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Escultura de Francia

La escultura francesa consiste en la escultura (incluida estatuaria, tallas de artesanía en madera, orfebrería y alguna cerámica) originaria de la zona geográfica de Francia. La Francia moderna fue el centro principal europeo del arte del Paleolítico Superior, luego dejó muchos monumentos megalíticos, y en la Edad del Hierro muchos de los hallazgos más impresionantes del arte celta temprano. El período galorromano dejó un estilo distintivo de escultura provincial, y la región alrededor de la frontera franco-alemana moderna llevó al Imperio a la producción masiva de alfarería romana antigua finamente decorada, que se exportó a gran escala a Italia y otros lugares. Con el arte merovingio comenzó la historia de los estilos franceses como un elemento distintivo e influyente en el desarrollo más amplio del arte de la Europa cristiana.

Virgen y Niño, marfil francés de finales del siglo XIII, de 25 cm de alto, curvado para adaptarse a la forma del colmillo de marfil.

Se puede decir que Francia fue líder en el desarrollo del arte románico y gótico antes de que el Renacimiento llevara a Italia a convertirse en la principal fuente de desarrollos estilísticos hasta que Francia igualara nuevamente la influencia italiana durante el Barroco tardío y el Neoclasicismo y luego recuperara el papel principal en las artes desde el siglo XIX hasta mediados del XX.

La escultura prehistórica

La escultura en la Galia antigua

Período prerromano

El arte de la escultura fue poco desarrollado entre los galos: no quedan más que unas pocas estatuillas de terracota recogidas en museos o colecciones privadas.

Los monumentos del arte griego en la Galia, en las factorias que habían establecido allí, también son muy escasos. Un raro ejemplo de escultura griega en la Galia es el de la Diana que está hoy en la Villa Albani, en Roma.

Escultura en la era galorromana

 
Dios galo con oreja cérvida, siglo I

Una forma de escultura gálica encontrada en abundancia es la de los ex-votos, como los bosques tallados de las fuentes del Sena o los de la fuente de las Rocas, habiéndose encontrado así miles de exvotos tallados en madera. Los exvoto de piedra generalmente se consideran más tardíos que las maderas talladas, ya que las estatuaria de madera habría sido en general, a pesar de las excepciones (como en Montlay-en-Auxois), abandonada en Galia desde finales del siglo I.

Con la llegada de los romanos y la integración de la Galia en el Imperio, una forma de escultura galo-romana surgió en la Galia, siguiendo en gran parte los códigos de la escultura romana madugada de símbolos galos. Se crearon esculturas de piedra para los templos y, sobre todo, se desarrolló una gran producción de estatuillas de bronce. Sin embargo, destacan algunas peculiaridades celtas. Así, si bien algunas de las estatuillas galas siguen fielmente las representaciones romanas contemporáneas, y las divinidades celtas (a menudo amalgamadas con las deidades romanas) fueron representadas de pie o sentadas en un trono a la imagen de los dioses romanos, algunos dioses galeses, como Cernunnos, fueron representados con las piernas cruzadas.

Durante la dominación romana, un escultor llamado Zénodore, reputado por sus pequeñas figuras y jarrones de una minuciosidad delicada, levantó en la ciudad de Arvernes un Mercurio colosal. El emperador Nerón lo hizo llamar a Roma para encargarle su propia estatua.[1]

La escultura francesa en la Edad Media

 
Adam, hacia 1260, proveniente de la catedral de Notre-Dame de París.

La escultura en la Edad Media, ya sea en Francia o en el resto de Europa y el mundo cristiano, estaba íntimamente ligada al mundo religioso y, más específicamente, a la arquitectura religiosa en la que frecuentemente encajaba. Los nombres de la mayoría de los escultores de esa época, especialmente de los períodos más antiguos, son ahora desconocidos, habiendo sido una gran parte de las obras creadas de forma anónima.

Las decoraciones de las iglesias servían para destacar su importancia y la de las ciudades donde se construyeron, pero también tenían una función pedagógica. En un momento en que gran parte de la población era analfabeta, transcribían en sus paredes, tanto a través de las esculturas como de las vidrieras coloreadas, la historia y la naturaleza del mundo, así como la de la misma iglesia, tal como eran percibidas en ese momento. Servían para la instrucción de las multitudes, siendo verdaderos libros en piedra y vidrio. Las escenas más frecuentemente representadas, además de las proporcionadas por la vida de Jesús, eran la Pesada de las almas, las vírgenes prudentes y las vírgenes insensatas, los siete pecados capitales, las Penas del infierno y el Juicio final. Se representaban además la genealogía de la Virgen a través de la serie de los reyes de Judea, la vida de los Santos, especialmente la del patrón(a) de la iglesia en cuestión, considerados como hechos históricos reconocidos. Por eso era lógico también la presencia de estatuas de reyes, reinas, personajes nobles, obispos, abades y otros benefactores de las iglesias, que marcaban su poder temporal, pero que también eran parte de la lógica de la Edad Media, en la continuidad histórica de la Biblia. Las estatuas y los bajorrelieves solían estar pintados. Todavía hay algunos ejemplos notables de esta escultura policromada, como los bajorrelieves de los coros en las catedrales de París y de Amiens o las estatuas de la iglesia de Avioth, en el Mosa.

El período cubierto por la Edad Media es muy amplio ya que abarcaba un entero milenio. Los historiadores del arte lo han estudiado tradicionalmente dividiéndolo en nueve movimientos o períodos principales, de los que cinco conciernen a Francia y, por lo tanto, a la escultura francesa. Son los siguientes:

  • escultura paleocristiana
  • escultura prerrománica
  • escultura románica
  • escultura cisterciense
  • escultura gótica

Escultura paleocristiana en Francia

 
Capitel de la cripta merovingia de Notre-Dame de Jouarre
 
Milagros de Cristo - Sarcófago aux arbres, (ca. 375) - Musée de l'Arles et de la Provence antiques, Arlés

El arte paleocristiano abarca el período desde el año 200 aC (antes del cual no sobrevive ninguna obra cristiana), hasta finales del siglo VII y principios del siglo VIII, cuando las conquistas árabes y la iconoclasia bizantina interrumpieron la producción de arte en el Este. Durante este período, los artistas cristianos adoptaron los saberes romanos de la pintura, mosaico, escultura y trabajos del metal. En Francia, el arte paleocristiano a menudo se confunde con el arte merovingio.

La escultura en el período merovingio retrocedió hasta el punto de no ser más que una mera técnica de ornamentación de sarcófagos, altares o del mobiliario eclesiástico. El abandono gradual de la incineración en favor de la inhumación (que en el transcurso del siglo III predominaba en todo el Imperio), que seguía siendo la prerrogativa de las familias ricas debido a su costo, entrañó un desarrollo particularmente importante de la escultura funeraria, especialmente de la realización de muchos sarcófagos. Los tres tipos más comunes de sarcófagos «paganos» también se usaron para hacer los sarcófagos cristianos: 1) de friso, 2) columnares; 3) de strigils. El clipeus, que lleva el retrato del difunto o un epígrafe, aparece muy rápidamente en los sarcófagos cristianos. Pero estos tipos evolucionarán con el tiempo. El strigilous perdió rápidamente su forma oval, pero permaneció esencialmente fiel a la disposición original de la decoración. El tipo de friso se organizará en registros horizontales con un clipeus en el centro. En el curso del siglo IV , el tipo columnar se volvió más complejo en su ornamentación arquitectónica y algunas veces fue reemplazado por elementos vegetales.

Escultura prerrománica en Francia

 
Criptas de Jouarre
 
Estatua ecuestre de Carlomagno, Louvre
 
Cubierta de marfil de los Evangelios de Lorsch

En la Galia merovingia, las decoraciones talladas aparecen en las tumbas más ricas, donde algunos prefieren el enterramiento en sarcófagos a menudo trapezoidales adornados con cruces y motivos geométricos hasta el siglo VII, y cubiertos con follajes vegetales hasta el final del período merovingio. En el Hipogeo de las Dunas, en un relieve muy plano, hay una decoración de follajes, peces, una trenza que termina en una cabeza de serpiente, figuras aladas, los símbolos de los Evangelistas y dos personajes fijados a dos cruces. El estilo de estas esculturas es similar a las obras visigodas del siglo VII o al de los monumentos del norte de Italia. Este conjunto muestra el grado de mezcla cultural de las élites merovingias entre una cultura clásica alimentada por elementos mediterráneos y el arte del entrelazado definiendo las novedades plásticas de la Alta Edad Media occidental.

La fundación en el norte de la Galia de numerosos monasterios en el siglo VII dio lugar a múltiples experiencias arquitectónicas. La cripta Saint-Paul de Jouarre fue fundada por Agilbert, obispo de París alrededor del año 673. Su sarcófago está decorado con Cristo con los símbolos de los Evangelistas y una gran escena con personajes en alto relieve aclamando a Cristo.[2]​.

