashley, ve a Scarlett y Ashley abrazados y, como siente una intensa aversión hacia Scarlett, rápidamente empieza a propagar rumores. Esa misma tarde Rhett, después de oír los rumores, obliga a Scarlett a asistir a la fiesta de cumpleaños de Ashley; incapaz de creer nada malo de su querida cuñada, Melanie está al lado de Scarlett para que todos sepan que ella cree que los chismes son falsos. Después de regresar a casa de la fiesta, Scarlett encuentra a Rhett borracho y discuten sobre Ashley. Rhett besa a Scarlett contra su voluntad, declarando su intención de mantener relaciones con ella esa noche, y la lleva a la fuerza a la habitación. Al día siguiente, Rhett se disculpa por su comportamiento y le ofrece a Scarlett el divorcio, que ella rechaza, diciendo que sería una vergüenza. Cuando Rhett vuelve de un prolongado viaje a Londres, Scarlett le informa que está embarazada, pero durante la discusión que sigue a la noticia ella se cae por un tramo de escaleras y sufre un aborto espontáneo. Mientras se está recuperando, la tragedia cae sobre ellos cuando Bonnie muere mientras intenta saltar una valla con su poni.

Scarlett y Rhett visitan a Melanie, en su lecho de muerte tras las complicaciones derivadas de un nuevo embarazo. Mientras Scarlett consuela a Ashley, Rhett vuelve a su casa en Atlanta; al darse cuenta de que Ashley solo amaba realmente a Melanie, Scarlett corre tras Rhett, pero lo encuentra preparándose para irse para siempre. Ella le suplica, diciéndole que ahora se da cuenta de que lo ha amado todo el tiempo y que nunca amó realmente a Ashley, pero Rhett dice que tras la muerte de Bonnie no había posibilidad de reconciliación. Scarlett le pide que se quede, pero Rhett la rechaza y sale por la puerta perdiéndose en la niebla de la mañana, dejando a Scarlett llorando en la escalera y jurando que algún día recuperará su amor.

Reparto

Los créditos de apertura de la película tienen una estructura inusual ya que, en lugar de ordenar los nombres por la posición estelar de cada uno de los actores de forma convencional, el reparto se divide en tres secciones: la plantación de Tara, «Los doce robles» y Atlanta. Además, los nombres se ordenan según el rango social de los personajes; así, Thomas Mitchell, que interpreta a Gerald O'Hara, inicia la lista de reparto como el cabeza de familia de los O'Hara, por lo que Barbara O'Neil, como su esposa, aparece en segundo puesto y Vivien Leigh, como la hija mayor, el tercero, a pesar de aparecer en pantalla mucho más tiempo que ellos. Del mismo modo, Howard C. Hickman, como John Wilkes, aparece antes que Leslie Howard, que interpreta a su hijo, y Clark Gable, que solo interpreta a un visitante en «Los doce robles», aparece en un puesto relativamente bajo en los créditos, a pesar de haber sido presentado como la «estrella» de la película durante su promoción.[3]​ A la muerte de Mary Anderson (que interpretó a Maybelle Merriwether) en abril de 2014, solamente vivían dos miembros del reparto acreditados de la película: Olivia de Havilland, que interpretó a Melanie Wilkes, y Mickey Kuhn, que interpretó a su hijo Beau Wilkes.[4]

 
Clark Gable
 
Vivien Leigh
 
Leslie Howard
 
Olivia de Havilland
Plantación Tara
Los doce robles
En Atlanta
Otros actores de reparto
  • Paul Hurst como un desertor yanqui.
  • Cammie King Conlon como Bonnie Blue Butler.
  • J. M. Kerrigan como Johnny Gallagher.
  • Jackie Moran como Phil Meade.
  • Lillian Kemble-Cooper como cuidadora de Bonnie en Londres.
  • Marcella Martin como Cathleen Calvert.
  • Mickey Kuhn como Beau Wilkes.
  • Irving Bacon como un cabo.
  • William Bakewell como un oficial a caballo.
  • Isabel Jewell como Emmy Slattery.
  • Eric Linden como un supuesto amputado.
  • Ward Bond como Tom, capitán yanqui.
  • Cliff Edwards como un soldado nostálgico.
  • Yakima Canutt como un renegado.
  • Louis Jean Heydt como un soldado hambriento que sostiene a Beau Wilkes.
  • Robert Elliott como un comandante yanqui.
  • Mary Anderson como Maybelle Merriwether.

Producción

Antes de la publicación de la novela, varios ejecutivos y estudios de Hollywood, como Irving Thalberg y Louis B. Mayer de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pandro Berman de la RKO Pictures y David O. Selznick de la Selznick International Pictures se negaron a rodar una película basada en ella. A Jack Warner le gustó la historia, pero la mayor estrella de la Warner Bros., Bette Davis, no estaba interesada, y Darryl F. Zanuck, de la 20th Century-Fox no ofreció suficiente dinero. Selznick cambió de opinión después de que su guionista jefe, Kay Brown, y su socio de negocios, John Hay Whitney, lo instaran a comprar los derechos para la película. En julio de 1936, un mes después de su publicación, Selznick compró los derechos por 50 000 dólares,[5][6][7]​ una cifra exorbitada por ese concepto por entonces.[8]

Casting

 
Foto publicitaria de Clark Gable y Vivien Leigh.

El casting para los dos papeles protagonistas se convirtió en una compleja tarea que duró dos años. Selznick tenía claro desde el principio que quería a Clark Gable para el papel de Rhett Butler, pero Gable tenía contrato en vigor con la MGM y nunca lo habían cedido a otros estudios.[5]​ Se pensó en Gary Cooper, pero Samuel Goldwyn, con quien Cooper tenía contrato, se negó a cederlo.[9]​ Warner le ofreció a Bette Davis, Errol Flynn y Olivia de Havilland para desempeñar los papeles protagonistas a cambio de los derechos de distribución.[10]​ Por entonces Selznick estaba decidido a conseguir a Gable y finalmente llegó a un acuerdo con la MGM; el suegro de Selznick, Louis B. Mayer, presidente de la MGM, le ofreció en agosto de 1938 cederle a Gable y darle 1 250 000 $ por la mitad del presupuesto de la película, pero a un alto precio: Selznick tendría que pagar el salario semanal de Gable y cederle la mitad de los beneficios a la MGM, y además Loew's Inc., empresa matriz de la Metro, se encargaría de la distribución.[5][9]

El acuerdo por el que la MGM se encargaba del lanzamiento de la película supuso retrasar el comienzo de la producción hasta finales de 1938, cuando finalizaba el acuerdo de distribución que Selznick tenía con la United Artists.[9]​ Selznick aprovechó el retraso para continuar revisando el guion, preparar la publicidad y, sobre todo, buscar una actriz para el papel de Scarlett. Inició un casting a nivel nacional en el que llevó a entrevistar a 1400 desconocidas; el proceso costó 100 000 $ y, aunque resultó inútil para la película, sirvió para crear un publicidad «inestimable».[5]​ Antes de la compra de los derechos, Selznick consideró a Miriam Hopkins y Tallulah Bankhead como candidatas; Joan Crawford, que había firmado con MGM, también fue considerada como posible pareja de Gable. Después del acuerdo con MGM, Selznick mantuvo conversaciones con Norma Shearer, la principal estrella de la MGM por entonces, pero ella no consideró la propuesta. Katharine Hepburn estaba muy interesada en el papel, y presionó para conseguirlo con el apoyo de su amigo George Cukor, que había sido contratado para la dirección, pero fue vetada por Selznick, que no la consideró adecuada para el papel.[9][10][11]

Se consideraron a muchas actrices famosas (o a punto de serlo), pero para el papel de Scarlett solo se le hicieron pruebas de pantalla a treinta y una mujeres, entre las que estaban Ardis Ankerson, Jean Arthur, Tallulah Bankhead, Diana Barrymore, Joan Bennett, Nancy Coleman, Frances Dee, Ellen Drew (como Terry Ray), Paulette Goddard, Susan Hayward (bajo su nombre real, Edythe Marrenner), Vivien Leigh, Anita Louise, Haila Stoddard, Margaret Tallichet, Lana Turner y Linda Watkins.[6]​ Aunque Margaret Mitchell se negó a dar a conocer públicamente su elección, la actriz que estuvo más cerca de ganar su aprobación fue Miriam Hopkins, al considerar que era el tipo de actriz adecuado para interpretar a Scarlett tal como estaba descrita en el libro. Sin embargo, Hopkins tenía más de 35 años por entonces y se consideró que era demasiado vieja para el papel.[9][10][11]​ En diciembre de 1938 todavía se estaban considerando cuatro actrices, entre ellas Jean Arthur y Joan Bennett, pero solo a dos finalistas, Paulette Goddard y Vivien Leigh, se le hicieron pruebas en Technicolor, ambas el día 20 de ese mes.[12]​ Goddard casi consiguió el papel, pero la controversia sobre su matrimonio con Charles Chaplin hizo que Selznick cambiara de idea.[5]

Selznick había estado considerando discretamente a Vivien Leigh, una joven actriz británica que todavía era poco conocida en Estados Unidos, desde febrero de 1938, cuando la vio en Fire Over England y en A Yank at Oxford. El agente estadounidense de Leigh era el representante en Londres de la agencia de talentos de Myron Selznick (hermano de David y uno de los propietarios de Selznick International) y había pedido en febrero que consideraran a su representada para el papel de Scarlett. En el verano de 1938 los Selznick estaban negociando con Alexander Korda, con quien Leigh tenía contrato, para conseguir sus servicios ese año.[13]​ El hermano de Selznick los citó para que se conocieran por primera vez en la noche del 10 de diciembre de 1938, cuando se rodó la escena del incendio de Atlanta. En una carta a su esposa dos días más tarde, Selznick admitió que Leigh era «la ganadora sorpresa de Scarlett», y tras una serie de pruebas de pantalla, se anunció su selección el 13 de enero de 1939.[14]​ Justo antes del rodaje de la película, Selznick le dijo en una carta al columnista Ed Sullivan: «Los padres de Scarlett O'Hara eran franceses e irlandeses. Idénticamente, los padres de la señorita Leigh son franceses e irlandeses».[6]

Guion

La historiadora Joanne Yeck dijo sobre Sidney Howard, quien escribió el guion original de la película: «Reducir la complejidad de las dimensiones épicas de Lo que el viento se llevó fue una tarea hercúlea ... y la primera entrega de Howard era demasiado larga y habría requerido al menos seis horas de película; ... [el productor] Selznick quería que Howard permaneciera en el plató para hacer revisiones ... pero Howard se negó a dejar Nueva Inglaterra [y] como resultado, las revisiones estuvieron a cargo de una gran cantidad de escritores locales».[15]​ Selznick despidió al director, George Cukor, tres semanas después de iniciar el rodaje y buscó a Victor Fleming, que por entonces estaba dirigiendo El mago de Oz. Fleming no estaba satisfecho con el guion, por lo que Selznick encargó al reconocido escritor Ben Hecht que lo reescribiera por completo en cinco días. Hecht retomó el borrador original de Howard y al final de la semana había conseguido revisar la primera mitad del guion. El propio Selznick inició la reescritura de la segunda mitad, pero se quedó retrasado, por lo que Howard volvió a trabajar en el guion durante una semana, revisando varias escenas clave de la segunda parte.[16]

 

«En el momento del lanzamiento de la película en 1939, había algunas cuestiones planteadas sobre quién debería aparecer en los créditos de pantalla», escribe Yeck, «pero a pesar de la cantidad de escritores y de cambios, el guion final estaba significativamente cerca a la versión de Howard. El hecho de que solo aparezca el nombre de Howard en los créditos puede haber sido tanto un gesto en su memoria como a su escritura, en 1939 Sidney Howard murió a los 48 años en un accidente con un tractor agrícola, antes del estreno de la película».[15]​ Selznick, en una nota escrita en octubre de 1939, decía sobre los créditos de la película: «Pueden decir francamente que, de la comparativamente pequeña cantidad de material en la película que no es del libro, la mayoría es mía personalmente, y las únicas líneas originales de diálogo que no son mías son algunas de Sidney Howard y algunas de Ben Hecht y unas pocas más de John Van Druten. En este momento dudo que haya diez palabras originales de [Oliver] Garrett en todo el guion. En cuanto a la elaboración, aproximadamente el ochenta por ciento es mía, y el resto se reparte entre Jo Swerling y Sidney Howard, con la contribución material de Hecht en la elaboración de una secuencia.»[n 3][17]

Según el biógrafo de Hecht, William MacAdams: «Al amanecer del domingo 20 de febrero de 1939, David Selznick ... y el director Victor Fleming despertaron bruscamente a Hecht para informarle que estaba cedido a la MGM y debía ir con ellos inmediatamente e ir a trabajar en Lo que el viento se llevó, que Selznick había comenzado a rodar cinco semanas antes». A Selznick le costaba 50 000 dólares diarios y la película estaba en suspenso esperando una reescritura final del guion y el tiempo era esencial. Hecht estaba trabajando en la película Una tarde en el circo, de los hermanos Marx. Recordando el episodio en una carta a su amigo guionista Gene Fowler, dijo que no había leído la novela, pero Selznick y el director Fleming no podían esperar a que la leyera. Debían representar escenas basadas en el guion original de Sidney Howard que necesitaba ser reescrito a toda prisa. Hecht escribió: «Después de representar y discutir cada escena, me senté a la máquina de escribir y lo escribí. Selznick y Fleming, ansiosos de continuar con su rodaje, me apresuraban. Trabajamos de esta manera durante siete días, entre dieciocho y veinte horas diarias. Selznick se negó a dejarnos almorzar, argumentando que la comida nos retrasaría. Nos proporcionaba plátanos y cacahuetes salados ... así, al séptimo día, había completado, ileso, los primeros nueve rollos de la epopeya de la Guerra Civil.»

MacAdams continúa diciendo: «Es imposible determinar exactamente cuánto escribió Hecht ... En los créditos oficiales archivados por la Screen Writers Guild,[n 4]​ Sidney Howard fue, por supuesto, el único acreditado en pantalla, pero fueron agregados otros cuatro escritores ... Jo Swerling por contribuir al proceso, Oliver H. P. Garrett y Barbara Keon a la elaboración del guion, y Hecht, al diálogo ...»[18]

Rodaje

El incendio de Atlanta, en el tráiler de la película.

La fotografía principal comenzó el 26 de enero de 1939 y terminó el 1 de julio, y los trabajos de posproducción continuaron hasta el 11 de noviembre de 1939. El director George Cukor, con quien Selznick tenía una larga relación de trabajo y que había pasado casi dos años en la preproducción de la película, fue reemplazado después de menos de tres semanas de rodaje.[10][n 5]​ Selznick y Cukor ya habían discrepado sobre el ritmo de rodaje y el guion,[10][20]​ pero algunos apuntan a que la salida de Cukor pudo ser debida al malestar de Gable para trabajar con él. Emanuel Levy, biógrafo de Cukor, afirmó que Clark Gable había trabajado en el circuito gay de Hollywood como gigoló y que Cukor conocía su pasado, por lo que Gable usó su influencia para que le despidieran.[21]​ Vivien Leigh y Olivia de Havilland se enteraron del despido de Cukor el día en que se filmó la escena de la venta benéfica de Atlanta, y la pareja se dirigió a la oficina de Selznick con el vestuario de rodaje todavía puesto y le imploraron que cambiara de opinión. Victor Fleming, que en ese momento dirigía El mago de Oz, fue llamado por la MGM para completar la película, aunque Cukor continuó instruyendo a Leigh y De Havilland en privado. Otro director de la MGM, Sam Wood, trabajó durante dos semanas en mayo cuando Fleming abandonó temporalmente la producción debido al agotamiento. Aunque algunas de las escenas de Cukor se volvieron a filmar, Selznick estimó que «tres rollos completos» de su trabajo se mantuvieron en la película. Al final del rodaje, Cukor había asumido dieciocho días de filmación, Fleming noventa y tres y Wood veinticuatro.[10]

Al inicio de la producción Lee Garmes fue el director de fotografía, pero el 11 de marzo de 1939, tras un mes de rodaje que Selznick y sus asociados consideraban «demasiado oscuro», fue sustituido por Ernest Haller, que trabajó con Ray Rennahan, como director de fotografía de Technicolor. Garmes completó el primer tercio de la película (en su mayor parte todo lo sucedido antes de que Melanie tuviera el bebé) pero no figuró en los créditos.[22]​ La mayor parte del rodaje se realizó en un plató de Selznick International conocido como Forty Acres, y todo el rodaje de exteriores se desarrolló en California, principalmente en el condado de Los Ángeles o el vecino condado de Ventura.[23]​ La residencia principal de Tara, la plantación ficticia del sur de la plantación, existió solamente como una fachada de madera contrachapada y papel maché construida en los terrenos del estudio de Selznick.[24]​ Para el incendio de Atlanta se construyeron fachadas falsas delante de viejos decorados abandonados de otras películas de los estudios Selznick, y el propio Selznick operó los controles de los explosivos que los quemaron.[5]​ Algunas fuentes del momento estimaron los costes de producción en 3,85 millones de dólares, que la convertían en la segunda película más cara hasta ese momento, tras Ben-Hur (1925).[25][n 6]

Aunque persiste la leyenda de que la oficina responsable del cumplimiento del código Hays multó a Selznick con 5000 $ por utilizar la palabra «damn» (en la versión en español se tradujo como «me importa un bledo») en la última frase de Rhett Butler cuando se marcha al final de la película, en realidad la junta de la MPAA aprobó una enmienda al código el 1 de noviembre de 1939 que prohibió el uso de las palabras «hell» o «damn», excepto cuando su uso fuera «esencial y necesario para representar, en el contexto histórico apropiado, cualquier escena o diálogo basado en hechos históricos o folklore ... o una cita de una obra literaria, siempre que tal uso no fuera intrínsecamente censurable u ofendiera el buen gusto», por lo que, con esta enmienda, la oficina de vigilancia del código no tenía ninguna objeción al diálogo final de Butler.[27]

Vestuario

El vestuario de la película corrió a cargo del diseñador Walter Plunkett, quien a modo de preparación se embarcó durante cuatro meses en un viaje de investigación no remunerado por el sur de Estados Unidos, contando únicamente con un contrato sin exclusividad por el que se le pagarían 600 dólares a la semana en los dos meses de preproducción y 750 por cada siete días de rodaje, además de una carta de presentación dirigida a Margaret Mitchell, a quien visitó en su casa de Georgia. Gracias a Mitchell, Plunkett conoció el ingenio de las mujeres de aquella época, las cuales usaban cáscaras de nueces y piedras como botones y ramas de espinos como broches para poder confeccionar la ropa durante el bloqueo al que la Unión sometió a los estados sureños durante la guerra de Secesión. En los Museos de las Hijas de la Confederación de Savannah y Charleston, Plunkett obtuvo trozos de telas cortadas de los dobladillos de trajes auténticos, los cuales solían estar decorados con diminutos estampados. Para este exhaustivo y considerable trabajo, el diseñador creó más de 5000 piezas para cincuenta personajes y un centenar de extras.[28]

En lo que respecta al vestuario del personaje de Scarlett, para quien elaboró treinta y cinco conjuntos, las flores de algunos de ellos, como el vestido floral en tonos blanco y verde que luce en una de las escenas iniciales de la película, estas poseen un tamaño superior al original debido a la decisión del diseñador de doblar el tamaño de las mismas con el fin de hacerlas más nítidas y llamativas. Del mismo modo, Plunkett empleó los tejidos y los colores con el fin de enfatizar y subrayar los acontecimientos más destacados de la vida de la protagonista, empleando organdí, tul, algodón y tonalidades luminosas para vestir a Scarlett en sus años de juventud, y tejidos como seda y terciopelo oscuro a medida que madura y se enfrenta a situaciones dramáticas.[28]

Para el traje de novia de la protagonista, Plunkett recreó un vestido anticuado, en seda satinada y con mangas abullonadas muy de moda treinta años antes de los acontecimientos narrados en el largometraje debido a que Scarlett, quien tomó la decisión de casarse con Charles Hamilton antes de que este fuese a la guerra, se vio obligada por falta de tiempo a llevar el traje de novia de su madre, motivo por el cual el diseñador elaboró intencionadamente un vestido que no se ajustaba al cuerpo de Vivien Leigh.[28]

Plunkett tomó además la decisión de incluir varios códigos de color para el personaje de Scarlett en función de las situaciones plasmadas. De esta forma, para las escenas de seducción el diseñador optó por el color verde, siendo ejemplo de ello el vestido escotado que Scarlett luce para la barbacoa en «Los doce robles», así como el traje elaborado con cortinas de terciopelo cuando la protagonista acude a visitar a Rhett a la cárcel. Para las escenas pasionales, violentas y de tensión, Plunkett escogió el rojo, siendo este el color del llamativo vestido de pedrería que Rhett obliga a Scarlett a llevar puesto en la fiesta de cumpleaños de Ashley, el color de la bata de terciopelo que luce en la posterior discusión con su marido y también el tono del traje que lleva puesto cuando su hermana Suellen descubre que Scarlett se ha casado con su prometido Frank Kennedy. Por último, para las escenas de peligro se decantó por el color azul, destacando el vestido que Scarlett lleva puesto cuando es asaltada en un puente camino del aserradero así como el traje de amazona que luce su hija Bonnie cuando cae del caballo. Los únicos vestidos que constituyeron excepciones a estos códigos fueron el traje de novia, los vestidos de luto y el traje blanco con volantes mostrado al inicio de la película.[29]

Música

La melodía «Tara», del tráiler de la película.