El arte prerrománico se desarrolló durante el período que abarca desde la coronación de Carlomagno en 800 hasta el comienzo del período románico en el siglo XI. Durante este período, las influencias del arte romano clásico se absorbieron activamente y el arte carolingio se convirtió en la cepa de la que emergeran más adelante el arte románico y el gótico. De la escultura carolingia, solo han sobrevivido algunos raros relieves arquitectónicos, obras de orfebrería y placas de marfil, ya que la mayoría de los edificios antiguos fueron reemplazados en los periodos románico y gótico.

En particular, los escultores carolingios crearon portadas de libros de marfil con temas inspirados en gran parte por pinturas de la Antigüedad tardía. Su número particularmente alto compensa la ausencia casi total de escultura carolingia.

Carlomagno dio vida al arte del bronce en Francia cuando creó las fundiciones en Aquisgrán, donde se hicieron las puertas de la capilla del palacio, a imitación de un modelo romano. Una de las obras maestras de esta época es la famosa estatua ecuestre en bronce dorado con incrustaciones de hilos de oro de Carlomagno (o de su nieto Carlos el Calvo), haciendo referencia a antiguos retratos ecuestres. El molde de esta estatua, el único bronce sobreviviente del siglo VIII , se hizo en 3 partes —el caballo, la cabeza y el cuerpo— que fueron ensambladas después.

La escultura de piedra siguió siendo una imitación hábil de las obras antiguas, siendo los grandes centros de escultura Lorsch y Aix-la-Chapelle. Una obra maestra de piedra todavía existente es el cierre del coro de Saint Pierre-aux-Nonnains, en Metz .

Escultura románica en Francia

 
Tímpano tallado de la iglesia abacial de Sainte-Foy
 
Saint Michel terrassant le dragon, Borgoña, siglo XII, museo del Louvre

El arte románico cubre el período de Europa occidental que va desde el siglo XI hasta finales del siglo XII , principalmente en Francia, Italia y España, y que luego se extendió con la expansión de los grandes movimientos monárquicos en el norte de Europa, Inglaterra e Irlanda. Este período fue un momento de fusión de los estilos que lo precedieron, especialmente carolingio, y cuyas influencias orientales, especialmente sasánidas, fueron fusionadas y apropiadas en los motivos cristianizados.

La escultura primero decoró los capiteles en criptas, claustros e iglesias antes de tener su lugar en las fachadas de las iglesias a finales del siglo XI, a la manera de los antiguos arcos de triunfo,[3]​ convirtiéndose entonces en «monumental». Tenía una virtud pedagógica, la de enseñar las vidas de los apóstoles y de los santos e ilustrar pasajes del Antiguo Testamento. Está inspirada en los bajorrelieves y capiteles romanos, pero especialmente en las imágenes colocadas en los manuscritos iluminados y en los objetos de orfebrería.

Entre los escultores franceses, o que trabajaron en Francia, cuyos nombres se conocen en este período, se encuentran el Maestro de Cabestany , Bernard Gilduin, Gislebert, Unbertus, Gofridus, Raymond de Bianya y Gilabertus de Toulouse.

La escultura sobre capitel se extiende a partir del año mil, aunque sus comienzos fueron tímidos: en las iglesias italianas de la primera mitad del siglo XI se retoma el modelo corintio, más o menos estilizado (marquesina con palmetas). Otros lugares (Borgoña, Cataluña) experimentan los capiteles con entrelazado y hojas de acanto. Pero pronto aparecen animales y figuras antropomórficas, incluso si siguen siendo poco frecuentes antes de 1050 (abadía de Saint-Benoît-sur-Loire). La basílica Saint-Sernin de Toulouse (segunda mitad del siglo XI) conserva 260 capiteles románicos.[4]​ Son muchos los edificios que tienen conjuntos esculpidos, destacando:

Escultura cisterciense en Francia

 
Vierge à l'enfant del claustro de la abadía de Sénanque (Vaucluse)

El arte cisterciense se desarrolló en respuesta a los excesos del arte románico desarrollado por Cluny y se caracterizó por un esteticismo refinado al extremo. En 1134, el Capítulo general, bajo la influencia de Bernardo de Clairvaux , prescribió además de una serie de medidas relativas al arte sacro, que los lugares sagrados no debían recibir ninguna decoración tallada o decorada. El éxito financiero de la orden, sin embargo, llevó a una proliferación de sitios de construcción y los edificios conventouales comenzaron a recibir más y más adornos, especialmente después de la muerte de Clairvaux en 1153. Por lo tanto, en la década de 1170, los conventos principales recibieron adornos

Sin embargo, la escultura en el arte cisterciense siguió siendo rara, y se limitaba esencialmente a ornamentaciones estilizadas y depuradas o algunas estatuas raras muy simples. Además, aunque las iglesias y las estatuas estuvieron pintadas generalmente en la Edad Media, este no fue el caso en el arte cisterciense, ya que el color estaba reservado a las iluminaciones.[5]

Escultura gótica en Francia

 
Portal de la iglesia de la Chartreuse con los grupos de Claus Sluter a los lados y la Vierge à l'enfant de Jean de Marville en el le trumeau.

La escultura gótica es el estilo escultórico que corresponde al periodo gótico del arte occidental, y por tanto se extiende desde finales del siglo XII hasta comienzos del siglo XV por la Europa Occidental cristiana. Este estilo que permaneció durante tres siglos aproximadamente en apogeo, nació en dos lugares de gran prestigio religioso, político y cultural la Basílica de Saint Denis y la catedral de Chartres pertenecientes a la Isla de Francia.[6]

Fue un tipo de escultura que evolucionó a partir de la románica y que más adelante se «disolvió» en lo que sería la escultura del renacimiento y el manierismo. La aparición del arte gótico fue vista como una innovación y fue nombrado opus modernum ( obra moderna), siendo la escultura una de sus expresiones más importantes. La escultura gótica nació estrechamente vinculada a la arquitectura, como se observa en la decoración de las grandes catedrales y otros edificios religiosos, pero con el tiempo fue ganando independencia. En una primera etapa se cultivó un estilo austero, estilizado, de proporciones alargadas y con una apariencia general hierática, que quería transmitir espiritualidad, alejándose de la anatomía real de los cuerpos. Pero pronto evolucionó hacia un mayor naturalismo, hacia el realismo, a partir de la asimilación de influencias clásicas y de una observación más atenta de la naturaleza. A pesar de tratarse de forma independiente, la escultura gótica, incluso en sus etapas finales, continuó estando integrada a la decoración arquitectónica.[7][8]

La historia de la escultura gótica aún tiene puntos oscuros ya que en algunos momentos hubo una destrucción masiva de monumentos y obras de arte medievales, como por ejemplo durante el movimiento iconoclasta que acompañó la Reforma protestante, y en la Revolución Francesa. Por ello, la determinación de la cronología, la genealogía y la distribución y propagación geográfica del estilo tiene vacíos difíciles de obviar. Hay que añadir que cuando el gótico fue bien valorado, a partir de la segunda mitad del siglo XIX, por desconocimiento, se hicieron restauraciones inadecuadas en muchos monumentos.[9]

Entre los escultores franceses o que obraron en Francia importantes de este período se encuentran el Maestro de Naumburg, Pierre Rossignon, Guy de Dammartin, Jacques de Baerze, Evrard d'Orleans, Jean de Marville, Claus Sluter, Antoine Le Moiturier, el Maestro de Rieux, André Beauneveu, Jacques Bachot o Jacques Juliot.

Gótico primitivo

 
Tímpano de la basílica de Saint-Denis, circa 1137-1144, ejemplo de gótico primitivo.

La prueba del éxito de la escultura es la gran proliferación de representaciones sagradas que se produjeron durante la fase final del románico. Entre los siglos XI y XII, se establecieron un conjunto de motivos temáticos y unas formas que eran las más adecuadas para transmitir la doctrina religiosa. Ya en el siglo XII, la aparición de la principal iconografía románica, la de la decoración de los tímpanos, coincidió con la llegada de los primeros ejemplos del gótico, junto con la introducción del arco apuntado y el arbotante en la parte arquitectónica.[10][11]

De hecho, los programas iconográficos románicos ejercieron una gran influencia sobre los góticos, que se convirtieron en una evolución natural de aquellos. Por tanto, la distinción estilística entre la escultura románica y gótica más primitiva, a menudo, es muy sutil. En cuanto a las primeras esculturas góticas, las innovaciones más evidentes se aplicaron en las arquivoltas y las columnas laterales de las portadas. En ellas se observa una tendencia creciente a establecer una organización menos compacta de las escenas, más abierta y racional, y un alargamiento de las proporciones de las figuras, siguiendo la tendencia a más verticalismo de los edificios. Desaparece las composiciones opresivas de los condenados de los tímpanos y las estatuas se alargan siguiendo el ritmo arquitectónico del arco, siendo el tímpano de la basílica de Saint Denis[10][12]​ uno de los primeros que presenta esta disposición.

Gótico clásico

Hacia el 1200, el estilo original se transformó impulsado por el creciente interés por el naturalismo, es la segunda etapa de la evolución del gótico, llamada gótico clásico, pleno o protogótico.[13][14]​ En esta transición tuvieron un papel importante los artistas del valle del Mosa, y de forma especial Nicolás de Verdún y Renier de Huy, los primeros grandes maestros de la historia de la escultura gótica, que destacaron por sus trabajos de orfebrería y bronce.[15]

En las catedrales de Reims, Amiens y Notre-Dame de París, el estilo gótico quedó fuera de la influencia románica y sus estatuas presentan un naturalismo bastante avanzado; las esculturas son independientes de las columnas. En este periodo de la Edad Media apareció por primera vez el uso del contrapposto; este recurso técnico pretendía dar más gracia y movimiento a las imágenes, que eran presentadas en actitudes más dinámicas y se realizaba un tratamiento de los volúmenes anatómicos que, en muchos casos, ya no quedaban ocultos por la ropa. El contrapposto gótico, visto desde el exterior, difería del clásico por una apariencia más pronunciada que no era el resultado del tratamiento anatómico; era más ornamental.[16]​Al mismo tiempo que en las escuelas de filosofía se enseñaba el humanismo, se volvían a definir los principios fundamentales de la fe; este contexto cultural hizo posible la absorción de elementos artísticos de la antigüedad clásica, suavizando la estricta ética que guio el pensamiento moral a lo largo de los siglos anteriores. Estos cambios dirigían el entorno cultural hacia un laicismo mayor que favorecía un desplazamiento del interés desde una dimensión sobrenatural hacia una más humana.[17]​ También se recuperó el valor de la belleza pura de las formas, que se había perdido desde la antigüedad, teniendo en cuenta, como decía Santo Tomás de Aquino, que la belleza estaba íntimamente asociada con la virtud y la plena expresión de su naturaleza esencial.[18]

Gótico francés

El gótico de los dos primeros periodos, fue una iniciativa, principalmente, del arte producido en Francia, incluso cuando ya tuvo más presencia en otros lugares. Como se perdieron las primeras esculturas realizadas en la basílica de Saint Denis, las estatuas-columnas de la catedral de Chartres son las muestran de los primeros rasgos característicos del naturalismo gótico. En la catedral de Reims, las esculturas poseen una estilística más cercana a la de la figura humana, con las vestiduras que se adaptan al cuerpo, con actitudes y expresiones que reflejan emociones y sentimientos.[19]​ A partir de mediados del siglo XIV, de acuerdo con la tendencia general europea, se redujo la producción de esculturas monumentales y se realizaron más las de pequeña dimensión. Se enriqueció la temática presente en las estatuas de devoción, con la creación de vírgenes con niños y crucificados, ejemplos que muestran líneas de una gran delicadeza y gracia de carácter ornamental. Las tumbas seguían siendo como las del siglo XIII, pero con las imágenes que reflejaban mejor los retratos de los difuntos, destacando la del rey Carlos V de Francia y sus dos inmediatos sucesores, obras realizadas por André Beauneveu. Carlos V fue un gran mecenas de su tiempo, haciendo de París un importante centro escultórico que favoreció la llegada de artistas flamencos como Jean de Lieja. El hermano del rey , Juan I de Berry duque de Berry, también fue un buen mecenas y en la corte que instaló como alternativa a la de Poitiers y Bourges, contó con los servicios de los escultores Jean de Cambrai y el ya mencionado Beauneveu, entre otros artistas.[20]

Bajo la protección del ducado de Borgoña, especialmente de Felipe II de Borgoña, el escultor Claus Sluter sustituyó al también flamenco Jean de Marville, e inició la decoración de la cartuja de Champmol en Dijon. Una de sus obras más famosas es el llamado Pozo de Moisés que hay en el claustro de la cartuja. Tras la muerte del duque, el prestigio de esta escuela comenzó a declinar, aun así, a finales del siglo XV hay que citar a Antoine Le Moiturier, considerado tradicionalmente como el autor de la famosa tumba de Philippe Pot. Al mismo tiempo, los franco flamencos fueron responsables de un resurgimiento de la decoración arquitectónica, una tendencia que se prolongó hasta el siglo XVI y dejó buenos ejemplos en la catedral de Rouen y en la catedral de Amiens, que incluyen piezas de la fachada y los relieves del interior. También en el siglo XV, en el Valle del Loira, surgió un movimiento conocido como Détente, que rescataba el antiguo idealismo del siglo XIII e incorporaba algunos elementos del renacimiento italiano que ya empezaba a ser conocido en Francia. Sus temas fueron populares y por tanto, tuvo un gran éxito entre las clases más bajas, pero también se continuaron haciendo imágenes sacras y de forma especial, vírgenes y los grupos del Santo Entierro. A finales del siglo XV, el movimiento influyó ya en toda la producción escultórica de Francia; cabe destacar a Michel Colombe, artista especialmente recordado por su magnífica obra la tumba de Francisco II de Bretaña y Margarita de Foix, que existe en la catedral de Nantes (1502-1507).[21][20]

La escultura francesa en el siglo XVI

 
Cristo de la Resurrección (ca. 1572, Louvre), obra de Germain Pilon
 
Detalle de una de las cariátides de la sala epónima del palais du Louvre de Jean Goujon. (1551)

El Renacimiento marcó un regreso de la escultura a las formas y temas de la Antigüedad, especialmente a la griega. El renacimiento escultòrico es más precoz que en las otras artes, ya que de hecho, algunos renacentistas incluso tenían esculturas antiguas, mientras que las pinturas habían desaparecido casi totalmente. Esta fue la razón por la cual los comienzos del renacimiento en materia de escultura pueden fecharse, especialmente en Italia, aunque en menor medida en el resto de Europa, incluida Francia, en el siglo XIII .

Muchos artistas se mudaron a Europa, a veces jóvenes y sin regresar a su país de origen (el italiano Domenico del Barbieri, también conocido como Dominique Florentin, que trabajó principalmente en Francia, donde se casó y fue enterrado). Por lo tanto, es imposible concebir «escuelas» nacionales ya que los intercambios fueron intensos. Un ejemplo es el de Pierre de Francqueville , un escultor francés que trabajó en Italia, donde se inició en el manierismo que introdujo en Francia a su regreso. Por otro lado, era muy común que un artista fuera versátil, al mismo tiempo pintor, arquitecto, grabador y escultor: este fue el caso, entre otros, de Pierre Biard l'Aîné, escultor y arquitecto. Los primeros grandes escultores del Renacimiento, cronológicamente hablando, son italianos. En Francia, en el siglo XVI, un poco más tarde, nacerá una segunda generación de grandes escultores, muy influenciados por el arte italiano.

 
Memorial de René de Chalon en Bar-le-Duc obra de Ligier Richier.

El interés político de los reyes de Francia por asentar sus dominios en tierras italianas tuvo consecuencias culturales, ya que fueron varios los artistas italianos que a partir de la segunda mitad del siglo XV se establecieron en la corte francesa, siendo Francisco I el principal mecenas de estos artistas, entre los que se encontraba Leonardo da Vinci. Hacia 1460 se estableció en Provenza el escultor Francesco Laurana, al que se considera el introductor del Renacimiento en Francia, que trabajó sobre todo en la parte sur del país. Una de sus esculturas más conocidas es el sepulcro de Carlos IV de Anjou en la catedral de Le Mans.[22]

Uno de los temas más tratados en la escultura francesa de esta época es el del Santo Entierro y los monumentos sepulcrales donde la figura del yacente es tratada con gran realismo. Se representa el difunto como cadáver o incluso en esqueleto; en el momento de la transición, como es el caso del de Juana de Borbón en el Louvre. De este tipo son dos obras realizadas por Ligier Richier con policromía en blanco, negro y gris: el Memorial de René de Chalon en Bar-le-Duc en el que el esqueleto parcialmente descarnado tiende un corazón hacia el cielo; y el demacrado cuerpo yacente de Felipa de Güeldres en la Iglesia des Cordeliers de Nancy. Esta alegoría de la resurrección de los muertos llega mediante el camino de la «terribilità» italiana y del desvelamiento del interior del cuerpo, aunque no presente una anatomía perfecta a los ojos de la ciencia.[23]

Con la influencia del hacer italiano se destaca Michel Colombe, escultor de la Reina Ana de Bretaña a principios del siglo XVI y que realizó por encargo suyo el sepulcro de sus padres, el duque Francisco II y Margarita de Foix en la catedral de Nantes. En las figuras yacentes del sepulcro todavíase aprecian rasgos góticos, no así en los elementos decorativos y en cuatro figuras de las Virtudes de tamaño natural colocadas en los ángulos del monumento funerario.
 
Las Cuatro Estaciones de Jean Goujon, (c.1547) (Musée Carnavalet, París).