Para componer la banda sonora Selznick eligió a Max Steiner, con quien había trabajado en la RKO Pictures a principios de los años 1930. Warner Bros., que había contratado a Steiner en 1936, acordó cedérselo a Selznick. Steiner pasó doce semanas trabajando en la música de la película, el período más largo que había dedicado a escribir una banda sonora, y las dos horas y treinta y seis minutos de la película era también la de mayor duración que había escrito. Se contrataron cinco orquestistas: Hugo Friedhofer, Maurice de Packh, Bernard Kaun, Adolph Deutsch y Reginald Bassett. La banda sonora se caracteriza por dos temas de amor, uno para el dulce amor de Ashley y Melanie y otro que evoca la pasión de Scarlett por Ashley; es remarcable que no hay un tema de amor de Scarlett y Rhett. Steiner se basó sobre todo en la música popular y patriótica, e incluyó temas de Stephen Foster como «Louisiana Belle», «Dolly Day», «Ringo De Banjo», «Beautiful Dreamer», «Old Folks at Home» y «Katie Belle», que era la base del tema de Scarlett; otras canciones destacadas son: «Marching through Georgia», de Henry Clay Work, y «Dixie», «Garryowen» y «The Bonnie Blue Flag». El tema que más se asocia hoy en día con la película es la melodía de Tara, la plantación de los O'Hara; a principios de la década de 1940, el tema «Tara» conformó la base musical de la canción «My Own True Love», de Mack David. La banda sonora está compuesta por noventa y nueve piezas musicales en total. Debido a la presión por completar el apartado musical en plazo, Steiner recibió ayuda en la composición de Friedhofer, Deutsch y Heinz Roemheld, además de dos entras breves, de Franz Waxman y William Axt, extraídas de los archivos sonoros de la MGM.[30]

Lanzamiento

El 9 de septiembre de 1939, Selznick, su esposa Irene, el inversor John «Jock» Whitney y el editor Hal C. Kern se dirigieron a Riverside, California, para el preestreno de la película en el Fox Theatre. La película todavía estaba en fase de primer corte, le faltaban los créditos y los efectos ópticos especiales. La proyección duró cuatro horas y veinticinco minutos, pero posteriormente se redujo a menos de cuatro horas para su estreno. En el cine ese día se proyectaba una sesión doble con las películas Hawaiian Nights y Beau Geste y no se había informado al público de que hubiera otra proyección; después de la primera función se anunció que al final se iba a proyectar un preestreno; se informó al público de que podían irse pero no se les permitiría volver a entrar una vez que hubiera comenzado la película, ni se permitiría salir a hacer llamadas telefónicas una vez que se hubieran cerrado las puertas. Cuando apareció el título en la pantalla el público aplaudió y al finalizar recibió una ovación con la gente en pie.[10][31]​ En su biografía de Selznick, el crítico e historiador David Thomson escribió que la reacción del público antes de que hubiera comenzado la película «fue el momento más grande de su [de Selznick] vida, la mayor victoria y la redención de todas sus faltas»",[32]​ con Selznick describiendo las postales de presentación de la película como «probablemente el cuadro más asombroso que nunca hubiera tenido».[33]​ Cuando durante las entrevistas de prensa a principios de septiembre le preguntaron que sentimientos tenía sobre la película, Selznick dijo: «Al mediodía pienso que es divina, a medianoche pienso que es pésima. A veces creo que es la mejor película jamás rodada. Pero si es solo una gran película, todavía estaré satisfecho».[25]

 
Estreno de la película en el Loew's Grand Theatre, en Atlanta.

El estreno de la película en el Loew's Grand Theatre de Atlanta el 15 de diciembre de 1939 fue espectacular. Fue el clímax de tres días de festividades organizadas por el alcalde de la ciudad, William B. Hartsfield, que incluían un desfile de limusinas con protagonistas de la película, recepciones, miles de banderas Confederadas y un baile de disfraces. Eurith D. Rivers, el gobernador de Georgia, declaró el 15 de diciembre como día festivo en el estado. Unos 300 000 residentes y visitantes se agolparon a lo largo de las calles de Atlanta para ver el desfile de limusinas con las estrellas de la película desde el aeropuerto. Años después, el presidente Jimmy Carter calificó el estreno de la película como «el mayor acontecimiento en el sur de toda mi vida».[34]​ Solamente el actor Leslie Howard y el director Victor Fleming decidieron no asistir: Howard había vuelto a Inglaterra debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, y Fleming había discutido con Selznick y se negó a asistir a ese y a posteriores estrenos.[25][33]​ Tampoco estaba Hattie McDaniel, ya que ella y los demás miembros del elenco de raza negra no pudieron asistir al estreno debido a las leyes Jim Crow de Georgia, normas segregacionistas que les impedían sentarse con sus colegas blancos. Al enterarse de que McDaniel había sido excluida del estreno, Clark Gable amenazó con boicotear el evento, pero McDaniel lo convenció para que asistiera.[35]​ A este estreno le siguieron los de Nueva York (el 19 de diciembre) y Los Ángeles (el 28 de diciembre); a este último asistieron algunas de las actrices que habían sido consideradas para desempeñar el papel de Scarlett, como Paulette Goddard, Norma Shearer y Joan Crawford.[33]

Desde diciembre de 1939 hasta julio de 1940, la película solo se proyectó en un número limitado de cines en los que había que hacer previamente una reserva para asistir y a un precio de más de 1 dólar, más del doble del precio habitual de un estreno, y la MGM estableció unos derechos del 70 % de los ingresos de taquilla, algo sin precedentes, ya que lo habitual por entonces era un 30-35 %. Tras la saturación de este tipo de exhibición en cines, la MGM revisó los términos, reduciendo los derechos a un 50 % y redujo a la mitad los precios de las entradas, antes de que finalmente en 1941 empezara a distribuirse a precios «populares».[36]​ Entre costes de distribución y publicidad, el presupuesto de gastos total de la película alcanzó los siete millones de dólares.[33][37]

En Uruguay se estrenó el 25 de septiembre de 1940, en Argentina al día siguiente, en Perú el 10 de octubre del mismo año y en México el 22 de enero de 1941.[38]​ Sin embargo, a causa de la censura, en España fue prohibida y no se estrenó hasta el 17 de noviembre de 1950,[38]​ solo en Madrid y Barcelona y con una clasificación de la iglesia católica de 3R (mayores con reparo) y 4 (gravemente peligrosa), calificación que podía suponer riesgo de excomunión para los creyentes que vieran la película,[39][40]​ aunque en febrero de 1943 la película se había proyectado sin censura previa de forma privada en un cine de Madrid ante algunos espectadores ilustres, entre los que se encontraba el obispo de Madrid, y en marzo en la propia residencia del dictador Francisco Franco.[41]

Reestrenos

 
Cartel del reestreno de 1967.

En 1942, Selznick liquidó su compañía por motivos fiscales y vendió su parte de la película a su socio John Whitney por 500 000 dólares. A su vez, Whitney la vendió a la MGM por 2,8 millones, con lo que el estudio se hizo con la totalidad de los derechos de la película.[37]​ La MGM reestrenó inmediatamente la película en la primavera de 1942,[16]​ y de nuevo en 1947 y 1954;[10]​ en este reestreno de 1954 la película se proyectó por primera vez en pantalla panorámica (cambiando con ello la relación de aspecto estándar de 1,37:1 establecido por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en 1932), cortando la parte superior e inferior hasta dejarla con una relación de aspecto de 1,75:1. Con motivo de la celebración del centenario del comienzo de la Guerra de Secesión, en 1961, se llevó a cabo otro reestreno, que incluyó una gran gala de «estreno» en el Loew's Grand Theatre de Atlanta, que contó con la presencia de Selznick y muchas otras estrellas de la película, como Vivien Leigh y Olivia de Havilland;[42]​ Clark Gable había muerto el año anterior.[43]​ Para su reestreno de 1967 se pasó al formato 70 mm,[10]​ y se imprimieron nuevos carteles con Gable, con una camisa blanca abierta, sosteniendo a Leigh con un fondo de llamas naranja.[42]​ En 1971, 1974 y 1989 hubo nuevos reestrenos; en el de 1989 se celebraba el cincuentenario de su estreno inicial y se realizó una restauración completa de audio y vídeo. En 1998 se lanzó una vez más en los cines de Estados Unidos.[44][45]​ En 2013 se estrenó una reedición digital con resolución 4K en el Reino Unido para celebrar el centenario del nacimiento de Vivien Leigh.[46]​ En 2014 se realizaron proyecciones especiales durante dos días en cines de Estados Unidos para celebrar el 75 aniversario de la película.[47]

Televisión y formato doméstico

La película se estrenó por primera vez en televisión en la cadena por cable HBO el 11 de junio de 1976, emitiéndose en esta cadena catorce veces durante el resto del mes. Hizo su debut en abierto en noviembre de ese mismo año: la NBC pagó cinco millones de dólares por una única emisión, realizada en dos partes en noches sucesivas. Con una audiencia del 47,5 % de los hogares de Estados Unidos y el 65 % de los espectadores, se convirtió en ese momento en el programa de televisión de mayor audiencia jamás emitido en una sola cadena. En 1978 la CBS firmó un acuerdo por valor de 35 millones de dólares para transmitir la película veinte veces durante varios años.[16][45]​ la Turner Entertainment le compró la película a la MGM en 1986, pero el acuerdo no incluyó los derechos televisivos, que aún estaban en manos de la CBS. Posteriormente se llegó a un acuerdo por el que los derechos fueron devueltos a la Turner junto los de El mago de Oz, también propiedad de la CBS;[16]​ este acuerdo se utilizó para lanzar dos canales por cable propiedad de Turner Broadcasting System: Turner Network Television (TNT) (1988) y Turner Classic Movies (TCM) (1994).[48][49]​ Apareció por primera vez en videocinta en marzo de 1985, situándose segunda en las listas de ventas,[16]​ y posteriormente fue lanzada en formato DVD y Blu-ray.[42]

Recepción

Respuesta de la crítica

Tras su estreno, la película cosechó buenas críticas por parte de la mayoría de las revistas de consumo y prensa en general.[10]​ Sin embargo, aunque la producción, logros técnicos y lo ambicioso del proyecto fueron universalmente reconocidos, algunos críticos de la época consideraron que la película tenía una duración demasiado extensa y era poco convincente desde el punto de vista dramático. Frank S. Nugent resumió en el The New York Times el sentimiento general al reconocer que si bien fue la producción cinematográfica más ambiciosa hasta aquel momento, probablemente no fue la mejor película jamás realizada, pero consideraba que era una «historia interesante bellamente contada».[50]​ Franz Hoellering opinaba lo mismo en las páginas del The Nation: «El resultado es una película que supone un acontecimiento importante en la historia de la industria del cine, pero solo un logro menor en el arte cinematográfico. Hay momentos en que las dos categorías se unen con buenos resultados, pero los grandes tramos entre ellos se rellenan con una mera eficacia espectacular».[51]

«El resultado es una película que supone un acontecimiento importante en la historia de la industria del cine, pero solo un logro menor en el arte cinematográfico.»
—Franz Hoellering, crítico de The Nation

Si bien la película fue elogiada por su fidelidad a la novela,[50]​ también se considera que este hecho fue el principal causante de su excesiva duración.[52]​ John C. Flinn opinaba en Variety que: «En su deseo al parecer de no dejar nada fuera, Selznick ha dejado demasiado» y que, como entretenimiento, la película habría mejorado si se hubieran recortado algunas escenas y diálogos redundantes de la última parte de la historia.[52]The Manchester Guardian consideró que el mayor inconveniente de la película era que la historia carecía de la calidad épica suficiente para justificar el dispendio del tiempo y encontró la segunda parte, que se centra en los «matrimonios irrelevantes» de Scarlett y las «disputas domésticas», mayoritariamente superfluas, cuyo única razón para su inclusión había sido «simplemente porque Margaret Mitchell lo escribió así». The Guardian creía que si «la historia se hubiera acortado y arreglado en el punto señalado para el intermedio, y si el drama personal se hubiera puesto al servicio de un tratamiento cinematográfico del tema central —el colapso y la devastación del Viejo Sur—, entonces Lo que el viento se llevó podría haber sido una película realmente grande.»[53]​ Del mismo modo, en The Nation, Hoellering también consideró que la segunda mitad de la película era más floja que la primera: la identificación de la Guerra Civil como fuerza impulsora de la primera parte mientras los personajes dominan en la segunda, llegando a la conclusión de que ahí es donde se encuentra el principal defecto de la película, comentando que «los personajes por sí solos no bastan». A pesar de muchas escenas excelentes, consideró que el drama no era convincente y que el «desarrollo psicológico» se había descuidado.[51]

La mayor parte de los elogios fueron para el reparto, especialmente para Vivien Leigh que se destacó por su actuación como Scarlett. Nugent la describió como el «eje central de la película» y consideró que estaba «diseñada tan perfectamente para el personaje por su destreza y naturaleza que cualquier otra actriz sería inconcebible para el papel».[50]​ De manera similar, Hoellering la encontró «perfecta» en «aspecto y movimientos»; consideró que actuaba mejor cuando se le permitía «acentuar la doble personalidad que ella representa» y creyó que era particularmente impresionante en algunos momentos de caracterización como la mañana después de la escena de la violación marital.[51]​ Flinn también la consideró adaptada físicamente al papel y creía que destacaba en las escenas donde la actriz exhibe valor y determinación, como la huida de Atlanta y cuando Scarlett mata a un desertor yanqui.[52]​ Leigh ganó con esta interpretación el galardón como mejor actriz en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 1939.[54]​ De la actuación de Clark Gable en su papel de Rhett Butler, Flinn consideró que la caracterización fue «tan próxima a la concepción de la señorita Mitchell —y de la audiencia— como cabría imaginar»,[52]​ un punto de vista con el que Nugent estuvo de acuerdo,[50]​ aunque Hoellering opinó que Gable no estuvo convincente en las escenas cercanas, ya que Rhett deja a Scarlett con disgusto.[51]​ Respecto a los demás miembros principales del reparto, tanto Hoellering como Flinn encontraron a Leslie Howard «convincente» como el débil de carácter Ashley, y Flinn consideró a Olivia de Havilland «destacada» en su papel como Melanie;[51][52]​ Nugent también destacó la actuación de Havilland, describiéndola como «elegante, digna, tierna gema de caracterización».[50]​ La interpretación de Hattie McDaniel en el papel de Mammy fue elogiada por muchos críticos: Nugent consideró que ofreció la mejor interpretación en la película después de Vivien Leigh,[50]​ y Flinn la situaba en tercer lugar después de las interpretaciones de Leigh y de Gable.[52]

Premios Óscar

 
Hattie McDaniel, el primer actor de raza negra que ganó un Óscar.

En el XII Certamen de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, la película estableció un récord de premios y nominaciones a los Óscar, al ganar en ocho de las categorías competitivas en las trece para las que fue nominada. Ganó los premios a la mejor película, el mejor director, la mejor actriz, la mejor actriz de reparto, al mejor guion adaptado, a la mejor fotografía, a la mejor dirección artística y al mejor montaje, y recibió dos premios honoríficos adicionales por su utilización de equipo y color, y también se convirtió en la primera película a color en ganar el Óscar a la mejor película.[55][56]​ Su récord de ocho victorias en categorías competitivas se mantuvo hasta que Gigi (1958) ganó nueve, y su récord de diez premios en total fue batido por Ben-Hur (1959), que ganó once.[57]Lo que el viento se llevó también mantuvo el récord de mayor número de nominaciones hasta que All About Eve (1950) obtuvo catorce.[11]

Hattie McDaniel se convirtió en la primera afrodescendiente en ganar un premio Óscar, superando a su compañera de reparto, Olivia de Havilland, que también había sido nominada en la misma categoría. Al igual que durante el estreno de la película, McDaniel sufrió las humillantes normas segregacionistas de la época durante la ceremonia de entrega de los premios en el Coconut Grove del Hotel Ambassador de Los Ángeles, pues mientras todos los miembros de raza blanca del reparto se sentaron juntos, ella y su acompañante fueron obligados a sentarse en una mesa separada en la parte posterior de la sala.[58]

El guionista Sidney Howard se convirtió en el primer ganador póstumo de un Óscar y Selznick recibió el Premio en memoria de Irving Thalberg por su trayectoria profesional.[11][55]

Premios y nominaciones a los Óscar
Premio Nominado(s) Resultado
Mejor película Selznick International Pictures Ganador
Mejor director Victor Fleming Ganador
Mejor actor Clark Gable
El ganador fue Robert Donat por Adiós, Mr. Chips
Nominado
Mejor actriz Vivien Leigh Ganador
Mejor guion adaptado Sidney Howard Ganador
Mejor actriz de reparto Hattie McDaniel Ganador
Mejor actriz de reparto Olivia de Havilland Nominado
Mejor fotografía (Color) Ernest Haller y Ray Rennahan Ganador
Mejor montaje Hal C. Kern y James E. Newcom Ganador
Mejor dirección artística Lyle Wheeler Ganador
Mejores efectos visuales Jack Cosgrove, Fred Albin y Arthur Johns
Los ganadores fueron Fred Sersen y E. H. Hansen por The Rains Came
Nominado
Mejor banda sonora Max Steiner
El ganador fue Herbert Stothart por El mago de Oz
Nominado
Mejor sonido Thomas T. Moulton (Departamento de sonido del Samuel Goldwyn Studio)
El ganador fue Bernard B. Brown (Departamento de sonido del Universal Studio) por When Tomorrow Comes
Nominado
Premio especial William Cameron Menzies
Por su excepcional utilización del color para la mejora del dramatismo en la producción de Lo que el viento se llevó.
Honorario
Logros técnicos Don Musgrave y Selznick International Pictures
Como pioneros en la utilización de equipos coordinados en la producción de Lo que el viento se llevó.
Honorario

Respuesta del público

 
Una larga cola para adquirir una entrada de la película en un cine de Japón en 1952.