Su sobrino Guillaume Regnault, también escultor, le sucedió en el cargo como escultor de la Reina. Su obra maestra son las estatuas yacentes del consejero real Louis Porcher y su esposa, hoy en el Museo del Louvre.[24]

También a principios del siglo XVI, Jean Goujon (llamado el Fidias francés) inició sus trabajos en Ruan, y en 1544 acudió a París para ser nombrado escultor real en 1547, donde realizó numerosos encargos como las alegorías de Las Cuatro Estaciones, las Ninfas, unas Cariátides para la tribuna de los Músicos y realizó los signos del Zodíaco para el antiguo ayuntamiento de París. Por estos mismos años Germain Pilon realizó numerosos monumentos funerarios con gran influencia de Miguel Ángel, entre los que descuella el Cristo Resucitado con figuras de los guardianes, un grupo para la capilla de Enrique II conservado en el Museo del Louvre, cuyas figuras están inspiradas en composiciones pictóricas como el José de Arimatea de Rosso Fiorentino. El Cristo muerto se asemeja a los grabados de Parmigianino, pues las figuras buscan las diagonales y los escorzos son espectaculares, con los pliegues de los vestidos apretados y muy delgados, recordando los relieves de la antigüedad clásica. Fiel seguidor suyo fue su discípulo Bartolomé Prieur, quien trabajó al servicio de Enrique IV de Francia. Pierre Puget, llamado el «Bernini francés», fue ya un escultor tardío del Renacimiento; sobresalió su obra Milón de Crotona.[25]

Otros maestros franceses dignos de mención son Jacques Dubrœuq, Ponce Jacquiot, Pierre Bontemps o, a finales de siglo, Guillaume Dupré.

La escultura francesa en el siglo XVII

 
Persée et Andromède, de Pierre Puget - Encargo de de Luis XIV para los jardines de Versalles, 1684

La escultura francesa en el siglo XVII, desarrollada por primera vez en continuidad con la del siglo anterior y en el seno de châteaux y mansiones privadas, así como en la estatuaria funeraria bajo e el reinado de Luis XIII y la regencia de Ana de Austria, luego se desarrolló especialmente en Versalles, por iniciativa del joven Luis XIV que deseaba ver su nuevo palacio adornado con las obras más bellas.

Escuela tradicional

La escuela tradicional está unida a Goujon y Pilon del siglo pasado y sufrió influencias italianas y flamencas, especialmente con Simon Guillain. También son destacables Jean Varin, medallista brillante, o, en la estatuaria funeraria, la moda del orante arrodillado, forma que ya existía en el XVI, retomada en particular por Thomas Boudin y Michel Bourdin.

El primer equipo de Versalles

El primer equipo de Versalles, que trabaja en un tipo decorativo italiano, estaba animado por Jacques Sarrazin y sus alumnos, entre ellos Gilles Guérin, Louis Lerambert o Philippe de Buyster, los mejores representantes de esta corriente son los hermanos François y Michel Anguier.

El segundo equipo de Versalles

El segundo equipo de Versalles, cuyo papel era decorar Versalles y los palacios reales desde 1661, incluía a escultores como François Girardon, Antoine Coysevox, Nicolas Coustou, los hermanos Balthazar y Gaspard Marsy y especialmente Pierre Puget, celebrado muy temprano como «el Miguel Ángel de Francia», genio barroco (del que fue uno de los introductores en Francia) y uno de los principales representantes del espíritu clásico francés del Gran Siglo en la escultura.

La escultura francesa en el siglo XVIII

 
Écorché, bras droit tendu devant de Jean-Antoine Houdon (1766-1767)

La escultura francesa del siglo XVIII estuvo marcada por una renovación del estilo y una nueva creatividad, que colocó al arte de la escultura como un mascarón de proa en la constitución del arte «rocaille». Se aleja cada vez más de lo antiguo y de los principios académicos, careciendo a veces de grandeza, y se vuelven a menudo hacia la maniéré, pero dotada de mucha gracia en los pequeños temas de género.

Uno de los escultores más importantes de este período fue Jean-Antoine Houdon, apasionado de la anatomía y famoso por la representación realista de sus obras. Otros escultores importantes de este período fueron Lambert Sigisbert Adam, que trabajó en la fuente de Neptuno en el parque de Versalles; Guillaume Coustou, hermano de Nicolas Coustou y padre de Guillaume Coustou (hijo), ambos también escultores de renombre; Étienne Maurice Falconet, autor del Monumento a Pedro el Grande, llamado Le Cavalier de bronze, en San Petersburgo; Jean-Baptiste Pigalle, que dio su nombre al distrito de Pigalle en París; Jean-Baptiste Bouchardon y sus hijos Jacques-Philippe y Edmé Bouchardon, autor de la fuente de la rue de Grenelle; Jean-Jacques Caffieri, quien ejecutó una gran cantidad de bustos y estatuillas; Augustin Pajou, cuya Psique está en el Museo del Louvre; Jean-Guillaume Moitte, autor de numerosas esculturas y bajorrelieves para los monumentos de la capital; Jean-Baptiste Lemoyne, retratista designado del rey Luis XV y su estatuaria monumental; hermanos Paul-Ambroise y Michel-Ange Slodtz; Pierre Julien, del que una gran parte de obras se conservan en el Museo del Louvre en París y en el Museo Crozatier en Puy-en-Velay,, Monnot, Legros, etc.

La escultura francesa en el siglo XIX

 
Auguste Rodin, Le Penseur (1882), una de las obras emblemáticas de la escultura francesa del siglo XIX

La escultura francesa del siglo XIX representa la producción escultórica y estatuaria en Francia entre 1801 y 1901. Se caracteriza por la diversidad de corrientes y de estilos, que van desde el neoclasicismo a principios de siglo, hasta el Art Nouveau y el arte moderno de fin de siglo.

La escultura francesa del siglo XIX está marcada por una producción muy importante inducida por los encargos oficiales relacionados con las transformaciones urbanas y con la secularización de la vida pública: las ciudades y los gobiernos, particularmente con Napoleón III y la Tercera República, compitieron en esta área. El ascenso de una burguesía adinerada también participa de la moda de la estatuaria con los monumentos funerarios privados y el gusto por las pequeñas piezas de bronce del que muchos escultores de animales harán una especialidad.

Los múltiples encargos públicos, más el peso de la Academia y de la Escuela de Bellas Artes, reforzaron más el academicismo dominante y el neoclasicismo que la expresión personal de los artistas. Las personalidades que destacaran con estilo propio serán muy pocas: François Rude y James Pradier, en el primer período; Albert-Ernest Carrier-Belleuse, Jean-Baptiste Carpeaux, Antoine-Louis Barye, y en especial David d'Angers, a mediados de siglo; más tarde Auguste Bartholdi y Jules Dalou, antes de la aparición en la década de 1880 de Auguste Rodin, que dominará la escultura europea; y le seguirán Camille Claudel y Antoine Bourdelle en el cambio de siglo.

Varios pintores también practicarían la escultura, como Honoré Daumier, Gustave Doré, Jean-Léon Gérôme, Edgar Degas y Paul Gauguin. Algunas esculturas de este siglo provocaron escándalo al ser expuestas, Satyre et bacchante, de Pradier en 1834, Tuerie [Asesinato] de Auguste Préault del mismo año, Femme piquée par un serpent [Mujer picada por una serpiente] de Auguste Clésinger en 1847, Gorille enlevant une négresse [Gorila secuestrando a un regrero], de Emmanuel Frémiet en 1859, La Danse de Carpeaux en 1869, la Petite Danseuse de quatorze ans [La pequeña bailarina de catorce años] de Degas en 1881, y el Monument à Balzac de Rodin en 1897.

Los museos parisinos (Louvre, Musée d'Orsay, Petit Palais o Musée Rodin) reflejan estas riquezas, que también abundan en los entonces nuevos desarrollos urbanos, especialmente en las plazas, jardines y puentes —y, por supuesto, cementerios— de París, sin menoscabo de algunas ciudades de provincias con un rico patrimonio.
 
Ugolin et ses fils de Jean-Baptiste Carpeaux
 
Hébé et l'Aigle de Jupiter de François Rude

Escultura francesa en el siglo XX

Escultura francesa en el siglo XXI

Notas

  1. Plinio el Antiguo, Histoire Naturelle, livre XXXIV, 18, 45.
  2. Error en la cita: Etiqueta <ref> no válida; no se ha definido el contenido de las referencias llamadas sculpture
  3. Georges Duby, Jean-Luc Daval, La sculpture…, page 266
  4. Georges Duby, Jean-Luc Daval, La sculpture…, page 276
  5. Georges Duby, Saint Bernard, op. cit., p. 10.
  6. Manote y Terés, 2007, p. 16
  7. Error en la cita: Etiqueta <ref> no válida; no se ha definido el contenido de las referencias llamadas Britannica1
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Referencias