Tras su estreno, la película batió récords de asistencia. Solo en el Capitol Theatre de Nueva York, tuvo una asistencia media de 11 000 espectadores diarios a finales de diciembre,[36]​ y en los cuatro primeros años tras su lanzamiento había vendido unos 60 millones de entradas en Estados Unidos, equivalente a casi la mitad de la población del país por entonces.[59][60]​ En el extranjero también fue un éxito de público. A pesar de estrenarse durante el Blitz, en Londres fue un gran éxito y se mantuvo en cartel durante cuatro años.[61]​ Cuando la MGM la retiró de las carteleras a finales de 1943, su distribución mundial había obtenido una recaudación bruta (la parte correspondiente al estudio de la taquilla bruta) de 32 millones de dólares, convirtiéndola en la película más rentable jamás realizada hasta aquel momento.[11][16]

 
Cola para ver la película en Pensacola, Florida, durante su reestreno de 1947.

Cuando se reestrenó en 1947, ganó 5 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, y fue uno de los diez estrenos con mayor asistencia del año.[37][62]​ Los exitosos reestrenos de 1954 y 1961 le permitieron conservar su posición como la principal fuente de ingresos de la industria cinematográfica, a pesar de los grandes éxitos de películas más recientes como Ben-Hur,[63]​ aunque finalmente fue superada por The Sound of Music en 1966.[64]​ El reestreno de 1967 la convirtió en la reposición de mayor éxito en la historia de la industria cinematográfica; generó una taquilla de 68 millones de dólares, la película más lucrativa de la MGM después de Doctor Zhivago (1965).[65]​ La MGM ganó 41 millones de dólares con este reestreno.[66]​ El nuevo lanzamiento de 1971 le permitió situarse brevemente a la cabeza de los récords de taquilla, con un total bruto a nivel mundial de cerca de 116 millones de dólares a finales de 1971, más del triple de sus ganancias en su lanzamiento inicial, antes de perder el primer puesto de nuevo al año siguiente con el estreno de El padrino.[45][67]

Entre su estreno y posteriores lanzamientos, se estima que la película vendió más de 200 millones de entradas en los Estados Unidos y Canadá,[59]​ y 35 millones en el Reino Unido,[68]​ el mayor número de entradas vendidas por cualquier película en esos países.[69][70]​ En total, Lo que el viento se llevó ha recaudado en taquilla más de 390 millones de dólares a nivel mundial;[71]​ en 2007 Turner Entertainment estimó los ingresos equivalentes a aproximadamente 3.3 mil millones de dólares si se ajusta la inflación a los precios actuales, y El libro Guinness de los récords estimaba una cifra de 3,44 mil millones de dólares en 2014, convirtiéndola en la película de mayor éxito en taquilla de la historia del cine.[72]

La película sigue siendo inmensamente popular entre el público en el siglo XXI; ha sido votada la película más popular entre los estadounidenses en dos encuestas realizadas por Harris Interactive en 2008 y 2014, respectivamente.[73][74]

Críticas de racismo

Los comentaristas afroamericanos criticaron la película por su representación de los personajes de raza negra y como una glorificación de la esclavitud. Carlton Moss, un guionista, actor y director negro, se quejaba en una carta abierta considerando que mientras que El nacimiento de una nación era un «ataque frontal a la historia americana y al pueblo negro», Lo que el viento se llevó era un «ataque por la espalda al mismo». Moss criticó todavía más las estereotipadas caracterizaciones de los personajes negros, como el «perezoso y torpe Pork», la «indolente y completamente irresponsable Prissy», la «radiante aceptación de la esclavitud» de Big Sam, o Mammy con su «constante arenga y mimos para cada deseo de Scarlett».[75]​ Tras la victoria de Hattie McDaniel en los Premios Óscar, Walter Francis White, líder de la National Association for the Advancement of Colored People, la acusó de ser un Tío Tom, a lo que McDaniel respondió que prefería «conseguir setecientos dólares a la semana representando a una criada que siete dólares siendo una»; también cuestionó la cualificación de White para hablar en nombre de los negros, ya que él era de piel clara y tenía solo una octava parte de negro.[58]

La película ha sido criticada por perpetuar los mitos de la Guerra de Secesión y los estereotipos sobre las personas de raza negra.[76]​ El historiador británico David Reynolds escribió que en esta película «las mujeres blancas son elegantes, sus hombres nobles o por lo menos galantes y, en el otro extremo, los esclavos negros son en su mayoría obedientes y felices, claramente incapaces de una existencia independiente». Reynolds comparó la película con El nacimiento de una nación y otras representaciones del Sur durante la era de la segregación, en la que los habitantes sureños blancos son retratados como defensores de los valores tradicionales y la cuestión de la esclavitud ha sido ignorada en gran medida.[77]​ La película ha sido descrita como una «regresión» que promueve el mito del violador negro y el papel honorable y defensivo del Ku Klux Klan durante la Reconstrucción,[78]​ y como una película de «propaganda social» que ofrece una visión de la «supremacía blanca» del pasado.[76]​ En su libro American History Goes to the Movies: Hollywood and the American Experience, W. Bryan Rommel Ruiz ha argumentado que, a pesar de las objetivamente claras inexactitudes en su descripción del período de la Reconstrucción, sin embargo la película refleja las interpretaciones que eran habituales a principios del siglo XX.[79]

Tras su estreno, la opinión entre en público de la comunidad negra estaba dividida, con unos calificándola como un «arma del terror contra la Norteamérica negra» y un insulto al público negro, con manifestaciones en contra llevadas a cabo en varias ciudades,[58]​ mientras que algunos sectores reconocieron que logros como los de McDaniel eran representativos de un progreso, y elogiaron la cálida e ingeniosa caracterización de McDaniel, y otros esperaban que el reconocimiento de su trabajo condujera a una mayor aparición en pantalla de otros actores negros. En su editorial de felicitación a McDaniel por haber ganado su Premio Óscar, la revista académica Opportunity: A Journal of Negro Life utilizó la película como un recordatorio del «límite» impuesto en la aspiración negra por viejos prejuicios.[58][75]​ El activista radical Malcolm X recordaba en sus memorias que al ver de niño la película en su pueblo natal en Míchigan «era el único negro en el cine, y cuando Butterfly McQueen entró en escena, tuve ganas de meterme bajo la alfombra».[80]

En 2017 la película fue retirada del programa del histórico Orpheum Theatre en Memphis (Tennessee) después de 34 años de presentaciones anuales debido a su idealización de la esclavitud y su contenido racialmente insensible.[81]​ El 9 de junio de 2020 fue retirada de HBO Max debido a las protestas por la muerte de George Floyd y en respuesta a una columna escrita por el guionista John Ridley que fue publicada en la edición de ese día de Los Angeles Times en la que pedía al servicio de streaming que retirara temporalmente la película de su catálogo. Un portavoz de HBO Max dijo que la película era «un producto de su época» y que por tanto reflejaba «prejuicios étnicos y raciales» que «estaban equivocados por entonces y que siguen estándolo hoy». Sin embargo, también indicó que la película volvería a estar disponible en una fecha posterior, aunque incorporaría «una discusión de su contexto histórico y una denuncia a dichas interpretaciones, pero será presentada como fue originalmente creada, porque actuar de otra manera sería lo mismo que decir que esos prejuicios nunca existieron. Si vamos a crear un futuro más justo, equitativo e inclusivo, debemos primero reconocer y comprender nuestra historia.»[82]

Evaluación posterior de la crítica

En marzo de 1973, la revista literaria y cultural The Atlantic publicó una serie de reseñas de conocidos críticos cinematográficos. En ella, Arthur Schlesinger señaló que las películas de Hollywood por lo general envejecen bien, pero en el caso de Lo que el viento se llevó el paso tiempo no le había sentado bien.[84]​ Por su parte, el crítico cinematográfico Richard Schickel considera que una posible medida de la calidad de una película es preguntarse qué se puede recordar de ella, y la película fracasa en ese aspecto: carece de imágenes y diálogos inolvidables.[85]​ Asimismo, Stanley Kauffmann también encontró que la película era una experiencia en gran medida olvidable, alegando que solo podía recordar dos escenas de manera vívida.[86]​ Tanto Schickel como Schlesinger la describieron como «mal escrita», con diálogos «floridos» y con una sensibilidad de «tarjeta postal».[84][85]​ Schickel también consideró que la película fracasa como arte popular, ya que no la considera una película que apetezca volver a ver, un sentimiento con el que Kauffmann también coincide, afirmando que tras verla dos veces espera «nunca volver a verla: dos veces es el doble de lo que necesitas en toda una vida».[85][86]​ Tanto Schickel como Andrew Sarris creen que el principal fracaso de la película radica en tener la sensibilidad de un productor más que la de un artista: habiendo pasado por manos de tantos directores y escritores, la película no da la sensación de haber sido «creada» o «dirigida», sino que emergió como «vapor de una cocina abarrotada», donde la principal fuerza creativa era la obsesión de un productor por hacer la película tan literalmente fiel a la novela como fuera posible.[85][87]​ Sarris admite que, a pesar de sus carencias artísticas, la película tiene una consideración en todo el mundo como el «espectáculo más querido jamás producido».[87]Judith Crist observa que, kitsch aparte, la película «sin duda sigue siendo la mejor y más duradera obra de entretenimiento popular que ha salido de las líneas de montaje de Hollywood», obra de un showman con «gusto e inteligencia».[88]​ Schlesinger señala que la primera mitad de la película tiene un «alcance y vigor» que aspira a su objetivo épico pero, de acuerdo con las críticas contemporáneas de la película, la vida personal toma el relevo en la segunda mitad y termina perdiendo ese objetivo entre un sentimentalismo poco convincente.[84]

La percepción de la película por parte de la crítica ha cambiado a lo largo de los años. En la prestigiosa encuesta de críticos que publica la revista Sight and Sound cada 10 años, se clasificó en el puesto 235.º en el año 2012,[89]​ y en 2015 sesenta y dos críticos de cine de varios países encuestados por la BBC la votaron como la 97.ª mejor película estadounidense.[90]

Reconocimiento de la industria cinematográfica

La película ha aparecido en varias encuestas destacadas de la industria cinematográfica: en 1977 fue votada la película más popular por el American Film Institute (AFI), en una encuesta celebrada entre los miembros de la organización;[10]​ la AFI también clasificó la película en cuarto lugar en 1998 en su lista 100 años... 100 películas,[91]​ y en el sexto lugar en la edición del 10.º aniversario de la lista, realizada en 2007.[92]​ Los directores de cine la clasificaron 322.ª en la edición del año 2012 de la encuesta decenal de Sight and Sound,[89]​ y en 2016 fue seleccionada como el noveno mejor «éxito de director» en una encuesta de miembros del Sindicato de Directores de Estados Unidos.[93]​ En 2014, se situó 15.ª en una extensa encuesta llevada a cabo por The Hollywood Reporter, que encuestó a todos los estudios, agencias, firmas de publicidad y productoras de la región de Hollywood.[94]

Lo que el viento se llevó fue seleccionada para su conservación en el National Film Registry de Estados Unidos en 1989.[11]

Influencia y legado

 
El primer archivista de los Estados Unidos, R. D. W. Connor (izquierda), recibiendo la película por parte del senador de Georgia Walter F. George (al fondo) y el Gerente de la División Este de Loew, Carter Barron (derecha) (1941).

En la cultura popular

Lo que el viento se llevó y su producción han sido explícitamente referenciadas, satirizadas, dramatizadas y analizadas en numerosas ocasiones a través de una gran variedad de medios de comunicación, desde obras contemporáneas como Second Fiddle, una película de 1939 que parodia «la búsqueda de Scarlett», hasta programas de televisión actuales como Los Simpson.[76][95][96]

The Scarlett O'Hara War, una dramatización televisiva de 1980 del casting de Scarlett,[97]Moonlight and Magnolias, obra de 2007 de Ron Hutchinson que dramatiza la reescritura del guion en cinco días por Ben Hecht,[98]​ o Went with the Wind!, un sketch en el The Carol Burnett Show que parodió la película tras la repercusión de su primera emisión en televisión en el año 1976, están entre los ejemplos más notables de su imperecedera presencia en la cultura popular.[16]​ En el extenso documental de 1988 The Making of a Legend: Gone with the Wind se detalla la historia de la difícil producción de la película.[99]​ En 1990, el Servicio Postal de los Estados Unidos emitió un sello que representaba a Clark Gable y Vivien Leigh abrazándose en una escena de la película.[100]

Secuela

Tras la publicación de la novela, Margaret Mitchell recibió una lluvia de peticiones de una secuela, pero afirmó no tener claro lo que le sucedió a Scarlett y Rhett, y que los había «dejado a su destino». Mitchell resistió la presión de Selznick y la Metro-Goldwyn-Mayer para que escribiera una secuela hasta su muerte en 1949. En 1975, su hermano, Stephens Mitchell, quien se hizo cargo del control de sus derechos, autorizó una secuela producida conjuntamente por la MGM y Universal Studios con un presupuesto de 12 millones de dólares. Anne Edwards fue la encargada de escribir la secuela como una novela con la idea de adaptarla posteriormente en un guion y publicarla al mismo tiempo que el lanzamiento de la película. Edwards presentó un manuscrito de 775 páginas titulado Tara, The Continuation of Gone with the Wind, situado entre 1872 y 1882 y centrándose en el divorcio de Scarlett y Rhett; la MGM no estaba satisfecha con la historia y rompió el acuerdo.[16]

La idea se retomó en la década de 1990, cuando finalmente se produjo una secuela en 1994, en forma de una miniserie de televisión. Scarlett se basó en la novela del mismo título de Alexandra Ripley, una secuela del libro de Mitchell. Los actores británicos Joanne Whalley y Timothy Dalton interpretaron los papeles de Scarlett y Rhett. La serie comienza tras el traslado de Scarlett a Charleston para intertar recuperar a Rhett y, al no conseguirlo viaja a Irlanda sin decirle que está embarazada de nuevo.[101][102]

Véase también

Notas y referencias

Notas
  1. Loew's era la empresa matriz de Metro-Goldwyn-Mayer.[1]
  2. Los créditos de apertura de la película tienen un error: George Reeves aparece como «Brent Tarleton», pero interpreta a Stuart, mientras que Fred Crane aparece en la lista como «Stuart Tarleton», pero interpreta a Brent.[3]
  3. [Y]ou can say frankly that of the comparatively small amount of material in the picture which is not from the book, most is my own personally, and the only original lines of dialog which are not my own are a few from Sidney Howard and a few from Ben Hecht and a couple more from John Van Druten. Offhand I doubt that there are ten original words of [Oliver] Garrett's in the whole script. As to construction, this is about eighty per cent my own, and the rest divided between Jo Swerling and Sidney Howard, with Hecht having contributed materially to the construction of one sequence.
  4. Antigua organización de guionistas de Hollywood establecida como sindicato en 1933.
  5. Selznick ya no estaba satisfecho con Cukor («un lujo muy caro») por no mostrarse más receptivo a dirigir otros encargos de Selznick, a pesar de que Cukor había estado en nómina desde principios de 1937. En una nota confidencial escrita en septiembre de 1938, Selznick ya se planteaba la posibilidad de remplazarlo con Victor Fleming.[17]Louis B. Mayer había estado intentando que Cukor fuera reemplazado por un director de la MGM desde que se iniciaron las negociaciones entre los dos estudios en mayo de 1938. En diciembre de 1938, Selznick escribió a su esposa acerca de una llamada telefónica que tuvo con Mayer: «Durante la conversación, tu padre lanzó otra pulla para sacar a George de Lo que el viento se llevó». [19]
  6. Time también decía que Los ángeles del infierno (Hell's Angels, 1930), dirigida por Howard Hughes, había costado más, pero posteriormente se comprobó que no era cierto. Se demostró que las cuentas de Los ángeles del infierno indicaban un coste de 2,8 millones de dólares, pero Hughes la publicitó diciendo que había costado 4 millones de dólares, vendiéndola así a los medios de comunicación como la película más cara que se había rodado hasta aquel momento.[26]
Referencias
  1. Gomery, Douglas; Pafort-Overduin, Clara (2011). Movie History: A Survey (2.ª edición). Taylor & Francis. p. 144. ISBN 9781136835254. 
  2. «Gone with the Wind (1939)». Box Office Mojo. Consultado el 25 de diciembre de 2020. 
  3. «Gone With the Wind». The American Film Institute Catalog of Motion Pictures. American Film Institute. Consultado el 20 de junio de 2017. 
  4. Noland, Claire (8 de abril de 2014). «Mary Anderson dies at 96; actress had role in 'Gone With the Wind'». Los Angeles Times. Consultado el 20 de junio de 2017. 
  5. Friedrich, Otto (1986). City of Nets: A Portrait of Hollywood in the 1940s. Berkeley y Los Ángeles: University of California Press. pp. 17-21. ISBN 978-0-520-20949-7. 
  6. . Harry Ransom Center. University of Texas at Austin. Archivado desde el original el 20 de diciembre de 2015. Consultado el 21 de junio de 2017. 
  7. . Gone With The Wind Online Exhibit. University of Texas at Austin: Harry Ransom Center. Archivado desde el original el 2 de junio de 2014. 
  8. «Lo que el viento se llevó cumple 75 años: 10 curiosidades del clásico eterno». Europa Press. 15 de diciembre de 2014. Consultado el 9 de julio de 2017. 
  9. Lambert, Gavin (febrero de 1973). «The Making of Gone With The Wind, Part I». The Atlantic Monthly. Consultado el 21 de junio de 2017. 
  10. «Gone with the Wind (1939) - Notes». TCM database. Turner Classic Movies. Consultado el 21 de junio de 2017. 
  11. Miller, Frank; Stafford, Jeff. . TCM database. Turner Classic Movies. Archivado desde el original el 26 de septiembre de 2013. 
  12. Haver, Ronald (1980). David O. Selznick's Hollywood. Nueva York: Alfred A. Knopf. ISBN 978-0-394-42595-5. 
  13. Pratt, William (1977). Scarlett Fever. Nueva York: Macmillan Publishers. pp. 73-74, 81-83. ISBN 978-0-02-598560-5. 
  14. Walker, Marianne (2011). Margaret Mitchell and John Marsh: The Love Story Behind Gone With the Wind. Peachtree Publishers. pp. 405-406. ISBN 978-1-56145-617-8. 
  15. Yeck, Joanne (1984). Dictionary of Literary Biography. American Screenwriters. Gale. 
  16. Bartel, Pauline (1989). The Complete Gone with the Wind Trivia Book: The Movie and More. Taylor Trade Publishing. pp. 64-69, 127, 161-172. ISBN 978-0-87833-619-7. 
  17. Selznick, David O. (1938-1939). Behlmer, Rudy, ed. Memo from David O. Selznick: the creation of Gone with the wind and other motion picture classics, as revealed in the producer's private letters, telegrams, memorandums, and autobiographical remarks. Nueva York: Modern Library (publicado el 2000). pp. 179-180, 224-225. ISBN 978-0-375-75531-6. 
  18. MacAdams, William (1990). Ben Hecht. Nueva York: Barricade Books. pp. 199-201. ISBN 978-1-56980-028-7. 
  19. Eyman, Scott (2005). Lion of Hollywood: The Life and Legend of Louis B. Mayer. Robson Books. pp. 258-259. ISBN 978-1-86105-892-8. 
  20. Myrick, Susan (1982). White Columns in Hollywood: Reports from the GWTW Sets. Macon, Georgia: Mercer University Press. pp. 126–127. ISBN 978-0-86554-044-6. 
  21. Capua, Michelangelo (2003). Vivien Leigh: A Biography. McFarland & Company. pp. 59-61. ISBN 978-0-7864-1497-0. 
  22. Turner, Adrian (1989). A celebration of Gone with the wind. Dragon's World. p. 114. 
  23. Molt, Cynthia Marylee (1990). Gone with the Wind on Film: A Complete Reference. Jefferson, Carolina del Norte: McFarland & Company. pp. 272-281. ISBN 978-0-89950-439-1. 
  24. Bridges, Herb (1998). The Filming of Gone with the Wind. Mercer University Press. p. PT4. ISBN 978-0-86554-621-9. 
  25. «Cinema: G With the W». Time. 25 de diciembre de 1939. pp. 1-2, 7. Consultado el 24 de junio de 2017. 
  26. Eyman, Scott (1997). The speed of sound: Hollywood and the talkie revolution, 1926-1930. Simon & Schuster. p. 253. ISBN 978-0-684-81162-8. 
  27. Leff, Leonard J.; Simmons, Jerold L. (2001). The Dame in the Kimono: Hollywood, Censorship, and the Production Code. University Press of Kentucky. p. 108. 
  28. Ochoa de Olano, Icíar (21 de marzo de 2016). «El arquitecto de Escarlata». La Verdad. Consultado el 11 de octubre de 2019. 
  29. Editorial Salvat, ed. (2003). Vestidos inolvidables. 
  30. MacDonald, Laurence E. (1998). The Invisible Art of Film Music: A Comprehensive History. Scarecrow Press. pp. 52-53. ISBN 978-1-880157-56-5. 
  31. Bell, Alison (25 de junio de 2010). «Inland Empire cities were once 'in' with Hollywood for movie previews». Los Angeles Times. Consultado el 25 de enero de 2013. 
  32. Thomson, David (1992). Showman: The Life of David O. Selznick. Nueva York: Knopf. ISBN 978-0-394-56833-1. 
  33. Lambert, Gavin (marzo de 1973). «The Making of Gone With The Wind, Part II». The Atlantic Monthly 265 (6): 56-72. 
  34. Cravens, Hamilton (2009). Great Depression: People and Perspectives. Perspectives in American Social History. ABC-CLIO. p. 221. ISBN 978-1-59884-093-3. 
  35. Harris, Warren G. (2002). Clark Gable: A Biography. Harmony Books. p. 211. 
  36. Schatz, Thomas (1999) [1997]. Boom and Bust: American Cinema in the 1940s. Volumen 6 of History of the American Cinema. University of California Press. pp. 65-66. ISBN 978-0-520-22130-7. 
  37. Shearer, Lloyd (26 de octubre de 1947). «GWTW: Supercolossal Saga of an Epic». The New York Times. Consultado el 29 de junio de 2017. 
  38. «Release Info». Internet Movie Database. Consultado el 29 de junio de 2017. 
  39. Amiguet, Teresa (15 de diciembre de 2014). «Los secretos que no se llevó el viento». La Vanguardia. Consultado el 3 de julio de 2017. 
  40. Camporesi, Valeria (2001). «Historias lejanas. Lecturas de Lo que el viento se llevó en la España franquista». Historia Contemporánea (22): 67-80. 
  41. Aguinaga, Pablo León (2010). Sospechosos habituales. El cine norteamericano, Estados Unidos y la España franquista, 1939-1960. CSIC Press. pp. 186, 450. ISBN 8400091043. 
  42. Brown, Ellen F.; Wiley, John, Jr. (2011). Margaret Mitchell's Gone With the Wind: A Bestseller's Odyssey from Atlanta to Hollywood. Taylor Trade Publications. pp. 287, 293 & 322. ISBN 978-1-58979-527-3. 
  43. Olson, James Stuart (2000). Historical Dictionary of the 1950s. Greenwood Publishing Group. p. 108. ISBN 978-0-313-30619-8. 
  44. Block, Alex Ben; Wilson, Lucy Autrey, eds. (2010). George Lucas's Blockbusting: A Decade-By-Decade Survey of Timeless Movies Including Untold Secrets of Their Financial and Cultural Success. HarperCollins. pp. 220-221. ISBN 978-0-06-177889-6. 
  45. Krämer, Peter (2005). The New Hollywood: From Bonnie And Clyde To Star Wars. Short Cuts. Volumen 30. Wallflower Press. p. 46. ISBN 978-1-904764-58-8. 
  46. Andrew, Geoff. . British Film Institute. Archivado desde el original el 1 de diciembre de 2013. 
  47. Fristoe, Roger. «Gone with the Wind: 75th Anniversary - Screenings and Events». Turner Classic Movies. Consultado el 29 de junio de 2017. 
  48. Clark, Kenneth R. (29 de septiembre de 1988). «Tnt Rides In On 'Gone With Wind'». Chicago Tribune. Consultado el 29 de junio de 2017. 
  49. Robert, Osborne. «Robert Osborne on TCM's 15th Anniversary». Turner Classic Movies. Consultado el 29 de junio de 2017. 
  50. Nugent, Frank S. (20 de diciembre de 1939). «The Screen in Review; David Selznick's 'Gone With the Wind' Has Its Long-Awaited Premiere at Astor and Capitol, Recalling Civil War and Plantation Days of South--Seen as Treating Book With Great Fidelity». The New York Times. Consultado el 3 de julio de 2017. 
  51. Hoellering, Franz (1939). «Gone With the Wind». The Nation. Consultado el 3 de julio de 2017. 
  52. Flinn, John C., Sr. (20 de diciembre de 1939). «Review: ‘Gone With the Wind’». Variety. Consultado el 7 de julio de 2017. 
  53. «Gone with the wind at the Gaiety». The Manchester Guardian. 28 de mayo de 1940. Consultado el 7 de julio de 2017. 
  54. «New York Film Critics Circle Awards – 1939 Awards». New York Film Critics Circle. Consultado el 7 de julio de 2017. 
  55. «The 12th Academy Awards - 1940». Academy Awards database. Academy of Motion Picture Arts and Sciences. Consultado el 7 de julio de 2017. 
  56. Randall, David; Clark, Heather (24 de febrero de 2013). «Oscars - cinema's Golden Night: The ultimate bluffer's guide to Hollywood's big night». The Independent. Consultado el 7 de julio de 2017. 
  57. Cutler, David (23 de febrero de 2013). Goldsmith, Belinda; Zargham, Mohammad, eds. «Factbox : Key historical facts about the Academy Awards». Reuters. Consultado el 7 de julio de 2017. 
  58. Haskell, Molly (2010). Frankly, My Dear: Gone With the Wind Revisited. Icons of America. Yale University Press. pp. 213-214. ISBN 978-0-300-16437-4. 
  59. Young, John (5 de febrero de 2010). «'Avatar' vs. 'Gone With the Wind». Entertainment Weekly. Consultado el 5 de febrero de 2013. 
  60. «About the 1940 Census». Official 1940 Census Website. National Archives and Records Administration. Consultado el 9 de julio de 2017. 
  61. «London Movie Doings». The New York Times. 25 de junio de 1944. X3. 
  62. Finler, Joel Waldo (2003). The Hollywood Story. Wallflower Press. pp. 47, 356-363. ISBN 978-1-903364-66-6. 
  63. Thomas, Bob (1 de agosto de 1963). «Movie Finances Are No Longer Hidden From Scrutiny». The Robesonian. Associated Press. p. 10. 
  64. Berkowitz, Edward D. (2010). Mass Appeal: The Formative Age of the Movies, Radio, and TV. Cambridge Essential Histories. Cambridge University Press. p. 160. ISBN 978-0-521-88908-7. 
  65. Hall, Sheldon; Neale, Stephen (2010). Epics, spectacles, and blockbusters: a Hollywood history. Wayne State University Press. pp. 181-182. ISBN 978-0-8143-3008-1. 
  66. Thomas, Bob (6 de mayo de 1971). «Reissues playing big role in movie marketing today». The Register-Guard. Associated Press. p. 9E. 
  67. Akhmatova, Anna (1973). «Gone With the Wind». The Atlantic Monthly 231. p. 2. «As of the end of 1971, GWTW stood as the all-time money-drawing movie, with a take of $116 million, and, with this year's reissues, it should continue to run ahead of the second place contender and all-time kaffee-mit-schlag spectacle.» 
  68. «Gone with the Wind tops film list». BBC News. 28 de noviembre de 2004. Consultado el 9 de julio de 2017. 
  69. «Domestic Grosses - Adjusted for Ticket Price Inflation». Box Office Mojo. Consultado el 9 de julio de 2017. 
  70. . British Film Institute. Archivado desde el original el 7 de noviembre de 2018. Consultado el 9 de julio de 2017. 
  71. «Gone with the Wind». The Numbers. Nash Information Services. Consultado el 9 de julio de 2017. 
  72. «Highest box office film gross - inflation adjusted». Guinness World Records. 2014. Consultado el 9 de julio de 2017. 
  73. Corso, Regina A. (21 de febrero de 2008). . Harris Interactive. Archivado desde el original el 14 de junio de 2013. Consultado el 9 de julio de 2017. 
  74. Shannon-Missal, Larry (17 de diciembre de 2014). . Harris Interactive. Archivado desde el original el 28 de diciembre de 2014. Consultado el 9 de julio de 2017. 
  75. Lupack, Barbara Tepa (2002). Literary Adaptations in Black American Cinema: From Oscar Micheaux to Toni Morrison. University of Rochester Press. pp. 209-211. ISBN 978-1-58046-103-0. 
  76. Vera, Hernán; Gordon, Andrew Mark (2003). Screen Saviors: Hollywood Fictions of Whiteness. Rowman & Littlefield. pp. viii, 102. ISBN 978-0-8476-9947-6. 
  77. Reynolds, David (2009). America, Empire of Liberty: A New History. Penguin UK. pp. 241-242. ISBN 978-0-14-190856-4. 
  78. Silk, Catherine; Silk, Johnk (1990). Racism and Anti-Racism in American Popular Culture: Portrayals of African-Americans in Fiction and Film. Manchester University Press. p. 141. ISBN 978-0-7190-3070-3. 
  79. Ruiz, W. Bryan Rommel (2010). American History Goes to the Movies: Hollywood and the American Experience. Taylor & Francis. p. 61. ISBN 978-0-203-83373-5. 
  80. Malcolm X (2015). The Autobiography of Malcolm X. Random House Publishing Group. p. 38. ISBN 1101967803. 
  81. Savitsky, Sasha (28 de agosto de 2017). «'Gone with the Wind' Screenings Pulled from Memphis Theater for Racially 'Insensitive' Content». Fox News. Consultado el 12 de junio de 2020. 
  82. Tapp, Tom (10 de junio de 2020). «HBO Max removes 'Gone with the Wind' From Streaming Platform, Says Film Will Return With "Discussion Of Its Historical Context"». Deadline Hollywood. Consultado el 12 de junio de 2020. 
  83. «AFI's 100 Years...The Complete Lists». American Film Institute. Consultado el 9 de julio de 2017. 
  84. Schlesinger, Arthur (marzo de 1973). «Time, Alas, Has Treated Gone With the Wind Cruelly». The Atlantic Monthly 231 (3): 64. 
  85. Schickel, Richard (marzo de 1973). «Glossy, Sentimental, Chuckle-headed». The Atlantic Monthly 231 (3): 71. 
  86. Kauffman, Stanley (marzo de 1973). «The Romantic Is Still Popular». The Atlantic Monthly 231 (3): 61. 
  87. Sarris, Andrew (marzo de 1973). «This moviest of All Movies». The Atlantic Monthly 231 (3): 58. 
  88. Crist, Judith (marzo de 1973). «Glorious Excesses». The Atlantic Monthly 231 (3). p. 67. Consultado el 16 de febrero de 2013. 
  89. «Votes for Gone with the Wind (1939)». Sight&Sound: The Greatest Films of All Time. British Film Institute. 2012. Consultado el 17 de junio de 2020. 
  90. «The 100 greatest American films». BBC Culture. BBC. 20 de julio de 2015. Consultado el 10 de julio de 2017. 
  91. «AFI's 100 Years...100 Movies». American Film Institute. junio de 1998. Consultado el 10 de julio de 2017. 
  92. «AFI's 100 Years...100 Movies (10th Anniversary Edition)». American Film Institute. 20 de junio de 2007. Consultado el 10 de julio de 2017. 
  93. «The 80 Best-Directed Films». Directors Guild of America. primavera de 2016. Consultado el 4 de mayo de 2016. 
  94. «Hollywood's 100 Favorite Films». The Hollywood Reporter. 25 de junio de 2014. Consultado el 20 de junio de 2017. 
  95. Nugent, Frank S. (1 de julio de 1939). «Second Fiddle (1939) The Screen; 'Second Fiddle,' With Tyrone Power and Sonja Heine, Opens at the Roxy--Reports on New Foreign Films». The New York Times. Consultado el 12 de julio de 2017. 
  96. Gómez-Galisteo, M. Carmen (2011). The Wind Is Never Gone: Sequels, Parodies and Rewritings of Gone with the Wind. McFarland & Company. p. 173. ISBN 978-0-7864-5927-8. 
  97. Erickson, Hal. «The Scarlett O'Hara War (1980)». Allmovie. Rovi Corporation. Consultado el 12 de julio de 2017. 
  98. Spencer, Charles (8 de octubre de 2007). «Moonlight and Magnolias: Comedy captures the birth of a movie classic». The Daily Telegraph. Consultado el 12 de julio de 2017. 
  99. Thames, Stephanie. «The Making Of A Legend: Gone With The Wind (1988) - Articles». TCM database. Turner Classic Movies. Consultado el 12 de julio de 2017. 
  100. McAllister, Bill (5 de marzo de 1990). «Postal Service Goes Hollywood, Puts Legendary Stars on Stamp». The Daily Gazette. p. B9. Consultado el 12 de julio de 2017. 
  101. «Scarlett (1994)». Allmovie. Rovi Corporation. Consultado el 12 de julio de 2017. 
  102. «Scarlett - Escarlata (TV)». Filmaffinity. Consultado el 12 de julio de 2017. 

Bibliografía adicional

  • Alsina Thevenet, Homero (2006). «Lo que el viento se llevó». Historias de películas. El cuenco de plata. pp. 93-101. ISBN 9871228198. 
  • Bridges, Herb (1999). Gone with the Wind: The Three-Day Premiere in Atlanta. Mercer University Press. ISBN 978-0-86554-672-1. 
  • Cameron, Judy; Christman, Paul J. (1989). The Art of Gone with the Wind: The Making of a Legend. Prentice Hall. ISBN 978-0-13-046740-9. 
  • Harmetz, Aljean (1996). On the Road to Tara: The Making of Gone with the Wind. Nueva York: Harry N. Abrams. ISBN 978-0-8109-3684-3. 
  • Lambert, Gavin (1973). GWTW: The Making of Gone With the Wind. Nueva York: Little, Brown and Company. ISBN 978-0-316-51284-8. 
  • Vertrees, Alan David (1997). Selznick's Vision: Gone with the Wind and Hollywood Filmmaking. University of Texas Press. ISBN 978-0-292-78729-2. 
  • Wilson, Steve (2014). The Making of Gone With The Wind. University of Texas Press. ISBN 0292761260. 

Enlaces externos

  •   Datos: Q2875
  •   Multimedia: Gone with the Wind (film)
  •   Citas célebres: Lo que el viento se llevó