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  • Sculpteurs français par siècle
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La escultura francesa consiste en la escultura incluida estatuaria tallas de artesania en madera orfebreria y alguna ceramica originaria de la zona geografica de Francia La Francia moderna fue el centro principal europeo del arte del Paleolitico Superior luego dejo muchos monumentos megaliticos y en la Edad del Hierro muchos de los hallazgos mas impresionantes del arte celta temprano El periodo galorromano dejo un estilo distintivo de escultura provincial y la region alrededor de la frontera franco alemana moderna llevo al Imperio a la produccion masiva de alfareria romana antigua finamente decorada que se exporto a gran escala a Italia y otros lugares Con el arte merovingio comenzo la historia de los estilos franceses como un elemento distintivo e influyente en el desarrollo mas amplio del arte de la Europa cristiana Virgen y Nino marfil frances de finales del siglo XIII de 25 cm de alto curvado para adaptarse a la forma del colmillo de marfil Se puede decir que Francia fue lider en el desarrollo del arte romanico y gotico antes de que el Renacimiento llevara a Italia a convertirse en la principal fuente de desarrollos estilisticos hasta que Francia igualara nuevamente la influencia italiana durante el Barroco tardio y el Neoclasicismo y luego recuperara el papel principal en las artes desde el siglo XIX hasta mediados del XX Indice 1 La escultura prehistorica 2 La escultura en la Galia antigua 2 1 Periodo prerromano 2 2 Escultura en la era galorromana 3 La escultura francesa en la Edad Media 3 1 Escultura paleocristiana en Francia 3 2 Escultura prerromanica en Francia 3 3 Escultura romanica en Francia 3 4 Escultura cisterciense en Francia 3 5 Escultura gotica en Francia 3 5 1 Gotico primitivo 3 5 2 Gotico clasico 3 5 3 Gotico frances 4 La escultura francesa en el siglo XVI 5 La escultura francesa en el siglo XVII 5 1 Escuela tradicional 5 2 El primer equipo de Versalles 5 3 El segundo equipo de Versalles 6 La escultura francesa en el siglo XVIII 7 La escultura francesa en el siglo XIX 8 Escultura francesa en el siglo XX 9 Escultura francesa en el siglo XXI 10 Notas 11 Referencias 12 Categoria relacionadaLa escultura prehistorica EditarArticulo principal Escultura prehistorica Dama de Brassempouy del Paleolitico superior Venus de Lespugue otra de las Venus paleoliticas Cabeza de caballo tallada encontrada en la cueva de Mas d Azil Museo Nacional de Arqueologia Reproduccion de bisontes hechos de arcilla Magdaleniense cueva de Tuc d Audoubert en AriegeLa escultura en la Galia antigua EditarPeriodo prerromano Editar El arte de la escultura fue poco desarrollado entre los galos no quedan mas que unas pocas estatuillas de terracota recogidas en museos o colecciones privadas Los monumentos del arte griego en la Galia en las factorias que habian establecido alli tambien son muy escasos Un raro ejemplo de escultura griega en la Galia es el de la Diana que esta hoy en la Villa Albani en Roma Escultura en la era galorromana Editar Dios galo con oreja cervida siglo I Una forma de escultura galica encontrada en abundancia es la de los ex votos como los bosques tallados de las fuentes del Sena o los de la fuente de las Rocas habiendose encontrado asi miles de exvotos tallados en madera Los exvoto de piedra generalmente se consideran mas tardios que las maderas talladas ya que las estatuaria de madera habria sido en general a pesar de las excepciones como en Montlay en Auxois abandonada en Galia desde finales del siglo I Con la llegada de los romanos y la integracion de la Galia en el Imperio una forma de escultura galo romana surgio en la Galia siguiendo en gran parte los codigos de la escultura romana madugada de simbolos galos Se crearon esculturas de piedra para los templos y sobre todo se desarrollo una gran produccion de estatuillas de bronce Sin embargo destacan algunas peculiaridades celtas Asi si bien algunas de las estatuillas galas siguen fielmente las representaciones romanas contemporaneas y las divinidades celtas a menudo amalgamadas con las deidades romanas fueron representadas de pie o sentadas en un trono a la imagen de los dioses romanos algunos dioses galeses como Cernunnos fueron representados con las piernas cruzadas Durante la dominacion romana un escultor llamado Zenodore reputado por sus pequenas figuras y jarrones de una minuciosidad delicada levanto en la ciudad de Arvernes un Mercurio colosal El emperador Neron lo hizo llamar a Roma para encargarle su propia estatua 1 Madera tallada de las fuentes del Sena Museo arqueologico de Dijon Sequana en su bote de pato siglo I sur son bateau canard Ier siecle Efebo libando bronce del siglo IIi III Musee Saint Raymond Ciervo estatua en aleacion cuprosa siglo I a C siglo I descubierta en Neuvy en Sullias en 1861 y expuesta en el museo historique et archeologique del Orleanais OrleansLa escultura francesa en la Edad Media Editar Adam hacia 1260 proveniente de la catedral de Notre Dame de Paris La escultura en la Edad Media ya sea en Francia o en el resto de Europa y el mundo cristiano estaba intimamente ligada al mundo religioso y mas especificamente a la arquitectura religiosa en la que frecuentemente encajaba Los nombres de la mayoria de los escultores de esa epoca especialmente de los periodos mas antiguos son ahora desconocidos habiendo sido una gran parte de las obras creadas de forma anonima Las decoraciones de las iglesias servian para destacar su importancia y la de las ciudades donde se construyeron pero tambien tenian una funcion pedagogica En un momento en que gran parte de la poblacion era analfabeta transcribian en sus paredes tanto a traves de las esculturas como de las vidrieras coloreadas la historia y la naturaleza del mundo asi como la de la misma iglesia tal como eran percibidas en ese momento Servian para la instruccion de las multitudes siendo verdaderos libros en piedra y vidrio Las escenas mas frecuentemente representadas ademas de las proporcionadas por la vida de Jesus eran la Pesada de las almas las virgenes prudentes y las virgenes insensatas los siete pecados capitales las Penas del infierno y el Juicio final Se representaban ademas la genealogia de la Virgen a traves de la serie de los reyes de Judea la vida de los Santos especialmente la del patron a de la iglesia en cuestion considerados como hechos historicos reconocidos Por eso era logico tambien la presencia de estatuas de reyes reinas personajes nobles obispos abades y otros benefactores de las iglesias que marcaban su poder temporal pero que tambien eran parte de la logica de la Edad Media en la continuidad historica de la Biblia Las estatuas y los bajorrelieves solian estar pintados Todavia hay algunos ejemplos notables de esta escultura policromada como los bajorrelieves de los coros en las catedrales de Paris y de Amiens o las estatuas de la iglesia de Avioth en el Mosa El periodo cubierto por la Edad Media es muy amplio ya que abarcaba un entero milenio Los historiadores del arte lo han estudiado tradicionalmente dividiendolo en nueve movimientos o periodos principales de los que cinco conciernen a Francia y por lo tanto a la escultura francesa Son los siguientes escultura paleocristiana escultura prerromanica escultura romanica escultura cisterciense escultura goticaEscultura paleocristiana en Francia Editar Capitel de la cripta merovingia de Notre Dame de Jouarre Milagros de Cristo Sarcofago aux arbres ca 375 Musee de l Arles et de la Provence antiques Arles El arte paleocristiano abarca el periodo desde el ano 200 aC antes del cual no sobrevive ninguna obra cristiana hasta finales del siglo VII y principios del siglo VIII cuando las conquistas arabes y la iconoclasia bizantina interrumpieron la produccion de arte en el Este Durante este periodo los artistas cristianos adoptaron los saberes romanos de la pintura mosaico escultura y trabajos del metal En Francia el arte paleocristiano a menudo se confunde con el arte merovingio La escultura en el periodo merovingio retrocedio hasta el punto de no ser mas que una mera tecnica de ornamentacion de sarcofagos altares o del mobiliario eclesiastico El abandono gradual de la incineracion en favor de la inhumacion que en el transcurso del siglo III predominaba en todo el Imperio que seguia siendo la prerrogativa de las familias ricas debido a su costo entrano un desarrollo particularmente importante de la escultura funeraria especialmente de la realizacion de muchos sarcofagos Los tres tipos mas comunes de sarcofagos paganos tambien se usaron para hacer los sarcofagos cristianos 1 de friso 2 columnares 3 de strigils El clipeus que lleva el retrato del difunto o un epigrafe aparece muy rapidamente en los sarcofagos cristianos Pero estos tipos evolucionaran con el tiempo El strigilous perdio rapidamente su forma oval pero permanecio esencialmente fiel a la disposicion original de la decoracion El tipo de friso se organizara en registros horizontales con un clipeus en el centro En el curso del siglo IV el tipo columnar se volvio mas complejo en su ornamentacion arquitectonica y algunas veces fue reemplazado por elementos vegetales Escultura prerromanica en Francia Editar Criptas de Jouarre Estatua ecuestre de Carlomagno Louvre Cubierta de marfil de los Evangelios de Lorsch En la Galia merovingia las decoraciones talladas aparecen en las tumbas mas ricas donde algunos prefieren el enterramiento en sarcofagos a menudo trapezoidales