viento, llevó, película, viento, llevó, título, original, inglés, gone, with, wind, película, estadounidense, géneros, épico, histórico, romántico, 1939, adaptación, novela, homónima, 1936, margaret, mitchell, producida, david, selznick, dirigida, victor, flem. Lo que el viento se llevo titulo original en ingles Gone with the Wind es una pelicula estadounidense de los generos epico historico y romantico de 1939 adaptacion de la novela homonima de 1936 de Margaret Mitchell producida por David O Selznick y dirigida por Victor Fleming Gone with the WindCartel del preestreno de la pelicula TituloLo que el viento se llevoFicha tecnicaDireccionVictor FlemingGeorge CukorSam WoodProduccionDavid O SelznickGuionSidney HowardBen HechtJo SwerlingJohn Van DrutenMargaret MitchellBasada enLo que el viento se llevo de Margaret MitchellMusicaMax SteinerFotografiaErnest HallerLee GarmesMontajeHal C KernJames E NewcomVestuarioWalter PlunkettProtagonistasClark GableVivien LeighLeslie HowardOlivia de HavillandVer todos los creditos IMDb Datos y cifrasPaisEstados UnidosAno1939Estreno15 de diciembre de 1939 estreno en Atlanta GeneroEpicaHistoricaDramaRomanceDuracion238 minutosIdioma s InglesFormatopelicula de 35 mmCompaniasProductoraMetro Goldwyn MayerSelznick International PicturesDistribucionLoew s Inc n 1 Recaudacion400 176 459 2 oscar a la mejor peliculaYou Can t Take It With You 1938 Gone with the WindRebecca 1940 Ficha en IMDbFicha en FilmAffinity editar datos en Wikidata Situada en el sur de Estados Unidos con el telon de fondo de la Guerra de Secesion y la reconstruccion la pelicula narra la historia de Scarlett O Hara Vivien Leigh la resuelta hija de los propietarios de una plantacion de Georgia desde su romantica persecucion de Ashley Wilkes Leslie Howard prometido con su prima Melanie Hamilton Olivia de Havilland hasta su matrimonio con Rhett Butler Clark Gable La produccion fue dificil desde el principio El rodaje se retraso durante dos anos por la determinacion de Selznick por asegurar a Gable para el papel de Rhett Butler y por la busqueda de la actriz protagonista para el papel de Scarlett llegando a entrevistar a 1400 mujeres antes de tomar la decision El guion original fue obra de Sidney Howard pero sufrio numerosas revisiones en un intento de reducir el metraje El director original George Cukor fue despedido poco despues de iniciarse el rodaje y fue reemplazado por Fleming quien a su vez fue sustituido brevemente por Sam Wood mientras que Fleming se tomo un tiempo de descanso a causa del agotamiento La pelicula recibio criticas positivas tras su estreno en diciembre de 1939 aunque algunos la encontraron carente de dramatismo y de duracion excesiva El reparto recibio numerosos elogios y muchos criticos cinematograficos consideraron a Leigh especialmente adaptada a su papel como Scarlett En la 12 ª edicion de los Premios oscar de sus trece nominaciones recibio diez galardones ocho competitivos dos honorarios incluidos los de mejor pelicula mejor director Fleming mejor guion adaptado otorgado postumamente a Sidney Howard fallecido seis meses antes de la ceremonia mejor actriz Leigh y mejor actriz de reparto Hattie McDaniel convirtiendose en la primera afrodescendiente en ganar un oscar estableciendo records por el numero total de galardones y nominaciones en aquel momento La pelicula fue inmensamente popular convirtiendose en la pelicula mas rentable hasta aquel momento manteniendo esa posicion durante mas de un cuarto de siglo Si se ajustan sus ingresos de acuerdo a la inflacion sigue siendo la pelicula de mayor exito en taquilla de la historia Ha sido criticada por el revisionismo historico por alabar la esclavitud aunque tambien se le ha atribuido el haber provocado cambios en la forma en que los personajes de raza negra se representan en el cine Fue reestrenada en numerosas ocasiones desde su estreno y tiene gran arraigo en la cultura popular siendo probablemente el largometraje mas famoso del Hollywood Clasico Esta considerada como una de las mejores peliculas de todos los tiempos aparece entre las diez primeras de la lista del American Film Institute de las 100 mejores peliculas estadounidenses desde su creacion en 1998 en 1989 la pelicula fue considerada cultural historica y esteticamente significativa por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservacion en el National Film Registry Indice 1 Argumento 2 Reparto 3 Produccion 3 1 Casting 3 2 Guion 3 3 Rodaje 3 4 Vestuario 3 5 Musica 4 Lanzamiento 4 1 Reestrenos 4 2 Television y formato domestico 5 Recepcion 5 1 Respuesta de la critica 5 2 Premios oscar 5 3 Respuesta del publico 5 4 Criticas de racismo 5 5 Evaluacion posterior de la critica 5 6 Reconocimiento de la industria cinematografica 6 Influencia y legado 6 1 En la cultura popular 6 2 Secuela 7 Vease tambien 8 Notas y referencias 9 Bibliografia adicional 10 Enlaces externosArgumento EditarPrimera parteEn visperas del inicio de la Guerra de Secesion en 1861 la joven Scarlett O Hara vive con sus padres y dos hermanas en Tara la plantacion de algodon de su familia en Georgia Scarlett se entera de que Ashley Wilkes del que esta enamorada en secreto se va a casar con su prima Melanie Hamilton y que el compromiso sera anunciado al dia siguiente en una barbacoa que se va a celebrar en la casa de Ashley la cercana plantacion Los doce robles En la fiesta en Los doce robles Scarlett declara privadamente sus sentimientos a Ashley pero el la rechaza respondiendo que el y Melanie son mas compatibles Scarlett se enoja cuando descubre que otro invitado Rhett Butler ha oido su conversacion La celebracion se ve interrumpida al anunciarse la declaracion de guerra y los hombres se apresuran a alistarse Mientras Scarlett ve a Ashley besar a Melanie el hermano menor de Melanie Charles le propone matrimonio y aunque ella no lo ama Scarlett consiente y se casan antes de que el se vaya al frente Poster con Scarlett y Rhett en el baile benefico Scarlett queda viuda cuando Charles muere de un episodio de pulmonia y de sarampion mientras sirve en el ejercito confederado La madre de Scarlett la envia a la casa de Hamilton en Atlanta para alegrarla aunque la franca criada de los O Hara Mammy le dice a Scarlett que sabe que solo va con la idea de esperar el regreso de Ashley Scarlett que no debe asistir a una fiesta mientras esta de luto de todas formas asiste a una fiesta benefica en Atlanta con Melanie donde se encuentra de nuevo con Rhett que ahora es un contrabandista que utiliza una pequena flota de barcos para burlar el bloqueo naval al que han sido sometidos los confederados por parte de la Armada de los Estados Unidos Celebrando una reciente victoria y recaudando fondos para el esfuerzo belico confederado los caballeros son invitados a hacer una oferta para que las senoras bailen con ellos Rhett hace una oferta excesivamente generosa por Scarlett y a pesar de la desaprobacion de los huespedes ella acepta El curso de la guerra se vuelve contra la Confederacion tras la Batalla de Gettysburg en la que mueren muchos de los hombres de la ciudad de Scarlett Scarlett hace otra peticion sin exito a Ashley mientras el esta de visita durante una licencia de servicio navidena aunque comparten un apasionado beso en privado el dia de Navidad justo antes de que el vuelva a la guerra Ocho meses mas tarde mientras la ciudad esta sitiada por el Ejercito de la Union durante la Campana de Atlanta Scarlett y su joven sirvienta Prissy deben asistir a Melanie sin ayuda medica cuando a ella entra en parto prematuro Despues Scarlett pide a Rhett que la lleve a su casa en Tara con Melanie el bebe y Prissy los recoge en un carro tirado por caballos pero una vez que sale de la ciudad decide irse al frente dejando a Scarlett y el grupo para que sigan ellos solos Al regresar a casa Scarlett encuentra Tara desierta excepto por su padre sus hermanas y dos antiguos esclavos Mammy y Pork Scarlett se entera de que su madre acaba de morir de fiebre tifoidea y su padre se ha vuelto mentalmente incapaz Con Tara saqueada por las tropas de la Union y los campos desatendidos Scarlett promete que hara cualquier cosa por la supervivencia de la familia y de si misma Segunda parteMientras los O Hara trabajan en los campos de algodon el padre de Scarlett muere al caerse del caballo mientras intenta arrojar a un scalawag de sus tierras Tras la derrota de la Confederacion Ashley regresa pero ve que es de poca ayuda en Tara Cuando Scarlett le ruega que huya con ella Ashley confiesa su deseo hacia ella y la besa apasionadamente pero dice que no puede dejar a Melanie Incapaz de pagar los impuestos sobre Tara implementados por las leyes de Reconstruccion Scarlett engana al prometido de su hermana menor Suellen Frank Kennedy hombre de mediana edad y rico empresario para que se case con ella diciendole que Suellen se canso de esperar y se caso con otro pretendiente Frank Ashley Rhett y otros complices hacen una incursion nocturna en un pueblo de chabolas despues de que Scarlett fuera atacada mientras conducia sola traves de el En la incursion muere Frank apenas terminado el funeral Rhett le propone matrimonio a Scarlett y ella acepta Tienen una hija a la que Rhett pone el nombre de Bonnie Blue pero Scarlett que sigue anorando a Ashley y se siente asustada por la perdida de su figura le hace saber a Rhett que no quiere mas hijos y que ya no compartiran lecho Un dia India la hermana de Ashley ve a Scarlett y Ashley abrazados y como siente una intensa aversion hacia Scarlett rapidamente empieza a propagar rumores Esa misma tarde Rhett despues de oir los rumores obliga a Scarlett a asistir a la fiesta de cumpleanos de Ashley incapaz de creer nada malo de su querida cunada Melanie esta al lado de Scarlett para que todos sepan que ella cree que los chismes son falsos Despues de regresar a casa de la fiesta Scarlett encuentra a Rhett borracho y discuten sobre Ashley Rhett besa a Scarlett contra su voluntad declarando su intencion de mantener relaciones con ella esa noche y la lleva a la fuerza a la habitacion Al dia siguiente Rhett se disculpa por su comportamiento y le ofrece a Scarlett el divorcio que ella rechaza diciendo que seria una verguenza Cuando Rhett vuelve de un prolongado viaje a Londres Scarlett le informa que esta embarazada pero durante la discusion que sigue a la noticia ella se cae por un tramo de escaleras y sufre un aborto espontaneo Mientras se esta recuperando la tragedia cae sobre ellos cuando Bonnie muere mientras intenta saltar una valla con su poni Scarlett y Rhett visitan a Melanie en su lecho de muerte tras las complicaciones derivadas de un nuevo embarazo Mientras Scarlett consuela a Ashley Rhett vuelve a su casa en Atlanta al darse cuenta de que Ashley solo amaba realmente a Melanie Scarlett corre tras Rhett pero lo encuentra preparandose para irse para siempre Ella le suplica diciendole que ahora se da cuenta de que lo ha amado todo el tiempo y que nunca amo realmente a Ashley pero Rhett dice que tras la muerte de Bonnie no habia posibilidad de reconciliacion Scarlett le pide que se quede pero Rhett la rechaza y sale por la puerta perdiendose en la niebla de la manana dejando a Scarlett llorando en la escalera y jurando que algun dia recuperara su amor Reparto EditarLos creditos de apertura de la pelicula tienen una estructura inusual ya que en lugar de ordenar los nombres por la posicion estelar de cada uno de los actores de forma convencional el reparto se divide en tres secciones la plantacion de Tara Los doce robles y Atlanta Ademas los nombres se ordenan segun el rango social de los personajes asi Thomas Mitchell que interpreta a Gerald O Hara inicia la lista de reparto como el cabeza de familia de los O Hara por lo que Barbara O Neil como su esposa aparece en segundo puesto y Vivien Leigh como la hija mayor el tercero a pesar de aparecer en pantalla mucho mas tiempo que ellos Del mismo modo Howard C Hickman como John Wilkes aparece antes que Leslie Howard que interpreta a su hijo y Clark Gable que solo interpreta a un visitante en Los doce robles aparece en un puesto relativamente bajo en los creditos a pesar de haber sido presentado como la estrella de la pelicula durante su promocion 3 A la muerte de Mary Anderson que interpreto a Maybelle Merriwether en abril de 2014 solamente vivian dos miembros del reparto acreditados de la pelicula Olivia de Havilland que interpreto a Melanie Wilkes y Mickey Kuhn que interpreto a su hijo Beau Wilkes 4 Clark Gable Vivien Leigh Leslie Howard Olivia de Havilland Plantacion TaraThomas Mitchell como Gerald O Hara Barbara O Neil como Ellen O Hara su esposa Vivien Leigh como Scarlett O Hara hija Evelyn Keyes como Suellen O Hara hija Ann Rutherford como Carreen O Hara hija George Reeves como Brent Tarleton realmente Stuart n 2 Fred Crane como Stuart Tarleton realmente Brent n 2 Hattie McDaniel como Mammy criada Oscar Polk como Pork criado Butterfly McQueen como Prissy criada Victor Jory como Jonas Wilkerson cuidador de la plantacion Everett Brown como Big Sam capataz Los doce roblesHoward Hickman como John Wilkes Alicia Rhett como India Wilkes su hija Leslie Howard como Ashley Wilkes su hijo Olivia de Havilland como Melanie Hamilton su prima Rand Brooks como Charles Hamilton hermano de Melanie Carroll Nye como Frank Kennedy invitado Clark Gable como Rhett Butler visitante de Charleston En AtlantaLaura Hope Crews como tia Pittypat Hamilton Eddie Anderson como tio Peter su cochero Harry Davenport como Doctor Meade Leona Roberts como Mrs Meade Jane Darwell como Mrs Merriwether Ona Munson como Belle Watling Otros actores de repartoPaul Hurst como un desertor yanqui Cammie King Conlon como Bonnie Blue Butler J M Kerrigan como Johnny Gallagher Jackie Moran como Phil Meade Lillian Kemble Cooper como cuidadora de Bonnie en Londres Marcella Martin como Cathleen Calvert Mickey Kuhn como Beau Wilkes Irving Bacon como un cabo William Bakewell como un oficial a caballo Isabel Jewell como Emmy Slattery Eric Linden como un supuesto amputado Ward Bond como Tom capitan yanqui Cliff Edwards como un soldado nostalgico Yakima Canutt como un renegado Louis Jean Heydt como un soldado hambriento que sostiene a Beau Wilkes Robert Elliott como un comandante yanqui Mary Anderson como Maybelle Merriwether Produccion EditarAntes de la publicacion de la novela varios ejecutivos y estudios de Hollywood como Irving Thalberg y Louis B Mayer de la Metro Goldwyn Mayer MGM Pandro Berman de la RKO Pictures y David O Selznick de la Selznick International Pictures se negaron a rodar una pelicula basada en ella A Jack Warner le gusto la historia pero la mayor estrella de la Warner Bros Bette Davis no estaba interesada y Darryl F Zanuck de la 20th Century Fox no ofrecio suficiente dinero Selznick cambio de opinion despues de que su guionista jefe Kay Brown y su socio de negocios John Hay Whitney lo instaran a comprar los derechos para la pelicula En julio de 1936 un mes despues de su publicacion Selznick compro los derechos por 50 000 dolares 5 6 7 una cifra exorbitada por ese concepto por entonces 8 Casting Editar Foto publicitaria de Clark Gable y Vivien Leigh El casting para los dos papeles protagonistas se convirtio en una compleja tarea que duro dos anos Selznick tenia claro desde el principio que queria a Clark Gable para el papel de Rhett Butler pero Gable tenia contrato en vigor con la MGM y nunca lo habian cedido a otros estudios 5 Se penso en Gary Cooper pero Samuel Goldwyn con quien Cooper tenia contrato se nego a cederlo 9 Warner le ofrecio a Bette Davis Errol Flynn y Olivia de Havilland para desempenar los papeles protagonistas a cambio de los derechos de distribucion 10 Por entonces Selznick estaba decidido a conseguir a Gable y finalmente llego a un acuerdo con la MGM el suegro de Selznick Louis B Mayer presidente de la MGM le ofrecio en agosto de 1938 cederle a Gable y darle 1 250 000 por la mitad del presupuesto de la pelicula pero a un alto precio Selznick tendria que pagar el salario semanal de Gable y cederle la mitad de los beneficios a la MGM y ademas Loew s Inc empresa matriz de la Metro se encargaria de la distribucion 5 9 El acuerdo por el que la MGM se encargaba del lanzamiento de la pelicula supuso retrasar el comienzo de la produccion hasta finales de 1938 cuando finalizaba el acuerdo de distribucion que Selznick tenia con la United Artists 9 Selznick aprovecho el retraso para continuar revisando el guion preparar la publicidad y sobre todo buscar una actriz para el papel de Scarlett Inicio un casting a nivel nacional en el que llevo a entrevistar a 1400 desconocidas el proceso costo 100 000 y aunque resulto inutil para la pelicula sirvio para crear un publicidad inestimable 5 Antes de la compra de los derechos Selznick considero a Miriam Hopkins y Tallulah Bankhead como candidatas Joan Crawford que habia firmado con MGM tambien fue considerada como posible pareja de Gable Despues del acuerdo con MGM Selznick mantuvo conversaciones con Norma Shearer la principal estrella de la MGM por entonces pero ella no considero la propuesta Katharine Hepburn estaba muy interesada en el papel y presiono para conseguirlo con el apoyo de su amigo George Cukor que habia sido contratado para la direccion pero fue vetada por Selznick que no la considero adecuada para el papel 9 10 11 Se consideraron a muchas actrices famosas o a punto de serlo pero para el papel de Scarlett solo se le hicieron pruebas de pantalla a treinta y una mujeres entre las que estaban Ardis Ankerson Jean Arthur Tallulah Bankhead Diana Barrymore Joan Bennett Nancy Coleman Frances Dee Ellen Drew como Terry Ray Paulette Goddard Susan Hayward bajo su nombre real Edythe Marrenner Vivien Leigh Anita Louise Haila Stoddard Margaret Tallichet Lana Turner y Linda Watkins 6 Aunque Margaret Mitchell se nego a dar a conocer publicamente su eleccion la actriz que estuvo mas cerca de ganar su aprobacion fue Miriam Hopkins al considerar que era el tipo de actriz adecuado para interpretar a Scarlett tal como estaba descrita en el libro Sin embargo Hopkins tenia mas de 35 anos por entonces y se considero que era demasiado vieja para el papel 9 10 11 En diciembre de 1938 todavia se estaban considerando cuatro actrices entre ellas Jean Arthur y Joan Bennett pero solo a dos finalistas Paulette Goddard y Vivien Leigh se le hicieron pruebas en Technicolor ambas el dia 20 de ese mes 12 Goddard casi consiguio el papel pero la controversia sobre su matrimonio con Charles Chaplin hizo que Selznick cambiara de idea 5 Selznick habia estado considerando discretamente a Vivien Leigh una joven actriz britanica que todavia era poco conocida en Estados Unidos desde febrero de 1938 cuando la vio en Fire Over England y en A Yank at Oxford El agente estadounidense de Leigh era el representante en Londres de la agencia de talentos de Myron Selznick hermano de David y uno de los propietarios de Selznick International y habia pedido en febrero que consideraran a su representada para el papel de Scarlett En el verano de 1938 los Selznick estaban negociando con Alexander Korda con quien Leigh tenia contrato para conseguir sus servicios ese ano 13 El hermano de Selznick los cito para que se conocieran por primera vez en la noche del 10 de diciembre de 1938 cuando se rodo la escena del incendio de Atlanta En una carta a su esposa dos dias mas tarde Selznick admitio que Leigh era la ganadora sorpresa de Scarlett y tras una serie de pruebas de pantalla se anuncio su seleccion el 13 de enero de 1939 14 Justo antes del rodaje de la pelicula Selznick le dijo en una carta al columnista Ed Sullivan Los padres de Scarlett O Hara eran franceses e irlandeses Identicamente los padres de la senorita Leigh son franceses e irlandeses 6 Guion Editar La historiadora Joanne Yeck dijo sobre Sidney Howard quien escribio el guion original de la pelicula Reducir la complejidad de las dimensiones epicas de Lo que el viento se llevo fue una tarea herculea y la primera entrega de Howard era demasiado larga y habria requerido al menos seis horas de pelicula el productor Selznick queria que Howard permaneciera en el plato para hacer revisiones pero Howard se nego a dejar Nueva Inglaterra y como resultado las revisiones estuvieron a cargo de una gran cantidad de escritores locales 15 Selznick despidio al director George Cukor tres semanas despues de iniciar el rodaje y busco a Victor Fleming que por entonces estaba dirigiendo El mago de Oz Fleming no estaba satisfecho con el guion por lo que Selznick encargo al reconocido escritor Ben Hecht que lo reescribiera por completo en cinco dias Hecht retomo el borrador original de Howard y al final de la semana habia conseguido revisar la primera mitad del guion El propio Selznick inicio la reescritura de la segunda mitad pero se quedo retrasado por lo que Howard volvio a trabajar en el guion durante una semana revisando varias escenas clave de la segunda parte 16 David O Selznick en 1940 En el momento del lanzamiento de la pelicula en 1939 habia algunas cuestiones planteadas sobre quien deberia aparecer en los creditos de pantalla escribe Yeck pero a pesar de la cantidad de escritores y de cambios el guion final estaba significativamente cerca a la version de Howard El hecho de que solo aparezca el nombre de Howard en los creditos puede haber sido tanto un gesto en su memoria como a su escritura en 1939 Sidney Howard murio a los 48 anos en un accidente con un tractor agricola antes del estreno de la pelicula 15 Selznick en una nota escrita en octubre de 1939 decia sobre los creditos de la pelicula Pueden decir francamente que de la comparativamente pequena cantidad de material en la pelicula que no es del libro la mayoria es mia personalmente y las unicas lineas originales de dialogo que no son mias son algunas de Sidney Howard y algunas de Ben Hecht y unas pocas mas de John Van Druten En este momento dudo que haya diez palabras originales de Oliver Garrett en todo el guion En cuanto a la elaboracion aproximadamente el ochenta por ciento es mia y el resto se reparte entre Jo Swerling y Sidney Howard con la contribucion material de Hecht en la elaboracion de una secuencia n 3 17 Segun el biografo de Hecht William MacAdams Al amanecer del domingo 20 de febrero de 1939 David Selznick y el director Victor Fleming despertaron bruscamente a Hecht para informarle que estaba cedido a la MGM y debia ir con ellos inmediatamente e ir a trabajar en Lo que el viento se llevo que Selznick habia comenzado a rodar cinco semanas antes A Selznick le costaba 50 000 dolares diarios y la pelicula estaba en suspenso esperando una reescritura final del guion y el tiempo era esencial Hecht estaba trabajando en la pelicula Una tarde en el circo de los hermanos Marx Recordando el episodio en una carta a su amigo guionista Gene Fowler dijo que no habia leido la novela pero Selznick y el director Fleming no podian esperar a que la leyera Debian representar escenas basadas en el guion original de Sidney Howard que necesitaba ser reescrito a toda prisa Hecht escribio Despues de representar y discutir cada escena me sente a la maquina de escribir y lo escribi Selznick y Fleming ansiosos de continuar con su rodaje me apresuraban Trabajamos de esta manera durante siete dias entre dieciocho y veinte horas diarias Selznick se nego a dejarnos almorzar argumentando que la comida nos retrasaria Nos proporcionaba platanos y cacahuetes salados asi al septimo dia habia completado ileso los primeros nueve rollos de la epopeya de la Guerra Civil MacAdams continua diciendo Es imposible determinar exactamente cuanto escribio Hecht En los creditos oficiales archivados por la Screen Writers Guild n 4 Sidney Howard fue por supuesto el unico acreditado en pantalla pero fueron agregados otros cuatro escritores Jo Swerling por contribuir al proceso Oliver H P Garrett y Barbara Keon a la elaboracion del guion y Hecht al dialogo 18 Rodaje Editar Reproducir contenido multimedia El incendio de Atlanta en el trailer de la pelicula La fotografia principal comenzo el 26 de enero de 1939 y termino el 1 de julio y los trabajos de posproduccion continuaron hasta el 11 de noviembre de 1939 El director George Cukor con quien Selznick tenia una larga relacion de trabajo y que habia pasado casi dos anos en la preproduccion de la pelicula fue reemplazado despues de menos de tres semanas de rodaje 10 n 5 Selznick y Cukor ya habian discrepado sobre el ritmo de rodaje y el guion 10 20 pero algunos apuntan a que la salida de Cukor pudo ser debida al malestar de Gable para trabajar con el Emanuel Levy biografo de Cukor afirmo que Clark Gable habia trabajado en el circuito gay de Hollywood como gigolo y que Cukor conocia su pasado por lo que Gable uso su influencia para que le despidieran 21 Vivien Leigh y Olivia de Havilland se enteraron del despido de Cukor el dia en que se filmo la escena de la venta benefica de Atlanta y la pareja se dirigio a la oficina de Selznick con el vestuario de rodaje todavia puesto y le imploraron que cambiara de opinion Victor Fleming que en ese momento dirigia El mago de Oz fue llamado por la MGM para completar la pelicula aunque Cukor continuo instruyendo a Leigh y De Havilland en privado Otro director de la MGM Sam Wood trabajo durante dos semanas en mayo cuando Fleming abandono temporalmente la produccion debido al agotamiento Aunque algunas de las escenas de Cukor se volvieron a filmar Selznick estimo que tres rollos completos de su trabajo se mantuvieron en la pelicula Al final del rodaje Cukor habia asumido dieciocho dias de filmacion Fleming noventa y tres y Wood veinticuatro 10 Al inicio de la produccion Lee Garmes fue el director de fotografia pero el 11 de marzo de 1939 tras un mes de rodaje que Selznick y sus asociados consideraban demasiado oscuro fue sustituido por Ernest Haller que trabajo con Ray Rennahan como director de fotografia de Technicolor Garmes completo el primer tercio de la pelicula en su mayor parte todo lo sucedido antes de que Melanie tuviera el bebe pero no figuro en los creditos 22 La mayor parte del rodaje se realizo en un plato de Selznick International conocido como Forty Acres y todo el rodaje de exteriores se desarrollo en California principalmente en el condado de Los Angeles o el vecino condado de Ventura 23 La residencia principal de Tara la plantacion ficticia del sur de la plantacion existio solamente como una fachada de madera contrachapada y papel mache construida en los terrenos del estudio de Selznick 24 Para el incendio de Atlanta se construyeron fachadas falsas delante de viejos decorados abandonados de otras peliculas de los estudios Selznick y el propio Selznick opero los controles de los explosivos que los quemaron 5 Algunas fuentes del momento estimaron los costes de produccion en 3 85 millones de dolares que la convertian en la segunda pelicula mas cara hasta ese momento tras Ben Hur 1925 25 n 6 Aunque persiste la leyenda de que la oficina responsable del cumplimiento del codigo Hays multo a Selznick con 5000 por utilizar la palabra damn en la version en espanol se tradujo como me importa un bledo en la ultima frase de Rhett Butler cuando se marcha al final de la pelicula en realidad la junta de la MPAA aprobo una enmienda al codigo el 1 de noviembre de 1939 que prohibio el uso de las palabras hell o damn excepto cuando su uso fuera esencial y necesario para representar en el contexto historico apropiado cualquier escena o dialogo basado en hechos historicos o folklore o una cita de una obra literaria siempre que tal uso no fuera intrinsecamente censurable u ofendiera el buen gusto por lo que con esta enmienda la oficina de vigilancia del codigo no tenia ninguna objecion al dialogo final de Butler 27 Vestuario Editar El vestuario de la pelicula corrio a cargo del disenador Walter Plunkett quien a modo de preparacion se embarco durante cuatro meses en un viaje de investigacion no remunerado por el sur de Estados Unidos contando unicamente con un contrato sin exclusividad por el que se le pagarian 600 dolares a la semana en los dos meses de preproduccion y 750 por cada siete dias de rodaje ademas de una carta de presentacion dirigida a Margaret Mitchell a quien visito en su casa de Georgia Gracias a Mitchell Plunkett conocio el ingenio de las mujeres de aquella epoca las cuales usaban cascaras de nueces y piedras como botones y ramas de espinos como broches para poder confeccionar la ropa durante el bloqueo al que la Union sometio a los estados surenos durante la guerra de Secesion En los Museos de las Hijas de la Confederacion de Savannah y Charleston Plunkett obtuvo trozos de telas cortadas de los dobladillos de trajes autenticos los cuales solian estar decorados con diminutos estampados Para este exhaustivo y considerable trabajo el disenador creo mas de 5000 piezas para cincuenta personajes y un centenar de extras 28 En lo que respecta al vestuario del personaje de Scarlett para quien elaboro treinta y cinco conjuntos las flores de algunos de ellos como el vestido floral en tonos blanco y verde que luce en una de las escenas iniciales de la pelicula estas poseen un tamano superior al original debido a la decision del disenador de doblar el tamano de las mismas con el fin de hacerlas mas nitidas y llamativas Del mismo modo Plunkett empleo los tejidos y los colores con el fin de enfatizar y subrayar los acontecimientos mas destacados de la vida de la protagonista empleando organdi tul algodon y tonalidades luminosas para vestir a Scarlett en sus anos de juventud y tejidos como seda y terciopelo oscuro a medida que madura y se enfrenta a situaciones dramaticas 28 Para el traje de novia de la protagonista Plunkett recreo un vestido anticuado en seda satinada y con mangas abullonadas muy de moda treinta anos antes de los acontecimientos narrados en el largometraje debido a que Scarlett quien tomo la decision de casarse con Charles Hamilton antes de que este fuese a la guerra se vio obligada por falta de tiempo a llevar el traje de novia de su madre motivo por el cual el disenador elaboro intencionadamente un vestido que no se ajustaba al cuerpo de Vivien Leigh 28 Plunkett tomo ademas la decision de incluir varios codigos de color para el personaje de Scarlett en funcion de las situaciones plasmadas De esta forma para las escenas de seduccion el disenador opto por el color verde siendo ejemplo de ello el vestido escotado que Scarlett luce para la barbacoa en Los doce robles asi como el traje elaborado con cortinas de terciopelo cuando la protagonista acude a visitar a Rhett a la carcel Para las escenas pasionales violentas y de tension Plunkett escogio el rojo siendo este el color del llamativo vestido de pedreria que Rhett obliga a Scarlett a llevar puesto en la fiesta de cumpleanos de Ashley el color de la bata de terciopelo que luce en la posterior discusion con su marido y tambien el tono del traje que lleva puesto cuando su hermana Suellen descubre que Scarlett se ha casado con su prometido Frank Kennedy Por ultimo para las escenas de peligro se decanto por el color azul destacando el vestido que Scarlett lleva puesto cuando es asaltada en un puente camino del aserradero asi como el traje de amazona que luce su hija Bonnie cuando cae del caballo Los unicos vestidos que constituyeron excepciones a estos codigos fueron el traje de novia los vestidos de luto y el traje blanco con volantes mostrado al inicio de la pelicula 29 Musica Editar source source La melodia Tara del trailer de la pelicula Para componer la banda sonora Selznick eligio a Max Steiner con quien habia trabajado en la RKO Pictures a principios de los anos 1930 Warner Bros que habia contratado a Steiner en 1936 acordo cederselo a Selznick Steiner paso doce semanas trabajando en la musica de la pelicula el periodo mas largo que habia dedicado a escribir una banda sonora y las dos horas y treinta y seis minutos de la pelicula era tambien la de mayor duracion que habia escrito Se contrataron cinco orquestistas Hugo Friedhofer Maurice de Packh Bernard Kaun Adolph Deutsch y Reginald Bassett La banda sonora se caracteriza por dos temas de amor uno para el dulce amor de Ashley y Melanie y otro que evoca la pasion de Scarlett por Ashley es remarcable que no hay un tema de amor de Scarlett y Rhett Steiner se baso sobre todo en la musica popular y patriotica e incluyo temas de Stephen Foster como Louisiana Belle Dolly Day Ringo De Banjo Beautiful Dreamer Old Folks at Home y Katie Belle que era la base del tema de Scarlett otras canciones destacadas son Marching through Georgia de Henry Clay Work y Dixie Garryowen y The Bonnie Blue Flag El tema que mas se asocia hoy en dia con la pelicula es la melodia de Tara la plantacion de los O Hara a principios de la decada de 1940 el tema Tara conformo la base musical de la cancion My Own True Love de Mack David La banda sonora esta compuesta por noventa y nueve piezas musicales en total Debido a la presion por completar el apartado musical en plazo Steiner recibio ayuda en la composicion de Friedhofer Deutsch y Heinz Roemheld ademas de dos entras breves de Franz Waxman y William Axt extraidas de los archivos sonoros de la MGM 30 Lanzamiento EditarEl 9 de septiembre de 1939 Selznick su esposa Irene el inversor John Jock Whitney y el editor Hal C Kern se dirigieron a Riverside California para el preestreno de la pelicula en el Fox Theatre La pelicula todavia estaba en fase de primer corte le faltaban los creditos y los efectos opticos especiales La proyeccion duro cuatro horas y veinticinco minutos pero posteriormente se redujo a menos de cuatro horas para su estreno En el cine ese dia se proyectaba una sesion doble con las peliculas Hawaiian Nights y Beau Geste y no se habia informado al publico de que hubiera otra proyeccion despues de la primera funcion se anuncio que al final se iba a proyectar un preestreno se informo al publico de que podian irse pero no se les permitiria volver a entrar una vez que hubiera comenzado la pelicula ni se permitiria salir a hacer llamadas telefonicas una vez que se hubieran cerrado las puertas Cuando aparecio el titulo en la pantalla el publico aplaudio y al finalizar recibio una ovacion con la gente en pie 10 31 En su biografia de Selznick el critico e historiador David Thomson escribio que la reaccion del publico antes de que hubiera comenzado la pelicula fue el momento mas grande de su de Selznick vida la mayor victoria y la redencion de todas sus faltas 32 con Selznick describiendo las postales de presentacion de la pelicula como probablemente el cuadro mas asombroso que nunca hubiera tenido 33 Cuando durante las entrevistas de prensa a principios de septiembre le preguntaron que sentimientos tenia sobre la pelicula Selznick dijo Al mediodia pienso que es divina a medianoche pienso que es pesima A veces creo que es la mejor pelicula jamas rodada Pero si es solo una gran pelicula todavia estare satisfecho 25 Estreno de la pelicula en el Loew s Grand Theatre en Atlanta El estreno de la pelicula en el Loew s Grand Theatre de Atlanta el 15 de diciembre de 1939 fue espectacular Fue el climax de tres dias de festividades organizadas por el alcalde de la ciudad William B Hartsfield que incluian un desfile de limusinas con protagonistas de la pelicula recepciones miles de banderas Confederadas y un baile de disfraces Eurith D Rivers el gobernador de Georgia declaro el 15 de diciembre como dia festivo en el estado Unos 300 000 residentes y visitantes se agolparon a lo largo de las calles de Atlanta para ver el desfile de limusinas con las estrellas de la pelicula desde el aeropuerto Anos despues el presidente Jimmy Carter califico el estreno de la pelicula como el mayor acontecimiento en el sur de toda mi vida 34 Solamente el actor Leslie Howard y el director Victor Fleming decidieron no asistir Howard habia vuelto a Inglaterra debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial y Fleming habia discutido con Selznick y se nego a asistir a ese y a posteriores estrenos 25 33 Tampoco estaba Hattie McDaniel ya que ella y los demas miembros del elenco de raza negra no pudieron asistir al estreno debido a las leyes Jim Crow de Georgia normas segregacionistas que les impedian sentarse con sus colegas blancos Al enterarse de que McDaniel habia sido excluida del estreno Clark Gable amenazo con boicotear el evento pero McDaniel lo convencio para que asistiera 35 A este estreno le siguieron los de Nueva York el 19 de diciembre y Los Angeles el 28 de diciembre a este ultimo asistieron algunas de las actrices que habian sido consideradas para desempenar el papel de Scarlett como Paulette Goddard Norma Shearer y Joan Crawford 33 Desde diciembre de 1939 hasta julio de 1940 la pelicula solo se proyecto en un numero limitado de cines en los que habia que hacer previamente una reserva para asistir y a un precio de mas de 1 dolar mas del doble del precio habitual de un estreno y la MGM establecio unos derechos del 70 de los ingresos de taquilla algo sin precedentes ya que lo habitual por entonces era un 30 35 Tras la saturacion de este tipo de exhibicion en cines la MGM reviso los terminos reduciendo los derechos a un 50 y redujo a la mitad los precios de las entradas antes de que finalmente en 1941 empezara a distribuirse a precios populares 36 Entre costes de distribucion y publicidad el presupuesto de gastos total de la pelicula alcanzo los siete millones de dolares 33 37 En Uruguay se estreno el 25 de septiembre de 1940 en Argentina al dia siguiente en Peru el 10 de octubre del mismo ano y en Mexico el 22 de enero de 1941 38 Sin embargo a causa de la censura en Espana fue prohibida y no se estreno hasta el 17 de noviembre de 1950 38 solo en Madrid y Barcelona y con una clasificacion de la iglesia catolica de 3R mayores con reparo y 4 gravemente peligrosa calificacion que podia suponer riesgo de excomunion para los creyentes que vieran la pelicula 39 40 aunque en febrero de 1943 la pelicula se habia proyectado sin censura previa de forma privada en un cine de Madrid ante algunos espectadores ilustres entre los que se encontraba el obispo de Madrid y en marzo en la propia residencia del dictador Francisco Franco 41 Reestrenos Editar Cartel del reestreno de 1967 En 1942 Selznick liquido su compania por motivos fiscales y vendio su parte de la pelicula a su socio John Whitney por 500 000 dolares A su vez Whitney la vendio a la MGM por 2 8 millones con lo que el estudio se hizo con la totalidad de los derechos de la pelicula 37 La MGM reestreno inmediatamente la pelicula en la primavera de 1942 16 y de nuevo en 1947 y 1954 10 en este reestreno de 1954 la pelicula se proyecto por primera vez en pantalla panoramica cambiando con ello la relacion de aspecto estandar de 1 37 1 establecido por la Academia de Artes y Ciencias Cinematograficas en 1932 cortando la parte superior e inferior hasta dejarla con una relacion de aspecto de 1 75 1 Con motivo de la celebracion del centenario del comienzo de la Guerra de Secesion en 1961 se llevo a cabo otro reestreno que incluyo una gran gala de estreno en el Loew s Grand Theatre de Atlanta que conto con la presencia de Selznick y muchas otras estrellas de la pelicula como Vivien Leigh y Olivia de Havilland 42 Clark Gable habia muerto el ano anterior 43 Para su reestreno de 1967 se paso al formato 70 mm 10 y se imprimieron nuevos carteles con Gable con una camisa blanca abierta sosteniendo a Leigh con un fondo de llamas naranja 42 En 1971 1974 y 1989 hubo nuevos reestrenos en el de 1989 se celebraba el cincuentenario de su estreno inicial y se realizo una restauracion completa de audio y video En 1998 se lanzo una vez mas en los cines de Estados Unidos 44 45 En 2013 se estreno una reedicion digital con resolucion 4K en el Reino Unido para celebrar el centenario del nacimiento de Vivien Leigh 46 En 2014 se realizaron proyecciones especiales durante dos dias en cines de Estados Unidos para celebrar el 75 aniversario de la pelicula 47 Television y formato domestico Editar La pelicula se estreno por primera vez en television en la cadena por cable HBO el 11 de junio de 1976 emitiendose en esta cadena catorce veces durante el resto del mes Hizo su debut en abierto en noviembre de ese mismo ano la NBC pago cinco millones de dolares por una unica emision realizada en dos partes en noches sucesivas Con una audiencia del 47 5 de los hogares de Estados Unidos y el 65 de los espectadores se convirtio en ese momento en el programa de television de mayor audiencia jamas emitido en una sola cadena En 1978 la CBS firmo un acuerdo por valor de 35 millones de dolares para transmitir la pelicula veinte veces durante varios anos 16 45 la Turner Entertainment le compro la pelicula a la MGM en 1986 pero el acuerdo no incluyo los derechos televisivos que aun estaban en manos de la CBS Posteriormente se llego a un acuerdo por el que los derechos fueron devueltos a la Turner junto los de El mago de Oz tambien propiedad de la CBS 16 este acuerdo se utilizo para lanzar dos canales por cable