adornados con cruces y motivos geometricos hasta el siglo VII y cubiertos con follajes vegetales hasta el final del periodo merovingio En el Hipogeo de las Dunas en un relieve muy plano hay una decoracion de follajes peces una trenza que termina en una cabeza de serpiente figuras aladas los simbolos de los Evangelistas y dos personajes fijados a dos cruces El estilo de estas esculturas es similar a las obras visigodas del siglo VII o al de los monumentos del norte de Italia Este conjunto muestra el grado de mezcla cultural de las elites merovingias entre una cultura clasica alimentada por elementos mediterraneos y el arte del entrelazado definiendo las novedades plasticas de la Alta Edad Media occidental La fundacion en el norte de la Galia de numerosos monasterios en el siglo VII dio lugar a multiples experiencias arquitectonicas La cripta Saint Paul de Jouarre fue fundada por Agilbert obispo de Paris alrededor del ano 673 Su sarcofago esta decorado con Cristo con los simbolos de los Evangelistas y una gran escena con personajes en alto relieve aclamando a Cristo 2 El arte prerromanico se desarrollo durante el periodo que abarca desde la coronacion de Carlomagno en 800 hasta el comienzo del periodo romanico en el siglo XI Durante este periodo las influencias del arte romano clasico se absorbieron activamente y el arte carolingio se convirtio en la cepa de la que emergeran mas adelante el arte romanico y el gotico De la escultura carolingia solo han sobrevivido algunos raros relieves arquitectonicos obras de orfebreria y placas de marfil ya que la mayoria de los edificios antiguos fueron reemplazados en los periodos romanico y gotico En particular los escultores carolingios crearon portadas de libros de marfil con temas inspirados en gran parte por pinturas de la Antiguedad tardia Su numero particularmente alto compensa la ausencia casi total de escultura carolingia Carlomagno dio vida al arte del bronce en Francia cuando creo las fundiciones en Aquisgran donde se hicieron las puertas de la capilla del palacio a imitacion de un modelo romano Una de las obras maestras de esta epoca es la famosa estatua ecuestre en bronce dorado con incrustaciones de hilos de oro de Carlomagno o de su nieto Carlos el Calvo haciendo referencia a antiguos retratos ecuestres El molde de esta estatua el unico bronce sobreviviente del siglo VIII se hizo en 3 partes el caballo la cabeza y el cuerpo que fueron ensambladas despues La escultura de piedra siguio siendo una imitacion habil de las obras antiguas siendo los grandes centros de escultura Lorsch y Aix la Chapelle Una obra maestra de piedra todavia existente es el cierre del coro de Saint Pierre aux Nonnains en Metz Escultura romanica en Francia Editar Articulo principal Escultura funeraria en el Edad media en Occidente en frances Timpano tallado de la iglesia abacial de Sainte Foy Saint Michel terrassant le dragon Borgona siglo XII museo del Louvre El arte romanico cubre el periodo de Europa occidental que va desde el siglo XI hasta finales del siglo XII principalmente en Francia Italia y Espana y que luego se extendio con la expansion de los grandes movimientos monarquicos en el norte de Europa Inglaterra e Irlanda Este periodo fue un momento de fusion de los estilos que lo precedieron especialmente carolingio y cuyas influencias orientales especialmente sasanidas fueron fusionadas y apropiadas en los motivos cristianizados La escultura primero decoro los capiteles en criptas claustros e iglesias antes de tener su lugar en las fachadas de las iglesias a finales del siglo XI a la manera de los antiguos arcos de triunfo 3 convirtiendose entonces en monumental Tenia una virtud pedagogica la de ensenar las vidas de los apostoles y de los santos e ilustrar pasajes del Antiguo Testamento Esta inspirada en los bajorrelieves y capiteles romanos pero especialmente en las imagenes colocadas en los manuscritos iluminados y en los objetos de orfebreria Entre los escultores franceses o que trabajaron en Francia cuyos nombres se conocen en este periodo se encuentran el Maestro de Cabestany Bernard Gilduin Gislebert Unbertus Gofridus Raymond de Bianya y Gilabertus de Toulouse La escultura sobre capitel se extiende a partir del ano mil aunque sus comienzos fueron timidos en las iglesias italianas de la primera mitad del siglo XI se retoma el modelo corintio mas o menos estilizado marquesina con palmetas Otros lugares Borgona Cataluna experimentan los capiteles con entrelazado y hojas de acanto Pero pronto aparecen animales y figuras antropomorficas incluso si siguen siendo poco frecuentes antes de 1050 abadia de Saint Benoit sur Loire La basilica Saint Sernin de Toulouse segunda mitad del siglo XI conserva 260 capiteles romanicos 4 Son muchos los edificios que tienen conjuntos esculpidos destacando la fachada de la iglesia Notre Dame la Grande de Poitiers considerada como una obra maestra del arte romanico el dintel de la abadia de Sant Genis de Fontanes Pirineos Orientales la escultura romanica mas antigua datada abadia de Saint Benoit sur Loire Loiret la torre porche abadia Saint Pierre de Moissac Tarn et Garonne portal sur hacia 1120 catedral de San Lazaro de Autun Saone et Loire portal occidental hacia 1135 Catedral de Santa Maria de Oloron Pyrenees Atlantiques portal occidental hacia 1130 abadia de Mozac Puy de Dome con sus 4 5 capitles romanicos de la nave y el capitel del antiguo coro romanico representando la Resurreccion hacia 1130 abadia de Charlieu Loire portal norte hacia 1170 catedral de San Pedro de Angulema Charente fachada entre 1115 y 1130 abadia de Beaulieu sur Dordogne Correze timpano Dintel de la abadia de Sant Genis de Fontanes Conjunto de capiteles del claustro de la abadia de Moissac Capitel de la Resurreccion de la abadia de MozacEscultura cisterciense en Francia Editar Vierge a l enfant del claustro de la abadia de Senanque Vaucluse El arte cisterciense se desarrollo en respuesta a los excesos del arte romanico desarrollado por Cluny y se caracterizo por un esteticismo refinado al extremo En 1134 el Capitulo general bajo la influencia de Bernardo de Clairvaux prescribio ademas de una serie de medidas relativas al arte sacro que los lugares sagrados no debian recibir ninguna decoracion tallada o decorada El exito financiero de la orden sin embargo llevo a una proliferacion de sitios de construccion y los edificios conventouales comenzaron a recibir mas y mas adornos especialmente despues de la muerte de Clairvaux en 1153 Por lo tanto en la decada de 1170 los conventos principales recibieron adornosSin embargo la escultura en el arte cisterciense siguio siendo rara y se limitaba esencialmente a ornamentaciones estilizadas y depuradas o algunas estatuas raras muy simples Ademas aunque las iglesias y las estatuas estuvieron pintadas generalmente en la Edad Media este no fue el caso en el arte cisterciense ya que el color estaba reservado a las iluminaciones 5 Escultura gotica en Francia Editar Portal de la iglesia de la Chartreuse con los grupos de Claus Sluter a los lados y la Vierge a l enfant de Jean de Marville en el le trumeau La escultura gotica es el estilo escultorico que corresponde al periodo gotico del arte occidental y por tanto se extiende desde finales del siglo XII hasta comienzos del siglo XV por la Europa Occidental cristiana Este estilo que permanecio durante tres siglos aproximadamente en apogeo nacio en dos lugares de gran prestigio religioso politico y cultural la Basilica de Saint Denis y la catedral de Chartres pertenecientes a la Isla de Francia 6 Fue un tipo de escultura que evoluciono a partir de la romanica y que mas adelante se disolvio en lo que seria la escultura del renacimiento y el manierismo La aparicion del arte gotico fue vista como una innovacion y fue nombrado opus modernum obra moderna siendo la escultura una de sus expresiones mas importantes La escultura gotica nacio estrechamente vinculada a la arquitectura como se observa en la decoracion de las grandes catedrales y otros edificios religiosos pero con el tiempo fue ganando independencia En una primera etapa se cultivo un estilo austero estilizado de proporciones alargadas y con una apariencia general hieratica que queria transmitir espiritualidad alejandose de la anatomia real de los cuerpos Pero pronto evoluciono hacia un mayor naturalismo hacia el realismo a partir de la asimilacion de influencias clasicas y de una observacion mas atenta de la naturaleza A pesar de tratarse de forma independiente la escultura gotica incluso en sus etapas finales continuo estando integrada a la decoracion arquitectonica 7 8 La historia de la escultura gotica aun tiene puntos oscuros ya que en algunos momentos hubo una destruccion masiva de monumentos y obras de arte medievales como por ejemplo durante el movimiento iconoclasta que acompano la Reforma protestante y en la Revolucion Francesa Por ello la determinacion de la cronologia la genealogia y la distribucion y propagacion geografica del estilo tiene vacios dificiles de obviar Hay que anadir que cuando el gotico fue bien valorado a partir de la segunda mitad del siglo XIX por desconocimiento se hicieron restauraciones inadecuadas en muchos monumentos 9 Entre los escultores franceses o que obraron en Francia importantes de este periodo se encuentran el Maestro de Naumburg Pierre Rossignon Guy de Dammartin Jacques de Baerze Evrard d Orleans Jean de Marville Claus Sluter Antoine Le Moiturier el Maestro de Rieux Andre Beauneveu Jacques Bachot o Jacques Juliot Gotico primitivo