propiedad de Turner Broadcasting System Turner Network Television TNT 1988 y Turner Classic Movies TCM 1994 48 49 Aparecio por primera vez en videocinta en marzo de 1985 situandose segunda en las listas de ventas 16 y posteriormente fue lanzada en formato DVD y Blu ray 42 Recepcion EditarRespuesta de la critica Editar Tras su estreno la pelicula cosecho buenas criticas por parte de la mayoria de las revistas de consumo y prensa en general 10 Sin embargo aunque la produccion logros tecnicos y lo ambicioso del proyecto fueron universalmente reconocidos algunos criticos de la epoca consideraron que la pelicula tenia una duracion demasiado extensa y era poco convincente desde el punto de vista dramatico Frank S Nugent resumio en el The New York Times el sentimiento general al reconocer que si bien fue la produccion cinematografica mas ambiciosa hasta aquel momento probablemente no fue la mejor pelicula jamas realizada pero consideraba que era una historia interesante bellamente contada 50 Franz Hoellering opinaba lo mismo en las paginas del The Nation El resultado es una pelicula que supone un acontecimiento importante en la historia de la industria del cine pero solo un logro menor en el arte cinematografico Hay momentos en que las dos categorias se unen con buenos resultados pero los grandes tramos entre ellos se rellenan con una mera eficacia espectacular 51 El resultado es una pelicula que supone un acontecimiento importante en la historia de la industria del cine pero solo un logro menor en el arte cinematografico Franz Hoellering critico de The NationSi bien la pelicula fue elogiada por su fidelidad a la novela 50 tambien se considera que este hecho fue el principal causante de su excesiva duracion 52 John C Flinn opinaba en Variety que En su deseo al parecer de no dejar nada fuera Selznick ha dejado demasiado y que como entretenimiento la pelicula habria mejorado si se hubieran recortado algunas escenas y dialogos redundantes de la ultima parte de la historia 52 The Manchester Guardian considero que el mayor inconveniente de la pelicula era que la historia carecia de la calidad epica suficiente para justificar el dispendio del tiempo y encontro la segunda parte que se centra en los matrimonios irrelevantes de Scarlett y las disputas domesticas mayoritariamente superfluas cuyo unica razon para su inclusion habia sido simplemente porque Margaret Mitchell lo escribio asi The Guardian creia que si la historia se hubiera acortado y arreglado en el punto senalado para el intermedio y si el drama personal se hubiera puesto al servicio de un tratamiento cinematografico del tema central el colapso y la devastacion del Viejo Sur entonces Lo que el viento se llevo podria haber sido una pelicula realmente grande 53 Del mismo modo en The Nation Hoellering tambien considero que la segunda mitad de la pelicula era mas floja que la primera la identificacion de la Guerra Civil como fuerza impulsora de la primera parte mientras los personajes dominan en la segunda llegando a la conclusion de que ahi es donde se encuentra el principal defecto de la pelicula comentando que los personajes por si solos no bastan A pesar de muchas escenas excelentes considero que el drama no era convincente y que el desarrollo psicologico se habia descuidado 51 La mayor parte de los elogios fueron para el reparto especialmente para Vivien Leigh que se destaco por su actuacion como Scarlett Nugent la describio como el eje central de la pelicula y considero que estaba disenada tan perfectamente para el personaje por su destreza y naturaleza que cualquier otra actriz seria inconcebible para el papel 50 De manera similar Hoellering la encontro perfecta en aspecto y movimientos considero que actuaba mejor cuando se le permitia acentuar la doble personalidad que ella representa y creyo que era particularmente impresionante en algunos momentos de caracterizacion como la manana despues de la escena de la violacion marital 51 Flinn tambien la considero adaptada fisicamente al papel y creia que destacaba en las escenas donde la actriz exhibe valor y determinacion como la huida de Atlanta y cuando Scarlett mata a un desertor yanqui 52 Leigh gano con esta interpretacion el galardon como mejor actriz en los Premios del Circulo de Criticos de Cine de Nueva York de 1939 54 De la actuacion de Clark Gable en su papel de Rhett Butler Flinn considero que la caracterizacion fue tan proxima a la concepcion de la senorita Mitchell y de la audiencia como cabria imaginar 52 un punto de vista con el que Nugent estuvo de acuerdo 50 aunque Hoellering opino que Gable no estuvo convincente en las escenas cercanas ya que Rhett deja a Scarlett con disgusto 51 Respecto a los demas miembros principales del reparto tanto Hoellering como Flinn encontraron a Leslie Howard convincente como el debil de caracter Ashley y Flinn considero a Olivia de Havilland destacada en su papel como Melanie 51 52 Nugent tambien destaco la actuacion de Havilland describiendola como elegante digna tierna gema de caracterizacion 50 La interpretacion de Hattie McDaniel en el papel de Mammy fue elogiada por muchos criticos Nugent considero que ofrecio la mejor interpretacion en la pelicula despues de Vivien Leigh 50 y Flinn la situaba en tercer lugar despues de las interpretaciones de Leigh y de Gable 52 Premios oscar Editar Hattie McDaniel el primer actor de raza negra que gano un oscar En el XII Certamen de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematograficas la pelicula establecio un record de premios y nominaciones a los oscar al ganar en ocho de las categorias competitivas en las trece para las que fue nominada Gano los premios a la mejor pelicula el mejor director la mejor actriz la mejor actriz de reparto al mejor guion adaptado a la mejor fotografia a la mejor direccion artistica y al mejor montaje y recibio dos premios honorificos adicionales por su utilizacion de equipo y color y tambien se convirtio en la primera pelicula a color en ganar el oscar a la mejor pelicula 55 56 Su record de ocho victorias en categorias competitivas se mantuvo hasta que Gigi 1958 gano nueve y su record de diez premios en total fue batido por Ben Hur 1959 que gano once 57 Lo que el viento se llevo tambien mantuvo el record de mayor numero de nominaciones hasta que All About Eve 1950 obtuvo catorce 11 Hattie McDaniel se convirtio en la primera afrodescendiente en ganar un premio oscar superando a su companera de reparto Olivia de Havilland que tambien habia sido nominada en la misma categoria Al igual que durante el estreno de la pelicula McDaniel sufrio las humillantes normas segregacionistas de la epoca durante la ceremonia de entrega de los premios en el Coconut Grove del Hotel Ambassador de Los Angeles pues mientras todos los miembros de raza blanca del reparto se sentaron juntos ella y su acompanante fueron obligados a sentarse en una mesa separada en la parte posterior de la sala 58 El guionista Sidney Howard se convirtio en el primer ganador postumo de un oscar y Selznick recibio el Premio en memoria de Irving Thalberg por su trayectoria profesional 11 55 Premios y nominaciones a los oscar Premio Nominado s ResultadoMejor pelicula Selznick International Pictures GanadorMejor director Victor Fleming GanadorMejor actor Clark GableEl ganador fue Robert Donat por Adios Mr Chips NominadoMejor actriz Vivien Leigh GanadorMejor guion adaptado Sidney Howard GanadorMejor actriz de reparto Hattie McDaniel GanadorMejor actriz de reparto Olivia de Havilland NominadoMejor fotografia Color Ernest Haller y Ray Rennahan GanadorMejor montaje Hal C Kern y James E Newcom GanadorMejor direccion artistica Lyle Wheeler GanadorMejores efectos visuales Jack Cosgrove Fred Albin y Arthur JohnsLos ganadores fueron Fred Sersen y E H Hansen por The Rains Came NominadoMejor banda sonora Max SteinerEl ganador fue Herbert Stothart por El mago de Oz NominadoMejor sonido Thomas T Moulton Departamento de sonido del Samuel Goldwyn Studio El ganador fue Bernard B Brown Departamento de sonido del Universal Studio por When Tomorrow Comes NominadoPremio especial William Cameron MenziesPor su excepcional utilizacion del color para la mejora del dramatismo en la produccion de Lo que el viento se llevo HonorarioLogros tecnicos Don Musgrave y Selznick International PicturesComo pioneros en la utilizacion de equipos coordinados en la produccion de Lo que el viento se llevo HonorarioRespuesta del publico Editar Una larga cola para adquirir una entrada de la pelicula en un cine de Japon en 1952 Tras su estreno la pelicula batio records de asistencia Solo en el Capitol Theatre de Nueva York tuvo una asistencia media de 11 000 espectadores diarios a finales de diciembre 36 y en los cuatro primeros anos tras su lanzamiento habia vendido unos 60 millones de entradas en Estados Unidos equivalente a casi la mitad de la poblacion del pais por entonces 59 60 En el extranjero tambien fue un exito de publico A pesar de estrenarse durante el Blitz en Londres fue un gran exito y se mantuvo en cartel durante cuatro anos 61 Cuando la MGM la retiro de las carteleras a finales de 1943 su distribucion mundial habia obtenido una recaudacion bruta la parte correspondiente al estudio de la taquilla bruta de 32 millones de dolares convirtiendola en la pelicula mas rentable jamas realizada hasta aquel momento 11 16 Cola para ver la pelicula en Pensacola Florida durante su reestreno de 1947 Cuando se reestreno en 1947 gano 5 millones de dolares en Estados Unidos y Canada y fue uno de los diez estrenos con mayor asistencia del ano 37 62 Los exitosos reestrenos de 1954 y 1961 le permitieron conservar su posicion como la principal fuente de ingresos de la industria cinematografica a pesar de los grandes exitos de peliculas mas recientes como Ben Hur 63 aunque finalmente fue superada por The Sound of Music en 1966 64 El reestreno de 1967 la convirtio en la reposicion de mayor exito en la historia de la industria cinematografica genero una taquilla de 68 millones de dolares la pelicula mas lucrativa de la MGM despues de Doctor Zhivago 1965 65 La MGM gano 41 millones de dolares con este reestreno 66 El nuevo lanzamiento de 1971 le permitio situarse brevemente a la cabeza de los records de taquilla con un total bruto a nivel mundial de cerca de 116 millones de dolares a finales de 1971 mas del triple de sus ganancias en su lanzamiento inicial antes de perder el primer puesto de nuevo al ano siguiente con el estreno de El padrino 45 67 Entre su estreno y posteriores lanzamientos se estima que la pelicula vendio mas de 200 millones de entradas en los Estados Unidos y Canada 59 y 35 millones en el Reino Unido 68 el mayor numero de entradas vendidas por cualquier pelicula en esos paises 69 70 En total Lo que el viento se llevo ha recaudado en taquilla mas de 390 millones de dolares a nivel mundial 71 en 2007 Turner Entertainment estimo los ingresos equivalentes a aproximadamente 3 3 mil millones de dolares si se ajusta la inflacion a los precios actuales y El libro Guinness de los records estimaba una cifra de 3 44 mil millones de dolares en 2014 convirtiendola en la pelicula de mayor exito en taquilla de la historia del cine 72 La pelicula sigue siendo inmensamente popular entre el publico en el siglo XXI ha sido votada la pelicula mas popular entre los estadounidenses en dos encuestas realizadas por Harris Interactive en 2008 y 2014 respectivamente 73 74 Criticas de racismo Editar Los comentaristas afroamericanos criticaron la pelicula por su representacion de los personajes de raza negra y como una glorificacion de la esclavitud Carlton Moss un guionista actor y director negro se quejaba en una carta abierta considerando que mientras que El nacimiento de una nacion era un ataque frontal a la historia americana y al pueblo negro Lo que el viento se llevo era un ataque por la espalda al mismo Moss critico todavia mas las estereotipadas caracterizaciones de los personajes negros como el perezoso y torpe Pork la indolente y completamente irresponsable Prissy la radiante aceptacion de la esclavitud de Big Sam o Mammy con su constante arenga y mimos para cada deseo de Scarlett 75 Tras la victoria de Hattie McDaniel en los Premios oscar Walter Francis White lider de la National Association for the Advancement of Colored People la acuso de ser un Tio Tom a lo que McDaniel respondio que preferia conseguir setecientos dolares a la semana representando a una criada que siete dolares siendo una tambien cuestiono la cualificacion de White para hablar en nombre de los negros ya que el era de piel clara y tenia solo una octava parte de negro 58 La pelicula ha sido criticada por perpetuar los mitos de la Guerra de Secesion y los estereotipos sobre las personas de raza negra 76 El historiador britanico David Reynolds escribio que en esta pelicula las mujeres blancas son elegantes sus hombres nobles o por lo menos galantes y en el otro extremo los esclavos negros son en su mayoria obedientes y felices claramente incapaces de una existencia independiente Reynolds comparo la pelicula con El nacimiento de una nacion y otras representaciones del Sur durante la era de la segregacion en la que los habitantes surenos blancos son retratados como defensores de los valores tradicionales y la cuestion de la esclavitud ha sido ignorada en gran medida 77 La pelicula ha sido descrita como una regresion que promueve el mito del violador negro y el papel honorable y defensivo del Ku Klux Klan durante la Reconstruccion 78 y como una pelicula de propaganda social que ofrece una vision de la supremacia blanca del pasado 76 En su libro American History Goes to the Movies Hollywood and the American Experience W Bryan Rommel Ruiz ha argumentado que a pesar de las objetivamente claras inexactitudes en su descripcion del periodo de la Reconstruccion sin embargo la pelicula refleja las interpretaciones que eran habituales a principios del siglo XX 79 Tras su estreno la opinion entre en publico de la comunidad negra estaba dividida con unos calificandola como un arma del terror contra la Norteamerica negra y un insulto al publico negro con manifestaciones en contra llevadas a cabo en varias ciudades 58 mientras que algunos sectores reconocieron que logros como los de McDaniel eran representativos de un progreso y elogiaron la calida e ingeniosa caracterizacion de McDaniel y otros esperaban que el reconocimiento de su trabajo condujera a una mayor aparicion en pantalla de otros actores negros En su editorial de felicitacion a McDaniel por haber ganado su Premio oscar la revista academica Opportunity A Journal of Negro Life utilizo la pelicula como un recordatorio del limite impuesto en la aspiracion negra por viejos prejuicios 58 75 El activista radical Malcolm X recordaba en sus memorias que al ver de nino la pelicula en su pueblo natal en Michigan era el unico negro en el cine y cuando Butterfly McQueen entro en escena tuve ganas de meterme bajo la alfombra 80 En 2017 la pelicula fue retirada del programa del historico Orpheum Theatre en Memphis Tennessee despues de 34 anos de presentaciones anuales debido a su idealizacion de la esclavitud y su contenido racialmente insensible 81 El 9 de junio de 2020 fue retirada de HBO Max debido a las protestas por la muerte de George Floyd y en respuesta a una columna escrita por el guionista John Ridley que fue publicada en la edicion de ese dia de Los Angeles Times en la que pedia al servicio de streaming que retirara temporalmente la pelicula de su catalogo Un portavoz de HBO Max dijo que la pelicula era un producto de su epoca y que por tanto reflejaba prejuicios etnicos y raciales que estaban equivocados por entonces y que siguen estandolo hoy Sin embargo tambien indico que la pelicula volveria a estar disponible en una fecha posterior aunque incorporaria una discusion de su contexto historico y una denuncia a dichas interpretaciones pero sera presentada como fue originalmente creada porque actuar de otra manera seria lo mismo que decir que esos prejuicios nunca existieron Si vamos a crear un futuro mas justo equitativo e inclusivo debemos primero reconocer y comprender nuestra historia 82 Evaluacion posterior de la critica Editar SERIE AFI 100 anos AFI s 100 anos 100 peliculas 4 AFI s 100 anos 100 pasiones 2 AFI s 100 anos 100 heroes y villanos Rhett Butler Heroe Nominado Scarlett O Hara Heroe Nominada AFI s 100 anos 100 frases Francamente querida me importa un bledo 1 Despues de todo manana sera otro dia 31 A Dios pongo por testigo que jamas volvere a pasar hambre 59 Fiddle dee dee Nominada I don t know nothin bout birthin babies Nominada AFI s 100 anos de bandas sonoras 2 AFI s 100 anos 100 inspiraciones 43 AFI s 100 anos 100 peliculas edicion 10 º aniversario 6 AFI s 10 Top 10 4 Cine epico American Film Institute 83 En marzo de 1973 la revista literaria y cultural The Atlantic publico una serie de resenas de conocidos criticos cinematograficos En ella Arthur Schlesinger senalo que las peliculas de Hollywood por lo general envejecen bien pero en el caso de Lo que el viento se llevo el paso tiempo no le habia sentado bien 84 Por su parte el critico cinematografico Richard Schickel considera que una posible medida de la calidad de una pelicula es preguntarse que se puede recordar de ella y la pelicula fracasa en ese aspecto carece de imagenes y dialogos inolvidables 85 Asimismo Stanley Kauffmann tambien encontro que la pelicula era una experiencia en gran medida olvidable alegando que solo podia recordar dos escenas de manera vivida 86 Tanto Schickel como Schlesinger la describieron como mal escrita con dialogos floridos y con una sensibilidad de tarjeta postal 84 85 Schickel tambien considero que la pelicula fracasa como arte popular ya que no la considera una pelicula que apetezca volver a ver un sentimiento con el que Kauffmann tambien coincide afirmando que tras verla dos veces espera nunca volver a verla dos veces es el doble de lo que necesitas en toda una vida 85 86 Tanto Schickel como Andrew Sarris creen que el principal fracaso de la pelicula radica en tener la sensibilidad de un productor mas que la de un artista habiendo pasado por manos de tantos directores y escritores la pelicula no da la sensacion de haber sido creada o dirigida sino que emergio como vapor de una cocina abarrotada donde la principal fuerza creativa era la obsesion de un productor por hacer la pelicula tan literalmente fiel a la novela como fuera posible 85 87 Sarris admite que a pesar de sus carencias artisticas la pelicula tiene una consideracion en todo el mundo como el espectaculo mas querido jamas producido 87 Judith Crist observa que kitsch aparte la pelicula sin duda sigue siendo la mejor y mas duradera obra de entretenimiento popular que ha salido de las lineas de montaje de Hollywood obra de un showman con gusto e inteligencia 88 Schlesinger senala que la primera mitad de la pelicula tiene un alcance y vigor que aspira a su objetivo epico pero de acuerdo con las criticas contemporaneas de la pelicula la vida personal toma el relevo en la segunda mitad y termina perdiendo ese objetivo entre un sentimentalismo poco convincente 84 La percepcion de la pelicula por parte de la critica ha cambiado a lo largo de los anos En la prestigiosa encuesta de criticos que publica la revista Sight and Sound cada 10 anos se clasifico en el puesto 235 º en el ano 2012 89 y en 2015 sesenta y dos criticos de cine de varios paises encuestados por la BBC la votaron como la 97 ª mejor pelicula estadounidense 90 Reconocimiento de la industria cinematografica Editar La pelicula ha aparecido en varias encuestas destacadas de la industria cinematografica en 1977 fue votada la pelicula mas popular por el American Film Institute AFI en una encuesta celebrada entre los miembros de la organizacion 10 la AFI tambien clasifico la pelicula en cuarto lugar en 1998 en su lista 100 anos 100 peliculas 91 y en el sexto lugar en la edicion del 10 º aniversario de la lista realizada en 2007 92 Los directores de cine la clasificaron 322 ª en la edicion del ano 2012 de la encuesta decenal de Sight and Sound 89 y en 2016 fue seleccionada como el noveno mejor exito de director en una encuesta de miembros del Sindicato de Directores de Estados Unidos 93 En 2014 se situo 15 ª en una extensa encuesta llevada a cabo por The Hollywood Reporter que encuesto a todos los estudios agencias firmas de publicidad y productoras de la region de Hollywood 94 Lo que el viento se llevo fue seleccionada para su conservacion en el National Film Registry de Estados Unidos en 1989 11 Influencia y legado Editar El primer archivista de los Estados Unidos R D W Connor izquierda recibiendo la pelicula por parte del senador de Georgia Walter F George al fondo y el Gerente de la Division Este de Loew Carter Barron derecha 1941 En la cultura popular Editar Lo que el viento se llevo y su produccion han sido explicitamente referenciadas satirizadas dramatizadas y analizadas en numerosas ocasiones a traves de una gran variedad de medios de comunicacion desde obras contemporaneas como Second Fiddle una pelicula de 1939 que parodia la busqueda de Scarlett hasta programas de television actuales como Los Simpson 76 95 96 The Scarlett O Hara War una dramatizacion televisiva de 1980 del casting de Scarlett 97 Moonlight and Magnolias obra de 2007 de Ron Hutchinson que dramatiza la reescritura del guion en cinco dias por Ben Hecht 98 o Went with the Wind un sketch en el The Carol Burnett Show que parodio la pelicula tras la repercusion de su primera emision en television en el ano 1976 estan entre los ejemplos mas notables de su imperecedera presencia en la cultura popular 16 En el extenso documental de 1988 The Making of a Legend Gone with the Wind se detalla la historia de la dificil produccion de la pelicula 99 En 1990 el Servicio Postal de los Estados Unidos emitio un sello que representaba a Clark Gable y Vivien Leigh abrazandose en una escena de la pelicula 100 Secuela Editar Tras la publicacion de la novela Margaret Mitchell recibio una lluvia de peticiones de una secuela pero afirmo no tener claro lo que le sucedio a Scarlett y Rhett y que los habia dejado a su destino Mitchell resistio la presion de Selznick y la Metro Goldwyn Mayer para que escribiera una secuela hasta su muerte en 1949 En 1975 su hermano Stephens Mitchell quien se hizo cargo del control de sus derechos autorizo una secuela producida conjuntamente por la MGM y Universal Studios con un presupuesto de 12 millones de dolares Anne Edwards fue la encargada de escribir la secuela como una novela con la idea de adaptarla posteriormente en un guion y publicarla al mismo tiempo que el lanzamiento de la pelicula Edwards presento un manuscrito de 775 paginas titulado Tara The Continuation of Gone with the Wind situado entre 1872 y 1882 y centrandose en el divorcio de Scarlett y Rhett la MGM no estaba satisfecha con la historia y rompio el acuerdo 16 La idea se retomo en la decada de 1990 cuando finalmente se produjo una secuela en 1994 en forma de una miniserie de television Scarlett se baso en la novela del mismo titulo de Alexandra Ripley una secuela del libro de Mitchell Los actores britanicos Joanne Whalley y Timothy Dalton interpretaron los papeles de Scarlett y Rhett La serie comienza tras el traslado de Scarlett a Charleston para intertar recuperar a Rhett y al no conseguirlo viaja a Irlanda sin decirle que esta embarazada de nuevo 101 102 Vease tambien EditarLas mejores peliculas de todos los tiemposNotas y referencias EditarNotas Loew s era la empresa matriz de Metro Goldwyn Mayer 1 a b Los creditos de apertura de la pelicula tienen un error George Reeves aparece como Brent Tarleton pero interpreta a Stuart mientras que Fred Crane aparece en la lista como Stuart Tarleton pero interpreta a Brent 3 Y ou can say frankly that of the comparatively small amount of material in the picture which is not from the book most is my own personally and the only original lines of dialog which are not my own are a few from Sidney Howard and a few from Ben Hecht and a couple more from John Van Druten Offhand I doubt that there are ten original words of Oliver Garrett s in the whole script As to construction this is about eighty per cent my own and the rest divided between Jo Swerling and Sidney Howard with Hecht having contributed materially to the construction of one sequence Antigua organizacion de guionistas de Hollywood establecida como sindicato en 1933 Selznick ya no estaba satisfecho con Cukor un lujo muy caro por no mostrarse mas receptivo a dirigir otros encargos de Selznick a pesar de que Cukor habia estado en nomina desde principios de 1937 En una nota confidencial escrita en septiembre de 1938 Selznick ya se planteaba la posibilidad de remplazarlo con Victor Fleming 17 Louis B Mayer habia estado intentando que Cukor fuera reemplazado por un director de la MGM desde que se iniciaron las negociaciones entre los dos estudios en mayo de 1938 En diciembre de 1938 Selznick escribio a su esposa acerca de una llamada telefonica que tuvo con Mayer Durante la conversacion tu padre lanzo otra pulla para sacar a George de Lo que el viento se llevo 19 Time tambien decia que Los angeles del infierno Hell s Angels 1930 dirigida por Howard Hughes habia costado mas pero posteriormente se comprobo que no era cierto Se demostro que las cuentas de Los angeles del infierno indicaban un coste de 2 8 millones de dolares pero Hughes la publicito diciendo que habia costado 4 millones de dolares vendiendola asi a los medios de comunicacion como la pelicula mas cara que se habia rodado hasta aquel momento 26 Referencias Gomery Douglas Pafort Overduin Clara 2011 Movie History A Survey 2 ª edicion Taylor amp Francis p 144 ISBN 9781136835254 Gone with the Wind 1939 Box Office Mojo Consultado el 25 de diciembre de 2020 a b Gone With the Wind The American Film Institute Catalog of Motion Pictures American Film Institute Consultado el 20 de junio de 2017 Noland Claire 8 de abril de 2014 Mary Anderson dies at 96 actress had role in Gone With the Wind Los Angeles Times Consultado el 20 de junio de 2017 a b c d e f Friedrich Otto 1986 City of Nets A Portrait of Hollywood in the 1940s Berkeley y Los Angeles University of California Press pp 17 21 ISBN 978 0 520 20949 7 a b c Producing Gone With the Wind Harry Ransom Center University of Texas at Austin Archivado desde el original el 20 de diciembre de 2015 Consultado el 21 de junio de 2017 The Book Purchase Gone With The Wind Online Exhibit University of Texas at Austin Harry Ransom Center Archivado desde el original el 2 de junio de 2014 Lo que el viento se llevo cumple 75 anos 10 curiosidades del clasico eterno Europa Press 15 de diciembre de 2014 Consultado el 9 de julio de 2017 a b c d e Lambert Gavin febrero de 1973 The Making of Gone With The Wind Part I The Atlantic Monthly Consultado el 21 de junio de 2017 a b c d e f g h i j k Gone with the Wind 1939 Notes TCM database Turner Classic Movies Consultado el 21 de junio de 2017 a b c d e f Miller Frank Stafford Jeff Gone with the Wind 1939 Articles TCM database Turner Classic Movies Archivado desde el original el 26 de septiembre de 2013 Haver Ronald 1980 David O Selznick s Hollywood Nueva York Alfred A Knopf ISBN 978 0 394 42595 5 Pratt William 1977 Scarlett Fever Nueva York Macmillan Publishers pp 73 74 81 83 ISBN 978 0 02 598560 5 Walker Marianne 2011 Margaret Mitchell and John Marsh The Love Story Behind Gone With the Wind Peachtree Publishers pp 405 406 ISBN 978 1 56145 617 8 a b Yeck Joanne 1984 Dictionary of Literary Biography American Screenwriters Gale a b c d e f g h Bartel Pauline 1989 The Complete Gone with the Wind Trivia Book The Movie and More Taylor Trade Publishing pp 64 69 127 161 172 ISBN 978 0 87833 619 7 a b Selznick David O 1938 1939 Behlmer Rudy ed Memo from David O Selznick the creation of Gone with the wind and other motion picture classics as revealed in the producer s private letters telegrams memorandums and autobiographical remarks Nueva York Modern Library publicado el 2000 pp 179 180 224 225 ISBN 978 0 375 75531 6 MacAdams William 1990 Ben Hecht Nueva York Barricade Books pp 199 201 ISBN 978 1 56980 028 7 Eyman Scott 2005 Lion of Hollywood The Life and Legend of Louis B Mayer Robson Books pp 258 259 ISBN 978 1 86105 892 8 Myrick Susan 1982 White Columns in Hollywood Reports from the GWTW Sets Macon Georgia Mercer University Press pp 126 127 ISBN 978 0 86554 044 6 Capua Michelangelo 2003 Vivien Leigh A Biography McFarland amp Company pp 59 61 ISBN 978 0 7864 1497 0 Turner Adrian 1989 A celebration of Gone with the wind Dragon s World p 114 Molt Cynthia Marylee 1990 Gone with the Wind on Film A Complete Reference Jefferson Carolina del Norte McFarland amp Company pp 272 281 ISBN 978 0 89950 439 1 Bridges Herb 1998 The Filming of Gone with the Wind Mercer University Press p PT4 ISBN 978 0 86554 621 9 a b c Cinema G With the W Time 25 de diciembre de 1939 pp 1 2 7 Consultado el 24 de junio de 2017 Eyman Scott 1997 The speed of sound Hollywood and the talkie revolution 1926 1930 Simon amp Schuster p 253 ISBN 978 0 684 81162 8 Leff Leonard J Simmons Jerold L 2001 The Dame in the Kimono Hollywood Censorship and the Production Code University Press of Kentucky p 108 a b c Ochoa de Olano Iciar 21 de marzo de 2016 El arquitecto de Escarlata La Verdad Consultado el 11 de octubre de 2019 Editorial Salvat ed 2003 Vestidos inolvidables MacDonald Laurence E 1998 The Invisible Art of Film Music A Comprehensive History Scarecrow Press pp 52 53 ISBN 978 1 880157 56 5 Bell Alison 25 de junio de 2010 Inland Empire cities were once in with Hollywood for movie previews Los Angeles Times Consultado el 25 de enero de 2013 Thomson David 1992 Showman The Life of David O Selznick Nueva York Knopf ISBN 978 0 394 56833 1 a b c d Lambert Gavin marzo de 1973 The Making of Gone With The Wind Part II The Atlantic Monthly 265 6 56 72 Cravens Hamilton 2009 Great Depression People and Perspectives Perspectives in American Social History ABC CLIO p 221 ISBN 978 1 59884 093 3 Harris Warren G 2002 Clark Gable A Biography Harmony Books p 211 a b Schatz Thomas 1999 1997 Boom and Bust American Cinema in the 1940s Volumen 6 of History of the American Cinema University of California Press pp 65 66 ISBN 978 0 520 22130 7 a b c Shearer Lloyd 26 de octubre de 1947 GWTW Supercolossal Saga of an Epic The New York Times Consultado el 29 de junio de 2017 a b Release Info Internet Movie Database Consultado el 29 de junio de 2017 Amiguet Teresa 15 de diciembre de 2014 Los secretos que no se llevo el viento La Vanguardia Consultado el 3 de julio de 2017 Camporesi Valeria 2001 Historias lejanas Lecturas de Lo que el viento se llevo en la Espana franquista Historia Contemporanea 22 67 80 Aguinaga Pablo Leon 2010 Sospechosos habituales El cine norteamericano Estados Unidos y la Espana franquista 1939 1960 CSIC Press pp 186 450 ISBN 8400091043 a b c Brown Ellen F Wiley John Jr 2011 Margaret Mitchell s Gone With the Wind A Bestseller s Odyssey from Atlanta to Hollywood Taylor Trade Publications pp 287 293 amp 322 ISBN 978 1 58979 527 3 Olson James Stuart 2000 Historical Dictionary of the 1950s Greenwood Publishing Group p 108 ISBN 978 0 313 30619 8 Block Alex Ben Wilson Lucy Autrey eds 2010 George Lucas s Blockbusting A Decade By Decade Survey of Timeless Movies Including Untold Secrets of Their Financial and Cultural Success HarperCollins pp 220 221 ISBN 978 0 06 177889 6 a b c Kramer Peter 2005 The New Hollywood From Bonnie And Clyde To Star Wars Short Cuts Volumen 30 Wallflower Press p 46 ISBN 978 1 904764 58 8 Andrew Geoff Gone with the Wind British Film Institute Archivado desde el original el 1 de diciembre de 2013 Fristoe Roger Gone with the Wind 75th Anniversary Screenings and Events Turner Classic Movies Consultado el 29 de junio de 2017 Clark Kenneth R 29 de septiembre de 1988 Tnt Rides In On Gone With Wind Chicago Tribune Consultado el 29 de junio de 2017 Robert Osborne Robert Osborne on TCM s 15th Anniversary Turner Classic Movies Consultado el 29 de junio de 2017 a b c d e f Nugent Frank S 20 de diciembre de 1939 The Screen in Review David Selznick s Gone With the Wind Has Its Long Awaited Premiere at Astor and Capitol Recalling Civil War and Plantation Days of South Seen as Treating Book With Great Fidelity The New York Times Consultado el 3 de julio de 2017 a b c d e Hoellering Franz 1939 Gone With the Wind The Nation Consultado el 3 de julio de 2017 a b c d e f Flinn John C Sr 20 de diciembre de 1939 Review Gone With the Wind Variety Consultado el 7 de julio de 2017 Gone with the wind at the Gaiety The Manchester Guardian 28 de mayo de 1940 Consultado el 7 de julio de 2017 New York Film Critics Circle Awards 1939 Awards New York Film Critics Circle Consultado el 7 de julio de 2017 a b The 12th Academy Awards 1940 Academy Awards database Academy of Motion Picture Arts and Sciences Consultado el 7 de julio de 2017 Randall David Clark Heather 24 de febrero de 2013 Oscars cinema s Golden Night The ultimate bluffer s guide to Hollywood s big night The Independent Consultado el 7 de julio de 2017 Cutler David 23 de febrero de 2013 Goldsmith Belinda Zargham Mohammad eds Factbox Key historical facts about the Academy Awards Reuters Consultado el 7 de julio de 2017 a b c d Haskell Molly 2010 Frankly My Dear Gone With the Wind Revisited Icons of America Yale University Press pp 213 214 ISBN 978 0 300 16437 4 a b Young John 5 de febrero de 2010 Avatar vs Gone With the Wind Entertainment Weekly Consultado el 5 de febrero de 2013 About the 1940 Census Official 1940 Census Website National Archives and Records Administration Consultado el 9 de julio de 2017 London Movie Doings The New York Times 25 de junio de 1944 X3 Finler Joel Waldo 2003 The Hollywood Story Wallflower Press pp 47 356 363 ISBN 978 1 903364 66 6 Thomas Bob 1 de agosto de 1963 Movie Finances Are No Longer Hidden From Scrutiny The Robesonian Associated Press p 10 Berkowitz Edward D 2010 Mass Appeal The Formative Age of the Movies Radio and TV Cambridge Essential Histories Cambridge University Press p 160 ISBN 978 0 521 88908 7 Hall Sheldon Neale Stephen 2010 Epics spectacles and blockbusters a Hollywood history Wayne State University Press pp 181 182 ISBN 978 0 8143 3008 1 Thomas Bob 6 de mayo de 1971 Reissues playing big role in movie marketing today The Register Guard Associated Press p 9E Akhmatova Anna 1973 Gone With the Wind The Atlantic Monthly 231 p 2 As of the end of 1971 GWTW stood as the all time money drawing movie with a take of 116 million and with this year s reissues it should continue to run ahead of the second place contender and all time kaffee mit schlag spectacle Gone with the Wind tops film list BBC News 28 de noviembre de 2004 Consultado el 9 de julio de 2017 Domestic Grosses Adjusted for Ticket Price Inflation Box Office Mojo Consultado el 9 de julio de 2017 The Ultimate Film Chart British Film Institute Archivado desde el original el 7 de noviembre de 2018 Consultado el 9 de julio de 2017 Gone with the Wind The Numbers Nash Information Services Consultado el 9 de julio de 2017 Highest box office film gross inflation adjusted Guinness World Records 2014 Consultado el 9 de julio de 2017 Corso Regina A 21 de febrero de 2008 Frankly My Dear The Force is With Them as Gone With the Wind and Star Wars are the Top Two All Time Favorite Movies Harris Interactive Archivado desde el original el 14 de junio de 2013 Consultado el 9 de julio de 2017 Shannon Missal Larry 17 de diciembre de 2014 Gone but Not Forgotten Gone with the Wind is Still America s Favorite Movie Harris Interactive Archivado desde el original el 28 de diciembre de 2014 Consultado el 9 de julio de 2017 a b Lupack Barbara Tepa 2002 Literary Adaptations in Black American Cinema From Oscar Micheaux to Toni Morrison University of Rochester Press pp 209 211 ISBN 978 1 58046 103 0 a b c Vera Hernan Gordon Andrew Mark 2003 Screen Saviors Hollywood Fictions of Whiteness Rowman amp Littlefield pp viii 102 ISBN 978 0 8476 9947 6 Reynolds David 2009 America Empire of Liberty A New History Penguin UK pp 241 242 ISBN 978 0 14 190856 4 Silk Catherine Silk Johnk 1990 Racism and Anti Racism in American Popular Culture Portrayals of African Americans in Fiction and Film Manchester University Press p 141 ISBN 978 0 7190 3070 3 Ruiz W Bryan Rommel 2010 American History Goes to the Movies Hollywood and the American Experience Taylor amp Francis p 61 ISBN 978 0 203 83373 5 Malcolm X 2015 The Autobiography of Malcolm X Random House Publishing Group p 38 ISBN 1101967803 Savitsky Sasha 28 de agosto de 2017 Gone with the Wind Screenings Pulled from Memphis Theater for Racially Insensitive Content Fox News Consultado el 12 de junio de 2020 Tapp Tom 10 de junio de 2020 HBO Max removes Gone with the Wind From Streaming Platform Says Film Will Return With Discussion Of Its Historical Context Deadline Hollywood Consultado el 12 de junio de 2020 AFI s 100 Years The Complete Lists American Film Institute Consultado el 9 de julio de 2017 a b c Schlesinger Arthur marzo de 1973 Time Alas Has Treated Gone With the Wind Cruelly The Atlantic Monthly 231 3 64 a b c d Schickel Richard marzo de 1973 Glossy Sentimental Chuckle headed The Atlantic Monthly 231 3 71 a b Kauffman Stanley marzo de 1973 The Romantic Is Still Popular The Atlantic Monthly 231 3 61 a b Sarris Andrew marzo de 1973 This moviest of All Movies The Atlantic Monthly 231 3 58 Crist Judith marzo de 1973 Glorious Excesses The Atlantic Monthly 231 3 p 67 Consultado el 16 de febrero de 2013 a b Votes for Gone with the Wind 1939 Sight amp Sound The Greatest Films of All Time British Film Institute 2012 Consultado el 17 de junio de 2020 The 100 greatest American films BBC Culture BBC 20 de julio de 2015 Consultado el 10 de julio de 2017 AFI s 100 Years 100 Movies American Film Institute junio de 1998 Consultado el 10 de julio de 2017 AFI s 100 Years 100 Movies 10th Anniversary Edition American Film Institute 20 de junio de 2007 Consultado el 10 de julio de 2017 The 80 Best Directed Films Directors Guild of America primavera de 2016 Consultado el 4 de mayo de 2016 Hollywood s 100 Favorite Films The Hollywood Reporter 25 de junio de 2014 Consultado el 20 de junio de 2017 Nugent Frank S 1 de julio de 1939 Second Fiddle 1939 The Screen Second Fiddle With Tyrone Power and Sonja Heine Opens at the Roxy Reports on New Foreign Films The New York Times Consultado el 12 de julio de 2017 Gomez Galisteo M Carmen 2011 The Wind Is Never Gone Sequels Parodies and Rewritings of Gone with the Wind McFarland amp Company p 173 ISBN 978 0 7864 5927 8 Erickson Hal The Scarlett O Hara War 1980 Allmovie Rovi Corporation Consultado el 12 de julio de 2017 Spencer Charles 8 de octubre de 2007 Moonlight and Magnolias Comedy captures the birth of a movie classic The Daily Telegraph Consultado el 12 de julio de 2017 Thames Stephanie The Making Of A Legend Gone With The Wind 1988 Articles TCM database Turner Classic Movies Consultado el 12 de julio de 2017 McAllister Bill 5 de marzo de 1990 Postal Service Goes Hollywood Puts Legendary Stars on Stamp The Daily Gazette p B9 Consultado el 12 de julio de 2017 Scarlett 1994 Allmovie Rovi Corporation Consultado el 12 de julio de 2017 Scarlett Escarlata TV Filmaffinity Consultado el 12 de julio de 2017 Bibliografia adicional EditarAlsina Thevenet Homero 2006 Lo que el viento se llevo Historias de peliculas El cuenco de plata pp 93 101 ISBN 9871228198 Bridges Herb 1999 Gone with the Wind The Three Day Premiere in Atlanta Mercer University Press ISBN 978 0 86554 672 1 Cameron Judy Christman Paul J 1989 The Art of Gone with the Wind The Making of a Legend Prentice Hall ISBN 978 0 13 046740 9 Harmetz Aljean 1996 On the Road to Tara The Making of Gone with the Wind Nueva York Harry N Abrams ISBN 978 0 8109 3684 3 Lambert Gavin 1973 GWTW The Making of Gone With the Wind Nueva York Little Brown and Company ISBN 978 0 316 51284 8 Vertrees Alan David 1997 Selznick s Vision Gone with the Wind and Hollywood Filmmaking University of Texas Press ISBN 978 0 292 78729 2 Wilson Steve 2014 The Making of Gone With The Wind University of Texas Press ISBN 0292761260 Enlaces externos EditarLo que el viento se llevo en Internet Movie Database en ingles Lo que el viento se llevo en Rotten Tomatoes en ingles Lo que el viento se llevo en TCM Movie Database en ingles Lo que el viento se llevo en FilmAffinity Lo que el viento se llevo en Metacritic en ingles Presentacion de la pelicula en el programa de Popular TV de Murcia El cine de Sese Datos Q2875 Multimedia Gone with the Wind film Citas celebres Lo que el viento se llevo Obtenido de https es wikipedia org w index php title Lo que el viento se llevo pelicula amp oldid 140231759, wikipedia, wiki, leyendo, leer, libro, biblioteca,

español

, española, descargar, gratis, descargar gratis, mp3, video, mp4, 3gp, jpg, jpeg, gif, png, imagen, música, canción, película, libro, juego, juegos