Editar Esta seccion es un extracto de Escultura gotica editar Timpano de la basilica de Saint Denis circa 1137 1144 ejemplo de gotico primitivo La prueba del exito de la escultura es la gran proliferacion de representaciones sagradas que se produjeron durante la fase final del romanico Entre los siglos XI y XII se establecieron un conjunto de motivos tematicos y unas formas que eran las mas adecuadas para transmitir la doctrina religiosa Ya en el siglo XII la aparicion de la principal iconografia romanica la de la decoracion de los timpanos coincidio con la llegada de los primeros ejemplos del gotico junto con la introduccion del arco apuntado y el arbotante en la parte arquitectonica 10 11 De hecho los programas iconograficos romanicos ejercieron una gran influencia sobre los goticos que se convirtieron en una evolucion natural de aquellos Por tanto la distincion estilistica entre la escultura romanica y gotica mas primitiva a menudo es muy sutil En cuanto a las primeras esculturas goticas las innovaciones mas evidentes se aplicaron en las arquivoltas y las columnas laterales de las portadas En ellas se observa una tendencia creciente a establecer una organizacion menos compacta de las escenas mas abierta y racional y un alargamiento de las proporciones de las figuras siguiendo la tendencia a mas verticalismo de los edificios Desaparece las composiciones opresivas de los condenados de los timpanos y las estatuas se alargan siguiendo el ritmo arquitectonico del arco siendo el timpano de la basilica de Saint Denis 10 12 uno de los primeros que presenta esta disposicion Gotico clasico Editar Esta seccion es un extracto de Escultura gotica editar Hacia el 1200 el estilo original se transformo impulsado por el creciente interes por el naturalismo es la segunda etapa de la evolucion del gotico llamada gotico clasico pleno o protogotico 13 14 En esta transicion tuvieron un papel importante los artistas del valle del Mosa y de forma especial Nicolas de Verdun y Renier de Huy los primeros grandes maestros de la historia de la escultura gotica que destacaron por sus trabajos de orfebreria y bronce 15 En las catedrales de Reims Amiens y Notre Dame de Paris el estilo gotico quedo fuera de la influencia romanica y sus estatuas presentan un naturalismo bastante avanzado las esculturas son independientes de las columnas En este periodo de la Edad Media aparecio por primera vez el uso del contrapposto este recurso tecnico pretendia dar mas gracia y movimiento a las imagenes que eran presentadas en actitudes mas dinamicas y se realizaba un tratamiento de los volumenes anatomicos que en muchos casos ya no quedaban ocultos por la ropa El contrapposto gotico visto desde el exterior diferia del clasico por una apariencia mas pronunciada que no era el resultado del tratamiento anatomico era mas ornamental 16 Al mismo tiempo que en las escuelas de filosofia se ensenaba el humanismo se volvian a definir los principios fundamentales de la fe este contexto cultural hizo posible la absorcion de elementos artisticos de la antiguedad clasica suavizando la estricta etica que guio el pensamiento moral a lo largo de los siglos anteriores Estos cambios dirigian el entorno cultural hacia un laicismo mayor que favorecia un desplazamiento del interes desde una dimension sobrenatural hacia una mas humana 17 Tambien se recupero el valor de la belleza pura de las formas que se habia perdido desde la antiguedad teniendo en cuenta como decia Santo Tomas de Aquino que la belleza estaba intimamente asociada con la virtud y la plena expresion de su naturaleza esencial 18 Gotico frances Editar Esta seccion es un extracto de Escultura gotica editar El gotico de los dos primeros periodos fue una iniciativa principalmente del arte producido en Francia incluso cuando ya tuvo mas presencia en otros lugares Como se perdieron las primeras esculturas realizadas en la basilica de Saint Denis las estatuas columnas de la catedral de Chartres son las muestran de los primeros rasgos caracteristicos del naturalismo gotico En la catedral de Reims las esculturas poseen una estilistica mas cercana a la de la figura humana con las vestiduras que se adaptan al cuerpo con actitudes y expresiones que reflejan emociones y sentimientos 19 A partir de mediados del siglo XIV de acuerdo con la tendencia general europea se redujo la produccion de esculturas monumentales y se realizaron mas las de pequena dimension Se enriquecio la tematica presente en las estatuas de devocion con la creacion de virgenes con ninos y crucificados ejemplos que muestran lineas de una gran delicadeza y gracia de caracter ornamental Las tumbas seguian siendo como las del siglo XIII pero con las imagenes que reflejaban mejor los retratos de los difuntos destacando la del rey Carlos V de Francia y sus dos inmediatos sucesores obras realizadas por Andre Beauneveu Carlos V fue un gran mecenas de su tiempo haciendo de Paris un importante centro escultorico que favorecio la llegada de artistas flamencos como Jean de Lieja El hermano del rey Juan I de Berry duque de Berry tambien fue un buen mecenas y en la corte que instalo como alternativa a la de Poitiers y Bourges conto con los servicios de los escultores Jean de Cambrai y el ya mencionado Beauneveu entre otros artistas 20 Bajo la proteccion del ducado de Borgona especialmente de Felipe II de Borgona el escultor Claus Sluter sustituyo al tambien flamenco Jean de Marville e inicio la decoracion de la cartuja de Champmol en Dijon Una de sus obras mas famosas es el llamado Pozo de Moises que hay en el claustro de la cartuja Tras la muerte del duque el prestigio de esta escuela comenzo a declinar aun asi a finales del siglo XV hay que citar a Antoine Le Moiturier considerado tradicionalmente como el autor de la famosa tumba de Philippe Pot Al mismo tiempo los franco flamencos fueron responsables de un resurgimiento de la decoracion arquitectonica una tendencia que se prolongo hasta el siglo XVI y dejo buenos ejemplos en la catedral de Rouen y en la catedral de Amiens que incluyen piezas de la fachada y los relieves del interior Tambien en el siglo XV en el Valle del Loira surgio un movimiento conocido como Detente que rescataba el antiguo idealismo del siglo XIII e incorporaba algunos elementos del renacimiento italiano que ya empezaba a ser conocido en Francia Sus temas fueron populares y por tanto tuvo un gran exito entre las clases mas bajas pero tambien se continuaron haciendo imagenes sacras y de forma especial virgenes y los grupos del Santo Entierro A finales del siglo XV el movimiento influyo ya en toda la produccion escultorica de Francia cabe destacar a Michel Colombe artista especialmente recordado por su magnifica obra la tumba de Francisco II de Bretana y Margarita de Foix que existe en la catedral de Nantes 1502 1507 21 20 La escultura francesa en el siglo XVI Editar Cristo de la Resurreccion ca 1572 Louvre obra de Germain Pilon Detalle de una de las cariatides de la sala eponima del palais du Louvre de Jean Goujon 1551 El Renacimiento marco un regreso de la escultura a las formas y temas de la Antiguedad especialmente a la griega El renacimiento escultorico es mas precoz que en las otras artes ya que de hecho algunos renacentistas incluso tenian esculturas antiguas mientras que las pinturas habian desaparecido casi totalmente Esta fue la razon por la cual los comienzos del renacimiento en materia de escultura pueden fecharse especialmente en Italia aunque en menor medida en el resto de Europa incluida Francia en el siglo XIII Muchos artistas se mudaron a Europa a veces jovenes y sin regresar a su pais de origen el italiano Domenico del Barbieri tambien conocido como Dominique Florentin que trabajo principalmente en Francia donde se caso y fue enterrado Por lo tanto es imposible concebir escuelas nacionales ya que los intercambios fueron intensos Un ejemplo es el de Pierre de Francqueville un escultor frances que trabajo en Italia donde se inicio en el manierismo que introdujo en Francia a su regreso Por otro lado era muy comun que un artista fuera versatil al mismo tiempo pintor arquitecto grabador y escultor este fue el caso entre otros de Pierre Biard l Aine escultor y arquitecto Los primeros grandes escultores del Renacimiento cronologicamente hablando son italianos En Francia en el siglo XVI un poco mas tarde nacera una segunda generacion de grandes escultores muy influenciados por el arte italiano Esta seccion es un extracto de Escultura del Renacimiento Escultura francesa editar Memorial de Rene de Chalon en Bar le Duc obra de Ligier Richier El interes politico de los reyes de Francia por asentar sus dominios en tierras italianas tuvo consecuencias culturales ya que fueron varios los artistas italianos que a partir de la segunda mitad del siglo XV se establecieron en la corte francesa siendo Francisco I el principal mecenas de estos artistas entre los que se encontraba Leonardo da Vinci Hacia 1460 se establecio en Provenza el escultor Francesco Laurana al que se considera el introductor del Renacimiento en Francia que trabajo sobre todo en la parte sur del pais Una de sus esculturas mas conocidas es el sepulcro de Carlos IV de Anjou en la catedral de Le Mans 22 Uno de los temas mas tratados en la escultura francesa de esta epoca es el del Santo Entierro y los monumentos sepulcrales donde la figura del yacente es tratada con gran realismo Se representa el difunto como cadaver o incluso en esqueleto en el momento de la transicion como es el caso del de Juana de Borbon en el Louvre De este tipo son dos obras realizadas por Ligier Richier con policromia en blanco negro y gris el Memorial de Rene de Chalon en Bar le Duc en el que el esqueleto parcialmente descarnado tiende un corazon hacia el cielo y el demacrado cuerpo yacente de Felipa de Gueldres en la Iglesiades Cordeliers de Nancy Esta alegoria de la resurreccion de los muertos llega mediante el camino de la terribilita italiana y del desvelamiento del interior del cuerpo aunque no presente una anatomia perfecta a los ojos de la ciencia 23 Con la influencia del hacer italiano se destaca Michel Colombe escultor de la Reina Ana de Bretana a principios del siglo XVI y que realizo por encargo suyo el sepulcro de sus padres el duque Francisco II y Margarita de Foix en la catedral de Nantes En las figuras yacentes del sepulcro todaviase aprecian rasgos goticos no asi en los elementos decorativos y en cuatro figuras de las Virtudes de tamano natural colocadas en los angulos del monumento funerario Las Cuatro Estaciones de Jean Goujon c 1547 Musee Carnavalet Paris Su sobrino Guillaume Regnault tambien escultor le sucedio en el cargo como escultor de la Reina Su obra maestra son las estatuas yacentes del consejero real Louis Porcher y su esposa hoy en el Museo del Louvre 24 Tambien a principios del siglo XVI Jean Goujon llamado el Fidias frances inicio sus trabajos en Ruan y en 1544 acudio a Paris para ser nombrado escultor real en 1547 donde realizo numerosos encargos como las alegorias de Las Cuatro Estaciones las Ninfas unas Cariatides para la tribuna de los Musicos y realizo los signos del Zodiaco para el antiguo ayuntamiento de Paris Por estos mismos anos Germain Pilon realizo numerosos monumentos funerarios con gran influencia de Miguel Angel entre los que descuella el Cristo Resucitado con figuras de los guardianes un grupo para la capilla de Enrique II conservado en el Museo del Louvre cuyas figuras estan inspiradas en composiciones pictoricas como el Jose de Arimatea de Rosso Fiorentino El Cristo muerto se asemeja a los grabados de Parmigianino pues las figuras buscan las diagonales y los escorzos son espectaculares con los pliegues de los vestidos apretados y muy delgados recordando los relieves de la antiguedad clasica Fiel seguidor suyo fue su discipulo Bartolome Prieur quien trabajo al servicio de Enrique IV de Francia Pierre Puget llamado el Bernini frances fue ya un escultor tardio del Renacimiento sobresalio su obra Milon de Crotona 25 Otros maestros franceses dignos de mencion son Jacques Dubrœuq Ponce Jacquiot Pierre Bontemps o a finales de siglo Guillaume Dupre La escultura francesa en el siglo XVII Editar Persee et Andromede de Pierre Puget Encargo de de Luis XIV para los jardines de Versalles 1684 La escultura francesa en el siglo XVII desarrollada por primera vez en continuidad con la del siglo anterior y en el seno de chateaux y mansiones privadas asi como en la estatuaria funeraria bajo e el reinado de Luis XIII y la regencia de Ana de Austria luego se desarrollo especialmente en Versalles por iniciativa del joven Luis XIV que deseaba ver su nuevo palacio adornado con las obras mas bellas Escuela tradicional Editar La escuela tradicional esta unida a Goujon y Pilon del siglo pasado y sufrio influencias italianas y flamencas especialmente con Simon Guillain Tambien son destacables Jean Varin medallista brillante o en la estatuaria funeraria la moda del orante arrodillado forma que ya existia en el XVI retomada en particular por Thomas Boudin y Michel Bourdin El primer equipo de Versalles Editar El primer equipo de Versalles que trabaja en un tipo decorativo italiano estaba animado por Jacques Sarrazin y sus alumnos entre ellos Gilles Guerin Louis Lerambert o Philippe de Buyster los mejores representantes de esta corriente son los hermanos Francois y Michel Anguier El segundo equipo de Versalles Editar El segundo equipo de Versalles cuyo papel era decorar Versalles y los palacios reales desde 1661 incluia a escultores como Francois Girardon Antoine Coysevox Nicolas Coustou los hermanos Balthazar y Gaspard Marsy y especialmente Pierre Puget celebrado muy temprano como el Miguel Angel de Francia genio barroco del que fue uno de los introductores en Francia y uno de los principales representantes del espiritu clasico frances del Gran Siglo en la escultura La escultura francesa en el siglo XVIII EditarArticulo principal Escultura francesa del siglo XVIII en frances Blaise Pascal de Augustin Pajou 1785 museo del Louvre Ecorche bras droit tendu devant de Jean Antoine Houdon 1766 1767 La escultura francesa del siglo XVIII estuvo marcada por una renovacion del estilo y una nueva creatividad que coloco al arte de la escultura como un mascaron de proa en la constitucion del arte rocaille Se aleja cada vez mas de lo antiguo y de los principios academicos careciendo a veces de grandeza y se vuelven a menudo hacia la maniere pero dotada de mucha gracia en los pequenos temas de genero Uno de los escultores mas importantes de este periodo fue Jean Antoine Houdon apasionado de la anatomia y famoso por la representacion realista de sus obras Otros escultores importantes de este periodo fueron Lambert Sigisbert Adam que trabajo en la fuente de Neptuno en el parque de Versalles Guillaume Coustou hermano de Nicolas Coustou y padre de Guillaume Coustou hijo ambos tambien escultores de renombre Etienne Maurice Falconet autor del Monumento a Pedro el Grande llamado Le Cavalier de bronze en San Petersburgo Jean Baptiste Pigalle que dio su nombre al distrito de Pigalle en Paris Jean Baptiste Bouchardon y sus hijos Jacques Philippe y Edme Bouchardon autor de la fuente de la rue de Grenelle Jean Jacques Caffieri quien ejecuto una gran cantidad de bustos y estatuillas Augustin Pajou cuya Psique esta en el Museo del Louvre Jean Guillaume Moitte autor de numerosas esculturas y bajorrelieves para los monumentos de la capital Jean Baptiste Lemoyne retratista designado del rey Luis XV y su estatuaria monumental hermanos Paul Ambroise y Michel Ange Slodtz Pierre Julien del que una gran parte de obras se conservan en el Museo del Louvre en Paris y en el Museo Crozatier en Puy en Velay Monnot Legros etc La escultura francesa en el siglo XIX EditarEsta seccion es un extracto de Escultura francesa del siglo XIX editar Auguste Rodin Le Penseur 1882 una de las obras emblematicas de la escultura francesa del siglo XIX La escultura francesa del siglo XIX representa la produccion escultorica y estatuaria en Francia entre 1801 y 1901 Se caracteriza por la diversidad de corrientes y de estilos que van desde el neoclasicismo a principios de siglo hasta el Art Nouveau y el arte moderno de fin de siglo La escultura francesa del siglo XIX esta marcada por una produccion muy importante inducida por los encargos oficiales relacionados con las transformaciones urbanas y con la secularizacion de la vida publica las ciudades y los gobiernos particularmente con Napoleon III y la Tercera Republica compitieron en esta area El ascenso de una burguesia adinerada tambien participa de la moda de la estatuaria con los monumentos funerarios privados y el gusto por las pequenas piezas de bronce del que muchos escultores de animales haran una especialidad Los multiples encargos publicos mas el peso de la Academia y de la Escuela de Bellas Artes reforzaron mas el academicismo dominante y el neoclasicismo que la expresion personal de los artistas Las personalidades que destacaran con estilo propio seran muy pocas Francois Rude y James Pradier en el primer periodo Albert Ernest Carrier Belleuse Jean Baptiste Carpeaux Antoine Louis Barye y en especial David d Angers a mediados de siglo mas tarde Auguste Bartholdi y Jules Dalou antes de la aparicion en la decada de 1880 de Auguste Rodin que dominara la escultura europea y le seguiran Camille Claudel y Antoine Bourdelle en el cambio de siglo Varios pintores tambien practicarian la escultura como Honore Daumier Gustave Dore Jean Leon Gerome Edgar Degas y Paul Gauguin Algunas esculturas de este siglo provocaron escandalo al ser expuestas Satyre et bacchante de Pradier en 1834 Tuerie Asesinato de Auguste Preault del mismo ano Femme piquee par un serpent Mujer picada por una serpiente de Auguste Clesinger en 1847 Gorille enlevant une negresse Gorila secuestrando a un regrero de Emmanuel Fremiet en 1859 La Danse de Carpeaux en 1869 la Petite Danseuse de quatorze ans La pequena bailarina de catorce anos de Degas en 1881 y el Monument a Balzac de Rodin en 1897 Los museos parisinos Louvre Musee d Orsay Petit Palais o Musee Rodin reflejan estas riquezas que tambien abundan en los entonces nuevos desarrollos urbanos especialmente en las plazas jardines y puentes y por supuesto cementerios de Paris sin menoscabo de algunas ciudades de provincias con un rico patrimonio Ugolin et ses fils de Jean Baptiste Carpeaux Hebe et l Aigle de Jupiter de Francois RudeEscultura francesa en el siglo XX EditarEscultura francesa en el siglo XXI EditarNotas Editar Plinio el Antiguo Histoire Naturelle livre XXXIV 18 45 Error en la cita Etiqueta lt ref gt no valida no se ha definido el contenido de las referencias llamadas sculpture Georges Duby Jean Luc Daval La sculpture page 266 Georges Duby Jean Luc Daval La sculpture page 276 Georges Duby Saint Bernard op cit p 10 Manote y Teres 2007 p 16 Error en la cita Etiqueta lt ref gt no valida no se ha definido el contenido de las referencias llamadas Britannica1 Jaeger C Stephen 1994 The Envy of Angels 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